Wong Kar-wai -Wong Kar-wai

Wong Kar-wai
Wong en el Festival de Cine de Berlín 2013
Nacido	( 17 de julio de 1958 )17 de julio de 1958 (64 años) Shanghai, China
Ocupación	Director guionista productor
Años activos	1982-presente
trabajo notable
Premios	Lista llena
nombre chino
Chino tradicional	王家衛
chino simplificado	王家卫
Transcripciones mandarín estándar hanyu pinyin Wang Jiawei Wu Romanización shanghainesa Waon 3 Ka 1 Nosotros 3 Yue: cantonés Jugar Wong 4 Gaa 1 Wai 6 API [wɔ̏ːŋ káː.wɐ̀i]

Wong Kar-wai BBS (nacido el 17 de julio de 1958) es un director de cine, guionista y productor de Hong Kong. Sus películas se caracterizan por narrativas no lineales , música atmosférica y cinematografía vívida que involucra colores saturados y audaces. Una figura fundamental del cine de Hong Kong , Wong es considerado un autor contemporáneo y ocupa el tercer lugar en la encuesta de Sight & Sound de 2002 de los mejores cineastas de los tiempos modernos. Sus películas aparecen con frecuencia en las mejores listas a nivel nacional e internacional.

Nacido en Shanghai, Wong emigró al Hong Kong británico cuando era niño con su familia. Comenzó una carrera como guionista de telenovelas antes de hacer la transición a la dirección con su debut, el drama criminal As Tears Go By (1988). Si bien As Tears Go By tuvo bastante éxito en Hong Kong, Wong se alejó de la tendencia contemporánea de las películas de crimen y acción para embarcarse en estilos cinematográficos más personales. Days of Being Wild (1990), su primera aventura en esa dirección, no tuvo un buen desempeño en taquilla. Sin embargo, recibió elogios de la crítica y ganó el premio a Mejor Película y Mejor Director en los Premios de Cine de Hong Kong de 1991 . Su siguiente película, Ashes of Time (1994), tuvo una recepción mixta debido a su trama vaga y su versión atípica del género wuxia .

La producción de Ashes of Time llevó mucho tiempo y dejó a Wong exhausto; posteriormente dirigió Chungking Express (1994) con la esperanza de reconciliarse con el cine. La película, que expresa una atmósfera más alegre, catapultó a Wong a la prominencia internacional y ganó el premio a la Mejor Película y al Mejor Director en los Premios de Cine de Hong Kong de 1995 . Wong consolidó su reputación mundial con el drama Happy Together de 1997 , por el que ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes .

El drama de 2000 In the Mood for Love , reverenciado por sus imágenes exuberantes y su narración sutil, estableció concretamente los estilos cinematográficos característicos de Wong. Entre sus otros trabajos se encuentran 2046 (2004) y The Grandmaster (2013), los cuales recibieron premios y nominaciones en todo el mundo.

Primeros años de vida

Wong Kar-wai nació el 17 de julio de 1958 en Shanghai , el menor de tres hermanos. Su padre era marinero y su madre ama de casa. Cuando Wong tenía cinco años, las semillas de la Revolución Cultural estaban comenzando a surtir efecto en China y sus padres decidieron mudarse a Hong Kong , gobernada por los británicos . Se suponía que los dos niños mayores se unirían a ellos más tarde, pero las fronteras se cerraron antes de que tuvieran la oportunidad y Wong no volvió a ver a su hermano o hermana durante diez años. En Hong Kong, la familia se instaló en Tsim Sha Tsui , y su padre consiguió trabajo administrando un club nocturno. Al ser hijo único en una ciudad nueva, Wong ha dicho que se sintió aislado durante su infancia; luchó por aprender cantonés e inglés, y solo llegó a dominar estos nuevos idiomas cuando era un adolescente.

Cuando era joven, Wong fue llevado frecuentemente al cine por su madre y expuesto a una variedad de películas. Más tarde dijo: "El único pasatiempo que tenía de niño era ver películas". En la escuela, estaba interesado en el diseño gráfico y obtuvo un diploma en la materia del Politécnico de Hong Kong en 1980. Después de graduarse, Wong fue aceptado en un curso de capacitación en la cadena de televisión TVB , donde aprendió los procesos de producción de medios.

Carrera profesional

Comienzos (1980-1989)

Pronto comenzó una carrera como guionista, primero con series de televisión y telenovelas, como Don't Look Now (1981), antes de pasar a guiones cinematográficos. Trabajó como parte de un equipo, contribuyendo a una variedad de géneros que incluyen romance, comedia, suspenso y crimen. Wong tenía poco entusiasmo por estos primeros proyectos, descritos por el estudioso del cine Gary Bettinson como "ocasionalmente divertidos y en su mayoría desechables", pero continuó escribiendo durante la década de 1980 en películas como Just for Fun (1983), Rosa (1986) y The Haunted . Cop Shop of Horrors (1987). Se le atribuyen diez guiones entre 1982 y 1987, pero afirma haber trabajado en unos cincuenta más sin crédito oficial. Wong pasó dos años escribiendo el guión de la película de acción Final Victory (1987) de Patrick Tam , por la que fue nominado en los 7th Hong Kong Film Awards .

