Período clásico (música) - Classical period (music)

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Wolfgang Amadeus Mozart (sentado al teclado)

El período clásico fue una era de música clásica entre aproximadamente 1730 y 1820.

El período clásico se sitúa entre el barroco y el romántico . La música clásica tiene una textura más clara y clara que la música barroca y es menos compleja. Es principalmente homofónico , utilizando una línea melódica clara sobre un acompañamiento de acordes subordinados , pero el contrapunto no se olvidó de ninguna manera, especialmente más tarde en el período. También hace uso del estilo galant que enfatizó la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y la grandeza impresionante del barroco. La variedad y el contraste dentro de una pieza se hicieron más pronunciados que antes y la orquesta aumentó en tamaño, rango y poder.

El clavicémbalo fue reemplazado como el principal instrumento de teclado por el piano (o fortepiano ). A diferencia del clavicémbalo, que puntea cuerdas con púas, los pianos golpean las cuerdas con martillos cubiertos de cuero cuando se presionan las teclas, lo que permite al intérprete tocar más fuerte o más suave (de ahí el nombre original "fortepiano", literalmente "fuerte y suave") y jugar con más expresión; por el contrario, la fuerza con la que un intérprete toca las teclas del clavicémbalo no cambia el sonido. La música instrumental fue considerada importante por los compositores del período clásico. Los principales tipos de música instrumental eran la sonata , el trío , el cuarteto de cuerdas , el quinteto , la sinfonía (interpretada por una orquesta) y el concierto solo , que presentaba a un virtuoso solista tocando una obra solista para violín, piano, flauta u otro instrumento. acompañado de una orquesta. La música vocal, como las canciones para un cantante y piano (en particular la obra de Schubert), las obras corales y la ópera (una obra dramática puesta en escena para cantantes y orquesta) también fueron importantes durante este período.

Los compositores más conocidos de este período son Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven y Franz Schubert ; otros nombres notables incluyen Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Leopold Mozart , Giovanni Paisiello , François-André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Mauro Giuliani , Christian Cannabich y el Chevalier de Saint-Georges . Beethoven es considerado un compositor romántico o un compositor del período clásico que fue parte de la transición a la era romántica. Schubert es también una figura de transición, al igual que Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek y Niccolò Paganini . El período se conoce a veces como la era del clasicismo vienés (alemán: Wiener Klassik ), ya que Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven y Schubert trabajaron en Viena .

Clasicismo

A mediados del siglo XVIII, Europa comenzó a moverse hacia un nuevo estilo en la arquitectura , la literatura y las artes, generalmente conocido como Clasicismo . Este estilo buscó emular los ideales de la antigüedad clásica , especialmente los de la Grecia clásica . La música clásica usaba formalidad y énfasis en el orden y la jerarquía, y un estilo "más claro" y "más limpio" que usaba divisiones más claras entre las partes (en particular, una melodía clara y única acompañada de acordes), contrastes más brillantes y "colores de tono" (logrados por el uso de cambios dinámicos y modulaciones a más teclas). En contraste con la música ricamente estratificada de la era barroca, la música clásica se movió hacia la simplicidad en lugar de la complejidad. Además, el tamaño típico de las orquestas comenzó a aumentar, dando a las orquestas un sonido más potente.

El notable desarrollo de ideas en la " filosofía natural " ya se había establecido en la conciencia pública. En particular, se tomó la física de Newton como paradigma: las estructuras deben estar bien fundadas en axiomas y estar bien articuladas y ordenadas. Este gusto por la claridad estructural comenzó a afectar a la música, que se alejó de la polifonía estratificada del período barroco hacia un estilo conocido como homofonía , en el que la melodía se toca sobre una armonía subordinada . Este movimiento significó que los acordes se convirtieron en una característica mucho más frecuente de la música, incluso si interrumpían la suavidad melódica de una sola parte. Como resultado, la estructura tonal de una pieza musical se volvió más audible .

El nuevo estilo también fue alentado por cambios en el orden económico y la estructura social. A medida que avanzaba el siglo XVIII, la nobleza se convirtió en la principal patrocinadora de la música instrumental, mientras que el gusto del público prefería cada vez más las óperas cómicas más ligeras y divertidas . Esto llevó a cambios en la forma en que se interpretaba la música, el más crucial de los cuales fue el cambio a grupos instrumentales estándar y la reducción en la importancia del continuo , la base rítmica y armónica de una pieza musical, típicamente tocada por un teclado ( clavecín u órgano ) y generalmente acompañado por un grupo variado de instrumentos de bajo, que incluyen violonchelo , contrabajo , violín bajo y teorbo . Una forma de rastrear el declive del continuo y sus acordes figurados es examinar la desaparición del término obbligato , que significa parte instrumental obligatoria en una obra de música de cámara . En las composiciones barrocas, se podrían agregar instrumentos adicionales al grupo de continuo según la preferencia del grupo o del líder; en las composiciones clásicas, todas las partes se anotaron específicamente, aunque no siempre se anotaron , por lo que el término "obbligato" se volvió redundante. Para 1800, el bajo continuo estaba prácticamente extinto, excepto por el uso ocasional de una parte de continuo de órgano de tubos en una misa religiosa a principios del siglo XIX.

