violín -Violin

Violín
Violín VL100.png
Un violín moderno estándar que se muestra desde la parte superior y lateral.
Instrumento de cuerda
Otros nombres violín
Clasificación de Hornbostel-Sachs 321.322-71
( cordófono compuesto sonado por un arco )
Desarrollado Principios del siglo XVI
campo de juego
Rango violín.png
Instrumentos relacionados
Músicos
constructores
muestra de sonido
Grabación de violinista demostrando diferentes sonidos del violín.

El violín , a veces conocido como violín , es un cordófono ( instrumento de cuerda ) de madera de la familia de los violines . La mayoría de los violines tienen un cuerpo de madera hueco. Es el instrumento más pequeño y, por lo tanto, más agudo ( soprano ) de la familia de uso regular. El violín generalmente tiene cuatro cuerdas (algunos pueden tener cinco ), generalmente afinadas en quintas perfectas con notas G3, D4, A4, E5, y se toca más comúnmente dibujando un arco a través de sus cuerdas. También se puede tocar punteando las cuerdas con los dedos ( pizzicato ) y, en casos especiales, golpeando las cuerdas con el lado de madera del arco ( col legno ).

Los violines son instrumentos importantes en una amplia variedad de géneros musicales. Son más prominentes en la tradición clásica occidental , tanto en conjuntos (desde música de cámara hasta orquestas ) como como instrumentos solistas. Los violines también son importantes en muchas variedades de música folclórica , incluida la música country , la música bluegrass y el jazz . Los violines eléctricos con cuerpos sólidos y pastillas piezoeléctricas se utilizan en algunas formas de música rock y fusión de jazz , con las pastillas conectadas a amplificadores de instrumentos y altavoces para producir sonido. El violín se ha incorporado a muchas culturas musicales no occidentales, incluida la música india y la música iraní . El nombre violín se usa a menudo independientemente del tipo de música que se reproduzca en él.

El violín se conoció por primera vez en la Italia del siglo XVI , con algunas modificaciones adicionales que ocurrieron en los siglos XVIII y XIX para darle al instrumento un sonido y una proyección más potentes. En Europa sirvió de base para el desarrollo de otros instrumentos de cuerda utilizados en la música clásica occidental, como la viola .

Violinistas y coleccionistas valoran especialmente los instrumentos históricos de gran calidad fabricados por las familias Stradivari , Guarneri , Guadagnini y Amati entre los siglos XVI y XVIII en Brescia y Cremona (Italia) y por Jacob Stainer en Austria . Según su reputación, la calidad de su sonido ha desafiado los intentos de explicarlo o igualarlo, aunque esta creencia es cuestionada. Un gran número de instrumentos han venido de las manos de fabricantes menos famosos, así como un número aún mayor de "violines comerciales" comerciales producidos en masa provenientes de industrias artesanales en lugares como Sajonia , Bohemia y Mirecourt . Muchos de estos instrumentos comerciales fueron vendidos anteriormente por Sears, Roebuck and Co. y otros comerciantes masivos.

Los componentes de un violín suelen estar hechos de diferentes tipos de madera . Los violines se pueden encordar con cuerdas de tripa , perlón u otras cuerdas sintéticas o de acero. Una persona que hace o repara violines se llama luthier o violinista. Al que fabrica o repara arcos se le llama archetier o arquetero .

Etimología

La palabra "violín" se utilizó por primera vez en inglés en la década de 1570. La palabra "violín" proviene de "italiano violino , [un] diminutivo de viola . El término "viola" proviene de la expresión "tenor violin" en 1797, del italiano y antiguo provenzal viola , [que proviene del] latín medieval vitula como un término que significa "instrumento de cuerda", tal vez [viniendo] de Vitula , diosa romana de la alegría..., o del verbo latino relacionado vitulari , "gritar de alegría o exaltación". El término relacionado " Viola da gamba " que significa "viola bajo" (1724) es del italiano, literalmente "una viola para la pierna" (es decir, para sostener entre las piernas)". Un violín es la "forma moderna de la viola da braccio medieval más pequeña ". ("viola de brazo")

El violín a menudo se llama violín, ya sea cuando se usa en un contexto de música folclórica, o incluso en escenas de música clásica, como un apodo informal para el instrumento. La palabra "violín" se utilizó por primera vez en inglés a finales del siglo XIV. La palabra "violín" proviene de "fedele, fydyll, fidel, antes fithele, del inglés antiguo fiðele "fiddle", que está relacionado con el nórdico antiguo fiðla , el holandés medio vedele , el holandés vedel , el antiguo alto alemán fidula , el alemán Fiedel , "un violín; "todo de origen incierto". En cuanto al origen de la palabra "violín", la "... sugerencia habitual, basada en la semejanza en el sonido y el sentido, es que proviene del latín medieval vitula ".

Historia

La cúpula de Madonna dei Miracoli en Saronno , Italia , con ángeles tocando violín, viola y violonchelo, data de 1535 y es una de las primeras representaciones de la familia del violín.

Los primeros instrumentos de cuerda fueron en su mayoría punteados (por ejemplo, la lira griega ). Los instrumentos de arco de dos cuerdas, que se tocan en posición vertical y con cuerdas y arcos con crin de caballo, pueden haberse originado en las culturas ecuestres nómadas de Asia Central, en formas que se asemejan mucho al Morin huur mongol moderno y al Kobyz kazajo . Los tipos similares y variantes probablemente se diseminaron a lo largo de las rutas comerciales de este a oeste desde Asia hasta el Medio Oriente y el Imperio bizantino .

Según la Encyclopædia Britannica , el antepasado directo de todos los instrumentos de arco europeos es el rebab árabe (ربابة), que se convirtió en la lira bizantina en el siglo IX y más tarde en el rabel europeo . Varias fuentes sugieren posibilidades alternativas para los orígenes del violín, como el norte o el oeste de Europa. Los primeros fabricantes de violines probablemente tomaron prestado de varios desarrollos de la lira bizantina. Estos incluían la vielle (también conocida como fidel o viuola ) y la lira da braccio . El violín en su forma actual surgió a principios del siglo XVI en el norte de Italia . Las primeras imágenes de violines, aunque con tres cuerdas, se ven en el norte de Italia alrededor de 1530, aproximadamente al mismo tiempo que se ven las palabras "violino" y "vyollon" en documentos italianos y franceses. Una de las primeras descripciones explícitas del instrumento, incluida su afinación, procede del Epitome musical de Jambe de Fer , publicado en Lyon en 1556. Para entonces, el violín ya había comenzado a extenderse por toda Europa .

El violín resultó muy popular, tanto entre los músicos callejeros como entre la nobleza; el rey francés Carlos IX ordenó a Andrea Amati que construyera 24 violines para él en 1560. Uno de estos instrumentos "nobles", el Carlos IX , es el violín más antiguo que se conserva. El violín renacentista tallado y decorado más fino del mundo es el Gasparo da Salò ( c. 1574) propiedad de Fernando II, archiduque de Austria y más tarde, a partir de 1841, del virtuoso noruego Ole Bull , que lo utilizó durante cuarenta años y miles de años. conciertos, por su timbre muy potente y hermoso, parecido al de un Guarneri. "El Mesías" o "Le Messie" (también conocido como el "Salabue") realizado por Antonio Stradivari en 1716 permanece impoluto. Ahora se encuentra en el Museo Ashmolean de Oxford .

Los fabricantes de violines ( luthiers ) más famosos entre el siglo XVI y el siglo XVIII incluyen:

1658 Violín barroco de Jacob Stainer
  • La escuela de Brescia , iniciada a finales del siglo XIV con liras, violettas, violas y activa en el campo del violín en la primera mitad del siglo XVI.
  • La escuela de Cremona , iniciada en la segunda mitad del siglo XVI con violas y violone y en el campo del violín en la segunda mitad del siglo XVI
    • La familia Amati , activa entre 1550 y 1740 en Cremona
    • La familia Guarneri , activa entre 1626 y 1744 en Cremona y Venecia
    • La familia Stradivari , activa entre 1644 y 1737 en Cremona
    • La familia Rugeri , activa entre 1650 y 1740 en Cremona
    • Carlo Bergonzi (luthier) (1683-1747) en Cremona
  • La escuela de Venecia , con la presencia de varios constructores de instrumentos de arco de principios del siglo XVI de los más de 140 constructores de instrumentos de cuerda registrados entre 1490 y 1630.

Se produjeron cambios significativos en la construcción del violín en el siglo XVIII, particularmente en la longitud y el ángulo del mástil y una barra de bajo más pesada. La mayoría de los instrumentos antiguos han sufrido estas modificaciones y, por lo tanto, se encuentran en un estado significativamente diferente al que tenían cuando salieron de las manos de sus fabricantes, sin duda con diferencias en el sonido y la respuesta. Pero estos instrumentos en su estado actual establecen el estándar para la perfección en la artesanía y el sonido del violín, y los fabricantes de violines de todo el mundo intentan acercarse lo más posible a este ideal.

