Bel canto - Bel canto

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Bel canto (italiano para "canto hermoso" o "canción hermosa", pronunciado  [ˌbɛl ˈkanto] ) —con varias construcciones similares ( bellezze del canto , bell'arte del canto ) - es un término con varios significados que se relacionan con el canto italiano.

La frase no se asoció con una "escuela" de canto hasta mediados del siglo XIX, cuando los escritores de principios de la década de 1860 la usaron con nostalgia para describir una forma de cantar que había comenzado a decaer alrededor de 1830. Sin embargo, "ni musical ni general los diccionarios consideraron oportuno intentar [una] definición [de bel canto] hasta después de 1900 ". El término sigue siendo vago y ambiguo en el siglo XXI y se usa a menudo para evocar una tradición de canto perdida.

Historia del término y sus diversas definiciones.

El compositor de la era del bel canto Gioachino Rossini : retrato pintado hacia 1815 por Vincenzo Camuccini

Como se entiende generalmente hoy en día, el término bel canto se refiere al estilo vocal de origen italiano que prevaleció en la mayor parte de Europa durante el siglo XVIII y principios del XIX. Las fuentes de finales de los siglos XIX y XX "nos llevarían a creer que el bel canto estaba restringido a la belleza y uniformidad del tono, la redacción legato y la habilidad para ejecutar pasajes muy floridos, pero los documentos contemporáneos [los de finales del siglo XVIII y principios del XIX" ] describen una forma multifacética de actuación mucho más allá de estos límites ". Las principales características del estilo bel canto fueron:

  • canto prosódico (uso de acento y énfasis)
  • hacer coincidir el registro y la calidad tonal de la voz con el contenido emocional de las palabras
  • una forma de fraseo muy articulada basada en la inserción de pausas gramaticales y retóricas
  • una entrega variada por varios tipos de legato y staccato
  • una aplicación liberal de más de un tipo de portamento
  • messa di voce como la principal fuente de expresión (Domenico Corri lo llamó el "alma de la música" - The Singer's Preceptor , 1810, vol. 1, p. 14)
  • alteración frecuente del tempo a través del rubato rítmico y la aceleración y desaceleración del tiempo general
  • la introducción de una amplia variedad de gracias y divisiones tanto en arias como en recitativos
  • gesto como una herramienta poderosa para mejorar el efecto de la entrega vocal
  • vibrato reservado principalmente para realzar la expresión de ciertas palabras y para adornar notas más largas.

El Harvard Dictionary of Music de Willi Apel dice que bel canto denota "la técnica vocal italiana del siglo XVIII, con su énfasis en la belleza del sonido y la brillantez de la interpretación en lugar de la expresión dramática o la emoción romántica. A pesar de las reacciones repetidas contra bel El canto (o sus abusos, como el despliegue por sí mismo; Gluck , Wagner ) y la frecuente exageración de su elemento virtuoso ( coloratura ), debe ser considerado como una técnica altamente artística y la única propia de la ópera italiana y de Mozart. . Su desarrollo temprano está estrechamente relacionado con el de la ópera seria italiana ( A. Scarlatti , N. Porpora , JA Hasse , N. Jommelli , N. Piccinni ) ".

Bel canto en el siglo XVIII y principios del XIX

Dado que el estilo del bel canto floreció en el siglo XVIII y principios del XIX, la música de Handel y sus contemporáneos, así como la de Mozart y Rossini , se beneficia de la aplicación de los principios del bel canto . Las óperas recibieron el uso más dramático de las técnicas, pero el estilo bel canto se aplica igualmente al oratorio, aunque de una manera algo menos extravagante. Las arias de da capo que contenían estas obras proporcionaron desafíos para los cantantes, ya que la repetición de la sección inicial impidió que la línea de la historia progresara. No obstante, los cantantes necesitaban mantener el drama emocional avanzando, por lo que utilizaron los principios del bel canto para ayudarlos a presentar el material repetido con una nueva apariencia emocional. También incorporaron adornos de todo tipo ( Domenico Corri dijo que las arias da capo se inventaron con ese propósito [ The Singer's Preceptor , vol. 1, p. 3]), pero no todos los cantantes estaban equipados para hacer esto, algunos escritores, en particular Domenico Corri él mismo, sugiriendo que cantar sin ornamentación era una práctica aceptable (ver The Singer's Preceptor , vol. 1, p. 3). Los cantantes adornaban con regularidad tanto las arias como los recitativos, pero lo hacían adaptando sus adornos a los sentimientos predominantes de la pieza.

