Orquesta - Orchestra

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Orquesta Filarmónica de Jalisco
Una moderna sala de conciertos de orquesta: Filarmónica de Szczecin , Polonia

Una orquesta ( / ɔr k ɪ s t r ə / ; italiano:  [orkɛstra] ) es un gran conjunto instrumental típico de música clásica , que combina instrumentos de diferentes familias, incluyendo

cada uno agrupado en secciones.

Otros instrumentos como el piano , el clavicémbalo y la celesta pueden aparecer a veces en una quinta sección de teclado o pueden ser independientes como instrumentos solistas, como puede ser el arpa de concierto y, para interpretaciones de algunas composiciones modernas, instrumentos electrónicos y guitarras .

Una orquesta occidental de tamaño completo a veces puede llamarse orquesta sinfónica u orquesta filarmónica (del griego phil- , "amoroso" y "armonía"). El número real de músicos empleados en una actuación determinada puede variar de setenta a más de cien músicos, según la obra que se interprete y el tamaño del lugar. Una orquesta de cámara (a veces orquesta de conciertos ) es un conjunto más pequeño de no más de cincuenta músicos. Las orquestas que se especializan en la música barroca de, por ejemplo, Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel , o el repertorio clásico , como la de Haydn y Mozart , tienden a ser más pequeñas que las orquestas que interpretan un repertorio de música romántica , como las sinfonías de Johannes. Brahms . La orquesta típica creció en tamaño a lo largo de los siglos XVIII y XIX, alcanzando su punto máximo con las grandes orquestas (de hasta 120 intérpretes) solicitadas en las obras de Richard Wagner y, más tarde, de Gustav Mahler .

Las orquestas suelen estar dirigidas por un director que dirige la interpretación con movimientos de manos y brazos, que a menudo se facilitan a los músicos para que los vean mediante el uso de la batuta de un director . El director unifica la orquesta, establece el tempo y da forma al sonido del conjunto. El director también prepara a la orquesta dirigiendo ensayos antes del concierto público, en los que el director proporciona instrucciones a los músicos sobre su interpretación de la música que se está interpretando.

El líder de la primera sección de violines, comúnmente llamado concertino , también juega un papel importante en la dirección de los músicos. En la era de la música barroca (1600-1750), las orquestas a menudo eran dirigidas por el concertino o por un músico que tocaba acordes que interpretaba las partes de bajo continuo en un clavicémbalo o un órgano de tubos , una tradición que algunos conjuntos de música antigua del siglo XX y XXI Seguir. Orquestas desempeñan una amplia gama de repertorio, incluyendo sinfonías, ópera y ballet oberturas , conciertos para instrumentos solistas, y como conjuntos de pozo para óperas , ballets , y algunos tipos de teatro musical (por ejemplo, Gilbert y Sullivan operettas ).

Las orquestas aficionadas incluyen aquellas compuestas por estudiantes de una escuela primaria o secundaria, orquestas juveniles y orquestas comunitarias; los dos últimos suelen estar compuestos por músicos aficionados de una ciudad o región en particular.

El término orquesta deriva del griego ὀρχήστρα ( orquesta ), el nombre del área frente a un escenario en el teatro griego antiguo reservado para el coro griego .

Historia

Época barroca y clásica

En la época barroca, el tamaño y la composición de una orquesta no estaban estandarizados. Había grandes diferencias en tamaño, instrumentación y estilos de ejecución, y por tanto en paisajes sonoros orquestales y paletas, entre las distintas regiones europeas. La orquesta barroca iba desde orquestas más pequeñas (o conjuntos) con un jugador por parte, hasta orquestas de mayor escala con muchos músicos por parte. Ejemplos de la variedad más pequeña fueron las orquestas de Bach, por ejemplo en Koethen, donde tuvo acceso a un conjunto de hasta 18 intérpretes. Ejemplos de orquestas barrocas a gran escala incluirían la orquesta de Corelli en Roma, que variaba entre 35 y 80 músicos para las actuaciones del día a día, ampliándose a 150 músicos para ocasiones especiales.

En la era clásica, la orquesta se estandarizó más con una sección de cuerdas de tamaño pequeño a mediano y una sección de viento central que consta de pares de oboes, flautas, fagotes y trompas, a veces complementados con percusión y pares de clarinetes y trompetas.

Influencia de Beethoven

El llamado "complemento estándar" de vientos y metales doblados en la orquesta iniciada a finales del siglo XVIII y consolidada durante la primera mitad del siglo XIX se atribuye generalmente a las fuerzas convocadas por Beethoven después de Haydn y Mozart. La instrumentación de Beethoven casi siempre incluía pares de flautas , oboes , clarinetes , fagotes , trompas y trompetas . Las excepciones a esto son su Sinfonía n. ° 4 , Concierto para violín y Concierto para piano n. ° 4 , cada uno de los cuales especifica una sola flauta . Beethoven calculó cuidadosamente la expansión de esta particular "paleta" tímbrica en las Sinfonías 3, 5, 6 y 9 para lograr un efecto innovador. El tercer cuerno de la Sinfonía "Eroica" llega para proporcionar no solo cierta flexibilidad armónica, sino también el efecto de los metales "corales" en el movimiento Trio. Piccolo , contrafagot y trombones se suman al triunfal final de su Sinfonía n . ° 5 . Un flautín y un par de trombones ayudan a producir el efecto de tormenta y sol en la Sexta , también conocida como Sinfonía Pastoral . El Noveno pide un segundo par de cuernos, por razones similares a la "Eroica" (cuatro cuernos se han convertido desde entonces en estándar); El uso de Beethoven de flautín, contrafagot, trombones y percusión desafinada , además de coros y solistas vocales, en su final, es su primera sugerencia de que los límites tímbricos de la sinfonía podrían expandirse. Durante varias décadas después de su muerte, la instrumentación sinfónica fue fiel al modelo bien establecido de Beethoven, con pocas excepciones.

