Annie-B Parson - Annie-B Parson

Annie-B Parson
Ocupación Director Artístico de Big Dance Theatre, Coreógrafo
Premios notables OBIE, Bessie, Doris Duke Performing Artist Award, Premio Olivier a la mejor coreógrafa
Esposa Paul Lazar
Sitio web
bigdancetheater .org

Annie-B Parson es una coreógrafa , bailarina y directora estadounidense que vive en Brooklyn , Nueva York . Parson se destaca por su trabajo en danza / teatro, danza posmoderna y música pop art. Parson es la directora artística del Big Dance Theatre de Brooklyn , que fundó con Molly Hickok y su esposo, Paul Lazar. También es conocida por sus colaboraciones con Mikhail Baryshnikov , David Byrne , David Bowie , St. Vincent , Laurie Anderson , Jonathan Demme , Ivo van Hove , Sarah Ruhl , Lucas Hnath , Wendy Whelan , David Lang, Esperanza Spalding , Mark Dion , sal 'n Pepa , Nico Muhly , y la Danza Martha Graham Co .

Temprana edad y educación

Parson recibió su licenciatura en danza de Connecticut College en New London, Connecticut en 1980.

Recibió su Maestría en Columbia University / Teacher's College en 1983.

Gran Teatro de Danza

Parson fundó Big Dance Theatre en 1991 con Molly Hickok y Paul Lazar. Desde entonces, ha coreografiado y co-creado decenas de obras para la compañía, que van desde piezas de pura danza hasta adaptaciones de obras de teatro y literatura, hasta obras originales que combinan materiales tremendamente dispares. Su trabajo con Big Dance ha sido encargado por la Academia de Música de Brooklyn , el Teatro Nacional de París , la Sociedad Japonesa y el Centro de Arte Walker . Parson describe Big Dance como "un grupo de personas que están interesadas en llevar la danza al ámbito teatral y empujar el teatro al ámbito de la danza". [1] Para ella, Big Dance tiene una "codicia total por todos los placeres del teatro y la danza", escribió la crítica Helen Shaw sobre Big Dance como una "banda fluida de artistas y diseñadores agrupados en torno a la co-directora casada, la coreógrafa y directora Annie -B Parson y el actor y director Paul Lazar. La compañía es, como dice en la botella, un grupo híbrido que ignora las divisiones habituales entre danza y teatro ". La Compañía comenzó como una alianza flexible pero dedicada y generativa, compuesta principalmente por mujeres como Stacy Dawson, Molly Hickok, Tymberly Canale, Cynthia Hopkins, Rebecca Wisocky y Kourtney Rutherford. Este grupo fluyó y refluyó con otros que se unieron a lo largo de los años.

El trabajo de Big Dance es casi siempre no lineal y con frecuencia no se inclina a tener una narrativa ("No creo que la vida sea muy narrativa", dice Parson. "La mía no lo es. Y los elementos narrativos que han sucedido en mi la vida, cuando miro hacia atrás, se vuelve más ficticia ".) Aunque la falta de una historia lineal a veces deja a los críticos desconcertados, la intencionalidad, la alegría, la precisión técnica y el alcance ambicioso de los mundos que crean generalmente garantizan que el crítico no No me importa sentirse perdido. En palabras de Shaw, "la diferencia entre un evento de Big Dance Theatre y el trabajo de alguien como, digamos, Richard Foreman es que Big Dance te enviará a un estado de trance, y luego te agitará el dedo y te guiñará un ojo".

Cuando se le preguntó sobre la división entre teatro y danza, Parson dijo:

"La separación de la danza y el teatro: ¡esto es un irritante de por vida para mí! En mi línea de tiempo personal y muy subjetiva, la desconfianza en el teatro occidental de la danza comenzó después del siglo XVIII. Desde entonces, la audiencia (s) hemos estado sometidos cada vez más a una "realidad" que aturde la mente, poco irónica e inequívoca en el escenario. Los Antiguos, hace 2000 años, todas esas obras se bailaban y cantaban; en la época de Shakespeare, los actores bailaban; en el teatro clásico japonés, los estudiantes de actuación comienzan con años de entrenamiento de danza. Nuestro teatro contemporáneo sin cuerpo y sin danza: se siente basado en el miedo (pero tiendo a pensar que todo se basa en el miedo, así que no confíes en mí). Pero, ¿está relacionado con nuestro miedo victoriano al cuerpo? , miedo a la corporeidad, al sexo? ¿El divorcio proviene de nuestro prejuicio de mente sobre cuerpo, en lugar de mente / cuerpo? Pero sí, la separación también debe tener que ver con la coronación jerárquica de los modernistas de la primacía de "la palabra" ; los modernistas sostenían la palabra como honorable, mientras que la mala danza se consideraba tawdr y, el trabajo de putas y ... ¡mujeres! Las cosas que posee la danza: la ambigüedad, la capa, el misterio, la abstracción, lo no narrativo, ¡son obra del diablo! Se esconden, sugieren, insinúan, no tienen moralidad ni respuestas. Entonces, en mi pequeño rincón, he intentado resucitar la danza en el teatro. La danza es el objeto sagrado para mí; debe ser mantenido cerca y protegido de cualquier daño, y restaurado al lugar que le corresponde en el panteón de la materialidad ".

Trabaja con Big Dance Theatre

Sacrificio (1991)

Sacrifice fue la primera de las obras a gran escala de Parson y su primer trabajo en Dance Theatre Workshop , comisariada por David White, quien defendió el trabajo de Parson durante décadas. Ambientada en algo parecido a un salón de belleza, esta pieza incorporó un texto de Harold Pinter y fue acompañada por una veintena de gestos repetitivos ejecutados por cinco parejas de hombres y mujeres.