Dos famosos maestros del estilo del siglo XVIII fueron Antonio Bernacchi (1685-1756) y Nicola Porpora (1686-1768), pero existieron muchos otros. Varios de estos maestros eran castrati . El cantante y autor John Potter declara en su libro Tenor: History of a Voice que:

Durante gran parte del siglo XVIII, los castrati definieron el arte del canto; fue la pérdida de sus habilidades irrecuperables lo que con el tiempo creó el mito del bel canto , una forma de cantar y conceptualizar el canto que era completamente diferente a todo lo que el mundo había escuchado antes o volvería a escuchar.

Bel canto en la Italia y Francia del siglo XIX

En otra aplicación, el término bel canto se adjunta a veces a las óperas italianas escritas por Vincenzo Bellini (1801-1835) y Gaetano Donizetti (1797-1848). Estos compositores escribieron obras de bravura para el escenario durante lo que los musicólogos a veces llaman la "era del bel canto". Pero el estilo de canto había comenzado a cambiar alrededor de 1830, Michael Balfe escribió el nuevo método de enseñanza que se requería para la música de Bellini y Donizetti ( A New Universal Method of Singing , 1857, p. Iii), y así las óperas de Bellini y Donizetti fueron en realidad los vehículos para una nueva era del canto. El último papel importante de ópera para un castrato fue escrito en 1824 por Giacomo Meyerbeer (1791-1864).

La frase "bel canto" no se usó comúnmente hasta la última parte del siglo XIX, cuando se opuso al desarrollo de un estilo de canto con inflexión del habla más poderoso y poderoso asociado con la ópera alemana y, sobre todo, con Richard. Los dramas musicales revolucionarios de Wagner . Wagner (1813-1883) condenó el modelo de canto italiano, alegando que se preocupaba simplemente por "si esa G o A saldrán rotundamente". Abogó por una nueva escuela de canto germánica que atraería "a los espiritualmente enérgicos y profundamente apasionados a la órbita de su incomparable Expresión".

Los músicos y compositores franceses nunca abrazaron los extremos más floridos del estilo bel canto italiano del siglo XVIII. Les disgustaba la voz de castrato y, como primaban la enunciación clara de los textos de su música vocal, objetaban que la palabra cantada quedara oscurecida por una fioritura excesiva .

Nota manuscrita de la contralto Marietta Alboni sobre la decadencia del bel canto a finales del siglo XIX. El texto francés dice: "El arte del canto se va, y sólo se revertirá con la única música real del futuro: la de Rossini. París, 8 de febrero de 1881". ( firma )

La popularidad del estilo bel canto que propugnaban Rossini, Donizetti y Bellini se desvaneció en Italia a mediados del siglo XIX. Fue superado por un enfoque del canto más pesado, más ardiente y menos bordado que era necesario para interpretar las obras innovadoras de Giuseppe Verdi (1813-1901) con el máximo impacto dramático. Los tenores, por ejemplo, comenzaron a inflar su tono y emitir la C alta (e incluso la D alta) directamente desde el pecho en lugar de recurrir a una voz de cabeza suave / falsete como lo habían hecho anteriormente, sacrificando la agilidad vocal en el proceso. Sopranos y barítonos reaccionaron de manera similar a sus colegas tenores cuando se enfrentaron a las composiciones llenas de drama de Verdi. Sometieron la mecánica de su producción de voz a mayores presiones y cultivaron la excitante parte superior de sus respectivos rangos a expensas de sus notas bajas suaves pero menos penetrantes. Al menos inicialmente, las técnicas de canto de los contraltos y bajos del siglo XIX se vieron menos afectadas por las innovaciones musicales de Verdi, que fueron construidas por sus sucesores Amilcare Ponchielli (1834-1886), Arrigo Boito (1842-1918) y Alfredo Catalani ( 1854-1893).

Bel canto y sus detractores

Una de las razones del eclipse del viejo modelo de canto italiano fue la creciente influencia en el mundo de la música de los detractores del bel canto, que lo consideraron anticuado y lo condenaron como vocalización desprovista de contenido. Para otros, sin embargo, el bel canto se convirtió en el arte desaparecido de la expresión musical elegante, refinada y de tonos dulces. Rossini lamentó en una conversación que tuvo lugar en París en 1858 que: "Ay de nosotros, hemos perdido nuestro bel canto". Del mismo modo, el llamado estilo alemán fue tan ridiculizado como anunciado. En la introducción a una colección de canciones de maestros italianos publicada en 1887 en Berlín bajo el título Il bel canto , Franz Sieber escribió: "En nuestro tiempo, cuando el grito más ofensivo bajo el dispositivo atenuante del 'canto dramático' se ha extendido por todas partes, cuando las masas ignorantes parezcan mucho más interesadas en lo fuerte que en lo hermoso que es el canto, tal vez sea bienvenida una colección de canciones que, como dice el título, puede ayudar a restaurar el bel canto en el lugar que le corresponde ".