En 1987, la industria cinematográfica de Hong Kong estaba en su apogeo y disfrutaba de un nivel considerable de prosperidad y productividad. Se necesitaban nuevos directores para mantener este éxito y, a través de sus vínculos en la industria, se invitó a Wong a convertirse en socio de una nueva empresa independiente, In-Gear , y se le dio la oportunidad de dirigir su propia película. Las películas de gánsteres eran populares en ese momento, a raíz del gran éxito de John Woo A Better Tomorrow (1986), y Wong decidió hacer lo mismo. Específicamente, a diferencia de otras películas policíacas de Hong Kong, optó por centrarse en jóvenes gánsteres. La película, llamada As Tears Go By , cuenta la historia de un joven en conflicto que tiene que velar por su impetuoso amigo.

Debido a que conocía bien al productor, Alan Tang , a Wong se le dio una libertad considerable en la realización de As Tears Go By . Su elenco incluía lo que él consideraba algunos de los "ídolos jóvenes más populares de Hong Kong": el cantante Andy Lau , Maggie Cheung y Jacky Cheung . As Tears Go By se estrenó en junio de 1988 y fue popular entre el público. Varios periodistas nombraron a Wong entre la " nueva ola de Hong Kong ". Si bien era una película criminal convencional, el crítico David Bordwell dijo que Wong "[se destacó] entre sus compañeros al abandonar la cinética de las comedias y las películas de acción en favor de una atmósfera más líquida". As Tears Go By no recibió la atención de los críticos occidentales en su lanzamiento inicial, pero fue seleccionado para ser proyectado durante la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes de 1989 .

Estilo de desarrollo (1990-1994)

Para su siguiente película, Wong decidió alejarse de la tendencia criminal en el cine de Hong Kong, a la que se sentía indiferente. Estaba ansioso por hacer algo único, y el éxito financiero de As Tears Go By lo hizo posible. Al desarrollar un proyecto más personal que su película anterior, Wong eligió la década de 1960 como escenario, evocando una era que recordaba bien y por la que tenía un "sentimiento especial". Days of Being Wild se centra en un joven adulto desilusionado llamado Yuddy y quienes lo rodean. No hay una trama directa o un género obvio, pero Stephen Teo lo ve como una película sobre el "anhelo de amor". Andy Lau, Maggie Cheung y Jacky Cheung se reunieron con Wong para su segunda película, mientras que Leslie Cheung fue elegida para el papel central. Contratado como director de fotografía fue Christopher Doyle , quien se convirtió en uno de los colaboradores más importantes de Wong, fotografiando sus siguientes seis películas.

Con sus estrellas populares, se esperaba que Days of Being Wild fuera una película convencional; en cambio, era una pieza de carácter, más preocupada por el estado de ánimo y la atmósfera que por la narrativa. Estrenada en diciembre de 1990, la película ganó poco en taquilla y dividió a la crítica. A pesar de esto, ganó cinco premios de cine de Hong Kong y recibió cierta atención internacional. Con su narrativa experimental, trabajo de cámara expresivo y temas de tiempo perdido y amor, el crítico de cine Peter Brunette describe Days of Being Wild como la primera "película típica de Wong Kar-wai". Desde entonces, se ha ganado la reputación de ser uno de los mejores lanzamientos de Hong Kong. Su fracaso inicial fue desalentador para el director, y no pudo obtener fondos para su próximo proyecto, una secuela planificada.

Luchando por obtener apoyo para su trabajo, Wong formó su propia compañía de producción, Jet Tone Films, con Jeff Lau en 1992. Al necesitar más respaldo, Wong aceptó la oferta de un estudio de hacer una película de wuxia (artes marciales antiguas) basada en el novela popular La Leyenda de los Héroes del Cóndor de Jin Yong . Wong estaba entusiasmado con la idea y afirmó que hacía tiempo que quería hacer un drama de época . Finalmente tomó poco del libro aparte de tres personajes, y en 1992 comenzó a experimentar con varias estructuras narrativas diferentes para tejer lo que llamó "un tapiz muy complejo". La filmación comenzó con otro elenco de estrellas: Leslie, Maggie y Jacky Cheung regresaron junto con Brigitte Lin , Carina Lau , Charlie Young y Tony Leung Chiu-wai , el último de los cuales se convirtió en uno de los principales colaboradores de Wong.