Los cambios económicos también tuvieron el efecto de alterar el equilibrio entre disponibilidad y calidad de los músicos. Mientras que en el Barroco tardío, un compositor importante tenía todos los recursos musicales de una ciudad para aprovechar, las fuerzas musicales disponibles en un pabellón de caza aristocrático o una corte pequeña eran más pequeñas y más fijas en su nivel de habilidad. Esto fue un estímulo para tener partes más simples para que los músicos de conjunto las tocasen, y en el caso de un grupo virtuoso residente, un estímulo para escribir partes idiomáticas espectaculares para ciertos instrumentos, como en el caso de la orquesta de Mannheim , o partes de solistas virtuosos para violinistas o flautistas particularmente hábiles. Además, el apetito del público por un suministro continuo de nueva música se trasladó del barroco. Esto significaba que las obras debían poder ejecutarse con, en el mejor de los casos, uno o dos ensayos. Incluso después de 1790, Mozart escribe sobre "el ensayo", con la implicación de que sus conciertos sólo tendrían un ensayo.

Dado que hubo un mayor énfasis en una sola línea melódica, hubo un mayor énfasis en anotar esa línea para la dinámica y el fraseo. Esto contrasta con la época barroca, cuando las melodías se escribían típicamente sin dinámicas, frases ni adornos, ya que se suponía que el intérprete improvisaría estos elementos en el acto. En la era clásica, se hizo más común que los compositores indicaran dónde querían que los artistas tocaran adornos como trinos o giros. La simplificación de la textura hizo que el detalle instrumental fuera más importante y también hizo que el uso de ritmos característicos, como las llamativas fanfarrias de apertura, el ritmo de la marcha fúnebre o el género del minueto, fueran más importantes para establecer y unificar el tono de un solo movimiento. .

El período clásico también vio el desarrollo gradual de la forma de la sonata , un conjunto de principios estructurales para la música que reconciliaban la preferencia clásica por el material melódico con el desarrollo armónico, que podría aplicarse a todos los géneros musicales. La sonata en sí continuó siendo la forma principal para la música solista y de cámara, mientras que más tarde, en el período clásico, el cuarteto de cuerdas se convirtió en un género prominente. La forma sinfónica para orquesta se creó en este período (esto se atribuye popularmente a Joseph Haydn ). El concerto grosso (un concierto para más de un músico), una forma muy popular en la época barroca, comenzó a ser reemplazado por el concierto en solitario , con un solo solista. Los compositores comenzaron a darle más importancia a la capacidad del solista en particular para mostrar habilidades virtuosas, con ejecuciones desafiantes, de escala rápida y arpegios. No obstante, quedaron algunos concerti grossi , siendo el más famoso la Sinfonia Concertante para violín y viola en mi bemol mayor de Mozart .

Un cuarteto de cuerda moderno. En la década de 2000, los cuartetos de
cuerda de la era clásica son el núcleo de la literatura de música de cámara. De izquierda a derecha: violín 1, violín 2, violonchelo, viola

Características principales

En el período clásico, el tema consta de frases con figuras melódicas y ritmos contrastantes . Estas frases son relativamente breves, típicamente de cuatro compases de longitud, y ocasionalmente pueden parecer escasas o concisas. La textura es principalmente homofónica , con una melodía clara sobre un acompañamiento de acordes subordinados , por ejemplo, un bajo Alberti . Esto contrasta con la práctica en la música barroca , donde una pieza o movimiento normalmente tendría un solo tema musical, que luego se trabajaría en varias voces de acuerdo con los principios del contrapunto , mientras se mantiene un ritmo o métrica constante en todo momento. Como resultado, la música clásica tiende a tener una textura más clara y clara que la barroca. El estilo clásico se inspira en el estilo galant , un estilo musical que enfatiza la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y la grandeza impresionante del barroco.

Estructuralmente, la música clásica tiene generalmente una forma musical clara , con un contraste bien definido entre tónica y dominante , introducido por cadencias claras . Las dinámicas se utilizan para resaltar las características estructurales de la pieza. En particular, la forma de sonata y sus variantes se desarrollaron durante el período clásico temprano y se usaba con frecuencia. El enfoque clásico de la estructura contrasta nuevamente con el barroco, donde una composición normalmente se movería entre tónica y dominante y viceversa, pero a través de un progreso continuo de cambios de acordes y sin una sensación de "llegada" a la nueva tonalidad. Si bien el contrapunto fue menos enfatizado en el período clásico, de ninguna manera fue olvidado, especialmente más tarde en el período, y los compositores todavía usaban el contrapunto en obras "serias" como sinfonías y cuartetos de cuerda, así como en piezas religiosas, como Misas.

El estilo musical clásico fue apoyado por desarrollos técnicos en instrumentos. La adopción generalizada del temperamento igual hizo posible la estructura musical clásica, al garantizar que las cadencias en todas las tonalidades sonaran similares. El fortepiano y luego el pianoforte reemplazaron al clavicémbalo , permitiendo un contraste más dinámico y melodías más sostenidas. Durante el período clásico, los instrumentos de teclado se volvieron más ricos, más sonoros y más poderosos.

La orquesta aumentó en tamaño y rango, y se estandarizó más. El papel del clavicordio o bajo continuo del órgano de tubos en la orquesta dejó de utilizarse entre 1750 y 1775, dejando que la sección de cuerdas de instrumentos de viento se convirtiera en una sección autónoma, que constaba de clarinetes , oboes , flautas y fagot .

