Sacra conversazione -Sacra conversazione

Retablo de Annalena con predela de Fra Angelico , c.  1438-1440 , a veces considerada la "primera" instancia del formato sacra conversazione

En el arte, un conversazione sacra ( italiano:  [Śakra koɱversattsjoːne] ; plural: sacre Conversazioni ), lo que significa santo (o sagrado ) conversación , es un género desarrollado en el Renacimiento italiano pintura , con una representación de la Virgen con el Niño (la Virgen María con el niño Jesús ) en medio de un grupo de santos en una agrupación relativamente informal, en oposición a las composiciones más rígidas y jerárquicas de períodos anteriores. También se pueden incluir retratos de donantes , generalmente de rodillas, a menudo su santo patrón los presenta a la Virgen y los ángeles asisten con frecuencia.

Ejemplo para una iglesia de Giovanni Bellini , 1505, quien también desarrolló tipos para hogares ricos.
Tiziano, la Virgen y el Niño con los santos Dorothy y George , 1515–18

El término se usa a menudo como título para pinturas para evitar enumerar todas las figuras individuales, aunque la tendencia en los museos y la historia del arte académico es ahora dar la lista completa. El nombre, que sólo aparece como título retrospectivamente en el siglo XVIII, se ha explicado con referencia a "su absorta quietud de humor, en la que los santos, sin mirarse apenas unos a otros, parecen comunicarse a un nivel espiritual más que material. ". Al menos ese es el caso en ejemplos anteriores; las posteriores, a partir del siglo XVI, suelen dar la impresión de conversaciones más convencionales entre las figuras, que se inclinan e interactúan más entre sí. En italiano, el término se usa quizás con más frecuencia y más ampliamente de lo que suele ser el caso en inglés, por ejemplo, cubriendo en aria composiciones de la tradición de la Madonna Sixtina de Rafael , donde la Virgen y el Niño flotan en el aire muy por encima de los santos.

Desarrollo

La sacra conversazione se desarrolló a medida que los artistas reemplazaban los formatos anteriores de trípticos o polípticos hieráticos y compartimentados para retablos con composiciones en las que las figuras interactuaban dentro de un espacio de perspectiva unificado . Mientras que los retablos tradicionales generalmente conservaban un formato vertical, la sacra conversazione tenía todas las figuras principales en un solo nivel, o casi. Por lo tanto, tendieron a moverse hacia un formato horizontal, ya que había poco más que ángeles y arquitectura para poner en lo alto de uno vertical, a menos que las figuras divinas estuvieran elevadas en un trono muy alto, como en la composición inusual de la Madonna de Castelfranco ( Giorgione , c. 1503). Aquí, como en muchas obras, la Virgen y el Niño están sentados en un trono, pero los santos están de pie, por lo que en ejemplos más típicos con el trono solo ligeramente elevado sobre un estrado, las cabezas de los adultos están aproximadamente al mismo nivel. La sacra conversazione fue uno de los tipos de imagen que llevaron a que el formato horizontal se volviera común en la pintura; antes del Renacimiento era relativamente raro en las pinturas de caballete. A menudo, estas obras, especialmente si están en formato horizontal y de medio cuerpo o con figuras sentadas, fueron pintadas para las casas de coleccionistas adinerados, ya sea para una capilla privada o para colgarlas en otras habitaciones, tratadas como retratos o escenas seculares.

Los primeros ejemplos son el retablo de Annalena (c. 1438-1440), el retablo de San Marco (c. 1438-1443) y el retablo de Fiesole de Fra Angelico y el retablo de Barbadori de Filippo Lippi (1437, Louvre ). Tener la Virgen del mismo tamaño que las otras figuras a menudo se considera esencial para el tipo, lo que descalifica a la mayoría de las obras anteriores, donde la Virgen se muestra mucho más grande. Entre otros artistas que representan tal escena se encuentran Piero della Francesca , Giovanni Bellini , Paolo Veronese y Andrea Mantegna .