Tecnología instrumental

Stokowski y la Orquesta de Filadelfia en el estreno estadounidense el 2 de marzo de 1916 de la
Octava Sinfonía de Mahler

La invención del pistón y la válvula rotativa por Heinrich Stölzel y Friedrich Blühmel , ambos silesianos , en 1815, fue la primera de una serie de innovaciones que impactaron a la orquesta, incluido el desarrollo de la clave moderna para flauta de Theobald Boehm y las innovaciones de Adolphe Sax en los instrumentos de viento, en particular la invención del saxofón . Estos avances llevarían a Héctor Berlioz a escribir un libro histórico sobre instrumentación , que fue el primer tratado sistemático sobre el uso del sonido instrumental como elemento expresivo de la música.

Influencia de Wagner

La siguiente gran expansión de la práctica sinfónica vino de la orquesta de Bayreuth de Richard Wagner , fundada para acompañar sus dramas musicales. Las obras de Wagner para el escenario fueron anotadas con un alcance y complejidad sin precedentes: de hecho, su partitura para Das Rheingold requiere seis arpas . Por lo tanto, Wagner imaginó un papel cada vez más exigente para el director de la orquesta de teatro, como explicó en su influyente obra On Conducting . Esto provocó una revolución en la composición orquestal y estableció el estilo para la interpretación orquestal durante los siguientes ochenta años. Las teorías de Wagner reexaminaron la importancia del tempo , la dinámica , la inclinación de los instrumentos de cuerda y el papel de los directores en la orquesta.

Orquesta del siglo XX

A principios del siglo XX, las orquestas sinfónicas eran más grandes, mejor financiadas y mejor formadas que antes; en consecuencia, los compositores podrían componer obras más grandes y ambiciosas. Las obras de Gustav Mahler fueron particularmente innovadoras; en sus sinfonías posteriores, como la gigantesca Sinfonía núm. 8 , Mahler empuja los límites más lejanos del tamaño orquestal, empleando enormes fuerzas. A finales de la era romántica, las orquestas podían soportar las formas más enormes de expresión sinfónica, con enormes secciones de cuerdas, enormes secciones de metales y una gama ampliada de instrumentos de percusión. Con el comienzo de la era de la grabación, los estándares de interpretación se llevaron a un nuevo nivel, porque una sinfonía grabada se podía escuchar con atención e incluso los errores menores en la entonación o el conjunto, que podrían no ser perceptibles en una interpretación en vivo, podían ser escuchados por los críticos. . A medida que las tecnologías de grabación mejoraron durante los siglos XX y XXI, eventualmente los pequeños errores en una grabación podrían "arreglarse" mediante la edición de audio o la sobregrabación . Algunos directores y compositores de mayor edad pueden recordar una época en la que simplemente "escuchar" la música de la mejor manera posible era el estándar. Combinado con la audiencia más amplia posible gracias a la grabación, esto llevó a un enfoque renovado en directores estelares particulares y en un alto nivel de ejecución orquestal.

Instrumentación

Viotti Orquesta de Cámara de la realización de la tercera movimiento de Mozart 's Divertimento en re mayor , K. 136

La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos de instrumentos musicales relacionados llamados instrumentos de viento de madera , metales , percusión y cuerdas . Otros instrumentos tales como el de piano y celesta a veces pueden ser agrupados en una quinta sección, tal como una sección de teclado o pueden estar solo, al igual que el arpa concierto y eléctricos y electrónicos instrumentos. La orquesta, según el tamaño, contiene casi todos los instrumentos estándar de cada grupo.

En la historia de la orquesta, su instrumentación se ha ido ampliando a lo largo del tiempo, a menudo se acuerda haber sido estandarizada por el período clásico y la influencia de Ludwig van Beethoven en el modelo clásico. En los siglos XX y XXI, las nuevas demandas del repertorio expandieron la instrumentación de la orquesta, lo que resultó en un uso flexible de los instrumentos de modelo clásico y los instrumentos eléctricos y electrónicos de nuevo desarrollo en varias combinaciones.

Los términos orquesta sinfónica y orquesta filarmónica se pueden utilizar para distinguir diferentes conjuntos de la misma localidad, como la London Symphony Orchestra y la London Philharmonic Orchestra . Una orquesta sinfónica o filarmónica suele tener más de ochenta músicos en su lista, en algunos casos más de cien, pero el número real de músicos empleados en una actuación en particular puede variar según la obra que se toque y el tamaño del lugar.