A finales del siglo XIX y principios del XX, los profesores de canto en Italia resucitaron el término "bel canto", entre los que destacó el barítono retirado de Verdi Antonio Cotogni (1831-1918). Cotogni y sus seguidores lo invocaron contra un estilo de vocalización sin precedentes, vehemente y cargado de vibrato que los cantantes utilizaron cada vez más después de alrededor de 1890 para satisfacer las apasionadas demandas de la escritura de verismo de compositores como Giacomo Puccini (1858-1924), Ruggero Leoncavallo (1857-1919). ), Pietro Mascagni (1863-1945), Francesco Cilea (1866-1950) y Umberto Giordano (1867-1948), así como los desafíos auditivos planteados por las obras teatrales no italianas de Richard Strauss (1864-1949) y otros compositores de la era tardomántica / temprana de la era moderna, con sus líneas vocales vigorosas y angulosas y texturas orquestales frecuentemente densas.

Durante la década de 1890, los directores del Festival de Bayreuth iniciaron un estilo de canto wagneriano particularmente contundente que estaba totalmente en desacuerdo con los ideales italianos del bel canto. Llamado " Sprechgesang " por sus proponentes (y apodado el "ladrido de Bayreuth" por algunos oponentes), el nuevo estilo wagneriano priorizó la articulación de las palabras individuales del libreto del compositor sobre la entrega del legato. Este enfoque del vocalismo anti-legato basado en texto se extendió por las partes de habla alemana de Europa antes de la Primera Guerra Mundial .

Como resultado de estos muchos factores, el concepto de bel canto se envolvió en la mística y se confundió con una plétora de nociones e interpretaciones individuales. Para complicar aún más las cosas, la musicología alemana a principios del siglo XX inventó su propia aplicación histórica para "bel canto", utilizando el término para denotar el lirismo simple que pasó a primer plano en la ópera veneciana y la cantata romana durante las décadas de 1630 y 40 ( la era de los compositores Antonio Cesti , Giacomo Carissimi y Luigi Rossi ) como una reacción contra el estilo rappresentativo anterior, dominado por el texto . Por desgracia, este uso anacrónico de la bel canto término se le dio amplia difusión en Robert Haas 's Die Musik des Barocks y, más tarde, en Manfred Bukofzer ' s de música en la era barroca . Dado que el estilo de canto de la Italia de finales del siglo XVII no difirió de manera marcada del del siglo XVIII y principios del XIX, se puede establecer una conexión; pero, de acuerdo con Jander, la mayoría de los musicólogos están de acuerdo en que es mejor limitar el término a su uso de mediados del siglo XIX, designando un estilo de canto que enfatizaba la belleza del tono y la experiencia técnica en la entrega de música que era muy florida o que se presentaba durante mucho tiempo. , pasajes fluidos y difíciles de sostener de cantilena  [ it ] .

Renacimiento

En la década de 1950, se acuñó la frase "renacimiento del bel canto" para referirse a un renovado interés por las óperas de Donizetti, Rossini y Bellini. Estos compositores habían comenzado a pasar de moda durante los últimos años del siglo XIX y sus obras, aunque nunca desaparecieron por completo del repertorio escénico, se escenificaron con poca frecuencia durante la primera mitad del siglo XX, cuando las óperas de Wagner, Verdi y Puccini dominaba. Esa situación cambió significativamente después de la Segunda Guerra Mundial con la llegada de un grupo de directores orquestales emprendedores y el surgimiento de una nueva generación de cantantes como Montserrat Caballé , Maria Callas , Leyla Gencer , Joan Sutherland , Beverly Sills y Marilyn Horne , quienes habían adquirido técnicas del bel canto. Estos artistas infundieron nueva vida a las composiciones escénicas de Donizetti, Rossini y Bellini, tratándolas seriamente como música y popularizándolas en Europa y América. Hoy en día, algunas de las óperas más representadas del mundo, como El barbero de Sevilla de Rossini y Lucia di Lammermoor de Donizetti , son de la época del bel canto.

Muchas óperas del siglo XVIII que requieren habilidades hábiles del bel canto también han experimentado resurgimientos de la posguerra, que van desde Mozart y Haydn menos conocidos hasta extensas obras barrocas de Handel, Vivaldi y otros.