Hasta el día de hoy, los instrumentos de la llamada Edad de Oro de la luthería, especialmente los fabricados por Stradivari, Guarneri del Gesù y Montagnana, son los instrumentos más buscados por coleccionistas e intérpretes. El monto récord actual pagado por un violín Stradivari es de £ 9,8 millones ( US$ 15,9 millones en ese momento), cuando el instrumento conocido como Lady Blunt fue vendido por Tarisio Auctions en una subasta en línea el 20 de junio de 2011.

Construcción y mecánica

La construcción de un violín.
Violín y arco.

Un violín generalmente consta de una tapa de abeto (la caja de resonancia , también conocida como placa superior , mesa o vientre ), costillas y fondo de arce, dos bloques finales , un mástil , un puente , un poste de sonido, cuatro cuerdas y varios accesorios, opcionalmente. incluida una mentonera , que puede sujetarse directamente sobre o a la izquierda del cordal . Una característica distintiva del cuerpo de un violín es su forma de reloj de arena y el arqueamiento de su parte superior y trasera. La forma de reloj de arena consta de dos vueltas superiores, dos vueltas inferiores y dos vueltas en C cóncavas en la cintura , lo que proporciona espacio para el arco . La "voz" o sonido de un violín depende de su forma, la madera de la que está hecho, la graduación (el perfil de grosor) tanto de la tapa como del fondo, el barniz que recubre su superficie exterior y la habilidad del luthier para hacerlo. todos estos pasos. El barniz y especialmente la madera continúan mejorando con el tiempo, lo que hace que el suministro fijo de viejos violines bien hechos construidos por famosos luthiers sea muy buscado.

La mayoría de las uniones pegadas en el instrumento utilizan cola de piel animal en lugar de cola blanca común por varias razones. El pegamento Hide es capaz de hacer una junta más delgada que la mayoría de los otros pegamentos. Es reversible (lo suficientemente frágil como para agrietarse con una fuerza aplicada con cuidado y se puede quitar con agua caliente) cuando se necesita desmontarlo. Dado que el pegamento para cuero fresco se adhiere al pegamento para cuero viejo, se puede conservar más madera original al reparar una junta. (Los pegamentos más modernos se deben limpiar por completo para que la nueva unión quede sólida, lo que generalmente implica raspar un poco de madera junto con el pegamento viejo). Por lo general, se usa pegamento más débil y diluido para sujetar la parte superior a las nervaduras y la tuerca para el diapasón, ya que las reparaciones comunes implican la eliminación de estas piezas. El fileteado que recorre el borde de la tapa de abeto brinda cierta protección contra las grietas que se originan en el borde. También permite que la parte superior se flexione más independientemente de la estructura de las costillas. El falso fileteado pintado en la parte superior suele ser un signo de un instrumento inferior. La parte posterior y las costillas suelen estar hechas de arce , la mayoría de las veces con una figura rayada a juego , conocida como flame , fiddleback o tiger stripe .

El mástil suele ser de arce con una figura flameada compatible con la de las costillas y el fondo. Lleva el diapasón , típicamente hecho de ébano, pero a menudo alguna otra madera teñida o pintada de negro en instrumentos más baratos. El ébano es el material preferido por su dureza, belleza y resistencia superior al desgaste. Los diapasones están revestidos con una curva transversal particular y tienen una pequeña "cuchara" o concavidad longitudinal, ligeramente más pronunciada en las cuerdas inferiores, especialmente cuando están destinadas a cuerdas de tripa o sintéticas. Algunos violines viejos (y algunos hechos para parecer viejos) tienen una voluta injertada , evidenciada por una junta de pegamento entre el clavijero y el mástil. A muchos instrumentos antiguos auténticos se les ha reajustado el cuello a un ángulo ligeramente mayor y se les ha alargado aproximadamente un centímetro. El injerto de mástil permite conservar la voluta original con un violín barroco al adaptar su mástil a los estándares modernos.

Primer plano de un cordal de violín , con una flor de lis
Vistas frontal y posterior del puente de violín
Poste de sonido visto a través del orificio f

El puente es una pieza de arce cortada con precisión que forma el punto de anclaje inferior de la longitud vibrante de las cuerdas y transmite la vibración de las cuerdas al cuerpo del instrumento. Su curva superior mantiene las cuerdas a la altura adecuada del diapasón en un arco, lo que permite que el arco haga sonar cada una por separado. El poste de sonido , o poste del alma , encaja con precisión dentro del instrumento entre la parte posterior y la tapa, en un lugar cuidadosamente elegido cerca del pie de agudos del puente, al que ayuda a sostener. También influye en los modos de vibración de la tapa y la parte posterior del instrumento.

El cordal ancla las cuerdas a la parte inferior del violín por medio del tailgut, que se enrolla alrededor de un botón de ébano llamado tailpin (a veces confusamente llamado endpin , como la punta del violonchelo), que encaja en un orificio cónico en el bloque inferior. . La cuerda E a menudo tendrá una palanca de afinación fina accionada por un pequeño tornillo girado por los dedos. Los afinadores finos también se pueden aplicar a las otras cuerdas, especialmente en un instrumento de estudiante, y algunas veces se integran en el cordal. Los afinadores finos permiten al intérprete realizar pequeños cambios en el tono de una cuerda. En el extremo del rollo, las cuerdas se enrollan alrededor de las clavijas de afinación de madera en el clavijero. Las clavijas de afinación son cónicas y encajan en los orificios de la caja de clavijas. Las clavijas de afinación se mantienen en su lugar por la fricción de madera sobre madera. Las cuerdas pueden estar hechas de metal o, con menos frecuencia, tripa o tripa envuelta en metal. Las cuerdas suelen tener una envoltura de seda de color en ambos extremos, para identificar la cuerda (p. ej., cuerda G, cuerda D, cuerda A o cuerda E) y para proporcionar fricción contra las clavijas. Las clavijas cónicas permiten que el jugador aumente o disminuya la fricción aplicando la presión adecuada a lo largo del eje de la clavija mientras la gira.

Instrumentos de cuerda

Las cuerdas se hicieron primero con tripa de oveja (comúnmente conocida como catgut , que a pesar del nombre no proviene de los gatos), o simplemente tripa, que se estiraba, secaba y torcía. En los primeros años del siglo XX, las cuerdas se fabricaban con tripa o acero. Las cuerdas modernas pueden ser de tripa, acero sólido , acero trenzado o varios materiales sintéticos como el perlón , enrolladas con varios metales y, a veces, chapadas con plata . La mayoría de las cuerdas E están desenrolladas, ya sea de acero liso o chapado. Las cuerdas de tripa no son tan comunes como antes, pero muchos intérpretes las usan para lograr un sonido específico, especialmente en la interpretación históricamente informada de la música barroca . Las cadenas tienen una vida útil limitada. Eventualmente, cuando se acumula aceite, suciedad, corrosión y colofonia, la masa de la cuerda puede volverse desigual a lo largo de su longitud. Aparte de cosas obvias, como el devanado de una cuerda que se deshace por el uso, los instrumentistas generalmente cambian una cuerda cuando ya no toca "verdaderamente" (con buena entonación en los armónicos), perdiendo el tono, el brillo y la entonación deseados. La longevidad de las cuerdas depende de la calidad de las cuerdas y de la intensidad del juego.

Rango de tono

Diagrama de espectro 3D de los armónicos de una cuerda G de violín (primer plano). Tenga en cuenta que el tono que escuchamos es el pico alrededor de 200 Hz.

Un violín está afinado en quintas, en las notas G 3 , D 4 , A 4 , E 5 . La nota más baja de un violín, afinada normalmente, es G 3 , o G por debajo del C medio (C4) . (En raras ocasiones, la cuerda más baja puede afinarse hasta una cuarta parte, a D 3 ). La nota más alta está menos definida: E 7 , la E dos octavas por encima de la cuerda al aire (que está afinada a E 5 ) puede considerarse un límite práctico para las partes orquestales de violín, pero a menudo es posible tocar más alto, según la longitud del diapasón y la habilidad del violinista. Sin embargo, las notas más altas (hasta C 8 ) pueden sonar deteniendo la cuerda, alcanzando el límite del diapasón y/o usando armónicos artificiales .

Acústica

La esquina de Helmholtz yendo y viniendo a lo largo de la cuerda.

La forma arqueada, el grosor de la madera y sus cualidades físicas gobiernan el sonido de un violín. Los patrones del nodo hechos con arena o brillantina rociada sobre las placas con la placa vibrando a ciertas frecuencias, llamados patrones de Chladni , son usados ​​ocasionalmente por los luthiers para verificar su trabajo antes de ensamblar el instrumento.

Tallas

Violines fraccionarios ( 116 ) y de tamaño completo ( 44 )

Aparte del tamaño estándar, completo ( 44 ), los violines también se fabrican en los llamados tamaños fraccionarios de 78 , 34 , 12 , 14 , 18 , 110 , 116 , 132 e incluso 164 . Estos instrumentos más pequeños suelen ser utilizados por músicos jóvenes, cuyos dedos no son lo suficientemente largos para alcanzar las posiciones correctas en instrumentos de tamaño completo.