Si bien la música vocal, como la ópera cómica, era popular, se le dio gran importancia a la música instrumental. Los principales tipos de música instrumental fueron la sonata , el trío , el cuarteto de cuerdas , el quinteto , la sinfonía , el concierto (generalmente para un instrumento virtuoso solista acompañado de orquesta) y piezas ligeras como serenatas y divertimentos . La forma de sonata se desarrolló y se convirtió en la forma más importante. Se utilizó para construir el primer movimiento de la mayoría de las obras a gran escala en sinfonías y cuartetos de cuerda . La forma de sonata también se utilizó en otros movimientos y en piezas individuales independientes, como oberturas .

Historia

Transición barroco / clásico c. 1730-1760

Gluck, detalle de un retrato de Joseph Duplessis , fechado en 1775 ( Kunsthistorisches Museum , Viena)

En su libro The Classical Style , el autor y pianista Charles Rosen afirma que desde 1755 hasta 1775, los compositores buscaron a tientas un nuevo estilo que fuera más efectivamente dramático. En el período del Alto Barroco, la expresión dramática se limitaba a la representación de los afectos individuales (la "doctrina de los afectos", o lo que Rosen denomina "sentimiento dramático"). Por ejemplo, en el oratorio Jephtha de Handel , el compositor representa cuatro emociones por separado, una para cada personaje, en el cuarteto "O, perdona a tu hija". Con el tiempo, esta descripción de las emociones individuales llegó a considerarse simplista y poco realista; los compositores buscaban retratar múltiples emociones, simultánea o progresivamente, dentro de un solo personaje o movimiento ("acción dramática"). Así, en el final del segundo acto de Die Entführung aus dem Serail de Mozart , los amantes pasan "de la alegría a través de la sospecha y la indignación a la reconciliación final".

Musicalmente hablando, esta "acción dramática" requería más variedad musical. Mientras que la música barroca se caracterizaba por un flujo continuo dentro de los movimientos individuales y texturas en gran parte uniformes, los compositores posteriores al Alto Barroco buscaron interrumpir este flujo con cambios abruptos en la textura, la dinámica, la armonía o el tempo. Entre los desarrollos estilísticos que siguieron al Alto Barroco, el más dramático llegó a llamarse Empfindsamkeit , (más o menos " estilo sensible "), y su practicante más conocido fue Carl Philipp Emmanuel Bach . Los compositores de este estilo emplearon las interrupciones antes mencionadas de la manera más abrupta, y la música puede sonar ilógica a veces. El compositor italiano Domenico Scarlatti llevó estos desarrollos más lejos. Sus más de quinientas sonatas de teclado de un solo movimiento también contienen cambios bruscos de textura, pero estos cambios se organizan en períodos, frases equilibradas que se convierten en un sello distintivo del estilo clásico. Sin embargo, los cambios de textura de Scarlatti todavía suenan repentinos y desprevenidos. El logro sobresaliente de los grandes compositores clásicos (Haydn, Mozart y Beethoven) fue su capacidad para hacer que estas sorpresas dramáticas suenen lógicamente motivadas, de modo que "lo expresivo y lo elegante pudieran unirse".

Entre la muerte de JS Bach y la madurez de Haydn y Mozart (aproximadamente 1750-1770), los compositores experimentaron con estas nuevas ideas, que se pueden ver en la música de los hijos de Bach. Johann Christian desarrolló un estilo que ahora llamamos rococó , que comprende texturas y armonías más simples, y que era "encantador, poco dramático y un poco vacío". Como se mencionó anteriormente, Carl Philipp Emmanuel buscó aumentar el drama y su música era "violenta, expresiva, brillante, continuamente sorprendente y, a menudo, incoherente". Y finalmente Wilhelm Friedemann, el hijo mayor de JS Bach, extendió las tradiciones barrocas de una manera idiomática y poco convencional.

Al principio, el nuevo estilo se apoderó de las formas barrocas —el ternario da capo aria , la sinfonía y el concierto—, pero compuesto con partes más simples, ornamentación más notada, en lugar de los ornamentos improvisados ​​que eran comunes en la época barroca, y una división más enfática de pedazos en secciones. Sin embargo, con el tiempo, la nueva estética provocó cambios radicales en la forma de ensamblar las piezas y cambiaron los diseños formales básicos. Los compositores de este período buscaron efectos dramáticos, melodías sorprendentes y texturas más claras. Uno de los grandes cambios de textura fue el alejamiento del estilo polifónico complejo y denso del barroco, en el que se tocaban simultáneamente múltiples líneas melódicas entrelazadas, y hacia la homofonía , una textura más ligera que utiliza una clara línea de melodía única acompañada de acordes.

La música barroca generalmente usa muchas fantasías armónicas y secciones polifónicas que se enfocan menos en la estructura de la pieza musical, y hubo menos énfasis en frases musicales claras. En el período clásico, las armonías se volvieron más simples. Sin embargo, la estructura de la pieza, las frases y los pequeños motivos melódicos o rítmicos, cobraron mucha más importancia que en el período barroco.