Ambientada durante la dinastía Song , Ashes of Time trata sobre un asesino exiliado en el desierto que es invocado por varios personajes diferentes mientras cuida un corazón roto. Fue una producción difícil y el proyecto no se completó durante dos años, con un costo de 47 millones de dólares de Hong Kong . Tras su estreno en septiembre de 1994, el público estaba confundido por la trama vaga de la película y la versión atípica de wuxia . La estudiosa del cine Martha P. Nochimson la ha llamado "la película de artes marciales más inusual jamás realizada", ya que las escenas de acción de ritmo rápido se reemplazan con cavilaciones de personajes y la historia se vuelve secundaria al uso del color, el paisaje y las imágenes. Como tal, Ashes of Time fue un fracaso comercial, pero los críticos en general apreciaron la "negativa de Wong a ser leal al género [ wuxia ]". La película ganó varios premios locales y compitió en el Festival de Cine de Venecia, donde Doyle ganó el premio a la Mejor Fotografía. En 2008, Wong reelaboró ​​la película y la relanzó como Ashes of Time Redux .

Avance (1994-1995)

Durante la larga producción de Ashes of Time , Wong se enfrentó a una pausa de dos meses mientras esperaba que el equipo volviera a grabar el sonido de algunas escenas. Estaba en un estado negativo, sintiendo una gran presión por parte de sus patrocinadores y preocupado por otro fracaso, por lo que decidió comenzar un nuevo proyecto: "Pensé que debería hacer algo para sentirme cómodo haciendo películas nuevamente. Así que hice Chungking Express , que hice como una película de estudiantes". Concebido y completado en solo seis semanas, el nuevo proyecto terminó siendo lanzado dos meses antes que Ashes of Time .

Chungking Express se divide en dos partes distintas, ambas ambientadas en el Hong Kong contemporáneo y centradas en policías solitarios ( Takeshi Kaneshiro y Tony Leung Chiu-wai) que se enamoran de una mujer (Brigitte Lin y Faye Wong ). Wong estaba ansioso por experimentar con "dos historias entrecruzadas en una película" y trabajó de forma espontánea, filmando por la noche lo que había escrito ese día. Peter Brunette señala que Chungking es considerablemente más divertido y alegre que los esfuerzos anteriores del director, pero trata los mismos temas. En los Hong Kong Film Awards de 1995 fue nombrada Mejor Película y Wong recibió el premio al Mejor Director. Miramax adquirió la película para distribución estadounidense que, según Brunette, "catapultó a Wong a la atención internacional". Stephen Schneider lo incluye en su libro 1001 películas que debes ver antes de morir con el resumen: "Mientras que otras películas de Wong pueden tener una resonancia más emocional, Chungking Express se basa en pura inocencia, exuberancia y libertad cinematográfica, un sorprendente triunfo de estilo. sobre la sustancia".

Wong continuó trabajando sin descanso, expandiendo sus ideas de Chungking Express a otra película sobre jóvenes adultos alienados en el Hong Kong contemporáneo. Chungking Express se había concebido originalmente como tres historias, pero cuando se acabó el tiempo, Wong desarrolló la tercera como un nuevo proyecto, Fallen Angels , con nuevos personajes. Wong concibió ambas películas como estudios complementarios de Hong Kong: "Para mí, Chungking Express y Fallen Angels son una película que debería durar tres horas".

Fallen Angels se considera ampliamente un thriller criminal y contiene escenas de extrema violencia, pero es atípico del género y está fuertemente infundido con el estilo fragmentado y experimental de Wong. La trama suelta nuevamente involucra dos narrativas distintas, sutilmente superpuestas, y está dominada por imágenes frenéticas. La película ocurre principalmente de noche y explora el lado oscuro de Hong Kong, que Wong planeó intencionalmente para equilibrar la dulzura de Chungking : "Es justo mostrar las dos caras de una moneda". Takeshi Kaneshiro y Charlie Young fueron elegidos nuevamente, pero Leon Lai , Michelle Reis y Karen Mok eran nuevos en las películas de Wong . Tras su estreno en septiembre de 1995, varios críticos sintieron que la película era demasiado similar a Chungking Express y algunos se quejaron de que Wong se había vuelto autocomplaciente. Los historiadores de cine Zhang Yingjin y Xiao Zhiwei comentaron: "Si bien no es tan innovadora como sus predecesoras, la película sigue siendo lo suficientemente diferente e innovadora como para confirmar la presencia [de Wong] en la escena internacional".

