Ópera italiana - Italian opera

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Interior de la ópera La Fenice de Venecia en 1837. Venecia fue, junto con Florencia y Roma, una de las cunas de la ópera italiana.

La ópera italiana es tanto el arte de la ópera en Italia como la ópera en lengua italiana . La ópera nació en Italia alrededor del año 1600 y la ópera italiana ha seguido desempeñando un papel dominante en la historia de la forma hasta nuestros días. Muchas óperas famosas en italiano fueron escritas por compositores extranjeros, incluidos Handel , Gluck y Mozart . Las obras de compositores italianos nativos del siglo XIX y principios del XX, como Rossini , Bellini , Donizetti , Verdi y Puccini , se encuentran entre las óperas más famosas jamás escritas y hoy se representan en teatros de ópera de todo el mundo.

Orígenes

Jacopo Peri como Arion en La pellegrina

Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, como se entiende hoy. Las obras de Peri, sin embargo, no surgieron de un vacío creativo en el área del drama cantado. Un prerrequisito subyacente para la creación de la ópera propiamente dicha era la práctica de la monodia . Monody es el canto / escenario en solitario de una melodía dramáticamente concebida, diseñada para expresar el contenido emocional del texto que lleva, que se acompaña de una secuencia relativamente simple de acordes en lugar de otras partes polifónicas . Los compositores italianos comenzaron a componer con este estilo a fines del siglo XVI, y se debió en parte a la práctica de muchos años de interpretar madrigales polifónicos con un cantante acompañado de una interpretación instrumental de las otras partes, así como a la creciente popularidad de las canciones más populares. , géneros vocales más homofónicos como la frottola y la villanella . En estos dos últimos géneros, la tendencia creciente fue hacia una textura más homofónica , con la parte superior con una melodía activa y elaborada, y las inferiores (generalmente eran composiciones de tres partes, a diferencia de las de cuatro o más). parte madrigal) una estructura de soporte menos activa. A partir de esto, fue solo un pequeño paso hacia la monodia en toda regla. Todas estas obras tendían a establecer una poesía humanista de un tipo que intentaba imitar a Petrarca y sus seguidores de Trecento , otro elemento de la tendencia del período hacia un deseo de restauración de principios que asociaba con una noción confusa de antigüedad.

Los solistas madrigal, frottola, villanella y sus parientes ocuparon un lugar destacado en el intermedio o intermezzo, espectáculos teatrales con música que fueron financiados en los últimos setenta años del siglo XVI por las cortes opulentas y cada vez más seculares de las ciudades-estado italianas. Dichos espectáculos generalmente se organizaban para conmemorar eventos estatales importantes: bodas, victorias militares y similares, y se alternaban en la representación con los actos de las obras de teatro. Al igual que la ópera posterior, un intermedio contó con el canto solista antes mencionado, pero también madrigales interpretados en su textura típica de múltiples voces y bailes acompañados por los instrumentistas presentes. Fueron profusamente escenificados y protagonizaron la escenografía de la segunda mitad del siglo XVI. Los intermedios tendían a no contar una historia como tal, aunque ocasionalmente lo hacían, pero casi siempre se centraban en algún elemento particular de la emoción o experiencia humana, expresada a través de una alegoría mitológica.

La puesta en escena en 1600 de la ópera Euridice de Peri como parte de las celebraciones de la boda de los Medici, ocasiones para los intermedios más espectaculares e internacionalmente famosos del siglo anterior, fue probablemente un desarrollo crucial para la nueva forma, colocándola en la corriente principal de la lujosa. entretenimiento cortesano.