Sonata en sol menor de
Muzio Clementi , núm. 3, op. 50, "Didone abbandonata", movimiento adagio

Otra ruptura importante con el pasado fue la revisión radical de la ópera por Christoph Willibald Gluck , quien eliminó gran parte de los adornos de capas e improvisación y se centró en los puntos de modulación y transición. Al hacer estos momentos en los que la armonía cambia más de enfoque, permitió poderosos cambios dramáticos en el color emocional de la música. Para resaltar estas transiciones, usó cambios en la instrumentación ( orquestación ), melodía y modo . Entre los compositores más exitosos de su tiempo, Gluck generó muchos emuladores, incluido Antonio Salieri . Su énfasis en la accesibilidad trajo grandes éxitos en la ópera y en otras músicas vocales como canciones, oratorios y coros. Estos fueron considerados los tipos de música más importantes para la interpretación y, por lo tanto, gozaron de mayor éxito público.

La fase entre el Barroco y el surgimiento del Clásico (alrededor de 1730) fue el hogar de varios estilos musicales en competencia. La diversidad de caminos artísticos está representada en los hijos de Johann Sebastian Bach : Wilhelm Friedemann Bach , quien continuó la tradición barroca de manera personal; Johann Christian Bach , que simplificó las texturas del barroco e influyó más claramente en Mozart; y Carl Philipp Emanuel Bach , que compuso música apasionada ya veces violentamente excéntrica del movimiento Empfindsamkeit . La cultura musical estaba atrapada en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenían la técnica, pero el público estaba hambriento de lo nuevo. Ésta es una de las razones por las que CPE Bach fue tenido en tan alta estima: entendía bastante bien las formas antiguas y sabía cómo presentarlas con un nuevo atuendo, con una mayor variedad de formas.

1750-1775

Retrato de Haydn por Thomas Hardy , 1792

A finales de la década de 1750 había centros florecientes del nuevo estilo en Italia, Viena, Mannheim y París; se compusieron decenas de sinfonías y había bandas de músicos asociados con los teatros musicales. La ópera u otra música vocal acompañada por orquesta fue la característica de la mayoría de los eventos musicales, con conciertos y sinfonías (que surgen de la obertura ) que sirven como interludios instrumentales e introducciones para óperas y servicios religiosos. A lo largo del período Clásico, las sinfonías y los conciertos se desarrollaron y se presentaron independientemente de la música vocal.

Mozart escribió varios divertimentos, piezas instrumentales ligeras diseñadas para el entretenimiento. Este es el segundo movimiento de su Divertimento en mi bemol mayor, K.113.

El conjunto de orquesta "normal" —un cuerpo de cuerdas complementado por vientos— y los movimientos de carácter rítmico particular se establecieron a fines de la década de 1750 en Viena. Sin embargo, la longitud y el peso de las piezas todavía se establecieron con algunas características barrocas: los movimientos individuales todavía se centraban en un "afecto" (estado de ánimo musical) o tenían solo una sección central fuertemente contrastante, y su duración no era significativamente mayor que los movimientos barrocos. Todavía no había una teoría claramente enunciada sobre cómo componer con el nuevo estilo. Era un momento propicio para un gran avance.

El primer gran maestro del estilo fue el compositor Joseph Haydn . A finales de la década de 1750 comenzó a componer sinfonías, y en 1761 había compuesto un tríptico ( Mañana , mediodía y noche ) sólidamente en el modo contemporáneo. Como vice-maestro de capilla y más tarde maestro de capilla, su producción se expandió: compuso más de cuarenta sinfonías solo en la década de 1760. Y mientras su fama crecía, a medida que su orquesta se expandía y sus composiciones se copiaban y difundían, su voz era solo una entre muchas.

Si bien algunos estudiosos sugieren que Haydn fue eclipsado por Mozart y Beethoven, sería difícil exagerar la centralidad de Haydn en el nuevo estilo y, por lo tanto, en el futuro de la música artística occidental en su conjunto. En ese momento, antes de la preeminencia de Mozart o Beethoven, y con Johann Sebastian Bach conocido principalmente por los conocedores de la música para teclados, Haydn alcanzó un lugar en la música que lo colocó por encima de todos los demás compositores, excepto quizás George Frideric Handel de la época barroca . Haydn tomó las ideas existentes y alteró radicalmente su funcionamiento, lo que le valió los títulos de "padre de la sinfonía " y "padre del cuarteto de cuerdas ".

Una de las fuerzas que actuó como impulso para su avance fue la primera conmoción de lo que más tarde se llamaría Romanticismo: el Sturm und Drang , o fase de "tormenta y estrés" en las artes, un breve período en el que se produjo un emocionalismo evidente y dramático. una preferencia estilística. En consecuencia, Haydn quería un contraste más dramático y melodías más atractivas emocionalmente, con carácter e individualidad afilados en sus piezas. Este período se desvaneció en la música y la literatura: sin embargo, influyó en lo que vino después y eventualmente sería un componente del gusto estético en las décadas posteriores.

La sinfonía de despedida , nº 45 en fa menor, es un ejemplo de la integración de las diferentes demandas del nuevo estilo de Haydn, con curvas cerradas y sorprendiendo a un adagio largo y lento para terminar el trabajo. En 1772, Haydn completó su conjunto Opus 20 de seis cuartetos de cuerda, en el que desplegó las técnicas polifónicas que había reunido de la época barroca anterior para proporcionar una coherencia estructural capaz de mantener unidas sus ideas melódicas. Para algunos, esto marca el comienzo del estilo clásico "maduro", en el que el período de reacción contra la complejidad del barroco tardío dio paso a un período de integración de elementos barrocos y clásicos.