Reconocimiento generalizado (1996-2000)

Si bien su reputación creció de manera constante a principios de la década de 1990, la posición internacional de Wong se "consolidó completamente" con el drama romántico de 1997 Happy Together (1997). Su desarrollo estuvo influenciado por el traspaso de Hong Kong de Gran Bretaña a China, que ocurrió ese año. Se esperaba ampliamente que Wong abordara el evento en su próxima película; en cambio, evitó la presión al elegir rodar en Argentina. No obstante, los temas del traspaso fueron importantes: sabiendo que los homosexuales en Hong Kong enfrentaban incertidumbre después de 1997, Wong decidió centrarse en una relación entre dos hombres. Estaba ansioso por presentar la relación como ordinaria y universal, ya que sintió que las películas LGBT anteriores de Hong Kong no lo habían hecho.

Happy Together cuenta la historia de una pareja (Tony Leung Chiu-wai y Leslie Cheung) que viajan a Buenos Aires en un esfuerzo por salvar su relación. Wong decidió cambiar la estructura y el estilo de sus películas anteriores, ya que sintió que se había vuelto predecible. Teo, Brunette y Jeremy Tambling ven Happy Together como un cambio marcado con respecto a su trabajo anterior: la historia es más lineal y comprensible, solo hay tres personajes (sin ninguna mujer), y aunque todavía tiene la "exuberancia" de Doyle. fotografía, es más restringida estilísticamente. Después de un período de producción difícil, donde un rodaje de seis semanas se alargó a cuatro meses, la película se estrenó en mayo de 1997 con gran éxito de crítica. Compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes , donde Wong se convirtió en el primer ganador de Hong Kong del Premio al Mejor Director (un logro que minimizó: "no hace ninguna diferencia, es algo que puedes poner en un anuncio").

En su monografía de 2005, Brunette opina que Happy Together marcó "una nueva etapa en el desarrollo artístico [de Wong]", y junto con su sucesor, In the Mood for Love (2000), muestra al director en "el cenit de su arte cinematográfico. " Esta última película surgió de una historia de producción muy complicada que duró dos años. Wong planeó varios títulos y proyectos diferentes antes de convertirse en el resultado final: un melodrama romántico ambientado en la década de 1960 en Hong Kong que se considera una secuela no oficial de Days of Being Wild . Wong decidió regresar a la era que lo fascinaba y reflejó su propia experiencia centrándose en los emigrados de Shanghai.

Maggie Cheung y Tony Leung Chiu-wai interpretan a los personajes principales, que se mudan a un edificio de apartamentos el mismo día de 1962 y descubren que sus cónyuges están teniendo una aventura; durante los próximos cuatro años desarrollan una fuerte atracción. Teo escribe que la película es un estudio de "la típica reserva china y el deseo reprimido", mientras que Schneider describe cómo la "extraña relación" está coreografiada con "la gracia y el ritmo de un vals" y representada en "una neblina de ensueño por una cámara que escucha a escondidas". ".

El rodaje duró 15 meses y, según los informes, tanto Cheung como Leung llegaron al límite. Wong filmó más de 30 veces el metraje que finalmente usó y solo terminó de editar la película la mañana antes de su estreno en Cannes. En el festival, In the Mood for Love recibió el Gran Premio Técnico y Mejor Actor para Leung. Fue nombrada Mejor Película Extranjera por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine . Wong dijo después de su lanzamiento: " In the Mood for Love es la película más difícil de mi carrera hasta ahora, y una de las más importantes. Estoy muy orgulloso de ella". En años posteriores ha sido incluida en las listas de las mejores películas de todos los tiempos .

Trabajo internacional (2001-2007)

Mientras que In the Mood for Love tardó dos años en completarse, su secuela, 2046 , tomó el doble de ese tiempo. De hecho, la película se concibió primero, cuando Wong eligió el título como una referencia al último año de la promesa de China de " Un país, dos sistemas " a Hong Kong. Aunque sus planes cambiaron y se desarrolló una nueva película, simultáneamente filmó material para 2046 , con el primer metraje que data de diciembre de 1999. Wong inmediatamente continuó con el proyecto una vez que se completó In the Mood for Love , y supuestamente se obsesionó con él. En el relato de Bettinson, "se convirtió en un gigante, imposible de terminar".

2046 continúa la historia de Chow Mo-wan, el personaje de Leung de In the Mood for Love , aunque se le considera mucho más frío y muy diferente. Wong descubrió que no quería dejar el personaje y comenzó donde lo dejó en 1966; sin embargo, afirmó: "Es otra historia, sobre cómo un hombre enfrenta su futuro debido a un pasado determinado". Sus planes eran vagos y, según Teo, estableció "un nuevo récord en su propio método de realización de películas improvisadas, de pensamiento libre y extenso en el tiempo" con la producción. Las escenas se rodaron en Pekín , Shanghái, Hong Kong, Macao y Bangkok . Las actrices Zhang Ziyi y Gong Li fueron elegidas para interpretar a las mujeres que consumen a Mo-wan, ya que el personaje planea una novela de ciencia ficción titulada 2046 . La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2004 , pero Wong entregó la copia con 24 horas de retraso y aun así no estaba contento: continuó editando hasta el estreno de la película en octubre. Fue el proyecto más caro y de mayor duración de Wong hasta la fecha. 2046 fue un fracaso comercial en Hong Kong, pero la mayoría de los críticos occidentales le dieron críticas positivas. Ty Burr de The Boston Globe lo elogió como una "meditación enigmática y arrebatadoramente hermosa sobre el romance y el recuerdo", mientras que Steve Erikson de Los Angeles Magazine lo calificó como la obra maestra de Wong.