La mordaza (1993)

The Gag se estrenó en el Dance Theatre Workshop en 1993. Esta obra a gran escala se basó en el mito de la figura de Cassandra en la mitología griega y la pieza incorporó el texto de la escritora feminista radical Andrea Dworkin . Molly Hickok jugó el papel central, iniciando una colaboración de décadas entre ella y Parson. La pieza también se inspiró en los escritos de Christa Wolff con texto de Esquilo , Pinter y Marguerite Yourcenar . Contó con música original de Walter Tompson , interpretada en vivo. Cuatro monitores en el suelo incluían imágenes de pequeños animales bebés correteando. The New York Times describió The Gag como "una bullabesa de una obra de teatro y danza ... Hay una pequeña tragedia griega, un poco de Harold Pinter, un toque de Tennessee Williams y una gran dosis de moda y travesuras cómicas".

Libertad de Bremen (1993)

Presentado por el Teatro Cucaracha, y originalmente hecho para estudiantes de la Universidad de Nueva York, Bremen Freedom , por el dramaturgo de Alemania occidental Rainer Fassbinder , contó la historia de Geesche, una mujer tan harta de ser controlada por los hombres en su vida que los envenenó metódicamente. y finalmente ella misma. The Village Voice escribió que la producción incluyó “un pequeño truco de cabaret, un poco de travestismo, algunas cucharadas de disyunción, un montón de escenas estilizadas, una pizca de imaginería católica, varias actrices interpretando el mismo papel, un poco de encanto” canto coral espeluznante, y un montón de ese baile tonto y desmotivado que hizo que Brace Up fuera un grito ". Aunque las reseñas hicieron referencia a algunas de las similitudes performativas con Cabaret (Stacy Dawson como la Maestra de Ceremonias recordó a Joel Gray ), Village Voice insistió en que “estos niños se comportan como innovadores, no como imitadores, y saben cómo ofrecer un espectáculo espectacular caliente." Aunque muy coreográfico, este trabajo fue la primera "obra de teatro" que Big Dance, una compañía basada principalmente en la danza, había puesto en escena.

Lucifer pateando toda la noche (1994)

Ciudad de novias (1995)

En 1995, Parson apareció en los jóvenes coreógrafos y compositores del American Dance Festival en Carolina del Norte. Fue emparejada con el compositor Richard Einhorn y los dos crearon "City of Brides", interpretada por cinco mujeres descalzas y acompañada de una compleja partitura para piano, violín y violonchelo basada en Les Noces de Stravinsky . Este sería el primer trabajo de "borrado", término de Parson para coreografiar una pieza musical y luego borrarla, de modo que mientras la música nunca fue escuchada por el público, el material de movimiento que fue inspirado por sus ritmos perduró.

The News & Observer escribió que "Parson es un talento a tener en cuenta". Un crítico del Toronto Arts Journal CallTime escribió que Parson era la "voz más refrescante entre una nueva generación de coreógrafos" y que su combinación de danza y teatro había "creado un lenguaje de movimiento que es accesible para cualquier miembro de la audiencia independientemente de su edad, raza, género o conocimientos previos de danza ”La pieza también se presentó en el Dance Theatre Workshop en Nueva York (1995), el Festival Fall for Dance en Nueva York (2004) y el Festival Spoleto en Charleston, Carolina del Sur.

Chica hula (1995)

Don Juan regresa de la guerra (1996)

Don Juan Comes Back from the War se estrenó en Classic Stage Company NYC en 1996. Fue una producción conjunta de Classic Stage Company y el Cucaracha Theatre, con Lazar y Parson como codirectores y su coreografía. El New York Times elogió su dirección, escribiendo que habían construido una "interpretación ingeniosa y elegante" de laobra agridulcede Odon von Horvath . La obra sigue a Don Juan mientras regresa a casa de la Primera Guerra Mundial en busca de su prometido, quien, sin que él lo sepa, ha muerto. Su fantasma lo sigue durante toda la obra. Horvath, un dramaturgo húngaro que escribió en Alemania hasta que huyó de los nazis, puso su obra inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial, pero la obra está llena de "burlas filosóficas" a sus enemigos. Parson y Lazar animaron estas ideas con “coreografías y arreglos musicales muy estilizados” (de Christopher Berg) que aluden tanto a Don Juan como a la música popular alemana de los años veinte. El resultado podría haber molestado a Horvath, quien era notoriamente quisquilloso con la puesta en escena, pero probablemente dejaron que una audiencia estadounidense captara su significado, y ciertamente sus estados de ánimo, mejor que cualquier presentación más literal ".

El corazón de gas (1997)

“The Gas Heart” (1921) es un “clásico” dadaísta de Tristan Tzara, uno de los fundadores de ese movimiento. En la interpretación de Big Dance de la obra, el texto lírico y cómico feroz cobra vida vívidamente con una puesta en escena que es claramente coreográfica y una coreografía que es claramente teatral. Es como si Tzara escribiera la obra para la Big Dance Company.

De la reseña de NYTimes “… El triunfo cómico Aquí está The Gas Heart, de Tristan Tzara, una ingeniosa versión dadaísta de los sofisticados vanguardistas que trabajan, coquetean, ejecutan sin esfuerzo pasos de baile imposibles, lucen tan elegantes como los retratos de Cecil Beaton e intercambian bromas que suenan superiores. es una tontería total. Pocas obras de Dada sobreviven; éste es exquisito y exquisitamente ejecutado ".