Si bien están relacionados en cierto sentido con las dimensiones de los instrumentos, los tamaños fraccionarios no pretenden ser descripciones literales de proporciones relativas. Por ejemplo, un instrumento de 34 de tamaño no tiene las tres cuartas partes de la longitud de un instrumento de tamaño completo. La longitud del cuerpo (sin incluir el mástil) de un violín de tamaño completo, o 44 , es de 356 mm (14,0 pulgadas), más pequeño en algunos modelos del siglo XVII. La longitud del cuerpo de un violín de 34 es de 335 mm (13,2 pulgadas) y un tamaño de 12 es de 310 mm (12,2 pulgadas). Con el miembro más cercano de la familia del violín, la viola, el tamaño se especifica como la longitud del cuerpo en pulgadas o centímetros en lugar de tamaños fraccionarios. Una viola de tamaño completo tiene un promedio de 40 cm (16 pulgadas). Sin embargo, cada adulto individual determinará qué tamaño de viola usar.

Ocasionalmente, un adulto con una estructura pequeña puede usar un violín de tamaño 78 en lugar de un instrumento de tamaño completo. A veces llamado violín de dama , estos instrumentos son un poco más cortos que un violín de tamaño completo, pero tienden a ser instrumentos de alta calidad capaces de producir un sonido comparable al de los violines finos de tamaño completo. Los tamaños de violín de 5 cuerdas pueden diferir de los de 4 cuerdas normales.

violín mezzo

El instrumento que corresponde al violín en el octeto de violines es el violín mezzo, afinado igual que un violín pero con un cuerpo un poco más largo. Las cuerdas del violín mezzo tienen la misma longitud que las del violín estándar. Este instrumento no es de uso común.

Afinación

Pergamino y clavijero, correctamente encordados
Los tonos de las cuerdas al aire de un violín. Los nombres de las notas de los tonos se escriben con nombres de letras debajo del pentagrama y sus equivalentes en solfeo francés encima del pentagrama. G=sol; D=re; A=la; E=mi Play 

Los violines se afinan girando las clavijas en el clavijero debajo del pergamino o ajustando los tornillos del afinador fino en el cordal . Todos los violines tienen clavijas; los sintonizadores finos (también llamados ajustadores finos ) son opcionales. La mayoría de los afinadores finos consisten en un tornillo de metal que mueve una palanca unida al extremo de la cuerda. Permiten ajustes de paso muy pequeños mucho más fácilmente que las clavijas. Al girar un afinador fino en el sentido de las agujas del reloj, el tono se vuelve más agudo (ya que la cuerda está bajo más tensión), y al girarlo en el sentido contrario a las agujas del reloj, el tono se vuelve más plano (ya que la cuerda está bajo menor tensión). Los afinadores finos en las cuatro cuerdas son muy útiles cuando se usan con núcleo de acero, y algunos músicos los usan con cuerdas sintéticas. Dado que las cuerdas E modernas son de acero, casi siempre se instala un afinador fino para esa cuerda. Los afinadores finos no se utilizan con cuerdas de tripa, que son más elásticas que las cuerdas de acero o de núcleo sintético y no responden adecuadamente a los movimientos muy pequeños de los afinadores finos.

Para afinar un violín, la cuerda A se afina primero a un tono estándar (generalmente A = 440  Hz ). (Al acompañar o tocar con un instrumento de tono fijo como un piano o un acordeón, el violín se afina con la nota correspondiente de ese instrumento en lugar de cualquier otra referencia de afinación. El oboe es generalmente el instrumento utilizado para afinar orquestas donde hay violines presentes. ya que su sonido es penetrante y se puede escuchar por encima de los otros instrumentos de viento de madera.) Las otras cuerdas se afinan una contra la otra en intervalos de quintas justas arqueándolas en pares. A veces se emplea una afinación minuciosamente más alta para tocar en solitario para darle al instrumento un sonido más brillante; por el contrario, la música barroca a veces se toca con afinaciones más bajas para que el sonido del violín sea más suave. Después de la afinación, se puede examinar el puente del instrumento para asegurarse de que esté derecho y centrado entre las muescas internas de los agujeros f ; un puente torcido puede afectar significativamente el sonido de un violín por lo demás bien hecho.

Después de tocar mucho, las clavijas de afinación y sus orificios pueden desgastarse, lo que hace que las clavijas se deslicen bajo tensión. Esto puede hacer que el tono de la cuerda baje un poco, o si la clavija se afloja por completo, la cuerda pierde completamente la tensión. Un violín en el que las clavijas de afinación se deslizan debe ser reparado por un luthier o un reparador de violines. La droga para clavijas o el compuesto para clavijas, que se usa con regularidad, puede retrasar la aparición de dicho desgaste mientras permite que las clavijas giren suavemente.

La afinación G–D–A–E se usa para la mayoría de la música de violín, incluida la música clásica, el jazz y la música folclórica . Ocasionalmente se emplean otras afinaciones; la cuerda G, por ejemplo, se puede afinar hasta A. El uso de afinaciones no estándar en la música clásica se conoce como scordatura ; en algunos estilos populares, se llama afinación cruzada . Un ejemplo famoso de scordatura en la música clásica es Danse Macabre de Camille Saint-Saëns , donde la cuerda Mi del violín solista se afina a Mi para impartir una extraña disonancia a la composición. Otros ejemplos son el tercer movimiento de Contrastes , de Béla Bartók , donde la cuerda E está afinada en E y la G afinada en G , el Primer Concierto para violín de Niccolò Paganini , donde las cuatro cuerdas están designadas para ser afinadas un semitono más alto, y las Mystery Sonatas de Biber , en las que cada movimiento tiene una afinación de scordatura diferente.

En la música clásica india y la música ligera india, es probable que el violín esté afinado en D –A –D –A en el estilo del sur de la India. Como no existe el concepto de tono absoluto en la música clásica india, los músicos pueden usar cualquier afinación conveniente para mantener estos intervalos de tono relativo entre las cuerdas. Otra afinación predominante con estos intervalos es B –F–B –F, que corresponde a Sa–Pa–Sa–Pa en el estilo de música clásica carnática india . En el estilo indostaní del norte de la India , la afinación suele ser Pa-Sa-Pa-Sa en lugar de Sa-Pa-Sa-Pa. Esto podría corresponder a F–B –F–B , por ejemplo. En la música clásica iraní y la música ligera iraní, el violín tiene diferentes afinaciones en cualquier Dastgah , es probable que el violín esté afinado (E–A–E–A) en Dastgah-h Esfahan o en Dastgāh-e Šur is (E–A –D–E) y (E–A–E–E), en Dastgāh-e Māhur es (E–A–D–A). En la música clásica árabe, las cuerdas A y E se bajan un paso completo , es decir, G–D–G–D. Esto es para facilitar la ejecución de maqams árabes , especialmente aquellos que contienen cuartos de tono .

Si bien la mayoría de los violines tienen cuatro cuerdas, hay violines con cuerdas adicionales. Algunos tienen hasta siete cuerdas. Generalmente se piensa que siete es el número máximo de cuerdas práctico en un instrumento de cuerda frotada; con más de siete cuerdas, sería imposible tocar una cuerda interna en particular individualmente con el arco. Los violines de siete cuerdas son muy raros. Las cuerdas adicionales de tales violines suelen tener un tono más bajo que la cuerda G; estas cuerdas suelen estar afinadas en C, F y B . Si la longitud de ejecución del instrumento, o la longitud de la cuerda desde la tuerca hasta el puente, es igual a la de un violín ordinario de escala completa; es decir, un poco menos de 13 pulgadas (33 cm), entonces puede llamarse correctamente violín. Algunos de estos instrumentos son algo más largos y deben considerarse violas. Los violines de cinco cuerdas o más se utilizan normalmente en el jazz o la música folclórica. Algunos instrumentos hechos a medida tienen cuerdas adicionales que no están arqueadas, pero que suenan con simpatía debido a las vibraciones de las cuerdas arqueadas.

Arcos

Cabezas de tres arcos de violín: (superior) de transición (F. Tourte), cabeza de pico de cisne de un modelo largo del siglo XVIII, cabeza de pica de un modelo del siglo XVII

Un violín generalmente se toca con un arco que consiste en un palo con una cinta de crin de caballo ensartada entre la punta y la ranilla (o la nuez o el talón) en los extremos opuestos. Un arco de violín típico puede tener 75 cm (30 pulgadas) en total y pesar alrededor de 60 g (2,1 oz). Los arcos de viola pueden ser unos 5 mm (0,20 pulgadas) más cortos y 10 g (0,35 oz) más pesados. En el extremo de la rana, un ajustador de tornillo aprieta o afloja el cabello. Justo delante de la rana, una almohadilla de cuero para el pulgar, llamada empuñadura, y enrollado protegen el palo y proporcionan un fuerte agarre para la mano del jugador. Los devanados tradicionales son de alambre (a menudo plateado o plateado), seda o barbas ("hueso de ballena", ahora sustituido por tiras alternas de plástico marrón y negro). Algunos arcos de fibra de vidrio para estudiantes emplean una funda de plástico como agarre y devanado.