Una orquesta de cámara suele ser un conjunto más pequeño; una orquesta de cámara importante puede emplear hasta cincuenta músicos, pero algunos son mucho más pequeños. Orquesta de concierto es un término alternativo, como en la BBC Concert Orchestra y la RTÉ Concert Orchestra .

Instrumentación ampliada

Aparte del complemento orquestal central, ocasionalmente se solicitan otros instrumentos. Estos incluyen el fliscorno y la corneta . Los saxofones y las guitarras clásicas , por ejemplo, aparecen en algunas partituras de los siglos XIX al XXI. Mientras que aparece sólo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo Maurice Ravel 'orquestación s de Modest Mussorgsky ' s Cuadros de una exposición y Sergei Rachmaninoff 's Danzas Sinfónicas , el saxofón está incluido en otras obras, como de Ravel Bolero , Sergei Prokofiev 's Romeo y Julieta Suites 1 y 2 , Vaughan Williams ' Sinfonías Nº 6 y Nº 9 , y William Walton 's Fiesta de Belsasar , y muchas otras obras como un miembro del conjunto orquestal. El bombardino aparece en unos pocos finales románticos y obras del siglo 20 , por lo general juega partes marcadas "tuba tenor", entre ellos Gustav Holst @ s de los planetas , y Richard Strauss 's Ein Heldenlehen . La tuba de Wagner , un miembro modificado de la familia de los cuernos, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner y en varias otras obras de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel destacado en la Sinfonía núm. 7 en Mi mayor de Anton Bruckner . Cornetas aparecen en Pyotr Ilyich Tchaikovsky 's ballet lago de los cisnes , Claude Debussy ' s La Mer , y varias obras orquestales de Hector Berlioz . A menos que estos instrumentos sean tocados por miembros que "doblan" en otro instrumento (por ejemplo, un trombón que cambia a bombardino o un fagot que cambia a contrafagot para un determinado pasaje), las orquestas suelen contratar músicos independientes para aumentar su conjunto habitual.

La orquesta del siglo XX fue mucho más flexible que sus predecesoras. En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn , la orquesta estaba compuesta por un núcleo de instrumentos bastante estándar, que los compositores rara vez modificaban. A medida que avanzaba el tiempo y el período romántico vio cambios en las modificaciones aceptadas con compositores como Berlioz y Mahler; algunos compositores utilizaron múltiples arpas y efectos de sonido como la máquina de viento . Durante el siglo XX, la orquesta moderna generalmente se estandarizó con la instrumentación moderna que se enumera a continuación. Sin embargo, a mediados o finales del siglo XX, con el desarrollo de la música clásica contemporánea , la instrumentación podría ser prácticamente elegida por el compositor (por ejemplo, para agregar instrumentos eléctricos como la guitarra eléctrica , instrumentos electrónicos como sintetizadores , instrumentos no occidentales). instrumentos u otros instrumentos no utilizados tradicionalmente en orquesta).

Con esta historia en mente, la orquesta se puede analizar en cinco épocas: la era barroca , la era clásica , la era de la música romántica temprana / media , la era romántica tardía y las eras moderna / posmoderna combinadas . La primera es una orquesta barroca (es decir, JS Bach , Handel , Vivaldi ), que generalmente tenía un número menor de intérpretes, y en la que uno o más instrumentos que tocan acordes, el grupo de bajo continuo (p. Ej., Clavecín u órgano de tubos y varios instrumentos de bajo para interpretar la línea de bajo ), jugó un papel importante; el segundo es una orquesta de época clásica típica (por ejemplo, Beethoven temprano junto con Mozart y Haydn ), que utilizó un grupo más pequeño de intérpretes que una orquesta de música romántica y una instrumentación bastante estandarizada; el tercero es típico de una era romántica temprana / media (por ejemplo, Schubert , Berlioz , Schumann , Brahms ); el cuarto es una orquesta del romántico tardío / principios del siglo XX (por ejemplo, Wagner , Mahler , Stravinsky ), al complemento común de una orquesta moderna de la era de 2010 (por ejemplo, Adams , Barber , Aaron Copland , Glass , Penderecki ).

Orquesta del Barroco tardío

Orquesta clasica

Orquesta Romántica Temprana

Orquesta romántica tardía

Orquesta moderna / posmoderna

Organización

Dirigir una orquesta

Entre los grupos de instrumentos y dentro de cada grupo de instrumentos, existe una jerarquía generalmente aceptada. Cada grupo instrumental (o sección) tiene un director que generalmente es responsable de dirigir el grupo y tocar solos orquestales. Los violines se dividen en dos grupos, primer violín y segundo violín, con los segundos violines tocando en registros más bajos que los primeros violines, tocando una parte de acompañamiento o armonizando la melodía interpretada por los primeros violines. El primer violín principal se llama concertino (o "líder" de orquesta en el Reino Unido) y no solo se lo considera el líder de la sección de cuerdas, sino el segundo al mando de toda la orquesta, solo detrás del director . El concertino dirige la afinación previa al concierto y se encarga de los aspectos musicales de la gestión de la orquesta, como la determinación de los arcos de los violines o de toda la sección de cuerdas. El concertino suele sentarse a la izquierda del director, más cerca de la audiencia. También hay un segundo violín principal, una viola principal, un violonchelo principal y un bajo principal.