Un corazón simple (1997)

Esta adaptación de danza y teatro de A Simple Heart de Gustave Flaubert sigue la historia de Félicité, una sirvienta que observa cómo cada ser con el que está conectada muere o la abandona lentamente. Parson eligió a dos bailarinas (Stacy Dawson y Molly Hickock) como Félicité, que ocasionalmente bailaba al unísono, en paralelo y, a veces, se separaba por completo sin dejar de estar siempre conectadas. Se separan por primera vez cuando Félicité muere. La pieza empleó un uso mínimo del lenguaje, en lugar de confiar en "viñetas sobrias pero ricas" para contar esta historia simple con una ternura seca, destinada a igualar la tonalidad de Flaubert.

The Village Voice escribió que Parson y Lazar habían creado un "mundo frío y cautivador de desintegración emocional". A Simple Heart se estrenó en el GIFT Festival en Tbilisi, Georgia, en 1997. También se presentó en el Dance Theatre Workshop , NYC, Classic Stage Company , NYC, Jacob's Pillow Dance Festival , Massachusetts, el Hitchcock Center, Dartmouth New Hampshire, Middlebury College en Vermont, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y el Festival Spoleto en Carolina del Sur.

Chica desaparecida (1998)

Girl Gone , escrita por Mac Wellman con canciones de Cynthia Hopkins, se estrenó en el Flea Theatre en 1998 y se presentó en Kitchen NYC en 1999. La obra explora la posibilidad de construir realidades alternativas como tres adolescentes, Lissa, Lisa y Elyssa. , realice rituales con el objetivo de "irse" a una tierra de fantasía. Tienen tanto éxito que traen consigo gran parte del resto de su mundo.

En un artículo de Village Voice , la relación de trabajo de Parson y Lazar fue descrita como tan cercana que los teatros a menudo no están seguros de cómo acreditar su trabajo. Para Girl Gone , Parson ideó bailes inspirados en las fantásticas direcciones escénicas de Wellman; "Hacen Spinal Fusion", escribe Wellman, "Hacen Full Cleveland".

Al describir la obra, Time Out New York renunció a las etiquetas teatrales y en su lugar recurrió a la terminología psicológica, escribiendo que "la obra es esquizofrénica, maníaca, ocasionalmente melancólica y, más a menudo, histérica". Verlo fue "una experiencia alienante y encantadora".

Otra cosa telepática (2000)

Otra cosa telepática se inspiró en el cuento moral de Mark Twain "El misterioso extraño" y se describe como "una parábola prismática y compleja de danza-teatro". Fue interpretada por Tymberly Canale, Stacy Dawson, Molly Hickok, Cynthia Hopkins, Paul Lazar y David Neumann, y contó con música original de Cynthia Hopkins. “Cínica y espiritual a la vez, la obra se centra en un extraño carismático cuya visita rompe la paz de una aldea mítica. El escenario medieval se hace eco de una realidad contemporánea de Hollywood, con un guión que trenza la escritura sublime de Twain con el texto "encontrado" de años de audiciones. Culmina en una exploración sutil y sorprendente de la fragilidad de nuestra condición humana ".

La pieza se representó en Dance Theatre Workshop NYC , (2000), STUC Theatre, Bélgica, (2000), Performing Garage NYC (2000), Rotterdam, Ghent y Munster, Alemania (2001), y el Walker Art Center , Minneapolis Minnesota ( 2002), donde fue la primera en la exhibición de 2002 de Walker de actuaciones de cambio de género, acertadamente titulada la serie "Out There". El final de la pieza, en el que Satanás pronuncia un discurso final que describe la existencia humana como nada más que "un pensamiento sin hogar" y luego desaparece, fue descrito por el Star Tribune como una "conclusión poderosa e inquebrantable de esta meditación ontológica". También fue muy bien recibido en Alemania. La revisora ​​Susanne Lang describió el escenario como "una bola de nieve que se puede sacudir para ver el mundo, al menos por un momento, a través de la ráfaga de ensueño de los copos de nieve artificiales ... todo se mueve, todo es llevado por la música." El Münstersche Zeitung elogió la pieza como una "mezcla de gran éxito de danza y teatro hablado ... los espacios acústicos se crean a través del habla y la canción, que crean a la perfección una superestructura para la danza. Al traer esta pieza, Pumpenhaus no solo ha traído un estreno a Münster, ha traído una obra de teatro de danza excepcional ”.

Jonathan Demme filmó una interpretación en vivo de la pieza en 2000 en Dance Theatre Workshop en Nueva York. La película se proyectó en el Baryshnikov Arts Center de Nueva York en junio de 2015. En 2000, Big Dance ganó un Obie por la música en Another Telepathic Thing . Esta pieza, considerada una obra emblemática de Big Dance, se convirtió en un libro publicado por 53 State Press, que incluye el texto de la pieza, dibujos de Parson del vestuario y la utilería, y entrevistas con los artistas intérpretes o ejecutantes sobre cómo se generó la obra.

Shunkin (2001)

Antígona (2002)

En 2002 Big Dance Theatre creó una adaptación de Antigone, su segunda colaboración con el dramaturgo Mac Wellman . Se estrenó en Dance Theatre Workshop en Nueva York y estuvo de gira en On the Boards en Seattle, Washington, UCLA Live en Los Ángeles, Kampnagel en Hamburgo, Alemania, Theatre im Pumpenhaus en Muenster, Alemania, el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago, Illinois y Classic Stage Company en Nueva York, NY. El New York Times calificó el programa como "una experiencia curiosa y fascinante, aunque en gran medida impenetrable", y dijo que Parson había creado un movimiento "cuya inteligencia vivaz es en sí misma lo suficientemente significativa".