El pelo del arco proviene tradicionalmente de la cola de un caballo macho gris (que tiene predominantemente el pelo blanco). Algunos arcos más baratos usan fibra sintética. Se frota colofonia sólida sobre el cabello para que quede ligeramente pegajoso; cuando se tira del arco a través de una cuerda, la fricción entre ellos hace que la cuerda vibre. Los materiales tradicionales para los palos de arco más costosos incluyen madera de serpiente y palo de Brasil (que también se conoce como madera de Pernambuco). Algunas innovaciones recientes en el diseño del arco utilizan fibra de carbono (CodaBows) para el palo, en todos los niveles de artesanía. Los arcos económicos para estudiantes están hechos de maderas menos costosas o de fibra de vidrio (Glasser).

Jugando

Postura

Un hombre tocando el violín en un banco del parque.

El violín se toca sentado o de pie. Los solistas (ya sea que jueguen solos, con un piano o con una orquesta) juegan principalmente de pie (a menos que una discapacidad física lo impida, como en el caso de Itzhak Perlman ). En cambio, en la orquesta y en la música de cámara se suele tocar sentado. En las décadas de 2000 y 2010, algunas orquestas que interpretan música barroca (como la Orquesta Barroca de Friburgo ) han tenido todos sus violines y violas, solos y conjuntos, actuando de pie.

La forma estándar de sostener el violín es con el lado izquierdo de la mandíbula descansando sobre la mentonera del violín y sostenido por el hombro izquierdo, a menudo asistido por un apoyo para el hombro (o una esponja y una banda elástica para los músicos más jóvenes que luchan con reposa hombros). La mandíbula y el hombro deben sujetar el violín con la suficiente firmeza para permitir que permanezca estable cuando la mano izquierda pasa de una posición alta (una nota aguda muy arriba en el diapasón) a una baja (más cerca del clavijero). En la postura india, la estabilidad del violín está garantizada por su voluta apoyada en el costado del pie.

Si bien los profesores señalan la importancia vital de una buena postura tanto por la calidad de la interpretación como para reducir la posibilidad de lesiones por esfuerzo repetitivo , los consejos sobre qué es una buena postura y cómo lograrla difieren en los detalles. Sin embargo, todos insisten en la importancia de una posición relajada natural sin tensión ni rigidez. Las cosas que se recomiendan casi universalmente son mantener la muñeca izquierda recta (o casi) para permitir que los dedos de la mano izquierda se muevan libremente y reducir la posibilidad de lesiones y mantener cualquiera de los hombros en una posición natural relajada y evitar levantar cualquiera de los dos. ellos de manera exagerada. Esto, como cualquier otra tensión injustificada, limitaría la libertad de movimiento y aumentaría el riesgo de lesiones.

El encorvamiento puede dificultar el buen juego porque desequilibra el cuerpo y hace que los hombros se levanten. Otro signo que proviene de una tensión malsana es el dolor en la mano izquierda, lo que indica demasiada presión al sostener el violín.

Producción de mano izquierda y tono

Digitación en primera posición. Tenga en cuenta que este diagrama solo muestra las notas de "primera posición". Hay notas de tono más alto más allá de las indicadas.

La mano izquierda determina la longitud de sonido de la cuerda y, por lo tanto, el tono de la cuerda, "deteniéndola" (presionándola) contra el diapasón con la punta de los dedos, produciendo diferentes tonos. Como el violín no tiene trastes para detener las cuerdas, como es habitual en la guitarra , el ejecutante debe saber exactamente dónde colocar los dedos en las cuerdas para tocar con una buena entonación (afinación). Los violinistas principiantes tocan las cuerdas al aire y la posición más baja, la más cercana a la tuerca. Los estudiantes a menudo comienzan con tonalidades relativamente fáciles, como A Major y G major. A los estudiantes se les enseña escalas y melodías simples. A través de la práctica de escalas y arpegios y del entrenamiento del oído , la mano izquierda del violinista finalmente "encuentra" las notas intuitivamente mediante la memoria muscular .

Los principiantes a veces confían en las cintas colocadas en el diapasón para colocar correctamente los dedos de la mano izquierda, pero generalmente abandonan las cintas rápidamente a medida que avanzan. Otra técnica de marcado comúnmente utilizada utiliza puntos de blanqueamiento en el diapasón, que desaparecen en unas pocas semanas de práctica regular. Esta práctica, desafortunadamente, se usa a veces en lugar de un entrenamiento auditivo adecuado, guiando la colocación de los dedos por el ojo y no por el oído. Especialmente en las primeras etapas de aprender a tocar, los llamados "tonos de llamada" son útiles. Hay nueve notas de este tipo en la primera posición, donde una nota detenida suena al unísono u octava con otra cuerda (abierta), lo que hace que resuene con simpatía . Los estudiantes a menudo usan estos tonos de llamada para verificar la entonación de la nota detenida al ver si está en armonía con la cuerda al aire. Por ejemplo, al tocar el tono detenido "A" en la cuerda G, el violinista podría tocar la cuerda D al aire al mismo tiempo, para verificar la entonación de la "A" parada. Si la "A" está afinada, la "A" y la cuerda D al aire deberían producir una cuarta perfecta armoniosa.

Los violines se afinan en quintas perfectas, como todas las cuerdas orquestales (violín, viola, violonchelo) excepto el contrabajo, que se afina en cuartas perfectas. Cada nota subsiguiente se detiene en un tono que el ejecutante percibe como el más armonioso, "cuando no está acompañado, [un violinista] no toca consistentemente ni en la escala temperada ni en la natural [justa], sino que tiende en general a conformarse con la pitagórica . escala ". Cuando los violinistas tocan en un cuarteto de cuerdas o en una orquesta de cuerdas , las cuerdas normalmente "endulzan" su afinación para adaptarse a la tonalidad en la que están tocando . para que coincida con el temperamento igual del piano para evitar notas discordantes .

Los dedos se numeran convencionalmente del 1 (índice) al 4 (meñique) en notación musical , como partituras y libros de estudio. Especialmente en ediciones instructivas de música para violín, los números sobre las notas pueden indicar qué dedo usar, con 0 u O indicando una cuerda al aire. El gráfico de la derecha muestra la disposición de las notas accesibles en primera posición. En este gráfico no se muestra la forma en que el espacio entre las posiciones de las notas se vuelve más estrecho a medida que los dedos se mueven hacia arriba (en tono) desde la cejilla. Las barras a los lados del gráfico representan las posibilidades habituales para las colocaciones de la cinta de los principiantes, en los dedos 1, 2, 3 y 4 altos.

Posiciones

La colocación de la mano izquierda en el diapasón se caracteriza por "posiciones". La primera posición, donde comienzan la mayoría de los principiantes (aunque algunos métodos comienzan en la tercera posición), es la posición más utilizada en la música de cuerdas. La música compuesta para orquestas juveniles principiantes suele estar en su mayoría en primera posición. La nota más baja disponible en esta posición en la afinación estándar es un G3 abierto; la nota más alta en la primera posición se toca con el cuarto dedo en la cuerda E, sonando un B5. Moviendo la mano hacia arriba por el cuello, el primer dedo toma el lugar del segundo dedo, llevando al jugador a la segunda posición . Dejar que el primer dedo ocupe el lugar de primera posición del tercer dedo lleva al jugador a la tercera posición , y así sucesivamente. Un cambio de posiciones, con su movimiento asociado de la mano, se denomina cambio , y el cambio efectivo manteniendo una entonación precisa y un sonido legato (conectado) suave es un elemento clave de la técnica en todos los niveles. A menudo se utiliza un "dedo guía"; el último dedo que toca una nota en la posición anterior toca continuamente la cuerda suavemente durante el transcurso del cambio para terminar en su lugar correcto en la nueva posición. En los ejercicios de cambio elementales, el "dedo guía" a menudo se expresa mientras se desliza hacia arriba o hacia abajo de la cuerda, para que el jugador pueda establecer la ubicación correcta de oído. Fuera de estos ejercicios, rara vez debería ser audible (a menos que el ejecutante esté aplicando conscientemente un efecto de portamento por razones expresivas).

En el curso de un cambio en posiciones bajas, el pulgar de la mano izquierda sube o baja por el cuello del instrumento para permanecer en la misma posición en relación con los dedos (aunque el movimiento del pulgar puede ocurrir un poco antes, o poco después, el movimiento de los dedos). En tales posiciones, el pulgar a menudo se considera como un "ancla" cuya ubicación define en qué posición se encuentra el ejecutante. En posiciones muy altas, el pulgar no puede moverse con los dedos porque el cuerpo del instrumento se interpone. En su lugar, el pulgar trabaja alrededor del cuello del instrumento para sentarse en el punto en el que el cuello se encuentra con la parte derecha del cuerpo y permanece allí mientras los dedos se mueven entre las posiciones altas.