Los primeros ejemplos, como el ilustrado por Bellini, rara vez muestran una "conversación" real o mucha interacción, aunque esto puede verse a partir del siglo XVI, como en la Virgen y el niño con los santos Lucas y Catalina de Alejandría de Tiziano . En los primeros ejemplos, el entorno es normalmente arquitectónico, representando libremente el cielo, pero también, hasta el Retablo de Pesaro de Tiziano (iniciado en 1519), continuando la arquitectura del marco arquitectónico y, por lo tanto, la del entorno original de la iglesia para la que fue pintado. Este fue un replanteamiento radical del tipo, aparentemente ubicado fuera del pórtico de algún templo con grandes columnas elevadas, vistas de manera oblicua. La Virgen y el Niño ya no están en el centro de la composición, sino a la derecha del espacio pictórico.

Como en los retablos anteriores, la elección de los santos la dictan en gran medida los santos patrones del donante y su familia, y los de la iglesia, ciudad, diócesis u orden religiosa correspondiente. La mezcla de figuras de diferentes períodos que es normal en el tipo deja en claro que no se está representando ningún incidente histórico, y cualquiera que sea el escenario, el espacio debe entenderse como místico más que como un lugar real.

Configuración de paisaje

Paisaje con retrato de un donante , Palma Vecchio , c. 1519

También en la década de 1510, Tiziano y otros venecianos habían estado desarrollando la tradición mayoritariamente nórdica de entornos exteriores en un jardín o, especialmente más tarde, en un paisaje abierto. La altura de la Madonna de Castelfranco de Giorgione hacia 1503 había permitido que un paisaje se mostrara sobre la zona inferior con los santos. Palma Vecchio se convirtió en un especialista en sacre conversadas fuertemente horizontales , con las figuras en su mayoría sentadas o arrodilladas en un grupo bastante apretado, combinando informalidad y un clasicismo monumental. Tales composiciones también se basaron en grupos tradicionales al aire libre que presentaban a la Sagrada Familia , como el Descanso en la Huida a Egipto , la Adoración de los Pastores y las composiciones de la Virgen y el Niño con ángeles y otras figuras.

Un grupo de figuras colocadas en un jardín cerrado se conoce como hortus conclusus , y cuando el sujeto es María rodeada de santas, se conoce como Virgo entre Virginas . Se trataba de una especialidad del norte, donde varias de las figuras al lado de la Virgen estaban sentadas, en un banco o banco o en el suelo, generalmente en un jardín dentro de un recinto de algún tipo, originalmente una metáfora del útero de la Virgen, como el hortus conclusus comenzó como una representación de la Anunciación , marcando la concepción de Cristo de María. Estos grupos más relajados continuaron en pinturas venecianas ambientadas en un paisaje abierto. A finales de siglo, "las relaciones dominantes en un retablo como La Virgen y el Niño de Annibale Carracci con los santos Catalina y Juan el Evangelista (1593, Pinacoteca Nazionale di Bologna ) no eran entre las figuras del cuadro, sino entre ellas y el espectador." Con " Pintura barroca, la Virgen es sacada de la tierra siempre que el contexto lo permite", y las escenas a menudo se establecen entre las nubes celestiales.

Moretto da Brescia , La Virgen y el Niño con San Bernardino y otros santos , una composición típica de aria , c. 1540–45.

Los ejemplos en escultura son relativamente raros, aunque solo sea por la cantidad de figuras involucradas. Miguel Ángel planeó una excepción para la Capilla de los Medici en Florencia , aunque abandonó el proyecto antes de que terminaran los dos santos patronos de los Medici que flanqueaban a su Virgen y su Niño; estos fueron hechos por otros siguiendo sus diseños.