Plan B (2004)

Plan B, una pieza original con texto de Len Jenkin y la compañía, se estrenó en 2004 en el Walker Arts Center de Minneapolis.

"Como en un plato bien cocinado", escribió el New York Times, "los ingredientes se mezclan en obras del Big Dance Theatre, creando sabores y texturas difíciles de alcanzar". El Plan B combinó elementos de las cintas Watergate de Nixon y los diarios de adultos de Kaspar Hauser, el “niño salvaje” del siglo XIX que fue encontrado a los 16 años a las puertas de la ciudad de Nuremberg, después de vivir abandonado en un bosque alemán durante 12 años. Su posterior socialización resultó trágica. Lazar explicó que los dos textos se conectaron cuando descubrieron una sección de las cintas donde Nixon y sus asesores estaban tratando de encontrar a la persona adecuada para hacer ciertas cosas en su nombre. "Qué perfecto contraste podría ser Kaspar", dijo Lazar, "porque es tan maleable y tan inocente". Agregue a esos elementos trozos del Antiguo Testamento, la danza Kabuki y la música de películas taiwanesas y tendrá 'Plan B', "una brillante hebra de narración evocadora que logra sugerir mucho sobre la inocencia en todas sus formas". "La combinación de todas estas fuentes dispares podría haber sido una receta para el desastre en las manos equivocadas", escribe Susan Reiter para los horarios de baile, "pero Big Dance Theatre las mezcla y las transforma con una visión segura ... creando una obra que cuenta un peculiar , historia ambigua con extrañeza resonante y delicada belleza ".

Plan B también actuó en la Bienal de Bonn en Alemania (2004), Dance Theatre Workshop NYC (2004), Under the Radar Festival en NYC (2005) y en el Philadelphia Live Arts Festival en PA (2005).

El otro aquí (2007)

The Other Here fue un trabajo original basado en la escritura de Masuji Ibuse . Fue un encargo de la Sociedad Japonesa, que pidió que la pieza se relacionara de alguna manera con la cultura japonesa. El director de la sociedad japonesa, Yoko Shioya, sugirió que consideren las obras de Masuji Ibuse.

Parson y su equipo comenzaron con una selección de materiales de origen: las historias chejovianas de Ibuse, texto textual de transcripciones de conferencias estadounidenses sobre seguros de vida, bailes tradicionales japoneses, música pop japonesa, una mesa grande y una cítara. Lentamente, a través de la exploración colectiva, se descubren los temas entre estos materiales dispares y comienza a surgir una historia. Un hombre que intenta dar un discurso en una conferencia es interrumpido para ver un baile de palmas, realizar su propio baile y recibir el regalo de un pez. El pescado se vuelve central.

Theatre Forum señaló que la pieza existe en ese punto de colisión entre forma y sustancia ”y que“ la complejidad de esa sutil paleta emocional es una de [sus] grandes fortalezas ”.

The Other Here se desarrolló en el Festival de Obra Nueva de CUNY en Nueva York, 2005. Luego se presentó en el Lincoln Center Out of Doors (2006) y en la Universidad de Maryland (2006). Su estreno oficial fue en The Japan Society en febrero de 2007.

Orestes (2009)

De la pluma de “uno de los poetas más emocionantes que escribe en inglés” (New York Times) llega el estreno mundial de las nuevas y vibrantes traducciones de Anne Carson del mito de ORESTEIA. Esta gran recopilación caleidoscópica reúne las obras de Esquilo, Sófocles y Eurípides para narrar la caída de la poderosa casa de Atreo.

Una presentación de Classic Stage Company de tres obras en tres actos. “Agamemnon” y “Elektra” dirigida por Brian Kulick y Gisela Cardenas. “Orestes” dirigida por Paul Lazar and Associate dirigida y coreografiada por Annie-B Parson.

Esta pieza se presentó en la Classic Stage Company de Nueva York en marzo de 2009.

Comme Toujours aquí estoy (2009)

Esta pieza original se inspiró en la película francesa en blanco y negro de la Nouvelle Vague de 1962 de Agnès Varda , Cleo From 5 to 7 , y fue un encargo del Instituto Francés Alliance Française . La película sigue a Cleo, una joven cantante de pop que espera ansiosamente los resultados de una biopsia para detectar cáncer. La película la sigue en tiempo casi real durante dos horas, mientras se distrae con compositores, amantes, amigos, una adivina y un soldado. La producción de Big Dance simultáneamente honró, se apropió, reinventó y se apartó del modelo de la película. En palabras de Philip Lopate, escribiendo para el Performance Arts Journal, Parson "se concentra en el tema muy francés (piense en La Rochefoucauld) de la crueldad egoísta de la humanidad". Al crear la pieza, Parson utilizó el guión, pero no vio la película en sí hasta el final del proceso, para no estar (en palabras de Lazar) “bajo las garras” de la influencia de Varda. The New York Times escribió que en la pieza, "el significado se deriva de una interacción compleja pero sobria de acciones y objetos: una canción folclórica francesa, un video de Jeff Larson, trajes y accesorios deliciosos que evocan la alta costura francesa, incluso una rutina de baile deslumbrante que se refiere a la coreografía de una película de Godard ".