Antes de comenzar con su próximo largometraje, Wong trabajó en la película de antología Eros (2004), proporcionando uno de los tres cortometrajes (los otros dirigidos por Michelangelo Antonioni y Steven Soderbergh ) que se centran en el tema de la lujuria. El segmento de Wong, titulado "La mano", protagonizado por Gong Li como una prostituta de la década de 1960 y Chang Chen como su cliente potencial. Aunque Eros no fue bien recibido, el segmento de Wong a menudo se consideraba el más exitoso.

Luego de la difícil producción de 2046 , Wong quería que su próximo largometraje fuera una experiencia simple y estimulante. Decidió hacer una película en inglés en Estados Unidos, y luego lo justificó explicando: "Es un nuevo paisaje. Es un nuevo trasfondo, por lo que es refrescante". Después de escuchar una entrevista de radio con la cantante Norah Jones , inmediatamente decidió contactarla y ella firmó como protagonista. La comprensión de Wong de Estados Unidos se basó solo en visitas cortas y en lo que había visto en películas, pero estaba ansioso por representar el país con precisión. Como tal, coescribió la película (una de las raras ocasiones en que se preparó previamente un guión) con el autor Lawrence Block . Titulada My Blueberry Nights , se centraba en una joven neoyorquina que se va de viaje por carretera cuando se entera de que su novio le ha sido infiel. Las figuras que conoció fueron Jude Law , Natalie Portman , Rachel Weisz y David Strathairn .

El rodaje de My Blueberry Nights se llevó a cabo durante siete semanas en 2006, en locaciones de Manhattan , Memphis , Las Vegas y Ely, Nevada . Wong lo produjo de la misma manera que lo haría en Hong Kong, y los temas y el estilo visual, a pesar de que Doyle fue reemplazado por el director de fotografía Darius Khondji , siguieron siendo los mismos. Estrenada en mayo de 2007, My Blueberry Nights fue la cuarta película consecutiva de Wong en competir por la Palma de Oro en Cannes. Aunque la consideró una "experiencia especial", la película no recibió críticas positivas. Con quejas comunes de que el material era delgado y el producto desigual, My Blueberry Nights se convirtió en el primer fracaso crítico de Wong.

2008-presente

La siguiente película de Wong no se estrenó durante cinco años, ya que se sometió a otra producción larga y difícil en The Grandmaster (2013), una película biográfica del profesor de artes marciales Ip Man . La idea se le había ocurrido en 1999, pero no se comprometió con ella hasta la finalización de My Blueberry Nights . Ip Man es una figura legendaria en Hong Kong, conocida por entrenar al actor Bruce Lee en el arte del Wing Chun , pero Wong decidió centrarse en un período anterior de la vida de Ip (1936-1956) que cubría la agitación de la Segunda Guerra Sino-Japonesa. Guerra y Segunda Guerra Mundial . Se propuso hacer "una película comercial y colorida". Después de una investigación y preparación considerables, la filmación comenzó en 2009. Tony Leung Chui-wai se reunió con Wong para su séptima película juntos, después de haber pasado 18 meses entrenándose en Wing Chun. La producción "extenuante" duró de forma intermitente durante tres años, dos veces interrumpida por Leung fracturándose el brazo, y es la más cara de Wong hasta la fecha.

Bettinson describe al Gran Maestro como una mezcla de tradiciones populares y artísticas , con formas, imágenes y temas consistentes con el trabajo anterior de Wong. Existen tres versiones diferentes de la película, ya que Wong la acortó desde su estreno nacional para el Festival de Cine de Berlín de 2013 , y nuevamente para su distribución en los Estados Unidos por parte de Weinstein Company . Descrita en Slant Magazine como la película más accesible de Wong desde su debut, The Grandmaster ganó doce Premios de Cine de Hong Kong, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, y recibió dos nominaciones al Premio de la Academia ( Cinematografía y Diseño de Producción ). Los críticos aprobaron la película y, con una recaudación mundial de 64 millones de dólares, es la película más lucrativa de Wong hasta la fecha.