Una nota tocada fuera del compás normal de una posición, sin ningún cambio, se denomina extensión . Por ejemplo, en la tercera posición en la cuerda A, la mano naturalmente se sienta con el primer dedo en D y el cuarto en G o G . Estirar el primer dedo hacia abajo hasta un C , o el cuarto dedo hacia arriba hasta un A , forma una extensión. Las extensiones se usan comúnmente cuando una o dos notas están ligeramente fuera de una posición sólida y brindan la ventaja de ser menos intrusivas que un cambio o un cruce de cuerdas. La posición más baja del violín se conoce como "media posición". En esta posición, el primer dedo está en una nota de "primera posición baja", por ejemplo, B en la cuerda A, y el cuarto dedo está en una extensión hacia abajo desde su posición normal, por ejemplo, D en la cuerda A, con los otros dos dedos colocados en el medio según sea necesario. Como la posición del pulgar suele ser la misma en la "media posición" que en la primera posición, se considera mejor como una extensión hacia atrás de toda la mano que como una posición genuina.

El límite superior del rango del violín está determinado en gran medida por la habilidad del ejecutante, quien fácilmente puede tocar más de dos octavas en una sola cuerda y cuatro octavas en el instrumento como un todo. Los nombres de puestos se utilizan principalmente para los puestos inferiores y en libros de métodos y estudios; por esta razón, es poco común escuchar referencias a algo más alto que la séptima posición. La posición más alta, prácticamente hablando, es la posición 13. Las posiciones muy altas son un desafío técnico particular, por dos razones. En primer lugar, la diferencia en la ubicación de las diferentes notas se vuelve mucho más estrecha en las posiciones altas, lo que hace que las notas sean más difíciles de localizar y, en algunos casos, de distinguir de oído. En segundo lugar, la longitud de sonido mucho más corta de la cuerda en posiciones muy altas es un desafío para el brazo y el arco derechos a la hora de hacer sonar el instrumento de manera efectiva. Cuanto más fino (y más caro) sea un instrumento, mejor podrá mantener un buen tono hasta la parte superior del diapasón, en los tonos más altos de la cuerda E.

Todas las notas (excepto las que están debajo de la D abierta) se pueden tocar en más de una cuerda. Esta es una característica de diseño estándar de los instrumentos de cuerda; sin embargo, se diferencia del piano, que tiene solo una ubicación para cada una de sus 88 notas. Por ejemplo, la nota de A abierta en el violín se puede tocar como A abierta, o en la cuerda D (en las posiciones primera a cuarta) o incluso en la cuerda G (muy arriba en las posiciones sexta a novena). Cada cuerda tiene una calidad tonal diferente , por los diferentes pesos (grosores) de las cuerdas y por las resonancias de otras cuerdas al aire. Por ejemplo, a menudo se considera que la cuerda G tiene un sonido sonoro muy completo que es particularmente apropiado para la música romántica tardía. Esto a menudo se indica en la música mediante la marca, por ejemplo, sul G o IV (un número romano que indica tocar en la cuarta cuerda; por convención, las cuerdas se numeran desde el tono más alto y delgado (I) hasta el tono más bajo ( IV) Incluso sin instrucciones explícitas en la partitura, un violinista avanzado usará su discreción y sensibilidad artística para seleccionar qué cuerda tocar notas o pasajes específicos.

Cuerdas abiertas

Si se arquea o puntea una cuerda sin que ningún dedo la detenga, se dice que es una cuerda al aire . Esto da un sonido diferente al de una cuerda parada, ya que la cuerda vibra más libremente en la tuerca que debajo de un dedo. Además, es imposible usar el vibrato completamente en una cuerda al aire (aunque se puede lograr un efecto parcial deteniendo una nota una octava arriba en una cuerda adyacente y haciéndola vibrar, lo que introduce un elemento de vibrato en los sobretonos). En la tradición clásica, los violinistas suelen utilizar un cruce de cuerdas o un cambio de posición para permitirles evitar el cambio de timbre introducido por una cuerda al aire, a menos que lo indique el compositor. Esto es particularmente cierto para la Mi abierta, que a menudo se considera que tiene un sonido áspero. Sin embargo, también hay situaciones en las que se puede elegir específicamente una cuerda al aire para lograr un efecto artístico. Esto se ve en la música clásica que está imitando el zumbido de un órgano (JS Bach, en su Partita en Mi para violín solo, logró esto), tocando el violín (por ejemplo, Hoedown) o donde tomar medidas para evitar la cuerda al aire es musicalmente inapropiado ( por ejemplo, en la música barroca donde el cambio de posición era menos común). En pasajes rápidos de escalas o arpegios, se puede usar simplemente una cuerda E abierta por conveniencia si la nota no tiene tiempo para sonar y desarrollar un timbre áspero. En la música folclórica, el violín y otros géneros musicales tradicionales , las cuerdas al aire se utilizan comúnmente por su timbre resonante.

Tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota parada en una cuerda adyacente produce un zumbido parecido a una gaita, a menudo utilizado por los compositores para imitar la música folclórica . A veces, las dos notas son idénticas (por ejemplo, tocar un A con los dedos en la cuerda D contra la cuerda A al aire), dando una especie de sonido de "violín". Tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota detenida idéntica también puede ser necesario cuando se requiere más volumen, especialmente en la interpretación orquestal. Algunas partes de violín clásico tienen notas para las que el compositor pide al violinista que toque una cuerda al aire, debido a la sonoridad específica creada por una cuerda al aire.

Dobles paradas, triples paradas, acordes y drones

La parada doble es cuando dos cuerdas separadas se detienen con los dedos y se arquean simultáneamente, produciendo dos tonos continuos (los intervalos típicos incluyen terceras, cuartas, quintas, sextas y octavas). Las paradas dobles se pueden indicar en cualquier posición, aunque el intervalo más amplio que se puede parar dos veces de forma natural en una posición es una octava (con el dedo índice en la cuerda inferior y el dedo meñique en la cuerda superior). No obstante, a veces se requiere que los intervalos de décimas o incluso más se detengan dos veces en el repertorio avanzado, lo que da como resultado una posición de la mano izquierda estirada con los dedos extendidos. El término "doble parada" se usa a menudo para abarcar el sonido de una cuerda al aire junto con una nota digitada, aunque solo un dedo detiene la cuerda.

Cuando se indican tres o cuatro notas simultáneas, el violinista generalmente "divide" el acorde, eligiendo la o las dos notas inferiores para tocar primero antes de continuar inmediatamente con la o las dos notas superiores, con la resonancia natural del instrumento produciendo un efecto. similar a si las cuatro notas se hubieran sonado simultáneamente. En algunas circunstancias, es posible una "parada triple", donde tres notas en tres cuerdas se pueden expresar simultáneamente. El arco naturalmente no tocará tres cuerdas a la vez, pero si hay suficiente velocidad y presión del arco cuando el violinista "rompe" (suena) un acorde de tres notas, el arco puede doblarse temporalmente en tres cuerdas, permitiendo que cada una suene simultáneamente. . Esto se logra con un golpe fuerte, generalmente cerca de la rana, y produce un tono fuerte y agresivo. Las paradas dobles en la orquesta ocasionalmente se marcan como divisi y se dividen entre los músicos, con una división de los músicos tocando la nota más baja y otra división tocando la nota más alta. Las paradas dobles (y divisi) son comunes en el repertorio orquestal cuando los violines tocan acompañamiento y otro instrumento o sección toca melódicamente.

En algunos géneros de interpretación históricamente informada (generalmente de música barroca y anteriores), no se cree que sean apropiados ni los acordes divididos ni los acordes triples; algunos violinistas arpegiarán todos los acordes (incluidas las paradas dobles regulares), tocando todas o la mayoría de las notas individualmente como si hubieran sido escritas como una figura ligada. Sin embargo, con el desarrollo de los violines modernos, la triple parada se ha vuelto más natural debido a que el puente es menos curvo. En algunos estilos musicales, se puede tocar un zumbido sostenido de cuerda abierta durante un pasaje escrito principalmente en una cuerda adyacente, para proporcionar un acompañamiento básico. Esto se ve más a menudo en las tradiciones populares que en la música clásica.

vibrato

Kyoko Yonemoto tocando el Capricho No. 24 de Paganini en un violín
Petrowitsch Bissing fue instructor del método vibrato en el violín y publicó un libro titulado Cultivation of the Violin Vibrato Tone .

Vibrato es una técnica de la mano y el brazo izquierdos en la que el tono de una nota varía sutilmente en un ritmo pulsante. Si bien varias partes de la mano o el brazo pueden estar involucradas en el movimiento, el resultado es un movimiento de la punta del dedo que provoca un ligero cambio en la longitud de la cuerda que vibra, lo que provoca una ondulación en el tono. La mayoría de los violinistas oscilan por debajo de la nota, o tienen un tono más bajo que la nota real cuando usan vibrato, ya que se cree que la percepción favorece el tono más alto en un sonido variable. Vibrato hace poco, si es que algo, para disfrazar una nota desafinada; en otras palabras, el vibrato mal aplicado es un mal sustituto de una buena entonación. Las escalas y otros ejercicios destinados a trabajar la entonación generalmente se tocan sin vibrato para que el trabajo sea más fácil y efectivo. A los estudiantes de música a menudo se les enseña que, a menos que se indique lo contrario en la música, se asume el vibrato. Sin embargo, debe tenerse en cuenta que esto es solo una tendencia; no hay nada en la partitura que obligue a los violinistas a agregar vibrato. Esto puede ser un obstáculo para un violinista de formación clásica que desee tocar en un estilo que utilice poco o ningún vibrato, como la música barroca tocada en estilo de época y muchos estilos tradicionales de violín.