El trombón principal se considera el líder de la sección de metales bajos, mientras que la trompeta principal generalmente se considera el líder de toda la sección de metales. Si bien el oboe a menudo proporciona la nota de afinación para la orquesta (debido a una convención de 300 años), generalmente no hay un director designado de la sección de viento de madera (aunque en los conjuntos de viento de madera, la flauta es a menudo el presunto líder). El director confiere con los demás como iguales en el caso de diferencias musicales de opinión. La mayoría de las secciones también tienen un subdirector (o codirector o director asociado), o en el caso de los primeros violines, un concertino asistente, que a menudo desempeña un papel de tutti además de reemplazar al director en su ausencia.

Un intérprete de cuerdas de sección toca al unísono con el resto de la sección, excepto en el caso de las partes divididas ( divisi ), donde las partes superior e inferior de la música a menudo se asignan al "exterior" (más cerca de la audiencia) y al "interior" sentado jugadores. Cuando se requiere una parte de solo en una sección de cuerdas, el líder de la sección invariablemente desempeña esa parte. El líder de sección (o director) de una sección de cuerdas también es responsable de determinar las reverencias, a menudo basándose en las revelaciones establecidas por el concertino. En algunos casos, el director de una sección de cuerdas puede usar una inclinación ligeramente diferente a la del concertino, para adaptarse a los requisitos de tocar su instrumento (por ejemplo, la sección de contrabajo). Los directores de una sección de cuerdas también guiarán las entradas de su sección, generalmente levantando el arco antes de la entrada, para asegurarse de que la sección juegue en conjunto. Los músicos de viento y metales de Tutti generalmente interpretan una parte única pero no solista. Los percusionistas de la sección interpretan las partes que les asigna el percusionista principal.

En los tiempos modernos, los músicos suelen estar dirigidos por un director , aunque las primeras orquestas no lo tenían, y en cambio le daban este papel al concertino o al clavecinista que tocaba el continuo . Algunas orquestas modernas también se las arreglan sin directores , en particular las orquestas más pequeñas y las que se especializan en interpretaciones históricamente precisas (las llamadas " épocas ") de música barroca y anterior.

El repertorio interpretado con más frecuencia para una orquesta sinfónica es la ópera o la música clásica occidental . Sin embargo, las orquestas se utilizan a veces en la música popular (p. Ej., Para acompañar a una banda de rock o pop en un concierto), en gran medida en la música de películas y, cada vez más, en la música de videojuegos . Las orquestas también se utilizan en el género del metal sinfónico . El término "orquesta" también se puede aplicar a un conjunto de jazz , por ejemplo, en la interpretación de música de big band .

Selección y nombramiento de miembros

En la década de 2000, todos los miembros titulares de una orquesta profesional normalmente audicionan para puestos en el conjunto. Los artistas intérpretes o ejecutantes suelen tocar una o más piezas en solitario de la elección del auditorio, como un movimiento de un concierto , un movimiento de Bach en solitario y una variedad de extractos de la literatura orquestal que se anuncian en el cartel de la audición (para que los audicionados puedan prepararse). Los extractos suelen ser las partes y solos más desafiantes desde el punto de vista técnico de la literatura orquestal. Las audiciones orquestales generalmente se llevan a cabo frente a un panel que incluye al director , el concertino , el intérprete principal de la sección a la que se postula el auditorio y posiblemente otros intérpretes principales.

Se invita a los candidatos más prometedores de la primera ronda de audiciones a regresar para una segunda o tercera ronda de audiciones, lo que permite al director y al panel comparar a los mejores candidatos. Se les puede pedir a los artistas que lean a primera vista música orquestal. La etapa final del proceso de audición en algunas orquestas es una semana de prueba , en la que el intérprete toca con la orquesta durante una semana o dos, lo que permite al director y a los principales intérpretes ver si el individuo puede funcionar bien en un ensayo y una actuación reales. configuración.

Hay una variedad de acuerdos laborales diferentes. Los puestos más buscados son puestos permanentes y titulares en la orquesta. Las orquestas también contratan músicos por contrato, que van desde un solo concierto hasta una temporada completa o más. Los intérpretes contratados pueden ser contratados para conciertos individuales cuando la orquesta esté realizando una obra orquestal excepcionalmente grande de la era del romántico tardío, o para sustituir a un miembro permanente que esté enfermo. Un músico profesional que es contratado para actuar en un solo concierto a veces se denomina "sub". Es posible que se contrate a algunos músicos contratados para reemplazar a los miembros permanentes durante el período en que el miembro permanente esté de baja por paternidad o por discapacidad .

Sexo de conjuntos

Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado compuestas en su mayor parte o en su totalidad por músicos masculinos. Las primeras mujeres contratadas en orquestas profesionales han sido arpistas . La Filarmónica de Viena , por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las orquestas comparables (las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008). La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín . En febrero de 1996, la flauta principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury , dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionelle Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar los permisos esperados" del permiso de maternidad sería un problema.

