Compositor - Composer

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Compositor clásico Mozart

Un compositor (en latín compōnō ; literalmente "uno que junta") es una persona que escribe música , especialmente música clásica en cualquier forma, incluida la música vocal (para un cantante o coro ), música instrumental , música electrónica y música que combina múltiples formas. Un compositor puede crear música en cualquier género musical , incluyendo, por ejemplo, música clásica , teatro musical , blues , música folclórica , jazz y música popular . Los compositores a menudo expresan sus obras en una partitura musical escrita utilizando notación musical .

Muchos compositores son, o fueron, también hábiles intérpretes de música.

Compositores e intérpretes

La notación musical sirve como un conjunto de direcciones para un intérprete, pero existe un continuo de posibilidades con respecto a cuánto determina el intérprete la forma final de la obra interpretada en la interpretación.

Incluso en una pieza de música instrumental occidental convencional, en la que todas las melodías , acordes y líneas de bajo están escritas en notación musical, el intérprete tiene un grado de libertad para añadir interpretación artística a la obra, por medios como variando su interpretación. o su articulación y fraseo , eligiendo cuánto tiempo hacer fermatas (notas sostenidas) o pausas y, en el caso de instrumentos de cuerda frotada, instrumentos de viento de madera o de metal, decidir si usar efectos expresivos como vibrato o portamento . Para un cantante o intérprete instrumental, el proceso de decidir cómo interpretar la música que ha sido previamente compuesta y anotada se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos que se eligen y el estilo de ejecución o canto o fraseo de las melodías. Los compositores y compositores que presentan su propia música están interpretando, tanto como los que interpretan la música de otros. El conjunto estándar de opciones y técnicas presentes en un momento y lugar determinados se denomina práctica de interpretación , mientras que la interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales de un intérprete.

Aunque una composición musical a menudo tiene un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener varios compositores, lo que a menudo ocurre en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical , donde las canciones pueden ser escritas por una sola persona, la orquestación de las partes de acompañamiento y la escritura de la obertura. lo hace un orquestador y las palabras pueden ser escritas por una tercera persona.

Una pieza musical también se puede componer con palabras, imágenes o, en los siglos XX y XXI, programas de computadora que explican o anotan cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Ejemplos de esto van desde campanillas de viento tintineando en una brisa, a la música de vanguardia del siglo XX que usa notación gráfica , a composiciones de texto como Aus den sieben Tagen , a programas de computadora que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se llama música aleatoria y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage , Morton Feldman y Witold Lutosławski .

La naturaleza y los medios de variación individual de la música son variados, dependiendo de la cultura musical en el país y el período de tiempo en que se escribió. Por ejemplo, la música compuesta en la era barroca , particularmente en tempos lentos, a menudo se escribía con un esquema simple, con la expectativa de que el intérprete agregara adornos improvisados a la línea melódica durante una actuación. Dicha libertad generalmente disminuyó en épocas posteriores, lo que se correlacionó con el mayor uso por parte de los compositores de partituras más detalladas en forma de dinámica, articulación, etc. los compositores se vuelven cada vez más explícitos en la forma en que desean que se interprete su música, aunque la forma estricta y minuciosa que se dictan varía de un compositor a otro. Debido a esta tendencia de los compositores cada vez más específicos y detallados en sus instrucciones al intérprete, finalmente se desarrolló una cultura en la que la fidelidad a la intención escrita del compositor llegó a ser muy valorada (ver, por ejemplo, la edición Urtext ). Es casi seguro que esta cultura musical está relacionada con la alta estima (que bordea la veneración) en la que los intérpretes suelen tener a los principales compositores clásicos.

El movimiento de interpretación históricamente informado ha revivido hasta cierto punto la posibilidad de que el intérprete elabore de manera seria la música tal como figura en la partitura, particularmente para la música barroca y la música del período clásico temprano . El movimiento podría considerarse una forma de crear una mayor fidelidad al original en obras compuestas en un momento en el que se esperaba que los intérpretes improvisaran. En géneros distintos a la música clásica, el intérprete generalmente tiene más libertad; así, por ejemplo, cuando un intérprete de música popular occidental crea una "versión" de una canción anterior, hay pocas expectativas de una interpretación exacta del original; ni la fidelidad exacta es necesariamente muy valorada (con la posible excepción de las transcripciones "nota por nota" de famosos solos de guitarra ).