La pieza se estrenó en el Festival Ça Tchatche de Les Subsistance en abril en Lyon, Francia. También tocó en Le Quartz en Brest, Francia, Le Theatre National en Rennes, Francia, MCA / Chicago, The Kitchen , NYC octubre de 2009, y New York Live Arts , NYC. Es un trabajo característico de la empresa y toda la empresa y el equipo de diseño ganaron un Bessie por él en 2010.

Esposa sobrenatural (2010)

Durante una residencia en el Museo Getty de Los Ángeles en 2010, Parson y Lazar comenzaron a trabajar en Supernatural Wife , una adaptación de la obra de teatro de Eurípides Alkestis. Parson editó la traducción de Anne Carson para crear un esqueleto de repuesto para la pieza. La obra se basa en el mito del rey Admetus, a quien Apolo le ofrece la vida eterna con la condición de que envíe un sustituto al inframundo en su lugar. Su esposa, Alcestis, es voluntaria. Parson describe el tema como primordial: "asuntos de nacimiento, muerte, dolor, duelo y los dioses". Supernatural Wife tuvo su estreno estadounidense en el Jacob's Pillow Dance Festival en 2011. Ella Buff, directora ejecutiva y artística del festival, señaló que "al integrar material de fuentes lejanas, [Parson y Lazar] crean su propia mitología". La pieza tomó de películas mudas yiddish, la partitura física de las rutinas de Dean Martin y Jerry Lewis, imágenes de video de un jinete de caballos y una grabación de un monólogo de Rosalind Russell. Annie-B Parson hizo su debut en la Academia de Música de Brooklyn en el Harvey Theatre con Supernatural Wife en 2011. La pieza viajó a La Filature en Mulhouse, Francia, Les Subsistances en Lyon, Francia, Le Quartz en Brest, Francia, Théâtre National de Chaillot en París, Francia, y el Walker Arts Center en Minneapolis, MN.

Ich, Kurbisgeist (2012)

Ich, Kurbisgeist fue comisionado por The Chocolate Factory y Performance Space 122 . Se estrenó en octubre de 2012 en Chocolate Factory en Queens, Nueva York, y luego se presentó en NYLA en 2013.

El espectáculo fue creado en colaboración con la Dramaturga Sibyl Kempson, y fue escrito en un lenguaje inventado por el dramaturgo, que nadie en el mundo, excepto los involucrados en la producción, habla o tiene conocimiento ”. Esta obra "impresionantemente inescrutable" es, en palabras del dramaturgo, una "vieja obra de venganza agrícola para Hallowe'en". La pieza fue ambientada en la Edad Media, en una tierra en gran parte estéril que parece producir nada más que calabazas, muchas de las cuales iban a romperse durante la actuación.

Cuando se le preguntó cómo encajaba Ich, Kurbisgeist en la historia de lo que hace Big Dance, Parson dijo que ansiaba hacer algo donde el lenguaje fuera abstracto como movimiento, algo "pequeño e íntimo" y sintió que debería verse "en algún tipo de sitio específico, lugar realmente íntimo. Pensé que tenía que ser algo a lo que estás muy cerca, por lo que no solo estás pensando en el lenguaje como un significado, sino que también estás pensando en el lenguaje como una experiencia cinética, porque el lenguaje es extremadamente cinético ".

Al escribir para L Magazine , Alexis Clements señaló que Parson y Lazar parecen "disfrutar de sentirse como forasteros que buscan una cultura o un tema con el que no están familiarizados". Para ellos, había un “valor en la experiencia de tener que reconocer la propia ignorancia”, los liberaba para recibir información que contradecía sus formas anteriores de pensar, les permitía hacer algo familiar de una manera completamente nueva.

The New York Times escribió que “Al igual que las palabras pronunciadas por los astutos tontos de Shakespeare, los mensajes están mezclados. Sin embargo, el mundo de “Ich, Kürbisgeist” es completo y sorprendentemente poderoso. A veces, el intestino comprende mejor que el cerebro ".

Hombre en un caso (2013)

Man in a Case , la colaboración de Parson con el bailarín Mikhail Baryshnikov , se estrenó en 2013 en Hartford Stage e irónicamente presentó a Baryshnikov, considerado el mejor bailarín de su generación, como un hombre que se niega a bailar. Parson coreografió y dirigió la pieza, que utilizó sus adaptaciones originales de dos cuentos de Chéjov menos conocidos , "Man in a Case" y "About Love", en combinación con música en vivo, baile y secuencias de video de estilo de vigilancia. La interpretación de Baryshnikov fue ampliamente alabada y Elizabeth Bruce describió la "nitidez melancólica" de la interpretación como "completamente chejoviana". La pieza se representó en Shakespeare Theatre Company en Washington, DC, Berkeley Repertory Theatre en Berkeley, CA, ArtsEmerson en Boston MA, Broad Stage en Santa Monica, CA, y el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago, IL.

Alan Smithee dirigió esta obra: una función triple (2014)

Alan Smithee dirigió esta obra: Les Subsistances (Lyon) y la Academia de Música de Brooklyn se encargaron conjuntamente de una función triple . Se estrenó en Les Subsistances en Francia en marzo de 2014 y luego tocó en Jacobs Pillow , Les Subsistances, Tanz im August Berlin y Brooklyn Academy of Music .