Cuando se le preguntó sobre su carrera en 2014, Wong le dijo a The Independent : "Para ser honesto contigo, siento que solo estoy a mitad de camino". En noviembre de 2016, se anunció que se haría cargo de una próxima película sobre el asesinato de Maurizio Gucci del anterior director Ridley Scott , pero comentó en octubre de 2017 que ya no estaba involucrado en el proyecto. En septiembre de 2017, Amazon Video emitió un pedido directo a serie para Tong Wars , un drama televisivo dirigido por Wong. Se centra en las guerras de pandillas que ocurrieron en el San Francisco del siglo XIX , pero Amazon luego abandonó la serie. En cuanto a su próxima película, los medios asiáticos han informado que se titulará Blossoms y se basará en el libro del mismo nombre de Jin Yucheng , que se centra en numerosos personajes de Shanghai desde la década de 1960 hasta la década de 2000. Blossoms también está programado para convertirse en una serie web para Tencent en la que Wong produce.

En mayo de 2019, Wong anunció la restauración 4K de toda su filmografía, que se estrenó en 2021 para celebrar el 20 aniversario de In the Mood for Love . La restauración estuvo a cargo del laboratorio de restauración cinematográfica L'Immagine Ritrovata de la Cineteca di Bologna . Criterion Collection lanzó la filmografía restaurada de Wong como una caja ambientada en los Estados Unidos en marzo de 2021.

Vida personal

Wong y su esposa, Esther, tienen un hijo, un hijo llamado Qing. El director es conocido por aparecer siempre con gafas de sol, lo que, según James Motram de The Independent , añade "al atractivo sentido de misterio que rodea al hombre y sus películas".

En 2009, Wong firmó una petición en apoyo del director Roman Polanski luego de su arresto en relación con sus cargos de abuso sexual de 1977 , quien había sido detenido mientras viajaba a un festival de cine, que según la petición socavaría la tradición de los festivales de cine como lugar. que las obras se muestren "libre y seguramente", y que arrestar a cineastas que viajen a países neutrales podría abrir la puerta "a acciones de las que nadie puede saber los efectos".

cine

Influencias

Wong desconfía de compartir sus directores favoritos, pero ha declarado que vio una variedad de películas mientras crecía, desde películas de género de Hong Kong hasta películas artísticas europeas. Nunca fueron etiquetados como tales, por lo que se acercó a ellos por igual y fue ampliamente influenciado. La energía de las películas de Hong Kong tuvo un impacto "tremendo" según Morena. El profesor de arte Giorgio Biancorosso comentó que las influencias internacionales de Wong incluyen a Martin Scorsese , Michelangelo Antonioni , Alfred Hitchcock y Bernardo Bertolucci . Algunos de sus cineastas contemporáneos favoritos incluyen a Scorsese, Christopher Nolan y Quentin Tarantino . A menudo se le compara con el director de la Nueva Ola francesa Jean-Luc Godard . La influencia más directa de Wong fue su colega Patrick Tam , quien fue un mentor importante y probablemente inspiró su uso del color.

Fuera del cine, Wong ha estado fuertemente influenciado por la literatura. Tiene una afinidad particular por los escritores latinoamericanos, y la naturaleza fragmentaria de sus películas provino principalmente de las "estructuras de álbumes de recortes" de las novelas de Manuel Puig y Julio Cortázar , que intentó emular. Haruki Murakami , en particular su novela Norwegian Wood , también proporcionó inspiración, al igual que la escritura de Liu Yichang . El canal de televisión MTV fue otra influencia para Wong. Dijo en una entrevista de 1998: "A finales de los ochenta, cuando [MTV] se mostró por primera vez en Hong Kong, todos estábamos realmente impresionados con la energía y la estructura fragmentada. Parecía que debíamos ir en esta dirección".

Método y colaboradores

Wong tiene un enfoque inusual para la realización de películas, comenzando la producción sin un guión y generalmente confiando en el instinto y la improvisación en lugar de ideas preparadas previamente. Ha dicho que no le gusta escribir y encuentra "aburrido" filmar a partir de un guión terminado. Según Stokes & Hoover, escribe mientras filma, "inspirándose en la música, el escenario, las condiciones de trabajo y los actores". De antemano, el elenco recibe un esquema mínimo de la trama y se espera que desarrolle sus personajes a medida que filman. Para capturar la naturalidad y la espontaneidad, Wong no permite ensayos mientras se fomenta la improvisación y la colaboración. De manera similar, no usa guiones gráficos ni planifica la ubicación de la cámara, prefiriendo experimentar sobre la marcha. Por lo tanto, su proporción de tomas es muy alta, a veces cuarenta tomas por escena, y la producción generalmente supera el cronograma y el presupuesto. Tony Leung ha comentado que este enfoque es "gravoso para los actores", pero Stokes & Hoover especulan que los colaboradores de Wong lo soportan porque "[los] resultados son siempre inesperados, estimulantes e interesantes".