Otro entretenimiento popular de la corte en este momento fue la " comedia de madrigal ", más tarde también llamada "ópera de madrigal" por musicólogos familiarizados con el género posterior. Consistía en una serie de madrigales unidos para sugerir una narrativa dramática, pero no escenificada. También hubo dos musicales "pastorales" escenificados, Il Satiro y La Disperazione di Fileno , ambos producidos en 1590 y escritos por Emilio de 'Cavalieri . Aunque estas obras perdidas parecen haber incluido sólo arias , sin recitativo , aparentemente eran a lo que se refería Peri, en su prefacio a la edición publicada de su Euridice , cuando escribió: "Signor Emilio del Cavalieri, antes que cualquier otro de los cuales Lo sé, nos permitió escuchar nuestro tipo de música en el escenario ". Otras obras pastorales habían incluido durante mucho tiempo algunos números musicales; una de las primeras, Fabula di Orfeo (1480) de Poliziano tenía al menos tres canciones en solitario y un coro.

siglo 17

Florencia y Mantua

La música de Dafne ahora está perdida, a excepción del libreto de versos de 455 líneas. La primera ópera de la que ha sobrevivido la música se representó en 1600 en la boda de Enrique IV de Francia y María de Médicis en el Palacio Pitti de Florencia . La ópera Euridice , con libreto de Rinuccini, con música de Peri y Giulio Caccini , narra la historia de Orfeo y Eurídice. El estilo de canto favorecido por Peri y Caccini era una forma elevada de habla natural, un recitativo dramático apoyado por música instrumental de cuerdas. Así, el recitativo precedió al desarrollo de las arias, aunque pronto se convirtió en la costumbre de incluir canciones separadas e interludios instrumentales durante los períodos en que las voces estaban en silencio. Tanto Dafne como Euridice también incluyeron coros comentando la acción al final de cada acto a la manera de la tragedia griega. El tema de Orfeo, el semidiós de la música, fue comprensiblemente popular y atrajo a Claudio Monteverdi (1567-1643), quien escribió su primera ópera , L'Orfeo (La fábula de Orfeo), en 1607 para la corte de Mantua .

Monteverdi insistió en una fuerte relación entre la letra y la música. Cuando se representó Orfeo en Mantua , una orquesta de 38 instrumentos, se utilizaron numerosos coros y recitativos para hacer un animado drama. Fue una versión mucho más ambiciosa que las interpretadas anteriormente, más opulenta, más variada en recitativos, más exótica en la escenografía, con clímax musicales más fuertes que permitieron el pleno alcance del virtuosismo de los cantantes. La ópera había revelado su primera etapa de madurez en manos de Monteverdi. L'Orfeo también tiene la distinción de ser la ópera más antigua que se conserva y que todavía se representa regularmente en la actualidad.

Opera en Roma

En unas pocas décadas la ópera se había extendido por toda Italia. En Roma , encontró un abogado en el prelado y libretista Giulio Rospigliosi (más tarde Papa Clemente IX). Los patrocinadores de Rospigliosi eran los Barberini.

Entre los compositores que trabajaron en este período se encuentran Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Domenico y Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .

Desde la década de 1630, el tema de las obras cambió mucho: los de la tradición pastoral y Arcadia, es preferible los poemas de caballería, generalmente Ludovico Ariosto y Torquato Tasso , o los tomados de la hagiografía y la commedia dell'arte cristiana .

Con el aumento del número de personajes, las óperas romanas se volvieron muy dramáticas y tuvieron varios giros. Con ellos surgió un nuevo método de fijación de las líneas del recitativo, más adecuado a las diversas situaciones que surgían de la rica trama y que se acercaba más al habla, lleno de paréntesis a expensas del estilo paratáctico que tanto había caracterizado a la primera. Obras florentinas.

Venecia: ópera comercial

Las principales características de la ópera veneciana fueron (1) más énfasis en las arias formales; (2) el comienzo del estilo bel canto ("canto hermoso") y más atención a la elegancia vocal que a la expresión dramática; (3) menor uso de música coral y orquestal; (4) parcelas complejas e improbables; (5) elaborada maquinaria escénica; y (6) introducciones instrumentales cortas en forma de fanfarria, los prototipos de la obertura posterior.