En la música de arte occidental, el compositor suele orquestar sus propias composiciones, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que realice la orquestación. En algunos casos, es posible que un compositor de canciones pop no use la notación en absoluto y, en su lugar, componga la canción en su mente y luego la reproduzca o grabe de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones notables de artistas influyentes reciben el peso que las partituras escritas tienen en la música clásica. El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia para la creación de canciones y piezas instrumentales de música popular y tradicional y para incluir obras improvisadas espontáneamente como las de los intérpretes de jazz libre. y percusionistas africanos como los bateristas Ewe .

Historia

El nivel de distinción entre compositores y otros músicos varía, lo que afecta cuestiones como los derechos de autor y la deferencia dada a las interpretaciones individuales de una pieza musical en particular. En el desarrollo de la música clásica europea , la función de componer música inicialmente no tuvo mucha mayor importancia que la de interpretarla. La preservación de las composiciones individuales no recibió una gran atención y los músicos, en general, no tenían reparos en modificar las composiciones para su interpretación. En la medida en que el papel del compositor en la música artística occidental se ha solidificado continuamente, en modismos alternativos (es decir , jazz , música experimental ) de alguna manera se ha vuelto cada vez más complejo o vago. Por ejemplo, en ciertos contextos, la línea divisoria entre compositor e intérprete , diseñador de sonido , arreglista , productor y otros roles, puede ser bastante borrosa.

Estela de mármol de la antigua Grecia , el llamado epitafio de Seikilos , con poesía y notación musical grabada en la piedra

El término "compositor" se utiliza a menudo para referirse a compositores de música instrumental , como los que se encuentran en la música clásica, jazz u otras formas de arte y música tradicional . En la música popular y folclórica , al compositor se le suele llamar compositor , ya que la música generalmente toma la forma de una canción . Desde mediados del siglo XX, el término se ha expandido para dar cabida a los creadores de música electroacústica , en la que los compositores crean directamente material sónico en cualquiera de los diversos medios electrónicos , como cintas de carrete a carrete y unidades de efectos electrónicos , que pueden presentarse. a una audiencia reproduciendo una cinta u otra grabación de sonido, o haciendo que instrumentistas y cantantes en vivo actúen con material pregrabado. Esto es distinto de una concepción de la composición instrumental del siglo XIX, donde la obra estaba representada únicamente por una partitura musical para ser interpretada por los artistas intérpretes o ejecutantes .

Antigua Grecia

La música era una parte importante de la vida social y cultural de la Antigua Grecia . Sabemos que los compositores escribieron música anotada durante la era griega antigua porque los eruditos han encontrado el epitafio de Seikilos . El epitafio, escrito en algún momento entre el 200 a. C. y el 100 d. C., es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, en el mundo. La canción, cuya melodía está registrada, junto con su letra, en la notación musical griega antigua , se encontró grabada en una lápida, una estela , cerca de Aydin , Turquía (no lejos de Éfeso ). Es una canción jónica helenística en la especie de octava frigia o en tonos de Iastian .

Edad media

Léonin o Pérotin
Breves dies hominis
Notación musical de un misal católico , c. 1310-1320

Durante la era de la música medieval (476 a 1400), los compositores escribieron cánticos monofónicos (línea melódica única) en los servicios de la Iglesia Católica Romana . La música occidental comenzó a convertirse en una forma de arte con los avances en la notación musical. El repertorio medieval europea única que sobrevive desde antes de alrededor de 800 es el monofónico litúrgico canto llano de la Iglesia católica romana, la tradición central de los cuales fue llamado canto gregoriano. Junto a estas tradiciones de música sagrada y de iglesia, existía una vibrante tradición de canto secular ( cantos no religiosos). Ejemplos de compositores de este período son Léonin , Pérotin y Guillaume de Machaut .

Renacimiento

TL de Victoria
Amicus meus
Alegoría de la música de Filippino Lippi

Durante la era de la música del Renacimiento (c. 1400 a 1600), los compositores tendían a centrarse más en escribir canciones sobre temas seculares (no religiosos), como el amor cortés . Alrededor de 1450, se inventó la imprenta , que hizo que las partituras impresas fueran mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música con anotaciones se copiaba a mano). La mayor disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales de los compositores más rápidamente y en un área más amplia. A mediados del siglo XV, los compositores escribían música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Guillaume Dufay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley y Orlande de Lassus . A medida que la actividad musical pasó de la iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos compositores importantes vinieron de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Se les llama compositores franco-flamencos. Ocuparon cargos importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una vibrante actividad musical fueron Alemania, Inglaterra y España.