Aunque Wong admite ser controlador y supervisa todos los aspectos del proceso de realización de la película, ha formado varias asociaciones duraderas y colaboradores cercanos. En 2013, dijo: "Siempre es bueno trabajar con un grupo de personas muy regulares porque sabemos qué tan alto podemos volar y cuáles son los parámetros, y se vuelve muy agradable". Dos hombres han sido fundamentales para desarrollar y lograr su estética: el diseñador de producción William Chang y el director de fotografía Christopher Doyle . Chang ha trabajado en todas las películas de Wong y es un confidente de confianza, responsable de todo el diseño del escenario y el vestuario. Doyle fotografió siete de sus proyectos, todos desde Días salvajes hasta 2046 . Stephen Schneider escribe que merece "mucho crédito" por el éxito de Wong, ya que su "uso magistral de la luz y el color convierte cada cuadro en una obra de arte". Los otros colegas regulares de Wong incluyen al escritor y productor Jeffrey Lau , al productor Jacky Pang y al asistente de dirección Johnnie Kong.

Wong a menudo elige a los mismos actores. Está fuertemente asociado con Tony Leung Chiu-wai, quien ha aparecido en siete de los largometrajes de Wong. Wong lo describe como un compañero y dice: "Siento que hay muchas cosas entre Tony y yo que están más allá de las palabras. No necesitamos reuniones, conversaciones, lo que sea, porque se entienden muchas cosas". Otros actores que han aparecido en al menos tres de sus películas son Maggie Cheung, Chang Chen, Leslie Cheung, Jacky Cheung y Carina Lau.

Estilo

Wong es conocido por producir películas de arte centradas en el estado de ánimo y la atmósfera, en lugar de seguir las convenciones. Teo describe su estilo general como "una cornucopia rebosante de múltiples historias, hilos de expresión, significados e identidades: un caleidoscopio de colores e identidades". Estructuralmente, las películas de Wong suelen estar fragmentadas e inconexas, con poca preocupación por la narrativa lineal y, a menudo, con historias interconectadas. Los críticos han comentado la falta de trama en sus películas, como Burr, quien dice: "El director no construye líneas argumentales lineales sino anillos concéntricos de significado narrativo y poético que giran continuamente uno alrededor del otro". De manera similar, Brunette dice que Wong "a menudo privilegia la expresividad audiovisual sobre la estructura narrativa". Wong ha comentado sobre esto, diciendo que "en mi lógica hay una historia".

La clave de las películas de Wong es el estilo visual, que a menudo se describe como hermoso y único. Los colores son audaces y saturados, el trabajo de cámara se desmaya, lo que da como resultado lo que Brunette llama su "pirotecnia visual característica". Una de sus marcas registradas es el uso de la impresión escalonada, que altera las velocidades de la película para "[licuar] bloques duros de color primario en rayos de luz iridiscentes". Otras características de la estética de Wong incluyen la cámara lenta, el encuadre descentrado, el oscurecimiento de los rostros, el enfoque en bastidor , la filmación en la oscuridad o bajo la lluvia y la edición elíptica. Schneider escribe sobre la afición de Wong por "jugar con el material de la película, la exposición y la velocidad de la forma en que otros podrían jugar con un guión".

Otra marca registrada del cine de Wong es su uso de la música y las canciones pop. Le da gran importancia a este elemento, y Biancorosso lo describe como la "esencia" de sus películas; una pieza clave de la "maquinaria narrativa" que puede guiar el ritmo del montaje. Selecciona canciones internacionales, rara vez cantopop , y las utiliza para realzar el sentido de la historia o el lugar. Según el estudioso del cine Julian Stringer, la música "resultó crucial para el atractivo emocional y cognitivo" de las películas de Wong.

La dependencia de Wong de la música y su estilo fuertemente visual e inconexo se ha comparado con los videos musicales, pero los detractores afirman que son "toda superficie y sin profundidad". El académico Curtis K. Tsui sostiene que el estilo es la esencia de la película de Wong, mientras que Brunette cree que su "forma permanece resueltamente al servicio del carácter, el tema y la emoción en lugar de complacerse por sí misma".

Reconocimiento e impacto

Wong es una figura importante del cine contemporáneo, considerado como uno de los mejores cineastas de su generación. Su reputación como inconformista comenzó temprano en su carrera: en la Enciclopedia de Cine Chino de 1996 , se describió a Wong como "ya establecido una reputación segura como uno de los cineastas de vanguardia más atrevidos" del cine chino. Los autores Zhang y Xiao concluyeron que él "ocupa un lugar especial en la historia del cine contemporáneo" y que ya había "ejercido un impacto considerable". Con el lanzamiento posterior de Happy Together y In the Mood for Love , la posición internacional de Wong creció aún más, y en 2002 los votantes del British Film Institute lo nombraron el tercer mejor director del cuarto de siglo anterior. En 2015, Variety lo nombró ícono del cine de autor.