La pieza fue una adaptación / mashup de las películas Terms of Endearment , Le Cercle Rouge y Doctor Zhivago . Comenzó cuando Les Subsistances sugirió que Annie-B Parson y Paul Lazar trabajaran con un breve extracto de la película policial franco-italiana de 1970, Le Cercle Rouge. Queriendo trabajar con otras películas icónicas de otros períodos y países, agregaron Doctor Zhivago y Terms of Endearment. En la forma clásica de Big Dance, la pieza entrelazó estilos de actuación dispares e incluyó a siete artistas que hablaban texto, bailaban y realizaban con precisión los movimientos de los actores de las películas, que, a su vez, se proyectaban en una gran pared de persianas detrás de ellos. . Un momento de puesta en escena teatral puede ir acompañado de una partitura completa de coreografía, una danza puede ser subrayada por un teatro completamente representado. Parson dice que está más interesada en “sistemas simultáneos que se presionan unos a otros y ver qué sucede. Ese es el punto mágico ".

El nombre en el título, Alan Smithee , es el seudónimo utilizado por el Gremio de Directores de América hasta el año 2000, cuando un director se sintió tan insatisfecho con una película que pudo demostrar satisfactoriamente al gremio que no había podido ejercer el control creativo y por lo tanto. se negó a atribuirse el mérito del producto final. Luego fue acreditado como Alan Smithee.

Forma corta (2015)

La forma corta tuvo su estreno en Nueva York en la cocina en enero de 2015, y fue en parte una celebración del 25 aniversario de la compañía. El espectáculo incluyó cinco obras breves que se centraron en la danza. El intermedio fue una fiesta de cumpleaños en el escenario con juegos, comida y Lazar como MC. El espectáculo se inspiró en disciplinas de lo conciso: novelas, cuentos populares, anotaciones en el diario, dibujos a lápiz, bocetos en miniatura y la única página de un cuaderno. y contó con cinco obras, que “abrazan lo breve, granular, de cerca, anecdótico y microscópico. Se valora la reducción ". La pieza tuvo su estreno mundial en el Solange MacArthur Theatre en el American Dance Institute en Rockville, MD en 2015. Su estreno en Nueva York fue en el Kitchen en Nueva York, NY, y estuvo de gira en el Fusebox Festival en Austin, Texas.

Esta página se dejó en blanco intencionalmente (2016)

Esta página se dejó en blanco intencionalmente se estrenó mundialmente en el Festival CounterCurrent 2016 del Cynthia Woods Mitchell Center for the Arts de la Universidad de Houston. , subvirtiendo y reconsiderando cómo el docente suele llevar a los espectadores a observar el arte en el contexto del museo ". Big Dance buscó democratizar el espacio del museo, para "interrumpir, despertar, desmantelar, confundir y así revivir la percepción del arte por parte del espectador". La audiencia usó audífonos y recorrió el espacio en grupos de veinte, mientras el docente (Tymberly Canale) hablaba sobre el arte con un ("no mires eso", dice en un momento, "eso no es parte del tour. ") El público viajó desde el edificio principal de la Colección Menil hasta Sin título de Flavin, 1996, descrito por Arts And Culture como" una especie de viaje más profundo en la psique de Tymberly mientras ella se abre camino en la nuestra ". El movimiento y el teatro comienzan a apoderarse gradualmente de la pieza y, finalmente, el público se convierte en parte de la actuación.

La pieza también se presentó en Mass MoCa , el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts, en enero de 2016.

Cage Shuffle (2017)

Cage Shuffle hizo su estreno mundial en Abrons Arts Center durante el American Realness Festival en 2016. En Cage Shuffle Paul Lazar habla una serie de historias de un minuto de John Cage de su partitura Indeterminacy de 1963 mientras simultáneamente realiza una coreografía de Annie-B Parson. Las historias se cuentan en un orden aleatorio sin una relación predeterminada con el baile. Chance ofrece su inevitable mezcla de conexiones extrañas y asombrosas entre texto y movimiento. Con cinta en vivo y collage digital musicalizado e interpretado por la compositora Lea Bertucci.

La pieza también se presentó en The Poets House en marzo de 2017; David Bryne: Así funciona la música en junio de 2017; El Walker Art Center de Minneapolis en julio de 2017; APE Ltd. Gallery de Northampton en agosto de 2017; Links Hall of Chicago en octubre de 2017; DeBartolo Performing Arts Center de la Universidad de Notre Dame, IN en octubre de 2017

17c (2017)

17c es la obra de conjunto más reciente del Big Dance Theatre, construida en torno a los problemáticos diarios del siglo XVII de Samuel Pepys. Pepys bailaba, cantaba, rasgueaba, compraba, se esforzaba, intimidaba y manoseaba, y lo registró todo en su diario, sin ningún filtro. Desde sus juanetes, a sus infidelidades, a sus perversiones, a sus encuentros con el Rey, necesitaba plasmar su vida diaria en un papel, o se sentía perdido. Un precursor sorprendente de nuestra propia cultura de las redes sociales, Pepys poseía una compulsión similar para asignar un significado casi constante en tiempo real a su existencia diaria, para examinarse a sí mismo y reportarlo obsesivamente ".

En su última pieza, Parson y su equipo incorporaron los copiosos diarios de Pepys, la obra de teatro feminista radical de Margaret Cavendish del siglo XVII, El convento del placer, tres siglos de marginación y las continuas anotaciones de los devotos en Internet en www.pepysdiary. com. La pieza "desmantela una figura histórica indiscutible y encarna las voces de las mujeres omitidas en el retrato íntimo de Pepys de su vida".

17c se presentó como un extracto del trabajo en progreso como parte del American Realness Festival en el Agnes Varis Performing Arts Center de Gibney Dance en enero de 2017. Luego se presentó en el Festival Fringe de Filadelfia del 7 al 9 de septiembre.