Barroco

JS Bach
Toccata y fuga

Durante la época barroca de la música (1600 a 1750), los compositores ampliaron el rango y la complejidad de la música que estaban escribiendo. La era de la música barroca comenzó cuando los compositores miraron hacia la música griega antigua en busca de inspiración para crear óperas (música vocal dramática acompañada de orquesta ). Otro estilo clave de los compositores de música utilizados durante esta época fue la música contrapuntística . Este estilo de escritura requería que los compositores tuvieran un conocimiento avanzado de teoría musical, ya que la música contrapuntística involucra múltiples líneas melódicas independientes interpretadas por instrumentos o cantadas por voces. Había reglas estrictas de contrapunto que los compositores tenían que aprender. Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas , metales y vientos de madera , así como para coros y para instrumentos de teclado como órgano de tubos , clavecín y clavicordio . Durante este período, los compositores desarrollaron varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluida la fuga , la invención , la sonata y el concierto . El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Algunos de los compositores más conocidos de la época barroca incluyen a Claudio Monteverdi , Heinrich Schütz , Jean-Baptiste Lully , Dieterich Buxtehude , Arcangelo Corelli , Henry Purcell , François Couperin , Antonio Vivaldi , Georg Philipp Telemann , Jean-Philippe Rameau , Johann Sebastian Bach. y George Frideric Handel .

Clasicismo

WA Mozart
Symphony 40 g-moll

Los compositores de música del Período Clásico (1750 a 1830) miraban el arte y la filosofía de la Antigua Grecia y Roma, los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. Aparte de escribir obras religiosas, los compositores se inclinaron hacia la escritura en una textura más ligera, clara y considerablemente más simple, utilizando melodías instrumentales que tendían a ser casi vocales y cantables. Los compositores desarrollaron nuevos géneros. El estilo principal fue la homofonía , donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinados son claramente distintas.

Compositores enfocados a la música instrumental . Estuvo dominado por un mayor desarrollo de formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata , el concierto y la sinfonía . Otros tipos principales fueron el trío , el cuarteto de cuerda , la serenata y el divertimento . La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las principales formas instrumentales de la era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la sonata.

Uno de los cambios más importantes realizados en el período Clásico fue el desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reinas o príncipes. La creciente popularidad de la música clásica llevó a un crecimiento en el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la construcción de grandes espacios para espectáculos públicos. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros vocales / instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se hicieron más populares.

Los compositores más conocidos del clasicismo son Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven y Franz Schubert . Beethoven y Schubert también se consideran compositores de la última parte de la era clásica, ya que comenzó a moverse hacia el romanticismo.

Romanticismo

R. Wagner
Die Walküre

Durante la era de la música romántica (c. 1810 a 1900), los compositores convirtieron los estilos y formas rígidos de la era clásica en piezas expresivas más apasionadas y dramáticas. Los compositores intentaron aumentar la expresión emocional y el poder de su música, y trataron de describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con poemas de tono sinfónico , los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica . Para los compositores, las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a tener prioridad sobre seguir los libros de texto y la tradición. Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura ), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos se siguieron utilizando las estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la forma de sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías ), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En muchos casos, los compositores exploraron nuevos enfoques para utilizarlos en géneros, formas y funciones existentes. Además, los compositores crearon nuevas formas que se consideraron más adecuadas para el nuevo tema. La ópera y el ballet continuaron desarrollándose.

En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos , desarrollados orgánicamente, reemplazaron a la melodía como la unidad compositiva más significativa (un ejemplo es la figura distintiva de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía ). Compositores románticos posteriores como Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores exploraron las alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad , como los acordes extendidos y los acordes alterados , que crearon nuevos "colores" de sonido. Los compositores de la era romántica aumentaron el tamaño de la orquesta al agregar músicos y usar nuevos instrumentos, creando un sonido más poderoso. Algunas orquestas wagnerianas incluían arpas múltiples, secciones de cuerdas masivas y tubas de Wagner .