El vibrato se puede producir mediante una combinación adecuada de movimientos de los dedos, la muñeca y el brazo. Un método, llamado vibrato de mano (o vibrato de muñeca ), consiste en mover la mano hacia atrás a la altura de la muñeca para lograr la oscilación. Por el contrario, otro método, vibrato de brazo , modula el tono mediante el movimiento del codo. Una combinación de estas técnicas permite que un jugador produzca una gran variedad de efectos tonales. El "cuándo" y "para qué" y "cuánto" del vibrato de violín son cuestiones artísticas de estilo y gusto, con diferentes maestros, escuelas de música y estilos de música que favorecen diferentes estilos de vibrato. Por ejemplo, el vibrato exagerado puede distraer. En términos acústicos, el interés que el vibrato agrega al sonido tiene que ver con la forma en que se mezclan los sobretonos (o el color del tono, o el timbre) y el patrón direccional de la proyección del sonido cambia con los cambios de tono. Al "apuntar" el sonido a diferentes partes de la habitación de manera rítmica, el vibrato agrega un "brillo" o "vivacidad" al sonido de un violín bien hecho. El vibrato se deja, en gran parte, a la discreción del violinista. Diferentes tipos de vibrato traerán diferentes estados de ánimo a la pieza, y los diversos grados y estilos de vibrato son a menudo características que se destacan en violinistas conocidos.

trino de vibrato

A veces se puede usar un movimiento similar al vibrato para crear un efecto de trino rápido . Para ejecutar este efecto, el dedo sobre el dedo que detiene la nota se coloca muy ligeramente fuera de la cuerda (presionado firmemente contra el dedo que detiene la cuerda) y se implementa un movimiento de vibrato. El segundo dedo tocará ligeramente la cuerda sobre el dedo inferior con cada oscilación, lo que hará que el tono oscile de una manera que suene como una mezcla entre un vibrato amplio y un trino muy rápido. Esto da una transición menos definida entre la nota más alta y la más baja, y generalmente se implementa por elección interpretativa. Esta técnica de trino solo funciona bien para trinos semitonales o trinos en posiciones altas (donde se reduce la distancia entre las notas), ya que requiere que el dedo que trina y el dedo debajo de él se toquen, lo que limita la distancia que se puede trinar. En posiciones muy altas, donde la distancia trino es menor que el ancho del dedo, un trino de vibrato puede ser la única opción para los efectos de trino.

Armónicos

Tocar ligeramente la cuerda con la yema del dedo en un nodo armónico , pero sin presionar completamente la cuerda, y luego puntear o inclinar la cuerda, crea armónicos . En lugar del tono normal, suena una nota más aguda. Cada nodo se encuentra en una división entera de la cadena, por ejemplo, a la mitad o un tercio de la longitud de la cadena. Un instrumento receptivo hará sonar numerosos nodos armónicos posibles a lo largo de la cuerda. Los armónicos están marcados en la música con un pequeño círculo sobre la nota que determina el tono del armónico, o con cabezas de nota en forma de diamante. Hay dos tipos de armónicos: armónicos naturales y armónicos artificiales (también conocidos como falsos armónicos ).

Los armónicos naturales se tocan en una cuerda al aire. El tono de la cuerda al aire cuando se puntea o se arquea se llama frecuencia fundamental. Los armónicos también se denominan sobretonos o parciales . Ocurren en múltiplos de números enteros de la fundamental, que se llama el primer armónico. El segundo armónico es el primer sobretono (la octava por encima de la cuerda al aire), el tercer armónico es el segundo sobretono, y así sucesivamente. El segundo armónico está en el medio de la cuerda y suena una octava más alta que el tono de la cuerda. El tercer armónico rompe la cuerda en tercios y suena una octava y una quinta por encima de la fundamental, y el cuarto armónico rompe la cuerda en cuartos sonando dos octavas por encima de la primera. El sonido del segundo armónico es el más claro de todos, porque es un nodo común con todos los armónicos pares posteriores (4º, 6º, etc.). El tercero y los siguientes armónicos impares son más difíciles de tocar porque dividen la cuerda en un número impar de partes vibrantes y no comparten tantos nodos con otros armónicos.

Los armónicos artificiales son más difíciles de producir que los armónicos naturales, ya que implican detener la cuerda y tocar un armónico en la nota detenida. Usando el marco de octava (la distancia normal entre los dedos índice y anular en cualquier posición dada) con el dedo anular simplemente tocando la cuerda un cuarto más alto que la nota detenida produce el cuarto armónico, dos octavas por encima de la nota detenida. La colocación y la presión de los dedos, así como la velocidad del arco, la presión y el punto de sonido son esenciales para lograr que suene el armónico deseado. Y para agregar al desafío, en pasajes con diferentes notas tocadas como armónicos falsos, la distancia entre el dedo de parada y el dedo armónico debe cambiar constantemente, ya que el espacio entre notas cambia a lo largo de la cuerda.

El dedo armónico también puede tocar una tercera mayor por encima de la nota presionada (la quinta armónica), o una quinta más alta (una tercera armónica). Estos armónicos se usan con menos frecuencia; en el caso de la tercera mayor, tanto la nota detenida como la nota tocada deben tocarse ligeramente sostenida, de lo contrario, el armónico no habla tan fácilmente. En el caso de la quinta, el estiramiento es mayor de lo que resulta cómodo para muchos violinistas. En el repertorio general no se utilizan fracciones menores de un sexto. Sin embargo, a veces se utilizan divisiones de hasta un octavo y, con un buen instrumento y un ejecutante hábil, son posibles divisiones tan pequeñas como un doceavo. Hay algunos libros dedicados únicamente al estudio de los armónicos del violín. Dos obras completas son la Teoría de los armónicos de siete volúmenes de Henryk Heller , publicada por Simrock en 1928, y la Tecnica dei suoni armonici de cinco volúmenes de Michelangelo Abbado publicada por Ricordi en 1934.

Se pueden encontrar pasajes elaborados en armónicos artificiales en la literatura de virtuosos del violín, especialmente del siglo XIX y principios del XX. Dos ejemplos notables de esto son una sección completa de Csárdás de Vittorio Monti y un pasaje hacia la mitad del tercer movimiento del Concierto para violín de Pyotr Ilyich Tchaikovsky . Una sección del tercer movimiento del Concierto para violín n. ° 1 de Paganini consta de tercios con doble parada en armónicos.

Cuando las cuerdas están desgastadas, sucias y viejas, es posible que los armónicos ya no tengan un tono preciso. Por esta razón, los violinistas cambian sus cuerdas con regularidad.

Mano derecha y color de tono

Las cuerdas pueden sonar pasando el pelo del arco sostenido por la mano derecha a través de ellas ( arco ) o punteándolas ( pizzicato ) más a menudo con la mano derecha. En algunos casos, el violinista tocará las cuerdas con la mano izquierda. Esto se hace para facilitar las transiciones de pizzicato a arco. También se utiliza en algunas obras maestras virtuosas. El pizzicato de la mano izquierda generalmente se hace con cuerdas al aire. Pizzicato se usa en todos los instrumentos de la familia del violín; sin embargo, el estudio sistemático de las técnicas avanzadas de pizzicato está más desarrollado en el bajo de jazz , un estilo en el que el instrumento se pulsa casi exclusivamente.

El brazo derecho, la mano y el arco y la velocidad del arco son responsables de la calidad del tono, el ritmo , la dinámica , la articulación y la mayoría (pero no todos) los cambios en el timbre . El jugador pasa el arco sobre la cuerda, lo que hace que la cuerda vibre y produzca un tono sostenido. El arco es un palo de madera con pelo de cola de caballo tensado, que ha sido rosinado con una barra de colofonia . La textura natural de la crin de caballo y la pegajosidad de la colofonia ayudan al arco a "agarrar" la cuerda y, por lo tanto, cuando se tira del arco sobre la cuerda, el arco hace que la cuerda suene un tono.

La reverencia se puede utilizar para producir notas o melodías prolongadas y sostenidas. Con una sección de cuerdas , si los músicos de una sección cambian sus arcos en diferentes momentos, una nota puede parecer infinitamente sostenible. Además, el arco se puede usar para tocar pequeñas notas cortas y nítidas, como notas repetidas, escalas y arpegios, que proporcionan un ritmo propulsor en muchos estilos de música.

Técnicas de reverencia

La parte más esencial de la técnica del arco es el agarre del arco. Suele ser con el pulgar doblado en la pequeña zona entre la ranilla y la cuerda del arco. Los otros dedos se distribuyen de manera algo uniforme en la parte superior del arco. El dedo meñique se curva con la punta del dedo colocada sobre la madera al lado del tornillo. El violín produce notas más fuertes con mayor velocidad del arco o más peso en la cuerda. Los dos métodos no son equivalentes, porque producen timbres diferentes; presionar la cuerda hacia abajo tiende a producir un sonido más áspero e intenso. También se puede lograr un sonido más fuerte colocando el arco más cerca del puente.