La ópera tomó una nueva dirección importante cuando llegó a la república de Venecia . Fue aquí donde Benedetto Ferrari y Francesco Manelli abrieron en 1637 el primer teatro de ópera público, el Teatro di San Cassiano . Su éxito alejó a la ópera del mecenazgo aristocrático y la llevó al mundo comercial. En Venecia, el drama musical ya no estaba dirigido a una élite de aristócratas e intelectuales y adquirió el carácter de entretenimiento. Pronto, muchos otros teatros de ópera habían surgido en la ciudad, interpretando obras para un público que pagaba durante la temporada de Carnaval . Los teatros de ópera emplearon una orquesta muy pequeña para ahorrar dinero. Una gran parte de su presupuesto se gastó en atraer a los cantantes estrella del día; este fue el comienzo del reinado del castrato y la prima donna (protagonista).

El principal compositor de la ópera veneciana temprana fue Monteverdi, que se había trasladado a la república desde Mantua en 1613, con importantes compositores posteriores como Francesco Cavalli , Antonio Cesti , Antonio Sartorio y Giovanni Legrenzi . Monteverdi escribió tres obras para los teatros públicos: Il ritorno d'Ulisse in patria (1640), Le nozze d'Enea con Lavinia (1641, ahora perdida) y, la más famosa, L'incoronazione di Poppea (1642). Los temas de las nuevas óperas de Monteverdi y otros se extrajeron generalmente de la historia romana o de las leyendas sobre Troya, para celebrar los ideales heroicos y la noble genealogía del estado veneciano. Sin embargo, no les faltó interés amoroso ni comedia. La mayoría de las óperas consistieron en tres actos, a diferencia de las óperas anteriores que normalmente tenían cinco. La mayor parte de la versificación seguía siendo recitativa, sin embargo, en momentos de gran tensión dramática, a menudo había pasajes arioso conocidos como arie cavate . Bajo los seguidores de Monteverdi, la distinción entre el recitativo y el aria se hizo más marcada y convencionalizada. Esto es evidente en el estilo de los cuatro compositores más exitosos de la próxima generación: Francesco Cavalli , Giovanni Legrenzi , Antonio Cesti y Alessandro Stradella .

Difusión de la ópera en el extranjero

Edificio de la Ópera de Władysław (derecha) en el Castillo Real de Varsovia

En la Commonwealth polaco-lituana comenzó una tradición de producción operística en Varsovia en 1628, con la interpretación de Galatea (compositor incierto), la primera ópera italiana producida fuera de Italia. Poco después de esta representación, la corte produjo la ópera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina de Francesca Caccini , que había escrito para el príncipe Władysław Vasa tres años antes cuando estaba en Italia. Otra novedad, esta es la ópera más antigua que se conserva escrita por una mujer. Gli amori di Aci e Galatea de Santi Orlandi también se representó en 1628. Cuando Władysław era rey (como Władysław IV) supervisó la producción de al menos diez óperas a finales de la década de 1630 y 1640, haciendo de Varsovia un centro de arte. Los compositores de estas óperas no son conocidos: pueden haber sido polacos que trabajaban con Marco Scacchi en la capilla real, o pueden haber estado entre los italianos importados por Władysław. Un drama per musica (como se conocía en ese momento la ópera italiana seria) titulado Giuditta , basado en la historia bíblica de Judith , se representó en 1635. El compositor probablemente fue Virgilio Puccitelli.