Música de los siglos XX y XXI

Grupo de
jazz formado por el contrabajista Reggie Workman , el saxofonista tenor Pharoah Sanders y el baterista Idris Muhammad , actuando en 1978

En el siglo XIX, una de las principales formas en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música amateur tocaban en casa en su piano u otros instrumentos. Con la música del siglo XX , hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y se utilizaron fonógrafos para reproducir y distribuir música. En el siglo XX, los compositores clásicos contemporáneos también fueron influenciados por la música jazz afroamericana basada en la improvisación . La influencia del jazz se puede ver en la música de Third Stream y en las composiciones de Leonard Bernstein . El enfoque de la música artística se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música artística del siglo XX. Cage escribió composiciones para instrumentos clásicos tradicionales y dispositivos de producción de sonido inusuales que normalmente no se consideran instrumentos, como las radios. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música en cinta dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acousmática y Musique concrète , en las que los compositores realizaban piezas utilizando grabadoras de carrete a carrete y equipos electrónicos.

Papel de la mujer

La compositora y pianista del siglo XIX Clara Schumann

En 1993, la musicóloga estadounidense Marcia Citron preguntó "¿Por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal al repertorio 'clásico' estándar?" Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las mujeres compositoras del ' canon ' recibido de obras musicales interpretadas". Ella sostiene que en el siglo XIX, las compositoras solían escribir canciones artísticas para su interpretación en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en una gran sala, considerándose estas últimas obras como el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se consideró que no eran notables como compositoras.

Según Abbey Philips, "las mujeres músicas han tenido dificultades para abrirse camino y obtener el crédito que se merecen". Durante las épocas medievales, la mayor parte de la música de arte fue creado con fines litúrgicos (religiosos) y debido a los puntos de vista sobre el papel de las mujeres que estaban en poder de los líderes religiosos, pocas mujeres compuestas por este tipo de música, con la religiosa Hildegard von Bingen bienestar entre las excepciones. La mayoría de los libros de texto universitarios sobre historia de la música tratan casi exclusivamente el papel de los compositores masculinos. Además, muy pocas obras de mujeres compositoras forman parte del repertorio estándar de la música clásica. En Concise Oxford History of Music , " Clara Shumann [ sic ] es una de las únicas compositoras mencionadas", pero otras compositoras notables del período de práctica común incluyen a Fanny Mendelssohn y Cécile Chaminade , y posiblemente la maestra de compositores más influyente durante la a mediados del siglo XX fue Nadia Boulanger . Philips afirma que "[d] urante el siglo XX, las mujeres que componían / ​​tocaban recibieron mucha menos atención que sus homólogos masculinos".

Hoy en día, las mujeres están siendo tomadas más en serio en el ámbito de la música de concierto, aunque las estadísticas de reconocimiento, premios, empleo y oportunidades generales todavía están sesgadas hacia los hombres.

Agrupación

Los compositores famosos tienen una tendencia a agruparse en ciudades específicas a lo largo de la historia. Sobre la base de más de 12.000 compositores destacados que figuran en Grove Music Online y utilizando técnicas de medición de recuento de palabras , las ciudades más importantes para la música clásica se pueden identificar cuantitativamente.

París ha sido el principal centro de la música clásica en todos los períodos. Ocupó el quinto lugar en los siglos XV y XVI, pero el primero en los siglos XVII al XX inclusive. Londres fue la segunda ciudad más significativa: octava en el siglo XV, séptima en el XVI, quinta en el XVII, segunda en los siglos XVIII y XIX y cuarta en el siglo XX. Roma encabezó la clasificación en el siglo XV, cayó al segundo lugar en los siglos XVI y XVII, al octavo en el siglo XVIII, al noveno en el siglo XIX y al sexto lugar en el siglo XX. Berlín aparece en el ranking de los diez primeros solo en el siglo XVIII, y fue clasificada como la tercera ciudad más importante tanto en el siglo XIX como en el XX. La ciudad de Nueva York entró en la clasificación en el siglo XIX (en el quinto lugar) y se ubicó en el segundo lugar en el siglo XX. Los patrones son muy similares para una muestra de 522 compositores destacados.

Capacitación

Los compositores clásicos profesionales a menudo tienen experiencia en la interpretación de música clásica durante su infancia y adolescencia, ya sea como cantante en un coro , como intérprete en una orquesta juvenil o como intérprete en un instrumento solista (p. Ej., Piano , órgano de tubos o violín ). Los adolescentes que aspiran a ser compositores pueden continuar sus estudios postsecundarios en una variedad de entornos de capacitación formal, incluidos colegios, conservatorios y universidades. Los conservatorios , que son el sistema de formación musical estándar en Francia y en Quebec (Canadá), ofrecen lecciones y experiencia de canto coral y orquestal amateur para los estudiantes de composición. Las universidades ofrecen una variedad de programas de composición, que incluyen títulos de licenciatura, maestría en música y doctorado en artes musicales . Además, hay una variedad de otros programas de capacitación, como campamentos y festivales de verano clásicos, que brindan a los estudiantes la oportunidad de recibir capacitación de compositores.