El punto de sonido donde el arco se cruza con la cuerda también influye en el timbre (o "color de tono"). Tocar cerca del puente ( sul ponticello ) da un sonido más intenso de lo habitual, enfatizando los armónicos más altos; y tocar con el arco sobre el extremo del diapasón ( sul tasto ) produce un sonido delicado y etéreo, enfatizando la frecuencia fundamental . Shinichi Suzuki se refirió al punto de sondeo como la autopista Kreisler ; uno puede pensar en diferentes puntos de sondeo como carriles en la carretera.

Varios métodos de ataque con el arco producen diferentes articulaciones . Hay muchas técnicas de arco que permiten cada rango de estilo de juego. Muchos profesores, músicos y orquestas pasan mucho tiempo desarrollando técnicas y creando una técnica unificada dentro del grupo. Estas técnicas incluyen el arco de estilo legato (un sonido suave, conectado y sostenido adecuado para las melodías), collé y una variedad de arcos que producen notas más cortas, como rebote, sautillé , martelé , spiccato y staccato.

Pizzicato

Una nota marcada como pizz. (abreviatura de pizzicato ) en la música escrita debe tocarse tirando de la cuerda con el dedo de la mano derecha en lugar de hacer una reverencia. (El dedo índice se usa más comúnmente aquí). A veces, en partes de orquesta o música solista virtuosa donde la mano del arco está ocupada (o para un efecto de exhibición), el pizzicato de la mano izquierda se indicará con un + (signo más) debajo o encima de la nota. En el pizzicato de la mano izquierda, se ponen dos dedos en la cuerda; uno (generalmente el dedo índice o medio) se coloca en la nota correcta, y el otro (generalmente el dedo anular o el dedo meñique) se coloca sobre la nota. El dedo superior pulsa la cuerda mientras el inferior permanece en ella, produciendo así el tono correcto. Al aumentar la fuerza del punteo, se puede aumentar el volumen de la nota que produce la cuerda. Pizzicato se utiliza en obras orquestales y en obras maestras en solitario. En las partes orquestales, los violinistas a menudo tienen que hacer cambios muy rápidos de arco a pizzicato y viceversa.

Col legno

Una marca de col legno ( italiano para "con la madera") en la música escrita requiere golpear la cuerda (s) con la baqueta del arco, en lugar de pasar el pelo del arco por las cuerdas. Esta técnica de arco rara vez se usa y da como resultado un sonido de percusión apagado. La inquietante cualidad de una sección de violines tocando col legno se explota en algunas piezas sinfónicas, en particular la "Danza de las brujas" del último movimiento de la Sinfonía fantástica de Berlioz . El poema sinfónico de Saint-Saëns Danse Macabre incluye la sección de cuerdas utilizando la técnica col legno para imitar el sonido de esqueletos danzantes. "Mars" de " The Planets " de Gustav Holst usa col legno para tocar un ritmo repetido en5
4
Signatura de compás.
The Young Person's Guide to the Orchestra de Benjamin Britten exige su uso en la variación " Percusión ". Dmitri Shostakovich lo usa en su Decimocuarta Sinfonía en el movimiento 'En la cárcel de Sante'. Algunos violinistas, sin embargo, se oponen a este estilo de tocar, ya que puede dañar el acabado y disminuir el valor de un buen arco, pero la mayoría de ellos se comprometen a usar un arco barato durante al menos la duración del pasaje en cuestión.

Destacado

Un golpe suave y uniforme durante el cual la velocidad y el peso del arco son los mismos desde el principio del golpe hasta el final.

Martelé

Literalmente martillado , un efecto fuertemente acentuado que se produce al soltar cada golpe de arco con fuerza y ​​de repente. Martelé se puede tocar en cualquier parte del arco. A veces se indica en la música escrita con una punta de flecha.

Trémolo

El trémolo es la repetición muy rápida (típicamente de una sola nota, pero ocasionalmente de varias notas), generalmente tocada en la punta del arco. El trémolo está marcado con tres líneas cortas e inclinadas a lo largo de la plica de la nota. El trémolo se usa a menudo como efecto de sonido en la música orquestal, particularmente en la era de la música romántica (1800-1910) y en la música de ópera.

Mudo o sordo

Sordina de pinza ad hoc y sordina de práctica de goma

Colocar un pequeño dispositivo de metal, goma, cuero o madera llamado sordo o sordo en el puente del violín da un tono más suave, más suave, con menos armónicos audibles ; el sonido de toda una sección de cuerdas orquestal tocando con sordinas tiene una cualidad silenciosa. El silencio cambia tanto el volumen como el timbre ("color de tono") de un violín. Se conservan las marcas italianas convencionales para el uso de la sordina . , o con sordino , que significa 'con mudo'; y senza sord. , que significa 'sin mudo'; o vía sord. , que significa 'silencio apagado'.

Las sordinas de metal, caucho o madera más grandes están ampliamente disponibles, conocidas como sordinas de práctica o sordinas de hotel . Estos silenciadores generalmente no se usan en presentaciones, pero se usan para amortiguar el sonido del violín en áreas de práctica como habitaciones de hotel. (Para fines de práctica también existe el violín sordo , un violín sin caja de resonancia). Algunos compositores han utilizado sordinas de práctica para efectos especiales, por ejemplo, al final de la Sequenza VIII de Luciano Berio para violín solo.

estilos musicales

Música clásica

Una sonata para dos violines del compositor barroco Telemann . Una composición de violín barroco relativamente típica, probablemente se habría interpretado originalmente con menos uso de vibrato .
Mischa Elman interpretando la Meditación de la ópera Thais de Massenet, grabada en 1919. El estilo de interpretación muy legato , con un uso abundante de portamento , rubato y vibrato y los registros más altos del instrumento es típico de la interpretación del violín en el período romántico tardío .

Desde la época barroca , el violín ha sido uno de los más importantes de todos los instrumentos de la música clásica , por varias razones. El tono del violín destaca sobre otros instrumentos, haciéndolo apropiado para tocar una línea melódica. En manos de un buen ejecutante, el violín es extremadamente ágil y puede ejecutar secuencias de notas rápidas y difíciles.

Los violines constituyen una gran parte de una orquesta , y generalmente se dividen en dos secciones, conocidas como primeros y segundos violines. Los compositores a menudo asignan la melodía a los primeros violines, generalmente una parte más difícil que usa posiciones más altas. Por el contrario, los segundos violines tocan la armonía, los patrones de acompañamiento o la melodía una octava más baja que los primeros violines. De manera similar, un cuarteto de cuerdas tiene partes para primeros y segundos violines, así como una parte de viola y un instrumento bajo, como el violonchelo o, rara vez, el contrabajo .

Jazz

Las primeras referencias a la interpretación de jazz utilizando el violín como instrumento solista están documentadas durante las primeras décadas del siglo XX. Joe Venuti , uno de los primeros violinistas de jazz, es conocido por su trabajo con el guitarrista Eddie Lang durante la década de 1920. Desde entonces, ha habido muchos violinistas improvisadores , incluidos Stéphane Grappelli , Stuff Smith , Eddie South , Regina Carter , Johnny Frigo , John Blake , Adam Taubitz , Leroy Jenkins y Jean-Luc Ponty . Si bien no son principalmente violinistas de jazz, Darol Anger y Mark O'Connor han pasado una parte importante de sus carreras tocando jazz. La violinista suizo-cubana Yilian Cañizares mezcla el jazz con la música cubana.

Los violines también aparecen en conjuntos que proporcionan fondos orquestales a muchas grabaciones de jazz.

musica clasica india

El violín indio, si bien es esencialmente el mismo instrumento que se usa en la música occidental, es diferente en algunos sentidos. El instrumento está afinado de modo que las cuerdas IV y III (G y D en un violín afinado al estilo occidental) y las cuerdas II e I (A y E) son pares sa-pa (do-sol) y suenan igual pero están compensadas. por una octava, similar a la scordatura común o afinaciones cruzadas de violín como G3–D4–G4–D5 o A3–E4–A4–E5. La tónica sa (do) no es fija, sino que se afina de forma variable para adaptarse al vocalista o al intérprete principal. La forma en que el músico sostiene el instrumento varía de la música occidental a la india. En la música india, el músico se sienta en el suelo con las piernas cruzadas y el pie derecho delante de él. La voluta del instrumento descansa sobre el pie. Esta posición es esencial para tocar bien debido a la naturaleza de la música india. La mano puede moverse por todo el diapasón y no hay una posición establecida para la mano izquierda, por lo que es importante que el violín esté en una posición estable e inmóvil.

Musica Popular

Andrew Bird con violín, 2009.
Lindsey Stirling actuando en TEDx Berkeley, 2012.
Eric Stanley actuando en TEDx Richmond, 2013.