En 1997, la Filarmónica de Viena "se enfrentaba a protestas durante una gira [por Estados Unidos]" de la Organización Nacional de Mujeres y la Alianza Internacional de Mujeres en la Música . Finalmente, "después de ser ridiculizados cada vez más incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria en la víspera de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. " A partir de 2013, la orquesta tiene seis miembros femeninos; una de ellas, la violinista Albena Danailova, se convirtió en 2008 en una de las concertinas de la orquesta , siendo la primera mujer en ocupar ese puesto en esa orquesta. En 2012, las mujeres constituían el 6% de los miembros de la orquesta. El presidente de la VPO, Clemens Hellsberg, dijo que la VPO ahora usa audiciones a ciegas con pantallas completas .

En 2013, un artículo de Mother Jones declaró que, si bien "[m] todas las orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violín de la Filarmónica de Nueva York ) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit , y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidas por mujeres violinistas ", las secciones de contrabajo , metales y percusión de las principales orquestas" ... siguen siendo predominantemente masculinas ". Un artículo de la BBC de 2014 declaró que "... la introducción de audiciones 'a ciegas' , en las que un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no pueda ejercer prejuicios raciales o de género, ha visto el equilibrio de género de la sinfonía tradicionalmente dominada por hombres las orquestas cambian gradualmente ".

Conjuntos de aficionados

También hay una variedad de orquestas de aficionados:

Orquestas escolares
Estas orquestas están formadas por estudiantes de una escuela primaria o secundaria. Pueden ser estudiantes de una clase o programa de música o pueden provenir de todo el cuerpo escolar. Las orquestas escolares suelen estar dirigidas por un profesor de música .
Orquestas universitarias o de conservatorio
Estas orquestas están formadas por estudiantes de una universidad o conservatorio de música. En algunos casos, las orquestas universitarias están abiertas a todos los estudiantes de una universidad, de todos los programas. Las universidades más grandes pueden tener dos o más orquestas universitarias: una o más orquestas compuestas por estudiantes de música (o, para programas de música importantes, varios niveles de orquestas importantes de música, clasificadas por nivel de habilidad) y una segunda orquesta abierta a estudiantes universitarios de todos los niveles académicos. programas (por ejemplo, ciencia, negocios, etc.) que tengan experiencia previa en música clásica en un instrumento orquestal. Las orquestas universitarias y de conservatorio están dirigidas por un director que suele ser profesor o instructor en la universidad o el conservatorio.
Orquestas juveniles
Estas orquestas están formadas por adolescentes y adultos jóvenes procedentes de toda una ciudad o región. El rango de edad en las orquestas juveniles varía entre los diferentes conjuntos. En algunos casos, las orquestas juveniles pueden estar formadas por adolescentes o adultos jóvenes de todo un país (por ejemplo, la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá).
Orquestas comunitarias
Estas orquestas están formadas por intérpretes aficionados procedentes de toda una ciudad o región. Las orquestas comunitarias suelen estar formadas principalmente por músicos aficionados adultos. Las orquestas comunitarias varían en nivel desde orquestas de nivel principiante que ensayan música sin realizar presentaciones formales frente a una audiencia hasta conjuntos de nivel intermedio y grupos de aficionados avanzados que tocan el repertorio de orquesta profesional estándar. En algunos casos, los estudiantes de música de la universidad o del conservatorio también pueden ser miembros de orquestas comunitarias. Si bien los miembros de la orquesta de la comunidad son en su mayoría aficionados no remunerados, en algunas orquestas se puede contratar a un pequeño número de profesionales para que actúen como intérpretes principales y líderes de sección.

Repertorio y actuaciones

Las orquestas tocan una amplia gama de repertorios que van desde suites de baile del siglo XVII, divertimentos del siglo XVIII hasta bandas sonoras de películas del siglo XX y sinfonías del siglo XXI. Las orquestas se han convertido en sinónimo de la sinfonía , una composición musical extendida en la música clásica occidental que típicamente contiene múltiples movimientos que proporcionan tonalidades y tempos contrastantes. Las sinfonías se anotan en una partitura musical , que contiene todas las partes del instrumento. El director usa la partitura para estudiar la sinfonía antes de los ensayos y decidir su interpretación (por ejemplo, tempos, articulación, fraseo, etc.) y para seguir la música durante los ensayos y conciertos, mientras dirige el conjunto. Los músicos orquestales tocan a partir de partes que contienen solo la música anotada para su instrumento. Un pequeño número de sinfonías también contienen partes vocales (por ejemplo, Beethoven 's novena sinfonía ).

Las orquestas también interpretan oberturas , un término originalmente aplicado a la introducción instrumental a una ópera. Durante la era romántica temprana, compositores como Beethoven y Mendelssohn comenzaron a usar el término para referirse a obras programáticas, instrumentales e independientes que presagiaban géneros como el poema sinfónico , una forma ideada por Franz Liszt en varias obras que comenzaron como oberturas dramáticas. Estos estaban "al principio indudablemente pensados ​​para ser reproducidos en la cabecera de un programa". En la década de 1850, la obertura del concierto comenzó a ser reemplazada por el poema sinfónico.