De licenciatura

Los títulos de licenciatura en composición (denominados B.Mus. O BM) son programas de cuatro años que incluyen lecciones de composición individual, experiencia en orquesta / coral amateur y una secuencia de cursos en historia de la música, teoría musical y cursos de artes liberales (p. Ej. , Literatura inglesa), que brindan al estudiante una educación más completa. Por lo general, los estudiantes de composición deben completar piezas o canciones importantes antes de graduarse. No todos los compositores tienen una licenciatura en música. en composición; los compositores también pueden tener una licenciatura en música. en interpretación musical o teoría musical.

Maestros

Los títulos de maestría en música (M.mus.) En composición consisten en lecciones privadas con un profesor de composición, experiencia en conjunto y cursos de posgrado en historia de la música y teoría musical, junto con uno o dos conciertos con las piezas del estudiante de composición. Una maestría en música (conocida como M.Mus. O MM) es a menudo una credencial mínima requerida para las personas que desean enseñar composición en una universidad o conservatorio. Un compositor con un M.Mus. podría ser profesor adjunto o instructor en una universidad, pero sería difícil en la década de 2010 obtener un puesto de profesor permanente con este título.

Doctoral

Para convertirse en profesor titular, muchas universidades requieren un doctorado . En composición, el título de doctorado clave es el de Doctor en Artes Musicales , más que el de Doctorado ; el doctorado se otorga en música, pero generalmente para materias como musicología y teoría musical .

Los títulos de Doctorado en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D) en composición brindan una oportunidad para estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, que generalmente requieren más de 54 horas de crédito adicionales más allá de una maestría (que son más de 30 créditos más allá de una licenciatura). Por este motivo, la admisión es muy selectiva. Los estudiantes deben enviar ejemplos de sus composiciones. Si está disponible, algunas escuelas también aceptarán grabaciones de video o audio de las actuaciones de las piezas del estudiante. Se requieren exámenes en historia de la música, teoría musical, entrenamiento del oído / dictado y un examen de ingreso.

Los estudiantes deben preparar composiciones significativas bajo la guía de profesores de composición de la facultad. Algunas escuelas requieren que los estudiantes de composición de DMA presenten conciertos de sus obras, que generalmente son interpretadas por cantantes o músicos de la escuela. La finalización de cursos avanzados y un promedio mínimo de B son otros requisitos típicos de un programa de DMA. Durante un programa de DMA, un estudiante de composición puede adquirir experiencia enseñando a estudiantes universitarios de música.

Otras rutas

Algunos compositores clásicos no completaron programas de composición, pero centraron sus estudios en la interpretación de la voz o un instrumento o en la teoría musical , y desarrollaron sus habilidades compositivas a lo largo de una carrera en otra ocupación musical.

Empleo

Durante la Edad Media, la mayoría de los compositores trabajaron para la iglesia católica y compusieron música para servicios religiosos como melodías de canto llano . Durante la era de la música del Renacimiento , los compositores normalmente trabajaban para empleadores aristocráticos. Si bien los aristócratas generalmente requerían que los compositores produjeran una cantidad significativa de música religiosa, como Misas , los compositores también escribieron muchas canciones no religiosas sobre el tema del amor cortesano : el amor respetuoso y reverencial de una gran mujer de lejos. Las canciones de amor cortesanas fueron muy populares durante la época del Renacimiento. Durante la era de la música barroca , muchos compositores fueron empleados por aristócratas o como empleados de la iglesia. Durante el período clásico , los compositores comenzaron a organizar más conciertos públicos con fines de lucro, lo que ayudó a los compositores a ser menos dependientes de los trabajos aristocráticos o de la iglesia. Esta tendencia continuó en la era de la música romántica en el siglo XIX. En el siglo XX, los compositores comenzaron a buscar empleo como profesores en universidades y conservatorios. En el siglo XX, los compositores también ganaban dinero con las ventas de sus obras, como publicaciones de partituras de sus canciones o piezas o como grabaciones sonoras de sus obras.

Ver también

Referencias

enlaces externos