Legado docente

Mathilde Marchesi (1821-1913), una destacada profesora de bel canto sopranos radicada en París

Los musicólogos aplican ocasionalmente la etiqueta "técnica del bel canto" al arsenal de virtuosos logros vocales y conceptos impartidos por los profesores de canto a sus alumnos durante finales del siglo XVIII y principios del XIX. Muchos de estos maestros eran castrati.

"Todos [sus] trabajos pedagógicos siguen la misma estructura, comenzando con ejercicios en notas individuales y eventualmente progresando a escalas y adornos improvisados", escribe Potter, quien continúa, "La ornamentación realmente creativa requerida para las cadencias, involucrando modelos y fórmulas que podrían generar nuevas improvisaciones material, llegó hacia el final del proceso ".

La omnipresente idea actual de que los cantantes deben abstenerse de improvisar y adherirse siempre estrictamente a la letra de la partitura publicada por un compositor es un fenómeno relativamente reciente, promulgado durante las primeras décadas del siglo XX por directores dictatoriales como Arturo Toscanini (1867-1957), quien defendió las óperas dramáticas de Verdi y Wagner y creyó en mantener a los artistas bajo una estricta correa interpretativa. Potter (página 77) y Michael Scott lo notan .

Potter señala, sin embargo, que a medida que se desarrollaba el siglo XIX:

La tendencia general ... era que los cantantes no fueran instruidos por castrati (quedaban pocos) y que el estudio serio comenzara más tarde, a menudo en uno de los nuevos conservatorios en lugar de con un maestro privado. Las técnicas y la pedagogía tradicionales todavía eran reconocidas, pero la enseñanza estaba generalmente en manos de tenores y barítonos que para entonces estaban al menos una vez alejados de la tradición misma.

Los maestros de principios del siglo XIX describieron la voz como formada por tres registros. El registro de pecho fue el más bajo de los tres y el registro de cabeza el más alto, con el pasaje en el medio. Estos registros debían combinarse suavemente y ecualizarse por completo antes de que un cantante en formación pudiera adquirir el dominio total de su instrumento natural, y la forma más segura de lograr este resultado era que el alumno practicara ejercicios vocales con asiduidad. Los maestros de la era del bel canto eran grandes creyentes en los beneficios de la vocalización y el solfeo . Se esforzaron por fortalecer los músculos respiratorios de sus pupilas y equiparlos con atributos vocales consagrados por el tiempo como "pureza de tono, perfección del legato, fraseo informado por portamento elocuente y ornamentos exquisitamente torneados", como se señala en la introducción del Volumen 2. de The Record of Singing de Scott .

Durante el siglo XIX se produjeron importantes mejoras en el sistema existente de clasificación de voces a medida que el repertorio operístico internacional se diversificó, se dividió en escuelas nacionalistas distintivas y se expandió en tamaño. A finales del siglo XIX surgieron categorías completamente nuevas de cantantes como la mezzosoprano y el barítono bajo wagneriano , así como nuevas subcategorías como la soprano coloratura lírica , la soprano dramática y soprano spinto , y varios grados de tenor, que se extienden desde lírico a través de spinto a heroico. Estos cambios de clasificación han tenido un efecto duradero en la forma en que los profesores de canto designan las voces y la dirección de la ópera en las producciones de reparto.

Sin embargo, no hubo uniformidad generalizada entre los adeptos del bel canto del siglo XIX a la hora de transmitir sus conocimientos e instruir a los estudiantes. Cada uno tenía sus propios regímenes de entrenamiento y sus propias ideas. Sin embargo, fundamentalmente todos se adhirieron al mismo conjunto de preceptos del bel canto, y los ejercicios que idearon para mejorar el apoyo respiratorio, la destreza, el alcance y el control técnico siguen siendo valiosos y, de hecho, algunos profesores todavía los utilizan.

Manuel García (1805-1906), autor del influyente tratado L'Art du Chant , fue el más destacado del grupo de pedagogos que perpetuaron los principios del bel-canto en enseñanzas y escritos durante la segunda mitad del siglo XIX. Su hermana menor, de ideas afines, Pauline Viardot (1821-1910), también fue una importante maestra de voz, al igual que sus contemporáneos Mathilde Marchesi , Camille Everardi , Julius Stockhausen , Carlo Pedrotti , Venceslao Persichini, Giovanni Sbriglia , Melchiorre Vidal y Francesco Lamperti. (junto con el hijo de Francesco, Giovanni Battista Lamperti ). Las voces de varios de sus antiguos alumnos se pueden escuchar en grabaciones acústicas realizadas en las dos primeras décadas del siglo XX y reeditadas desde entonces en LP y CD. Algunos ejemplos en disco de cantantes del siglo XIX de importancia histórica y artística cuyos estilos vocales y técnicas ejemplifican los ideales del bel canto incluyen los siguientes:

Sir Charles Santley (nacido en 1834), Gustav Walter (nacido en 1834), Adelina Patti (nacido en 1843), Marianne Brandt (nacido en 1842), Lilli Lehmann (nacido en 1848), Jean Lassalle (nacido en 1847), Victor Maurel (nacido en 1848), Marcella Sembrich (nacida en 1858), Lillian Nordica (nacida en 1857), Emma Calvé (nacida en 1858), Nellie Melba (nacida en 1861), Francesco Tamagno (nacida en 1850), Francesco Marconi (nacida en 1853), Léon Escalais (nacida en 1859), Mattia Battistini (nacido en 1856), Mario Ancona (nacido en 1860), Pol Plançon (nacido en 1851) y Antonio Magini-Coletti y Francesco Navarini (ambos nacidos en 1855).

Citas

  • "No hay registros en la voz humana cantada cuando se produce con precisión. De acuerdo con las leyes naturales de la voz, se compone de un registro que constituye todo su rango"
  • "Bel-canto no es una escuela de producción de voz sensualmente bonita. Ha llegado a ser una cosa generalmente reconocida que la voz, pura y simple, por su misma composición o" ubicación ", interfiere con los órganos del habla; haciéndolo imposible para un vocalista preservar la pureza absoluta de la pronunciación tanto en la canción como en el habla. Es debido a este punto de vista que el principio de "vocalizar" las palabras, en lugar de "decirlas" musicalmente, se deslizó en detrimento del arte vocal . Esta falsa posición se debe a la idea de que el 'Arte del bel-canto' fomentaba la mera belleza sensual de la voz, más que la verdad de expresión ".
  • " Bel-canto (del que tanto leemos) significaba, y significa, versatilidad de tono; si un hombre desea ser llamado artista , su voz debe convertirse en el instrumento de la imaginación inteligente. Quizás habría menos casos de especializándose si la locura moderna por la "producción de voz" (aparte de la verdad lingüística) podría reducirse. Esta maravillosa búsqueda es, tal como están las cosas, un ejemplo notable de poner el carro delante del caballo. Las voces se "producen" y "colocan" de tal manera que los alumnos están entrenados para 'vocalizar' (para usar jerga técnica) las palabras; es decir , se les enseña a emitir un sonido que de hecho es algo parecido pero no es la palabra en su pureza. el estudiante promedio busca, ab initio , y no pureza verbal. De ahí la monotonía del canto moderno. Cuando uno escucha a un cantante promedio en un papel, lo escucha en todos ".
  • "Aquellos que consideran el arte de cantar como algo más que un medio para un fin, no comprenden el verdadero propósito de ese arte, y mucho menos pueden esperar cumplir ese propósito. El verdadero propósito del canto es dar expresión a ciertos profundidades ocultas en nuestra naturaleza que no pueden expresarse adecuadamente de otra manera. La voz es el único vehículo perfectamente adaptado a este propósito; solo ella puede revelarnos nuestros sentimientos más íntimos, porque es nuestro único medio directo de expresión. , más que cualquier lenguaje, más que cualquier otro instrumento de expresión, puede revelarnos nuestras propias profundidades ocultas, y trasmitir esas profundidades a otras almas de los hombres, es porque la voz vibra directamente al sentimiento mismo, cuando cumple su 'natural'. 'misión. Al cumplir su misión natural, quiero decir, cuando la voz no se ve impedida de vibrar al sentimiento por métodos artificiales de producción de tono, qué métodos incluyen ciertos procesos mentales que son fatales para la espontaneidad. Cantar siempre debe significar tener algún sentimiento definido que expresar ".
  • "El declive del Bel Canto puede atribuirse en parte a Ferrein y García quienes, con un conocimiento peligrosamente pequeño e históricamente prematuro de la función laríngea, abandonaron la intuición y la percepción emocional de los cantantes anatómicamente ciegos".
  • "La cultura de la voz no ha progresado [...]. Ha ocurrido exactamente lo contrario. Antes de la introducción de los métodos mecánicos, todo estudiante vocal serio estaba seguro de aprender a usar su voz correctamente y de desarrollar plenamente sus dotes naturales. La instrucción mecánica ha alterado todo esto. Hoy en día, el estudiante vocal exitoso es la excepción ".

Referencias

Notas

Fuentes

Otras lecturas

enlaces externos

Artículos

Material digitalizado

Video