Las orquestas también tocan con solistas instrumentales en conciertos . Durante los conciertos, la orquesta desempeña un papel de acompañamiento al solista (por ejemplo, un violinista solista o pianista) y, en ocasiones, presenta temas musicales o interludios mientras el solista no está tocando. Las orquestas también tocan durante las óperas , ballets , algunas obras de teatro musical y algunas obras corales (tanto obras sagradas como misas y obras profanas). En óperas y ballets, la orquesta acompaña a los cantantes y bailarines, respectivamente, y ejecuta oberturas e interludios donde las melodías interpretadas por la orquesta toman protagonismo.

Actuaciones

En la época barroca, las orquestas actuaban en una variedad de lugares, incluso en las hermosas casas de aristócratas, en salas de ópera e iglesias. Algunos aristócratas adinerados tenían una orquesta en residencia en su finca, para entretenerlos a ellos y a sus invitados con actuaciones. Durante la era clásica, a medida que los compositores buscaban cada vez más el apoyo financiero del público en general, los conciertos de orquesta se celebraban cada vez más en salas de conciertos públicas , donde los amantes de la música podían comprar entradas para escuchar a la orquesta. El patrocinio aristocrático de las orquestas continuó durante la era clásica, pero esto continuó junto con los conciertos públicos. En los siglos XX y XXI, las orquestas encontraron un nuevo patrocinador: los gobiernos. Muchas orquestas en América del Norte y Europa reciben parte de su financiamiento de gobiernos nacionales, regionales (por ejemplo, gobiernos estatales en los Estados Unidos) o gobiernos municipales. Estos subsidios gubernamentales forman parte de los ingresos de la orquesta, junto con la venta de entradas, donaciones benéficas (si la orquesta está registrada como organización benéfica) y otras actividades de recaudación de fondos. Con la invención de las sucesivas tecnologías, incluyendo la grabación de sonidos , la radiodifusión , la radiodifusión de televisión y de Internet basados en el streaming y la descarga de videos de conciertos, orquestas han sido capaces de encontrar nuevas fuentes de ingresos.

Problemas de rendimiento

Fingir

Uno de los "grandes [temas] innombrables de la interpretación orquestal" es la " falsificación ", el proceso mediante el cual un músico orquestal da la falsa "... impresión de tocar cada nota como está escrita", típicamente para un pasaje muy desafiante que es muy alto o muy rápido, sin tocar realmente las notas que están en la parte de música impresa. Un artículo en The Strad afirma que todos los músicos orquestales, incluso los de las mejores orquestas, en ocasiones falsifican ciertos pasajes. Una de las razones por las que los músicos fingen es porque no hay suficientes ensayos. Otro factor son los desafíos extremos en las piezas contemporáneas del siglo XX y XXI; algunos profesionales dijeron que la "falsificación" era "necesaria en cualquier parte del diez a casi el noventa por ciento de algunas obras modernas". Los intérpretes profesionales que fueron entrevistados estuvieron de acuerdo en que fingir puede ser aceptable cuando una parte no está bien escrita para el instrumento, pero fingir "solo porque no has practicado" la música no es aceptable.

Contrarrevolución

Con el advenimiento del movimiento de la música antigua, las orquestas más pequeñas donde los músicos trabajaban en la ejecución de obras en estilos derivados del estudio de tratados más antiguos sobre la interpretación se hicieron comunes. Estos incluyen la Orquesta de la Era de las Luces , los London Classical Players bajo la dirección de Sir Roger Norrington y la Academy of Ancient Music bajo Christopher Hogwood , entre otros.

Tendencias recientes en los Estados Unidos

En los Estados Unidos, a finales del siglo XX se produjo una crisis de financiación y apoyo a las orquestas. El tamaño y el costo de una orquesta sinfónica, en comparación con el tamaño de la base de seguidores, se convirtió en un tema que golpeó el núcleo de la institución. Pocas orquestas podían llenar los auditorios, y el sistema de suscripción de temporada tradicional se volvió cada vez más anacrónico, ya que cada vez más oyentes compraban boletos ad-hoc para eventos individuales. Las dotaciones orquestales y, lo que es más importante para el funcionamiento diario de las orquestas estadounidenses, los donantes orquestales han visto cómo las carteras de inversión se reducen o producen menores rendimientos, lo que reduce la capacidad de los donantes para contribuir; Además, ha habido una tendencia a que los donantes encuentren otras causas sociales más convincentes. Si bien la financiación del gobierno es menos central para las orquestas estadounidenses que para las europeas, los recortes en dicha financiación siguen siendo significativos para los conjuntos estadounidenses. Finalmente, la drástica caída de los ingresos por grabación, ligada en gran medida a cambios en la propia industria discográfica, inició un período de cambios que aún no ha concluido.