En octubre se presentó en Mass MoCa, copresentado por Jacob's Pillow Dance en North Adams MA. Su estreno mundial fue en noviembre de 2017 en Carolina Performing Arts en Chapel Hill, Carolina del Norte, y su estreno en Nueva York fue en el Next Wave Festival de la Academia de Música de Brooklyn en Brooklyn Nueva York en noviembre de 2017.

El camino nos espera (2017)

Basada libremente en una obra absurda de Ionesco, en este estreno norteamericano, Annie-B Parson organiza una fiesta de cumpleaños para una compañía de apreciados maestros de la danza, como Bebe Miller, Meg Harper, Keith Sabado, Sheryl Sutton, Douglas Dunn, Betsy Gregory, Brian Bertscher y Susan de ojos negros. Esta pieza fue creada originalmente para Sadler's Wells Elixir Co.

El historial de rendimiento incluye Sadler's Wells, Londres en junio de 2017 y NYU Skirball en noviembre de 2019.

Antigonick (2018)

Antigonick de Big Dance Theatre es un montaje preliminar de la toma filosófica feminista radical de Anne Carson en un acto de Antigone de Sófocles. En la perspectiva teatral de Carson sobre el papel de Antigone como humanista y antagonista, la emoción intelectual de Antigonick radica en cómo pierde, por qué su resistencia pacífica es importante y las consecuencias aleccionadoras del enfrentamiento Antigone / Kreon.

Big Dance Theatre realizó por primera vez el taller de esta obra, dirigida por Paul Lazar, en 2016 en Suzanne Bocanegra y en el Home Theatre de David Lang. En 2017, Antigonick fue comisionado y producido originalmente por Williamstown Theatre Festival con el apoyo de Mandy Greenfield. El grupo original del reparto incluía a Yvonne Rainer, Chris Giarmo, Kirstin Sieh y Sheena See. Ambas versiones fueron dirigidas por Paul Lazar y codirigidas por Annie-B Parson, con el diseño de sonido original de Chris Giarmo y producidas por Aaron Mattocks.

Antigonick se presentó por primera vez en el Williamstown Theatre Festival, verano de 2017. También se mostró en Abrons Arts Center en noviembre de 2018.

baile de ballet (2019)

Annie-B Parson asume el ballet con su propia voz coreográfica. A partir de su experiencia de ver y volver a ver Agon de Balanchine, así como la novela The Complete Ballet de John Haskell, crea un dúo a partir de las imágenes, las acciones fundamentales, los objetos y las narrativas de las tradiciones del ballet.

El historial de actuaciones incluye el Spoleto Festival of Two World, Umbría, Italia en julio de 2019 y NYU Skirball en noviembre de 2019.

Otros proyectos destacados

Fuera de Big Dance, la Sra. Parson ha creado coreografías para bandas de música, óperas, estrellas del pop, teatro, ballet, docentes, películas, objetos, televisión, sinfonías y, más recientemente, para un coro de 1,000 cantantes bajo la dirección de Simon Halsey. Su trabajo para teatro, MTV, ópera y cine incluye trabajos de Laurie Anderson, Salt n Pepa, Nico Muhly y obras de teatro como Walt Disney at Soho Rep de Lucas Hnath, Orlando de Sarah Ruhl, Futurity en ART, así como el cuarteto de cuerda ETHEL. .

Aquí yace el amor (2013)

En 2013, Parson coreografió Here Lies Love, un musical basado en la vida de la primera dama de Fillipina, Imelda Marco , que se presentó en el Public Theatre con música de David Byrne. Parson había sido fan de Byrne desde que lo había visto actuar en sus días universitarios. La admiración se convirtió en colaboración; coreografió dos de las giras mundiales de Byrne incluso antes de que comenzaran a trabajar en Here Lies Love. Byrne escribió la letra y la música fue creada por Byrne y Fatboy Slim .

Sobre el proceso, que fue su primera incursión en el teatro musical tradicional, dijo: “Por lo general, en mi propia compañía u otro trabajo de concierto, creo desde una perspectiva formalista, es decir, trabajo con la línea, el espacio, la forma y el tiempo de bailar en sí. La danza es el objeto sagrado. Cuando he creado para los conciertos de David, pregunto: '¿Qué anhela la música?' Pero en Here Lies Love, la música y la historia son los principales aspirantes al trono, así que sabía que el baile tenía que servir a esos dos. Ahí radica la lucha, y el interés, para mí en este proyecto ".

Parson estudió los movimientos de Marco, haciendo riffs de sus movimientos característicos para crear una coreografía de modo que la audiencia pudiera ver sus gestos característicos tanto en vivo como en las pantallas de televisión reproduciendo imágenes históricas. La coreografía resultante ofreció frases diversas que tenían "de todo, desde toques de banda de chicos y movimientos de club contundentes hasta secciones gestuales con manos de flor de loto y círculos de cadera luau oscilantes". La mezcolanza resultante creó un efecto visual sorprendente, que en ese momento se conocía como una "marca registrada de Parson". Parson dijo que su forma de trabajar provino de Merce Cunningham, quien “ofreció que la secuenciación y la jerarquía de movimiento no son importantes. Puedo hacer un movimiento, luego otro, luego tirar los dados y cambiarlo ". El New York Times calificó su coreografía de "tremendamente diversa e ingeniosa".