Las óperas de Cavalli fueron representadas en toda Italia por compañías de gira con gran éxito. De hecho, su Giasone fue la ópera más popular del siglo XVII, aunque algunos críticos se horrorizaron ante su mezcla de tragedia y farsa. La fama de Cavalli se extendió por toda Europa. Una de sus especialidades fue dar a sus heroínas " lamentos de bass bass ". Se trataba de arias tristes cantadas sobre una línea de bajo descendente y que tuvieron una gran influencia en Henry Purcell , cuyo "Cuando estoy en la tierra" de Dido y Eneas es probablemente el ejemplo más célebre de la forma. La reputación de Cavalli hizo que el cardenal Mazarino lo invitara a Francia en 1660 para componer una ópera para la boda del rey Luis XIV con María Teresa de España. La ópera italiana ya se había representado en Francia en la década de 1640 con una recepción mixta y la expedición extranjera de Cavalli terminó en un desastre. El público francés no respondió bien al resurgimiento de Xerse (1660) y la especialmente compuesta Ercole amante (1662), prefiriendo los ballets que habían sido insertados entre los actos por un compositor florentino, Jean-Baptiste Lully , y Cavalli juró no componer nunca otra ópera.

Cesti tuvo más suerte cuando se le pidió que escribiera una ópera para la corte de los Habsburgo en Viena en 1668. Il pomo d'oro era tan grandioso que la representación tuvo que extenderse a lo largo de dos días. Fue un éxito tremendo y marcó el comienzo del dominio operístico italiano al norte de los Alpes. A finales del siglo XVII, los compositores alemanes e ingleses intentaron establecer sus propias tradiciones nativas, pero a principios del siglo XVIII habían cedido terreno a la ópera italiana importada, que se convirtió en el estilo internacional en manos de compositores como Handel . Sólo Francia resistió (y su tradición operística había sido fundada por la italiana Lully). Esto marcó la pauta hasta bien entrado el siglo XIX: la tradición italiana era internacional y sus principales exponentes (por ejemplo, Handel, Hasse, Gluck y Mozart) a menudo no eran nativos de Italia. Los compositores que querían desarrollar sus propias formas nacionales de ópera generalmente tenían que luchar contra la ópera italiana. Así, a principios del siglo XIX, tanto Carl Maria von Weber en Alemania como Héctor Berlioz en Francia sintieron que tenían que desafiar la enorme influencia del italiano Rossini.

siglo 18

Ópera seria

A finales del siglo XVII, algunos críticos creían que era necesaria una nueva forma de ópera más elevada. Sus ideas darían a luz a un género, la ópera seria (literalmente "ópera seria"), que se convertiría en dominante en Italia y gran parte del resto de Europa hasta finales del siglo XVIII. La influencia de esta nueva actitud se puede ver en las obras de los compositores Carlo Francesco Pollarolo y el enormemente prolífico Alessandro Scarlatti .

Durante el siglo XVIII, la vida artística y cultural en Italia estuvo fuertemente influenciada por los ideales estéticos y poéticos de los miembros de la Accademia dell'Arcadia . Los poetas de Arcadia introdujeron muchos cambios en el drama musical serio en italiano, que incluyen:

  • la simplificación de la trama;
  • la eliminación de elementos cómicos;
  • la reducción del número de arias;
  • una predilección por las tramas extraídas de la tragedia clásica francesa antigua o moderna, en las que se ensalzaban los valores de la lealtad, la amistad y la virtud y se celebraba el poder absoluto del soberano.
Pietro Metastasio en un retrato atribuido a Pompeo Batoni

Con mucho, el libretista más exitoso de la época fue Pietro Metastasio y mantuvo su prestigio hasta bien entrado el siglo XIX. Pertenecía a la Academia Arcadia y estaba firmemente en línea con sus teorías. Un libreto de Metastasio a menudo estaba compuesto por veinte o treinta compositores diferentes y el público llegó a conocer las palabras de sus dramas de memoria.

Opera buffa

En el siglo XVII, las óperas cómicas se producían solo ocasionalmente y no se estableció una tradición estable. Solo en los primeros años del siglo XVIII nació el género cómico de la ópera buffa en Nápoles y comenzó a extenderse por toda Italia a partir de 1730.