Las orquestas estadounidenses que se han declarado en bancarrota del Capítulo 11 incluyen la Orquesta de Filadelfia (abril de 2011) y la Orquesta de Louisville (diciembre de 2010); Entre las orquestas que entraron en quiebra del Capítulo 7 y cesaron sus operaciones se encuentran la Northwest Chamber Orchestra en 2006, la Honolulu Orchestra en marzo de 2011, la New Mexico Symphony Orchestra en abril de 2011 y la Syracuse Symphony en junio de 2011. El Festival de Orquestas en Orlando , Florida, cesó sus operaciones a finales de marzo de 2011.

Una fuente de dificultades financieras que recibió aviso y críticas fueron los altos salarios de los directores musicales de las orquestas estadounidenses, lo que llevó a varios directores de alto perfil a aceptar recortes salariales en los últimos años. Administradores musicales como Michael Tilson Thomas y Esa-Pekka Salonen argumentaron que la nueva música, los nuevos medios para presentarla y una relación renovada con la comunidad podrían revitalizar la orquesta sinfónica. El crítico estadounidense Greg Sandow ha argumentado en detalle que las orquestas deben revisar su enfoque de la música, la interpretación, la experiencia del concierto, el marketing, las relaciones públicas, la participación comunitaria y la presentación para alinearlas con las expectativas de las audiencias del siglo XXI inmersas en la cultura popular. .

No es raro que los compositores contemporáneos utilicen instrumentos no convencionales, incluidos varios sintetizadores, para lograr los efectos deseados. Muchos, sin embargo, encuentran una configuración orquestal más convencional para brindar mejores posibilidades de color y profundidad. Compositores como John Adams emplean a menudo orquestas románticas, como en la ópera Nixon de Adams en China ; Philip Glass y otros pueden ser más libres, pero aún identifican límites de tamaño. Glass, en particular, ha recurrido recientemente a las orquestas convencionales en obras como el Concierto para violonchelo y orquesta y el Concierto para violín n. ° 2 .

Junto con una disminución en la financiación, algunas orquestas estadounidenses han reducido su personal en general, así como el número de intérpretes que aparecen en las actuaciones. Los números reducidos en la interpretación generalmente se limitan a la sección de cuerdas , ya que los números aquí han sido tradicionalmente flexibles (ya que varios jugadores suelen tocar la misma parte).

Papel del director

Apo Hsu , con batuta , dirige la Orquesta Sinfónica NTNU en Taipei, República de China

La dirección es el arte de dirigir una actuación musical , como un concierto orquestal o coral . Los deberes principales del director son establecer el tempo , asegurar las entradas correctas de varios miembros del conjunto y "dar forma" al fraseo cuando sea apropiado. Para transmitir sus ideas e interpretación, un director se comunica con sus músicos principalmente a través de gestos con las manos, típicamente (aunque no invariablemente) con la ayuda de una batuta , y puede utilizar otros gestos o señales, como el contacto visual con los artistas relevantes. Las instrucciones de un director casi invariablemente serán complementadas o reforzadas por instrucciones o sugerencias verbales a sus músicos en el ensayo previo a una actuación.

El director normalmente se para en un podio elevado con un atril grande para la partitura completa , que contiene la notación musical para todos los instrumentos y voces. Desde mediados del siglo XVIII, la mayoría de los directores no han tocado un instrumento al dirigir, aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica , era común dirigir un conjunto mientras tocaba un instrumento. En la música barroca de la década de 1600 a la de 1750, el grupo normalmente estaría dirigido por el clavecinista o el primer violinista (ver concertino ), un enfoque que en los tiempos modernos ha sido revivido por varios directores musicales para la música de este período. La dirección mientras se toca un piano o un sintetizador también se puede realizar con orquestas de teatro musical . La comunicación es típicamente no verbal durante una actuación (este es estrictamente el caso de la música artística , pero en las grandes bandas de jazz o en los grandes conjuntos de pop, puede haber instrucciones orales ocasionales, como un "conteo"). Sin embargo, en los ensayos , las interrupciones frecuentes permiten al director dar instrucciones verbales sobre cómo se debe tocar o cantar la música.

Los directores actúan como guías de las orquestas o coros que dirigen. Eligen las obras que se van a interpretar y estudian sus partituras , a las que pueden hacer ciertos ajustes (por ejemplo, con respecto al tempo, la articulación, el fraseo, las repeticiones de secciones, etc.), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los intérpretes. . También pueden ocuparse de asuntos organizativos, como programar ensayos, planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y seleccionar miembros, y promover su conjunto en los medios de comunicación. Las orquestas, coros , bandas de conciertos y otros conjuntos musicales importantes , como las grandes bandas, suelen estar dirigidos por directores.