1775-1790

Wolfgang Amadeus Mozart, pintura póstuma de Barbara Krafft en 1819

Haydn, que había trabajado durante más de una década como director musical de un príncipe, tenía muchos más recursos y posibilidades de composición que la mayoría de los demás compositores. Su posición también le dio la capacidad de moldear las fuerzas que tocarían su música, ya que podía seleccionar músicos expertos. Esta oportunidad no se desperdició, ya que Haydn, comenzando bastante temprano en su carrera, buscó impulsar la técnica de construir y desarrollar ideas en su música. Su siguiente avance importante fue en los cuartetos de cuerda Opus 33 (1781), en los que los roles melódicos y armónicos se alternan entre los instrumentos: a menudo no está claro por un momento qué es melodía y qué es armonía. Esto cambia la forma en que el conjunto se abre camino entre los momentos dramáticos de transición y las secciones climáticas: la música fluye suavemente y sin interrupciones obvias. Luego tomó este estilo integrado y comenzó a aplicarlo a la música orquestal y vocal.

Los primeros compases del aria del Commendatore en la ópera Don Giovanni de Mozart . La orquesta comienza con un acorde de séptima disminuida disonante (G # dim7 con un B en el bajo) moviéndose a un acorde de séptima dominante (A7 con un C # en el bajo) antes de resolverse en el acorde tónico (D menor) en la entrada del cantante.

El don de Haydn a la música fue una forma de componer, una forma de estructurar las obras, que estaba al mismo tiempo de acuerdo con la estética imperante del nuevo estilo. Sin embargo, un contemporáneo más joven, Wolfgang Amadeus Mozart , llevó su genio a las ideas de Haydn y las aplicó a dos de los principales géneros de la época: la ópera y el concierto virtuoso. Mientras que Haydn pasó gran parte de su vida laboral como compositor de la corte, Mozart quería el éxito del público en la vida de conciertos de las ciudades, tocando para el público en general. Esto significaba que necesitaba escribir óperas y escribir e interpretar piezas virtuosas. Haydn no era un virtuoso a nivel de giras internacionales; tampoco buscaba crear obras operísticas que pudieran reproducirse durante muchas noches frente a una gran audiencia. Mozart quería lograr ambos. Además, Mozart también tenía un gusto por los acordes más cromáticos (y mayores contrastes en el lenguaje armónico en general), un mayor amor por crear una mezcla de melodías en una sola obra y una sensibilidad más italiana en la música en su conjunto. Encontró, en la música de Haydn y más tarde en su estudio de la polifonía de JS Bach , los medios para disciplinar y enriquecer sus dotes artísticas.

La familia Mozart c. 1780. El retrato de la pared es de la madre de Mozart.

Mozart llamó rápidamente la atención de Haydn, quien elogió al nuevo compositor, estudió sus obras y consideró al joven como su único verdadero compañero en la música. En Mozart, Haydn encontró una mayor variedad de instrumentación, efecto dramático y recurso melódico. La relación de aprendizaje se movió en ambas direcciones. Mozart también tenía un gran respeto por el compositor mayor y más experimentado, y trató de aprender de él.

La llegada de Mozart a Viena en 1780 aceleró el desarrollo del estilo clásico. Allí, Mozart absorbió la fusión del brillo italiano y la cohesión germánica que se había estado gestando durante los 20 años anteriores. Su propio gusto por los resplandores llamativos, las melodías y figuras rítmicamente complejas, las melodías largas en cantilenas y las florituras virtuosas se fusionó con el aprecio por la coherencia formal y la conexión interna. Es en este punto que la guerra y la inflación económica detuvieron la tendencia hacia orquestas más grandes y forzaron la disolución o reducción de muchas orquestas de teatro. Esto presionó el estilo clásico hacia adentro: hacia la búsqueda de mayores desafíos conjuntos y técnicos, por ejemplo, dispersando la melodía a través de instrumentos de viento de madera o usando una melodía armonizada en tercios. Este proceso dio prioridad a la música de pequeños conjuntos, llamada música de cámara. También dio lugar a una tendencia hacia una actuación más pública, lo que dio un impulso adicional al cuarteto de cuerdas y otras agrupaciones de conjuntos pequeños.

Fue durante esta década que el gusto del público comenzó, cada vez más, a reconocer que Haydn y Mozart habían alcanzado un alto nivel de composición. Cuando Mozart llegó a los 25 años, en 1781, los estilos dominantes de Viena estaban claramente conectados con el surgimiento en la década de 1750 del estilo clásico temprano. A fines de la década de 1780, los cambios en la práctica de la interpretación , la posición relativa de la música instrumental y vocal, las demandas técnicas de los músicos y la unidad estilística se habían establecido en los compositores que imitaban a Mozart y Haydn. Durante esta década, Mozart compuso sus óperas más famosas, sus seis sinfonías tardías que ayudaron a redefinir el género y una serie de conciertos para piano que aún se encuentran en la cima de estas formas.