La ópera buffa se distingue de la ópera seria por numerosas características:

  • la importancia dada a la acción escénica y la consiguiente necesidad de que la música siga los cambios del drama, enfatizando la expresividad de las palabras;
  • la elección de cantantes que también fueron excelentes actores capaces de interpretar el drama de manera convincente;
  • una reducción en el uso de escenografía y maquinaria escénica y en el número de músicos orquestales;
  • el uso de un pequeño grupo de personajes (al menos en la forma corta de la ópera cómica conocida como el intermezzo ) y tramas simples (un buen ejemplo de ello es Pergolesi 's La serva Padrona , 1733);
  • libretos inspirados en la commedia dell'arte , con temas realistas, lenguaje coloquial y expresiones de jerga;
  • en lo que se refiere al canto: el rechazo total al virtuosismo vocal; una tendencia a una pronunciación incorrecta de las palabras; la presencia frecuente de tics rítmicos y melódicos; el uso de onomatopeyas e interjecciones;
  • la exclusión de castrati .

En la segunda mitad del siglo XVIII, la ópera cómica debe su éxito a la colaboración entre el dramaturgo Carlo Goldoni y el compositor Baldassare Galuppi . Gracias a Galuppi, la ópera cómica adquirió mucha más dignidad que durante los días del intermezzo. Las óperas se dividían ahora en dos o tres actos, creando libretos para obras de una extensión sustancialmente mayor, que se diferenciaban significativamente de las de principios del siglo XVIII en la complejidad de sus tramas y la psicología de sus personajes. Estos ahora incluían algunas figuras serias en lugar de caricaturas exageradas y las óperas tenían tramas que se centraban en el conflicto entre las clases sociales, además de incluir ideas autorreferenciales. El trabajo más famoso de Goldoni y Galuppi juntos es Il filosofo di campagna (1754).

La colaboración entre Goldoni y otro famoso compositor Niccolò Piccinni produjo con La Cecchina (1760) otro nuevo género: la ópera semiseria . Este tenía dos personajes bufones , dos nobles y dos personajes "intermedios".

La farsa de un acto tuvo una influencia significativa en el desarrollo de la ópera cómica. Este fue un tipo de drama musical inicialmente considerado como una versión condensada de una ópera cómica más larga, pero con el tiempo se convirtió en un género por derecho propio. Se caracterizó por: virtuosismo vocal; un uso más refinado de la orquesta; la gran importancia que se le da a la producción; la presencia de malentendidos y sorpresas en el transcurso del drama.

Las reformas de Gluck y Mozart

Christoph Willibald Gluck tocando su clavicordio (1775), retrato de Joseph Duplessis

La ópera seria tuvo sus debilidades y críticas; el gusto por el embellecimiento en nombre de los cantantes magníficamente entrenados, y el uso del espectáculo como reemplazo de la unidad y la pureza dramática provocó ataques. El Ensayo sobre la ópera de Francesco Algarotti (1755) resultó ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck . Abogó por que la ópera seria tuviera que volver a lo básico y que todos los elementos —música (tanto instrumental como vocal), ballet y puesta en escena— debían estar subordinados al drama predominante. Varios compositores de la época, incluidos Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta , intentaron poner en práctica estos ideales. En 1765 Melchior Grimm publicó "Poème lyrique" , un artículo influyente para la Encyclopédie sobre libretos líricos y de ópera .

Sin embargo, el primero en triunfar y en dejar una huella permanente en la historia de la ópera fue Gluck. Gluck intentó lograr una "hermosa sencillez". Esto se ilustra en la primera de sus óperas "reformadas", Orfeo ed Euridice , donde las líneas vocales que carecen del virtuosismo de (digamos) las obras de Handel están respaldadas por armonías simples y una presencia orquestal notablemente más rica de lo habitual en todas partes.

Las reformas de Gluck han tenido resonancia a lo largo de la historia de la ópera. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideales. Mozart, sucesor de Gluck en muchos sentidos, combinó un magnífico sentido del drama, la armonía, la melodía y el contrapunto para escribir una serie de comedias, entre las que destacan Las bodas de Fígaro , Don Giovanni y Così fan tutte (en colaboración con Lorenzo Da Ponte ) que permanecen entre las óperas más queridas, populares y conocidas en la actualidad. Pero la contribución de Mozart a la ópera seria fue más variada; en su momento estaba muriendo y, a pesar de obras tan bellas como Idomeneo y La clemenza di Tito , no lograría devolverle la vida a la forma de arte.

