El laudista (Caravaggio) - The Lute Player (Caravaggio)

Para la pintura de Valentin de Boulogne , vea Lute Player .
El jugador de laúd
Italiano: Suonatore di liuto
1596 Caravaggio, el laudista de Nueva York.jpg
Artista Caravaggio (?)
Año C. 1596
Medio Óleo sobre lienzo
Dimensiones 100 cm × 126,5 cm (39 pulgadas × 49,8 pulgadas)
Localización Colección Wildenstein

El laudista es una composición delmaestro barroco italiano Caravaggio . Solía ​​existir en dos versiones, una en la Colección Wildenstein y otra en el Museo del Hermitage , San Petersburgo . Sin embargo, un tercio de Badminton House , Gloucestershire, salió a la luz en 2007.

Fondo

El primer biógrafo de Caravaggio, Giovanni Baglione, da la siguiente descripción de una pieza realizada por el artista para su patrón, el cardenal Francesco Del Monte :

E dipinse [per il Cardinale Del Monte]… anche un giovane, che sonava il Lauto, che vivo, e vero il tutto parea con una caraffa di fiori piena d'acqua, che dentro il reflesso d'ua fenestra eccelentemente si scorgeva con altri ripercotimenti di quella camera dentro de l'acqua, e sopra quei fiori eravi una viva rugiada con ogni esquisita diligenza finta. E questo (dise) che fu il piu bel pezzo, che facesse mai. ("También pintó [para el cardenal Del Monte] un joven, tocando el laúd, que parecía vivo y real con una jarra de flores llena de agua, en la que se veía perfectamente el reflejo de una ventana y otros reflejos de esa habitación dentro del agua, y en esas flores había un rocío vivo representado con exquisito cuidado. Y esta (dijo) era la mejor pieza que jamás había pintado) ".

La pintura existe en tres versiones. Todos muestran a un chico de rasgos faciales suaves y espeso cabello castaño, acompañándose en el laúd mientras canta un madrigal sobre el amor. Como en los Uffizi Bacchus , el artista coloca un tablero de mesa frente a la figura. En las versiones Hermitage y Badminton House es de mármol desnudo, con un violín en un lado y un bodegón de flores y frutas en el otro. En la versión de Wildenstein, la mesa se cubre con una alfombra y se extiende hacia adelante para sostener una flauta dulce tenor , mientras que la naturaleza muerta se reemplaza por una spinetta (un pequeño instrumento de teclado) y un pájaro cantor enjaulado. Los instrumentos musicales son valiosos y probablemente provienen de la colección personal de Del Monte.

El laudista (detalle de la versión del Hermitage).

Las versiones Hermitage y Badminton House muestran madrigales de Jacques Arcadelt (1515-1568), y el texto visible dice en parte: "Vous savez que je vous aime et vous adore ... Je fus vôtre". ("Sabes que te amo y te adoro ... yo era tuyo"). La versión de Wildenstein muestra canciones de un nativo florentino ( Francesco de Layolle ) sobre un texto de Petrarca : Laisse le voile ('Deja ir el velo') y Pourquoi ne vous donnez-vous pas? ('¿Por qué no te entregas?') De Giachetto Berchem (Jacquet de Berchem). Las flores y frutos dañados, y el cuerpo agrietado del laúd, sugieren el tema de la fugacidad: el amor, como todas las cosas, es fugaz y mortal. La elección de los compositores franco-flamencos sobre los italianos nativos (solo Layolle era un italiano nativo) refleja sin duda las afiliaciones culturales (y políticas) del círculo pro-francés Del Monte-Giustiniani.

Los elementos de la naturaleza muerta son de un nivel extremadamente alto en todas las versiones, las frutas y flores finamente representadas en dos versiones igualadas por las texturas de spinetta y flauta en la otra, y el artista ha reproducido las notas iniciales de los madrigales con tanta precisión que una Puede reconocer al impresor romano, Valerio Dorica.

El modelo más bien andrógino podría ser Pedro Montoya, un castrato conocido por haber sido miembro de la familia Del Monte y cantante en la Capilla Sixtina en esa época; los castrati eran muy apreciados y el Cardenal era un mecenas de la música y de la música. cuadro. Más recientemente, el biógrafo de Caravaggio, Peter Robb, lo ha identificado como el compañero de Caravaggio, Mario Minniti , el modelo de varias otras pinturas de este período, como The Cardsharps y una de las dos versiones de The Fortune Teller .