Un compositor que influyó en la difusión del estilo más serio que habían formado Mozart y Haydn es Muzio Clementi , un talentoso pianista virtuoso que empató con Mozart en un "duelo" musical ante el emperador en el que cada uno improvisó en el piano e interpretó sus composiciones. . Las sonatas para piano de Clementi circularon ampliamente y se convirtió en el compositor más exitoso de Londres durante la década de 1780. También en Londres en este momento estaba Jan Ladislav Dussek , quien, como Clementi, alentó a los fabricantes de pianos a ampliar la gama y otras características de sus instrumentos, y luego explotó al máximo las posibilidades recién abiertas. La importancia de Londres en el período clásico a menudo se pasa por alto, pero sirvió como hogar de la fábrica de Broadwood para la fabricación de pianos y como base para compositores que, aunque menos notables que la "Escuela de Viena", tuvieron una influencia decisiva en lo que vino. mas tarde. Fueron compositores de muchas obras excelentes, notables por derecho propio. El gusto de London por el virtuosismo bien puede haber alentado el complejo trabajo de pasajes y las declaraciones extendidas sobre tónica y dominante.

Alrededor de 1790-1820

Cuando Haydn y Mozart comenzaron a componer, las sinfonías se tocaban como movimientos únicos —antes, entre o como interludios dentro de otras obras— y muchas de ellas duraban sólo diez o doce minutos; Los grupos instrumentales tenían diferentes estándares de ejecución, y el continuo era una parte central de la creación musical.

En los años intermedios, el mundo social de la música había experimentado cambios dramáticos. La publicación y las giras internacionales habían crecido de manera explosiva y se habían formado sociedades de conciertos. La notación se volvió más específica, más descriptiva, y los esquemas de las obras se habían simplificado (aunque se volvieron más variados en su elaboración exacta). En 1790, justo antes de la muerte de Mozart, con su reputación extendiéndose rápidamente, Haydn estaba preparado para una serie de éxitos, en particular sus últimos oratorios y sinfonías de Londres . Compositores de París , Roma y de toda Alemania acudieron a Haydn y Mozart en busca de ideas sobre la forma.

Retrato de Beethoven por Joseph Karl Stieler , 1820

En la década de 1790, surgió una nueva generación de compositores, nacidos alrededor de 1770. Si bien habían crecido con los estilos anteriores, escucharon en las obras recientes de Haydn y Mozart un vehículo para una mayor expresión. En 1788 Luigi Cherubini se instaló en París y en 1791 compuso Lodoiska , ópera que lo llevó a la fama. Su estilo refleja claramente a los maduros Haydn y Mozart, y su instrumentación le dio un peso que aún no se había sentido en la gran ópera . Su contemporáneo Étienne Méhul amplió los efectos instrumentales con su ópera Euphrosine et Coradin de 1790 , de la que siguió una serie de éxitos. El impulso final hacia el cambio vino de Gaspare Spontini , profundamente admirado por futuros compositores románticos como Weber, Berlioz y Wagner. El innovador lenguaje armónico de sus óperas, su refinada instrumentación y sus números cerrados "encadenados" (un patrón estructural que luego fue adoptado por Weber en Euryanthe y de él transmitido, a través de Marschner, a Wagner), formaron la base a partir de la cual el francés y el La ópera romántica alemana tuvo sus inicios.

Hummel en 1814

El más fatídico de la nueva generación fue Ludwig van Beethoven , que lanzó sus obras numeradas en 1794 con un conjunto de tres tríos de piano, que permanecen en el repertorio. Algo más joven que los demás, aunque igualmente logrado debido a sus estudios juveniles con Mozart y su virtuosismo nativo, era Johann Nepomuk Hummel . Hummel también estudió con Haydn; era amigo de Beethoven y Franz Schubert . Se concentró más en el piano que en cualquier otro instrumento, y su estadía en Londres en 1791 y 1792 generó la composición y publicación en 1793 de tres sonatas para piano, opus 2, que utilizaba idiomáticamente las técnicas de Mozart para evitar la cadencia esperada, y Clementi a veces modalmente. Figuración virtuosa incierta. En conjunto, estos compositores pueden verse como la vanguardia de un amplio cambio de estilo y el centro de la música. Estudiaron las obras de los demás, copiaron los gestos de los demás en la música y, en ocasiones, se comportaron como rivales pendencieros.

Las diferencias cruciales con la ola anterior se pueden ver en el cambio hacia abajo en las melodías, el aumento de la duración de los movimientos, la aceptación de Mozart y Haydn como paradigmáticos, el mayor uso de los recursos del teclado, el cambio de la escritura "vocal" a la escritura "pianística". , la creciente atracción de la menor y de la ambigüedad modal, y la creciente importancia de la variación de las figuras acompañantes para hacer avanzar la "textura" como un elemento en la música. En resumen, el Clásico tardío buscaba una música internamente más compleja. El crecimiento de las sociedades de conciertos y las orquestas de aficionados, que marcó la importancia de la música como parte de la vida de la clase media, contribuyó a un mercado en auge de pianos, música de piano y virtuosos para servir como modelos. Hummel, Beethoven y Clementi eran famosos por su improvisación.

La influencia directa del barroco continuó desvaneciéndose: el bajo figurado se hizo menos prominente como un medio para mantener unida la interpretación, las prácticas de interpretación de mediados del siglo XVIII continuaron desapareciendo. Sin embargo, al mismo tiempo, comenzaron a estar disponibles ediciones completas de maestros barrocos y la influencia del estilo barroco continuó creciendo, particularmente en el uso cada vez más amplio del latón. Otra característica del período es el creciente número de actuaciones en las que el compositor no estuvo presente. Esto llevó a un mayor detalle y especificidad en la notación; por ejemplo, había menos partes "opcionales" separadas de la partitura principal.