Periodo romántico

La ópera romántica, que hacía hincapié en la imaginación y las emociones, comenzó a aparecer a principios del siglo XIX, y por sus arias y música, dio más dimensión a las emociones extremas que tipificaban el teatro de esa época. Además, se dice que la buena música a menudo excusa defectos evidentes en el dibujo de los personajes y las líneas argumentales. Gioachino Rossini (1792-1868) inició el período romántico. Su primer éxito fue una "opera buffa" (ópera cómica), La Cambiale di Matrimonio (1810). Su reputación aún pervive hoy a través de su Barbero de Sevilla (1816) y La Cenerentola (1817). Pero también escribió ópera seria, Tancredi (1813) y Semiramide (1823).

Los sucesores de Rossini en el bel canto italiano fueron Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1848) y Giuseppe Verdi (1813–1901). Fue Verdi quien transformó toda la naturaleza de la escritura operística a lo largo de su dilatada carrera. Su primera gran ópera exitosa, Nabucco (1842), atrajo la atención del público por el vigor impulsor de su música y sus grandes coros. " Va, pensiero ", una de las versiones del coro, fue interpretada y dio un sentido ventajoso a la lucha por la independencia italiana y por unificar Italia.

Después de Nabucco , Verdi basó sus óperas en temas patrióticos y muchas de las fuentes románticas habituales: Friedrich Schiller ( Giovanna d'Arco , 1845; I masnadieri , 1847; Luisa Miller , 1849); Lord Byron ( I due Foscari , 1844; Il corsaro , 1848); y Victor Hugo ( Ernani , 1844; Rigoletto , 1851). Verdi estaba experimentando con formas musicales y dramáticas, intentando descubrir cosas que solo la ópera podía hacer.

En 1887 creó Otello, que reemplazó por completo a la ópera homónima de Rossini , y que la crítica describe como la mejor de las óperas románticas italianas con los componentes tradicionales: las arias solistas, los dúos y los coros totalmente integrados en la melodía y la dramaturgia. flujo.

La última ópera de Verdi , Falstaff (1893), se liberó por completo de la forma convencional y encuentra música que sigue a palabras sencillas que fluyen rápidamente y, debido a su respeto por el patrón del habla ordinaria, creó un umbral para una nueva era operística en la que los patrones del habla son supremo.

La ópera se había convertido en un matrimonio de las artes, un drama musical, lleno de gloriosas canciones, vestuario, música orquestal y boato; a veces, sin la ayuda de una historia plausible. Desde su concepción durante el período barroco hasta la madurez del período romántico, fue el medio a través del cual se revisaron los cuentos y mitos, se volvió a contar la historia y se estimuló la imaginación. Su fuerza recayó en una época más violenta para la ópera: el verismo , con Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Ruggero Leoncavallo .

Período contemporáneo

¡La escena final de la ópera Risorgimento!

Algunas de las mejores óperas italianas del siglo XX fueron escritas por Giacomo Puccini (1858-1924). Entre ellos se encuentran Manon Lescaut , La bohème , Tosca , Madama Butterfly , La fanciulla del West , La rondine y Turandot , quedando las dos últimas inconclusas. En 1926 y en 2002 Franco Alfano y Luciano Berio respectivamente intentaron completar Turandot , y en 1994 Lorenzo Ferrero completó la orquestación de la tercera versión de La rondine . El mismo Berio escribió dos óperas, Un re in ascolto y Opera . Ferrero también ha compuesto varias óperas, incluidas Salvatore Giuliano , La Conquista y su Risorgimento 2011 !

Otros compositores de ópera italianos del siglo XX son:

Ver también

Referencias

Notas

Fuentes

Otras lecturas