Hasta al menos la década de 1970, la mayoría de los tipos de música popular usaban secciones de cuerda frotada . Se utilizaron ampliamente en la música popular durante la década de 1920 y principios de la de 1930. Sin embargo, con el auge de la música swing , de 1935 a 1945, el sonido de las cuerdas se usó a menudo para aumentar la plenitud de la música de big band . Después de la era del swing , desde finales de la década de 1940 hasta mediados de la de 1950, las cuerdas comenzaron a revivir en la música pop tradicional . Esta tendencia se aceleró a fines de la década de 1960, con un resurgimiento significativo del uso de las cuerdas, especialmente en la música soul . Las grabaciones populares de Motown de finales de la década de 1960 y 1970 dependían en gran medida de las cuerdas como parte de su textura característica. El auge de la música disco en la década de 1970 continuó esta tendencia con el uso intensivo de instrumentos de cuerda en orquestas disco populares (por ejemplo, Love Unlimited Orchestra , Biddu Orchestra, Monster Orchestra , Salsoul Orchestra , MFSB ).

Con el auge de la música creada electrónicamente en la década de 1980, los violines declinaron en uso, ya que los sonidos de cuerdas sintetizados tocados por un tecladista con un sintetizador tomaron su lugar. Sin embargo, mientras que el violín ha tenido muy poco uso en la música rock convencional , tiene algo de historia en el rock progresivo (por ejemplo, Electric Light Orchestra , King Crimson , Kansas , Gentle Giant ). El álbum de 1973 Contaminazione de RDM de Italia toca violines contra sintetizadores en su final ("La grande fuga"). El instrumento tiene un lugar más fuerte en las bandas modernas de fusión de jazz , en particular The Corrs . El violín a veces es parte de la música folk rock británica , como lo ejemplifican artistas como Fairport Convention y Steeleye Span .

La popularidad de la música cruzada que comenzó en los últimos años del siglo XX ha traído de vuelta al violín al campo de la música popular, y las bandas populares utilizan tanto violines eléctricos como acústicos. Dave Matthews Band presenta al violinista Boyd Tinsley . The Flock contó con el violinista Jerry Goodman , quien más tarde se unió a la banda de fusión de jazz-rock , The Mahavishnu Orchestra . James ' Saul Davies , quien también es guitarrista , fue reclutado por la banda como violinista. Para sus primeros tres álbumes y sencillos relacionados, el grupo británico No-Man hizo un uso extensivo del violín solo eléctrico y acústico interpretado por el miembro de la banda Ben Coleman (que tocaba el violín exclusivamente).

La banda de pop-punk Yellowcard ha hecho del violín un pilar en su música. El violinista Sean Mackin ha sido miembro de la banda desde 1997. Los Salvadores también combinan influencias punk y ska con un violín. La banda de doom metal My Dying Bride ha utilizado el violín como parte de su formación en muchos de sus álbumes. El violín aparece de forma destacada en la música del grupo español de folk metal Mägo de Oz (por ejemplo, en su éxito de 1998 " Molinos de viento "). El violinista (Carlos Prieto alias "Mohamed") ha sido uno de los miembros más populares del grupo entre los fanáticos desde 1992. El instrumento también se usa a menudo en el metal sinfónico , particularmente por bandas como Therion , Nightwish , Within Temptation , Haggard y Epica . , aunque también se puede encontrar en bandas de Gothic Metal como Tristania y Theatre of Tragedy . El vocalista de la banda de rock alternativo Hurt toca el violín para la banda, lo que la convierte en una de las pocas bandas de rock que presenta el violín sin contratar a un trabajador de sesión. La banda de folk metal Ithilien utiliza el violín ampliamente a lo largo de su discografía. La banda de metal progresivo Ne Obliviscaris cuenta con un violinista, Tim Charles, en su formación.

Artistas independientes, como Owen Pallett , The Shondes y Andrew Bird , también han despertado un mayor interés en el instrumento. Las bandas independientes a menudo han adoptado arreglos nuevos e inusuales, lo que les permite más libertad para presentar el violín que muchos artistas musicales convencionales. Ha sido utilizado en el género post-rock por bandas como A Genuine Freakshow , Sigur Rós , Zox , Broken Social Scene y A Silver Mt. Zion . El violín eléctrico incluso ha sido utilizado por bandas como The Crüxshadows en el contexto de la música basada en teclados. Lindsey Stirling toca el violín junto con ritmos y ritmos electrónicos, dubstep y trance.

Eric Stanley improvisa con el violín con música hip hop /pop/elementos clásicos y ritmos instrumentales. La exitosa banda de indie rock y pop barroco Arcade Fire utiliza violines ampliamente en sus arreglos. La música pop india , turca y árabe está llena del sonido de los violines, tanto solistas como conjuntos .

Música folclórica y violín

El violinista Hins Anders Ersson pintado por Anders Zorn , 1904

Como muchos otros instrumentos utilizados en la música clásica , el violín desciende de ancestros remotos que se utilizaban para la música folclórica . Después de una etapa de desarrollo intensivo a finales del Renacimiento , en gran parte en Italia , el violín había mejorado (en volumen, tono y agilidad), hasta el punto de que no solo se convirtió en un instrumento muy importante en la música artística, sino que resultó muy atractivo para músicos folclóricos también, que en última instancia se extendieron muy ampliamente, a veces desplazando a los instrumentos de arco anteriores. Los etnomusicólogos han observado su uso generalizado en Europa, Asia y las Américas.

Cuando se toca como un instrumento popular, el violín generalmente se conoce en inglés como fiddle (aunque el término fiddle se puede usar de manera informal sin importar el género musical). En todo el mundo, existen varios instrumentos de cuerda, como el violín de rueda y el violín Apache , que también se denominan "violines". La música de violín se diferencia de la clásica en que las melodías generalmente se consideran música de baile y se utilizan varias técnicas, como zumbido, reproducción aleatoria y ornamentación específica para estilos particulares. En muchas tradiciones de la música folclórica, las melodías no se escriben sino que son memorizadas por sucesivas generaciones de músicos y se transmiten en lo que se conoce como tradición oral . Muchas piezas antiguas requieren una afinación cruzada o el uso de afinaciones distintas al GDAE estándar. Algunos jugadores de estilos estadounidenses de violín popular (como bluegrass o old-time) tienen el borde superior de su puente cortado en una curva ligeramente más plana, lo que hace que técnicas como "doble barajar" sean menos exigentes para el brazo del arco, ya que reduce el rango de movimiento necesario para alternar entre paradas dobles en diferentes pares de cuerdas. Los violinistas que usan cuerdas con núcleo de acero sólido pueden preferir usar un cordal con afinadores finos en las cuatro cuerdas, en lugar del afinador fino único en la cuerda E que usan muchos músicos clásicos.

música arábica

Además del rababah árabe , el violín se ha utilizado en la música árabe.

violines electricos

violines acusticos y electricos

Los violines eléctricos tienen una pastilla magnética o piezoeléctrica que convierte la vibración de las cuerdas en una señal eléctrica. Un cable de conexión o un transmisor inalámbrico envía la señal a un amplificador de un sistema de megafonía . Los violines eléctricos generalmente se construyen como tales, pero se puede agregar una pastilla a un violín acústico convencional. Un violín eléctrico con un cuerpo resonante que produce un sonido de nivel auditivo independientemente de los elementos eléctricos puede denominarse violín electroacústico . Para ser efectivos como violín acústico, los violines electroacústicos conservan gran parte del cuerpo resonante del violín y, a menudo, se asemejan a un violín o violín acústico. El cuerpo puede estar acabado en colores vivos y fabricado con materiales alternativos a la madera. Es posible que estos violines deban conectarse a un amplificador de instrumentos oa un sistema de megafonía . Algunos tipos vienen con una opción silenciosa que le permite al jugador usar auriculares que están conectados al violín. Los primeros violines eléctricos especialmente construidos datan de 1928 y fueron fabricados por Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner , George Beauchamp , Hugo Benioff y Fredray Kislingbury. Estos violines se pueden conectar a unidades de efectos , como una guitarra eléctrica , incluyendo distorsión , pedal wah-wah y reverberación . Dado que los violines eléctricos no dependen de la tensión y la resonancia de las cuerdas para amplificar su sonido, pueden tener más cuerdas. Por ejemplo, los violines eléctricos de cinco cuerdas están disponibles de varios fabricantes, y también está disponible un violín eléctrico de siete cuerdas (con tres cuerdas inferiores que abarcan el rango del violonchelo ). La mayoría de los primeros violinistas eléctricos eran músicos que tocaban jazz fusión (p. ej., Jean-Luc Ponty ) y música popular.

Autenticación de violín

La autenticación de violín es el proceso de determinar el fabricante y la fecha de fabricación de un violín. Este proceso es similar al utilizado para determinar la procedencia de las obras de arte. Este puede ser un proceso importante, ya que se puede otorgar un valor significativo a los violines fabricados por fabricantes específicos o en momentos y lugares específicos. La falsificación y otros métodos de tergiversación fraudulenta pueden usarse para inflar el valor de un instrumento.

Ver también

notas

Referencias

Bibliografía

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Otras lecturas

enlaces externos