La fuerza de estos cambios se hizo evidente con la Tercera Sinfonía de Beethoven , que el compositor le dio el nombre de Eroica , que en italiano significa "heroico". Al igual que con The Rite of Spring de Stravinsky , puede que no haya sido la primera en todas sus innovaciones, pero su uso agresivo de cada parte del estilo clásico lo distingue de sus obras contemporáneas: en longitud, ambición y recursos armónicos también. .

Primera escuela vienesa

Vista de Viena en 1758, por Bernardo Bellotto

La primera escuela vienesa es un nombre que se utiliza principalmente para referirse a tres compositores del período clásico en la Viena de finales del siglo XVIII : Haydn, Mozart y Beethoven. Franz Schubert se agrega ocasionalmente a la lista.

En los países de habla alemana, se utiliza el término Wiener Klassik (literalmente, época / arte clásico vienés ). Ese término a menudo se aplica de manera más amplia a la era clásica en la música en su conjunto, como un medio para distinguirla de otros períodos que se conocen coloquialmente como clásicos , a saber, la música barroca y romántica .

El término "escuela vienesa" fue utilizado por primera vez por el musicólogo austríaco Raphael Georg Kiesewetter en 1834, aunque solo contaba a Haydn y Mozart como miembros de la escuela. Otros escritores siguieron su ejemplo y, finalmente, Beethoven se agregó a la lista. La designación "primera" se añade hoy para evitar confusiones con la Segunda Escuela de Viena .

Si bien, aparte de Schubert, estos compositores ciertamente se conocían (con Haydn y Mozart incluso como compañeros ocasionales de música de cámara), no tiene sentido que estuvieran comprometidos en un esfuerzo de colaboración en el sentido de que uno se asociaría con escuelas del siglo XX. como la Segunda Escuela de Viena o Les Six . Tampoco hay ningún sentido significativo en el que un compositor fue "educado" por otro (de la forma en que Schoenberg enseñó a Berg y Webern), aunque es cierto que Beethoven durante un tiempo recibió lecciones de Haydn.

Los intentos de ampliar la Primera Escuela de Viena para incluir figuras posteriores como Anton Bruckner , Johannes Brahms y Gustav Mahler son meramente periodísticos y nunca se han encontrado en la musicología académica.

Influencia clásica en compositores posteriores

1875 óleo de Franz Schubert por Wilhelm August Rieder , después de su propio retrato de acuarela de 1825

Las épocas musicales y sus estilos, formas e instrumentos predominantes rara vez desaparecen al mismo tiempo; en cambio, las características se reemplazan con el tiempo, hasta que el enfoque antiguo simplemente se siente como "pasado de moda". El estilo clásico no "murió" de repente; más bien, se eliminó gradualmente bajo el peso de los cambios. Para dar solo un ejemplo, aunque generalmente se dice que la era clásica dejó de usar el clavecín en las orquestas, esto no sucedió de repente al comienzo de la era clásica en 1750. Más bien, las orquestas dejaron de usar el clavecín para tocar. bajo continuo hasta que la práctica se suspendió a fines del siglo XVIII.

Felix Mendelssohn
Retrato de Mendelssohn por James Warren Childe , 1839

Un cambio crucial fue el cambio hacia armonías centradas en las teclas "flatward": cambios en la dirección subdominante . En el estilo clásico, la tonalidad mayor era mucho más común que la menor, el cromatismo se moderaba mediante el uso de una modulación "aguda" (por ejemplo, una pieza en Do mayor modulando a G mayor, D mayor o La mayor, todas las cuales son claves con más objetos punzantes). Además, las secciones en el modo menor se usaban a menudo para el contraste. A partir de Mozart y Clementi, comenzó una colonización progresiva de la región subdominante (el acorde ii o IV, que en la tonalidad de Do mayor serían las tonalidades de re menor o fa mayor). Con Schubert, las modulaciones subdominantes florecieron después de ser introducidas en contextos en los que los compositores anteriores se habrían limitado a cambios dominantes (modulaciones al acorde dominante , por ejemplo, en la tonalidad de Do mayor, modulando a G mayor). Esto introdujo colores más oscuros en la música, fortaleció el modo menor y dificultó el mantenimiento de la estructura. Beethoven contribuyó a esto con su creciente uso de la cuarta como consonancia y la ambigüedad modal, por ejemplo, la apertura de la Sinfonía núm. 9 en re menor .

Franz Schubert , Carl Maria von Weber y John Field se encuentran entre los más destacados de esta generación de "proto-románticos", junto con el joven Felix Mendelssohn . Su sentido de la forma estuvo fuertemente influenciado por el estilo clásico. Si bien aún no eran compositores "eruditos" (imitando reglas codificadas por otros), respondieron directamente a las obras de Beethoven, Mozart, Clementi y otros, a medida que las encontraban. Las fuerzas instrumentales a su disposición en las orquestas eran también bastante "clásicas" en número y variedad, permitiendo similitudes con obras clásicas.