Lista completa de otras obras

La Sra. Parson creó la coreografía para la gira Love This Giant de David Byrne y St. Vincent , y para la gira Songs of David Byrne y Brian Eno en 2008-2009. También creó danza para el Digital Witness Tour de St. Vincent en 2014-2016. Dirigió y coreografió para el cuarteto de cuerdas Ethel . Sus bailes aparecen en la película Ride, Rise, Roar sobre David Byrne. Coreografió la ópera Dark Sisters de Nico Muhly , Walt Disney en Soho Rep, Orlando de Sarah Ruhl, Futurity en ART, The Broken Heart en TFNA, Lazarus de David Bowie , trabajo de larga duración para The Martha Graham Dance Co. y un solo para Wendy Whelan en The Linbury / Royal Opera House

  • "I used to love you" (2017) Coreografiado por Parson para Martha Graham Dance Co, este trabajo se basó en Punch and Judy de 1941 de Graham, que rara vez se ve. Sirvió para repensar y deconstruir la coreografía de Graham.
  • The Road Awaits Us (2017): Creado para Elixir Co, una compañía de Elders en Sadlers Wells en Londres, este trabajo nació de la fascinación de Parson por el absurdo en una época absurda. Parson creó una edición muy esquelética y no lineal de The Bald Soprano de Ionesco para Elixir Co. Los artistas tenían entre 60 y 89 años, un grupo de bailarines veteranos y queridos de la escena londinense. Parson terminó el trabajo con una pequeña edición del cuarto acto elegíaco de The Cherry Orchard.
  • Short Ride Out (2016) Un solo de Wendy Whelan para The Royal Ballet, este breve solo fue bailado con la música de Julia Wolf. Se estrenó en el Lynbbery Theatre de Londres en 2016.
  • Goats (2016) comisionado por The Other Shore Dance Co., este trabajo se estrenó en BAC en Nueva York y luego fue interpretado por Big Dance Theatre en The Kitchen en 2016.
  • The Snow Falls in The Winter : comisionado por The Other Shore Dance Co, (Brandi Norton y Sonya Kostich), este trabajo basado en La lección de Ionesco se estrenó en BAC en Nueva York.
  • 2016 dominio público: el festival mayoritariamente de Mozart / obra coral de David Lang
  • 2016 Coreógrafo: David Bowie e Ivo van Hove : Lazarus
  • 2015 Creó un solo para Wendy Whelan encargado por el Royal Ballet
  • 2015 Trabajo creado para Martha Graham Dance Company
  • 2014-2016 Coreógrafo: St. Vincent : Digital Witness Tour
  • 2013-2017 Coreógrafo: David Byrne: Here Lies Love
  • 2012 Coreógrafo: David Byrne y St. Vincent: Love This Giant Tour
  • 2008 Coreógrafo: David Byrne: Canciones de David Byrne y Brian Eno Tour .
  • 2010 Coreógrafo: David Byrne: Ride, Rise, Roar about David Byrne
  • 2015 Coreógrafo: Rikki y The Flash , Filadelfia
  • 2020 Coreógrafo: David Byrne: American Utopia (película) .

Enseñar, escribir y curar

Desde 1993 Parson ha sido instructor de coreografía en el Experimental Theatre Wing de la Universidad de Nueva York . También ha enseñado a nivel nacional e internacional, incluidos Tokio y Spoleto, Italia. Apareció en la revista BOMB y escribió un artículo para Dance USA sobre el estado de la danza / teatro en los EE. UU.Como artista-curadora, ha comisariado espectáculos que incluyen: el monumento a Merce Cunningham, Dancer Crush en NYLA y Sourcing Stravinsky en DTW . Parson recorre una conferencia sobre abstracción llamada "La estructura del virtuosismo" a las universidades y para el desarrollo de la audiencia. Su reciente libro, Dance by Letter , es publicado por 53rd State Press.

Dibujando la superficie de la danza: una biografía en gráficos

En solitario en la página, la coreógrafa Annie-B Parson reconsidera la coreografía como danza sobre papel. Parson dibuja sus danzas en nuevas estructuras gráficas que llaman la atención sobre los hechos visuales de la materialidad de cada trabajo de danza que ha realizado. Estos dibujos sirven como mapas de sus piezas después de la actuación y como una consideración de los elementos de la danza en sí. Dividido en tres capítulos, el libro se abre con diagramas de los objetos de cada una de sus piezas agrupados en estructuras gráficas. Estos cuadros reconsideran sus danzas tanto desde la perspectiva de la resonancia de las cosas, como por sus propiedades compositivas abstractas. En el capítulo dos, Parson profundiza en la mente coreográfica, trazando ideas como la igualdad en la percepción de los objetos y el movimiento, y la poética de una gramática cinética. Las tablas de borrado, capas y lenguaje sirven como herramientas dinámicas y prismáticas para la creación de danzas. Por último, hay un capítulo de fotografías del Big Dance Theatre de 1991 a 2019. Como apéndice, haciendo un guiño a la historia de las operaciones de azar en la danza, Parson crea un juego de cartas generativo de 52 elementos compositivos para que los artistas de cualquier medio los recorten y jueguen como un método para crear nuevo material. Dentro de la dualidad de forma y contenido, este libro explora los significados que tiene la forma en sí misma, y ​​los mapas visuales de ideas coreográficas de Parson inspiran un nuevo pensamiento en torno a los elementos compartidos subyacentes a toda creación artística.

Premios, honores y becas

La Sra. Parson ha sido nominada para el premio CalArts / Alpert en siete ocasiones. Fue coreógrafa de YCC en el American Dance Festival, donde trabajó con el compositor Richard Einhorn para crear City of Brides.

Referencias

enlaces externos