En composiciones de aria

Otro tipo de composición desarrollada para adaptarse a las necesidades de los retablos de formato vertical con sacra conversación . Aquí la Virgen y el Niño se colocan, generalmente sobre nubes, en el aire ( en aria ) sobre los santos en el suelo. Normalmente hay un fondo de paisaje. Además de llenar un espacio pictórico vertical, tenía otras ventajas, permitiendo referencias a la Coronación de la Virgen o la Asunción de María . La última doctrina todavía era un tema de controversia en la Reforma, y algunos patrocinadores podrían haber preferido una conversación sacra que la insinuara a una descripción completa, que más bien requería que la elección de los santos se restringiera a los Apóstoles, y a menudo tenía una tumba vacía en el centro. María es a veces coronada por ángeles, mientras que una coronación completa de la Virgen sería por al menos uno de la Santísima Trinidad . El tipo compositivo in aria comienza antes de 1500, y se vuelve cada vez más popular durante el siglo siguiente, convirtiéndose a su final en "el tipo de retablo más común en Italia".

Raphaels Madonna de Foligno de 1511 y su Madonna Sixtina de 1512 son ejemplos destacados; en este último también se encuentran los dos santos arrodillados sobre las nubes, aunque las cortinas de los lados y el reborde en el que se apoyan los famosos angel- putti mantienen el decorado atado a la tierra. Desde la década de 1520 en adelante, Moretto da Brescia fue "probablemente el primer artista italiano importante en emplearlo repetidamente", pintando más de veinte.

Etimología

La Virgen y el Niño con Canon van der Paele , 1434-1436

El término no aparece, refiriéndose al tema de un cuadro, antes de las referencias italianas de finales del siglo XVIII; en 1979 el primer uso encontrado fue en los inventarios de la familia Pucci de 1763 y 1797. Pero el término, en sus equivalentes latinos santa conversatio y pia conversatio , aparece varias veces en los textos clave de la iglesia, desde la Biblia Vulgata hasta la Padres de la Iglesia y liturgia católica. Pero en estos su significado se parece más a "conducta piadosa" o "comunidad santa". El desarrollo del significado de la conversazione italiana también es bastante complejo; al igual que en inglés, pasó mucho tiempo antes de que la palabra pasara a significar simplemente personas que hablaban juntas (el séptimo significado enumerado en el OED ). El significado inglés más antiguo, de 1340, es definido por el OED como "La acción de vivir o tener el propio estar en un lugar o entre personas", muy cercano al latín.

Como descripción de una pintura, el término se utilizó poco hasta mediados del siglo XIX, cuando aparentemente fue popularizado, al menos en inglés, por la Historia de la pintura en Italia (3 volúmenes, 1864-1866) de Crowe y Cavalcaselle . Afirmaron "con notable ímpetu " que Palma Vecchio fue "el inventor de la gran Sacra Conversazione en la que santos enteros celebran la corte en presencia de la Virgen ...", lo que sugiere un sentido bastante más estrecho del término que prevalece hoy.

Los historiadores del arte posteriores han colocado comúnmente el origen del tipo en obras de Masaccio , Domenico Veneziano o Fra Angelico, aunque Jacob Burckhardt fue uno de los que se quejaron de su uso. Nigel Gauk-Roger dice que "la primera verdadera conversación sacra fue casi con certeza" el Retablo de Santa Lucía de 'Magnoli (c. 1445-147, panel principal ahora Uffizi ). Todos estos tienen santos de pie en un entorno arquitectónico. Rona Goffen remonta el origen del tipo más atrás, hasta el Trecento , examinando varios ejemplos, muchos de la Basílica de San Francisco en Asís , y de medio cuerpo.

La mayoría de los relatos del desarrollo se limitan a Italia, ignorando los paralelos del norte, a pesar de que la Virgen y el Niño con Canon van der Paele (y dos santos) de Jan van Eyck representan claramente el mismo tipo, desde 1434-1436, como Otto Pächt. ha señalado.

Ver también

Notas

Referencias