El académico de Asia oriental Daniel Martin describe la producción de Wong como "una de las películas de Hong Kong más accesibles internacionalmente y aclamadas por la crítica de todos los tiempos". Debido a este estatus en el extranjero, Wong es visto como una figura central en su industria local; Julian Stringer dice que es "central para el renacimiento del cine chino contemporáneo", Gary Bettinson lo describe como "un faro del cine de Hong Kong" que "ha mantenido esa industria en el centro de la atención pública", y Film4 lo designa como el cineasta de China con el mayor impacto. Junto con Zhang Yimou , el historiador Philip Kemp considera que Wong representa la "internacionalización" del cine de Asia oriental. A nivel nacional, sus películas generalmente no fueron un éxito financiero, pero los organismos locales lo han premiado constantemente. Desde muy temprano, fue considerado como el " niño terrible " de Hong Kong y uno de sus cineastas más iconoclastas. A pesar de esto, ha sido reconocido tanto en círculos de culto como en los principales, produciendo películas de arte que reciben exposición comercial. Es conocido por confundir al público, ya que adopta géneros establecidos y los subvierte con técnicas experimentales.

Tanto Stringer como Nochimson afirman que Wong tiene uno de los estilos cinematográficos más característicos de la industria. Desde su primera película As Tears Go By , causó impacto con su estética "líquida", que Ungerböck afirma que era completamente nueva y rápidamente copiada en el cine y la televisión asiáticos. Su segunda película, Days of Being Wild , es descrita por Brunette como "un hito en el cine de Hong Kong" por su enfoque poco convencional. Nochimson escribe que las películas de Wong son completamente personales, lo que lo convierte en un autor y afirma que "Wong ha desarrollado su propio vocabulario cinematográfico, con una variedad de patrones de tomas conectados con él". Stringer argumenta que el éxito de Wong demuestra la importancia de ser "diferente".

Las películas de Wong aparecieron con frecuencia en las mejores listas a nivel nacional e internacional. En la lista de 2005 de la Asociación de Premios de Cine de Hong Kong de las 100 mejores películas chinas, todas excepto una de sus películas hasta ese momento figuraron en la lista. Days of Being Wild (1990) se ubicó en el número tres, la posición más alta para una película posterior a la década de 1980; otras películas clasificadas fueron Chungking Express (22), Ashes of Time (35), As Tears Go By (88), Happy Together (89) y In the Mood for Love (90). En la encuesta Sight & Sound de 2012 , en la que los profesionales de la industria envían votos para determinar las mejores películas de todos los tiempos, In the Mood for Love ocupó el puesto 24, la película mejor clasificada desde 1980 y la sexta película más grande de un director vivo. Chungking Express y Days of Being Wild se ubicaron entre los primeros 250; Happy Together y 2046 en el top 500; y Ashes of Time y As Tears Go By también aparecieron (todas menos dos de las películas de Wong en ese momento).

La influencia de Wong ha impactado a directores contemporáneos como Quentin Tarantino , Sofia Coppola , Lee Myung-se , Tom Tykwer , Zhang Yuan , Tsui Hark y Barry Jenkins . El 24 de mayo de 2018, la Universidad de Harvard le otorgó el título de Doctor Honoris Causa en Artes .

Filmografía y premios

La obra de Wong consta de diez largometrajes dirigidos, 16 películas en las que se le acredita solo como guionista y siete películas de otros directores que ha producido. También ha dirigido comerciales, cortometrajes y videos musicales, y ha contribuido a dos películas de antología. Ha recibido premios y nominaciones de organizaciones en Asia, Europa, América del Norte y América del Sur. En 2006, Wong aceptó la Orden Nacional de la Legión de Honor: Caballero (Grado más bajo) del gobierno francés. En 2013, el ministro de Relaciones Exteriores francés, Laurent Fabius , le otorgó el título de Comandante de la Ordre des Arts et des Lettres , la orden más alta . El Festival Internacional de Cine de la India le otorgó a Wong un premio Lifetime Achievement Award en 2014.

Funciones dirigidas

Año	Título	título chino
1988	Mientras las lagrimas caen	旺角卡門 Wong gok ka luna
1990	Días de ser salvaje	阿飛正傳 Ah fei zing zyun
1994	Expreso de Chungking	重慶森林 Chung Hing sam lam
	cenizas del tiempo	東邪西毒 Dung che sai duk
1995	Ángeles caídos	墮落天使 Do lok tin si
1997	Felices juntos	春光乍洩 Chun gwong cha sit
2000	En el estado de ánimo para el amor	花樣年華 Fa yeung nin wa
2004	2046	—
2007	Mis noches de arándanos	—
2013	El director	一代宗師 Yi dai zong shi

notas

Referencias

Fuentes

enlaces externos

• Wong Kar-wai en IMDb
• Wong Kar-wai en la variedad