Sin embargo, las fuerzas destinadas a acabar con el dominio del estilo clásico cobraron fuerza en las obras de muchos de los compositores mencionados, en particular Beethoven. El más citado es la innovación armónica. También es importante el enfoque creciente en tener una figuración de acompañamiento continua y rítmicamente uniforme: la Sonata a la luz de la luna de Beethoven fue el modelo para cientos de piezas posteriores, donde el movimiento cambiante de una figura rítmica proporciona gran parte del drama e interés de la obra, mientras que una melodía se desplaza por encima de él. Mayor conocimiento de las obras, mayor pericia instrumental, creciente variedad de instrumentos, el crecimiento de las sociedades de conciertos y el dominio imparable del piano cada vez más poderoso (al que se le dio un tono más audaz y fuerte por desarrollos tecnológicos como el uso de cuerdas de acero, marcos pesados ​​de hierro fundido y cuerdas que vibran con simpatía) crearon una gran audiencia para la música sofisticada. Todas estas tendencias contribuyeron al cambio al estilo "romántico" .

Trazar la línea entre estos dos estilos es muy difícil: algunas secciones de las obras posteriores de Mozart, consideradas solas, son indistinguibles en armonía y orquestación de la música escrita 80 años después, y algunos compositores continuaron escribiendo en estilos clásicos normativos hasta principios del siglo XX. Incluso antes de la muerte de Beethoven, compositores como Louis Spohr se describían a sí mismos como románticos, incorporando, por ejemplo, un cromatismo más extravagante en sus obras (por ejemplo, utilizando armonías cromáticas en la progresión de acordes de una pieza ). Por el contrario, obras como la Sinfonía n. ° 5 de Schubert , escrita durante los albores cronológicos de la era romántica , exhiben un paradigma artístico deliberadamente anacrónico, que se remonta al estilo compositivo de varias décadas antes.

Sin embargo, la caída de Viena como el centro musical más importante para la composición orquestal a fines de la década de 1820, precipitada por la muerte de Beethoven y Schubert , marcó el eclipse final del estilo clásico y el fin de su continuo desarrollo orgánico de un compositor aprendiendo muy cerca de otros. Franz Liszt y Frédéric Chopin visitaron Viena cuando eran jóvenes, pero luego se trasladaron a otras ciudades. Compositores como Carl Czerny , aunque profundamente influenciados por Beethoven, también buscaron nuevas ideas y nuevas formas para contener el mundo más amplio de expresión e interpretación musical en el que vivían.

El renovado interés en el equilibrio formal y la moderación de la música clásica del siglo XVIII llevó a principios del siglo XX al desarrollo del llamado estilo neoclásico , que incluyó a Stravinsky y Prokofiev entre sus defensores, al menos en ciertos momentos de sus carreras.

Instrumentos de época clásica

Fortepiano de Paul McNulty según Walter & Sohn, c. 1805

Guitarra

La guitarra barroca, con cuatro o cinco juegos de cuerdas dobles o "cursos" y una boca elaboradamente decorada, era un instrumento muy diferente de la guitarra clásica temprana que se asemeja más al instrumento moderno con las seis cuerdas estándar. A juzgar por la cantidad de manuales de instrucciones publicados para el instrumento, más de trescientos textos fueron publicados por más de doscientos autores entre 1760 y 1860, el período clásico marcó una edad de oro para la guitarra.

Instrumentos de cuerda

En la época barroca, había más variedad en los instrumentos de cuerda con arco que se usaban en conjuntos, con instrumentos como la viola d'amore y una variedad de violas con trastes , que iban desde las pequeñas hasta las grandes violas bajas. En el período clásico, la sección de cuerdas de la orquesta se estandarizó con solo cuatro instrumentos:

  • Violín (en orquestas y música de cámara, por lo general hay primeros violines y segundos violines, el primero tocando la melodía y / o una línea más alta y el último tocando una contramelodía, una parte de armonía, una parte debajo de la primera línea del violín en el tono , o una línea de acompañamiento)
  • Viola (la voz alta de la sección de cuerda orquestal y el cuarteto de cuerda; a menudo interpreta "voces internas", que son líneas de acompañamiento que completan la armonía de la pieza)
  • Violonchelo (el violonchelo desempeña dos funciones en la música de la época clásica; a veces se utiliza para tocar la línea de bajo de la pieza, normalmente doblada por los contrabajos [Nota: cuando los violonchelos y los contrabajos leen la misma línea de bajo, los bajos tocan una octava por debajo de los violonchelos, porque el bajo es un instrumento de transposición]; y en otras ocasiones ejecuta melodías y solos en el registro más bajo)
  • Contrabajo (el bajo generalmente realiza los tonos más bajos en la sección de cuerdas para proporcionar la línea de bajo para la pieza)

En la época barroca, a los contrabajistas no se les solía dar una parte separada; en cambio, por lo general tocaban la misma línea de bajo de bajo continuo que los violonchelos y otros instrumentos de tono bajo (por ejemplo, teorbo , instrumento de viento de serpiente , violas ), aunque una octava por debajo de los violonchelos, porque el contrabajo es un instrumento de transposición que suena una octava menor de lo que está escrito. En la era clásica, algunos compositores siguieron escribiendo sólo una parte de bajo para su sinfonía, denominada "bassi"; esta parte de bajo fue interpretada por violonchelistas y contrabajistas. Durante la época clásica, algunos compositores comenzaron a dar su parte a los contrabajos.

Vientos de madera

Percusión

Teclados

Latones

Ver también

Notas

Otras lecturas

enlaces externos