Orquestas sin director

En la era de la música barroca (1600-1750), la mayoría de las orquestas estaban dirigidas por uno de los músicos, generalmente el primer violín principal, llamado concertino . El concertino dirigía el tempo de las piezas levantando su arco de manera rítmica. El liderazgo también podría ser proporcionado por uno de los instrumentistas de acordes que toca la parte de bajo continuo, que era el núcleo de la mayoría de las piezas de conjunto instrumentales barrocas. Normalmente, esto sería un clavicordio jugador, un organista de tubería , o una luteist o tiorba jugador. Un teclista podría dirigir el conjunto con la cabeza o quitando una de las manos del teclado para dirigir un cambio de tempo más difícil. Un laudista o un intérprete de teorbo podría dirigir levantando el cuello del instrumento hacia arriba y hacia abajo para indicar el tempo de una pieza, o para dirigir un ritard durante una cadencia o final. En algunas obras que combinaban coros y conjuntos instrumentales, a veces se utilizaban dos líderes: un concertino para dirigir a los instrumentistas y un intérprete de acordes para dirigir a los cantantes. Durante el período de la música clásica ( c.  1720-1800 ), la práctica de utilizar instrumentos de acordes para tocar el bajo continuo se eliminó gradualmente y desapareció por completo en 1800. En cambio, los conjuntos comenzaron a utilizar directores para dirigir los tempos y el estilo de ejecución de la orquesta. , mientras que el concertino desempeñaba un papel de liderazgo adicional para los músicos, especialmente los de cuerda, que imitaban el golpe de arco y el estilo de ejecución del concertino, en la medida de lo posible para los diferentes instrumentos de cuerda.

En 1922, la idea de una orquesta sin director revivió en la Unión Soviética posrevolucionaria . La orquesta sinfónica Persimfans se formó sin director, porque los fundadores creían que el conjunto debía seguir el modelo del estado marxista ideal , en el que todas las personas son iguales. Como tal, sus miembros sintieron que no había necesidad de ser dirigidos por la batuta dictatorial de un director; en cambio, estaban dirigidos por un comité , que determinaba los tiempos y estilos de ejecución. Aunque fue un éxito parcial dentro de la Unión Soviética, la principal dificultad con el concepto fue cambiar el ritmo durante las actuaciones, porque incluso si el comité había emitido un decreto sobre dónde debería tener lugar un cambio de tempo, no había un líder en el conjunto para guiar este cambio de tempo. La orquesta sobrevivió durante diez años antes de que la política cultural de Stalin la disolviera al quitarle su financiación.

En las naciones occidentales, algunos conjuntos, como la Orquesta de Cámara Orpheus , con sede en la ciudad de Nueva York, han tenido más éxito con las orquestas sin director, aunque es probable que las decisiones se difieran a algún sentido de liderazgo dentro del conjunto (por ejemplo, el viento principal e intérpretes de cuerdas, especialmente el concertino). Otros han vuelto a la tradición de un intérprete principal, generalmente un violinista, siendo el director artístico y dirigiendo los ensayos y los conciertos principales. Los ejemplos incluyen la Australian Chamber Orchestra , Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson y la New Century Chamber Orchestra . Además, como parte del movimiento de música antigua , algunas orquestas de los siglos XX y XXI han revivido la práctica barroca de no tener un director en el podio para las piezas barrocas, utilizando el concertino o un intérprete de bajo continuo que toque acordes (p. Ej., Clavecín u órgano ) para liderar el grupo.

Varios conductores

Instrumentos fuera del escenario

Algunas obras orquestales especifican que se debe usar una trompeta fuera del escenario o que otros instrumentos de la orquesta deben colocarse fuera del escenario o detrás del escenario, para crear un efecto místico y embrujado. Para asegurarse de que los instrumentistas fuera del escenario toquen a tiempo, a veces se colocará un sub-director fuera del escenario con una vista clara del director principal. Los ejemplos incluyen el final de " Neptuno " de Gustav Holst @ s de los planetas . El director principal dirige la gran orquesta, y el sub-director transmite el tempo y los gestos del director principal al músico (o músicos) fuera del escenario. Uno de los desafíos con el uso de dos conductores es que el segundo conductor puede perder la sincronización con el conductor principal, o puede transmitir mal (o malinterpretar) los gestos del conductor principal, lo que puede llevar a que los instrumentos fuera del escenario estén fuera de tiempo. A fines del siglo XX y principios del siglo XXI, algunas orquestas usan una cámara de video apuntada al director principal y un televisor de circuito cerrado frente a los intérpretes fuera del escenario, en lugar de usar dos directores.

Música contemporánea

Las técnicas del poliestilismo y la música politiempo han llevado a algunos compositores de los siglos XX y XXI a escribir música donde múltiples orquestas o conjuntos actúan simultáneamente. Estas tendencias han provocado el fenómeno de la música policonductora, en la que subconductores independientes conducen a cada grupo de músicos. Por lo general, un conductor principal conduce los subconductores, lo que da forma al rendimiento general. En " The Warriors " de Percy Grainger , que incluye tres directores: el director principal de la orquesta, un director secundario que dirige un conjunto de metales fuera del escenario y un director terciario que dirige la percusión y el arpa. Un ejemplo de la música orquestal de finales de siglo es el Gruppen de Karlheinz Stockhausen , para tres orquestas, que se colocan alrededor del público. De esta forma, las "masas sonoras" se podrían espacializar, como en una obra electroacústica . Gruppen se estrenó en Colonia, en 1958, bajo la dirección de Stockhausen, Bruno Maderna y Pierre Boulez . Ha sido interpretada en 1996 por Simon Rattle , John Carewe y Daniel Harding .

Ver también

Notas al pie

Referencias

Bibliografía

enlaces externos