Las tres versiones demuestran el enfoque innovador de la luz que Caravaggio adoptó en ese momento. El método de Caravaggio, tal como lo describió el contemporáneo Giulio Mancini de Caravaggio , fue utilizar "una luz fuerte desde arriba con una sola ventana y las paredes pintadas de negro, de modo que teniendo las luces brillantes y las sombras oscuras, se dé profundidad a la pintura, pero con un método que no es natural ni hecho o pensado por ningún otro siglo o pintores más antiguos como Rafael, Tiziano, Correggio y otros ". La habitación en sí parece ser la misma que la de la Capilla Contarelli Llamada de San Mateo , y el rayo de luz a través de la pared trasera tiene un límite superior que parecería ser el postigo de la ventana sobre la mesa en la Llamada. La jarra es un motivo de "cortar y pegar" de otra imagen, donde la luz principal provenía de una ventana más o menos al mismo nivel que la jarra misma. Una ilustración tan compleja de luz refractada no tiene precedentes en el Cinquecento y puede haber sido el resultado de la colaboración con científicos del círculo de Del Monte, incluido Giovanni Battista della Porta , quien fue el espíritu rector detrás de la fundación en 1603 de la Accademia dei Lincei. Su De Refractione Optices (1593), de varios volúmenes, se ocupaba especialmente de las cuestiones ópticas, y el segundo volumen se dedicaba por completo a la incidencia de la luz en esferas de vidrio y llenas de agua. El círculo de Della Porta fue significativo para Caravaggio más tarde en Nápoles, donde la comisión de los Siete Actos de la Misericordia parece haber emanado de Giovanni Battista Manso , Marchese di Villa, cuyo amigo, el alquimista Colantonio Stigliola , era miembro de la Accademia. dei Lincei.

El laudista (versión Hermitage)
Michelangelo Caravaggio 020.jpg
Artista Caravaggio
Año c.1600
Medio Óleo sobre lienzo
Dimensiones 94 cm × 119 cm (37 pulgadas × 47 pulgadas)
Localización Museo del Hermitage, San Petersburgo

La aparición de los segundos originales es una característica de una nueva comprensión de la obra de Caravaggio y, de hecho, Vincenzo Giustiniani, cuya experiencia estuvo estrechamente relacionada con la carrera del artista, describe en su Discorso sulla pittura el desarrollo del pintor comenzando con la copia del trabajo de otros: 'Proceeding además, también puede copiar su propio trabajo, de modo que la réplica sea tan buena, e incluso a veces mejor, que la primera ”. El procedimiento para hacer una segunda versión fue, sin embargo, sustancialmente diferente de la tarea a veces muy ardua de construir un grupo a partir de muchas observaciones separadas de la realidad, de figuras y objetos; es natural que el "segundo original" sea a veces más fluido que el primero. Las anomalías anatómicas en las pinturas de Wildenstein y Badminton House, como los ojos ligeramente desorientados o las vacilaciones en el perfil de la mano, se resuelven en la imagen del Hermitage. Por el contrario, la versión Hermitage es más superficial en las cortinas, menos insistente en los detalles y no tiene los magníficos reflejos en la jarra, que eran específicos del contexto alquímico del original. Ésta es también la razón de los celos con que el mecenas de Caravaggio, Del Monte, miraba al grupo de cuadros, y del malentendido en que incurrió la búsqueda de la filosofía natural en la Roma de su época.

Apollo Laúd (detalle de flores cubiertas de rocío según lo descrito por Baglione en 1642)

La versión de Wildenstein fue vendida por los herederos de Del Monte al cardenal Antonio Barberini en 1628, cuando se describió como "Un giovane che sona di clevo" (sin atribución) y se incluyó con Santa Catalina y los Sharps (nombrados específicamente como por Caravaggio) y varias otras pinturas. La pintura está iluminada por un suave claroscuro inspirado en los maestros de Brescia del siglo XVI y característico de la primera fase del desarrollo de Caravaggio. El catálogo de la exposición de 1990 celebrada para marcar la identificación del Wildenstein Lute Player , que ya se conocía pero que se pensaba que era una copia de otra mano, comentaba la iluminación marcadamente diferente utilizada para esta versión, afirmando que "marca un paso significativo hacia el estilo de la madurez de Caravaggio, más dramáticamente iluminado y altamente concentrado ", es decir, hacia el mayor contraste entre las sombras y la luz ( tenebrismo ) que marcaría cuadros como El martirio de San Mateo . Sin embargo, el crítico Jason Kaufman consideró que la interpretación del niño en la versión de Wildenstein era estéticamente inferior a la del Hermitage, "... la cara ... dura y la expresión menos dulce que la de bovino ... [las] ​​facciones ... .más nítidamente definido, las cejas severamente geometrizadas y la tez rosada, en lugar de tono carne ", y David Van Edwards, señalando aparentes errores en la representación del laúd en la versión de Wildenstein, la fuente de luz secundaria y las perspectivas inconsistentes de la mesa y modelo, concluyó que la pintura no es de Caravaggio.

La versión del Hermitage pertenece a la colección del otro importante mecenas de la época del artista, el amigo y vecino de Del Monte, el marqués Vincenzo Giustiniani .

Fue comprado en 1808 en la subasta de París por el emperador ruso Alejandro I a través de su asesor artístico personal Valily Rudanovsky. La compra fue apoyada por Dominique Vivant Denon.

Versión Badminton House

El cuadro Badminton House salió a la luz en una subasta en Sotheby's , Nueva York (25 de enero de 2001, lote 179); el cuadro se vendió atribuido al círculo de Caravaggio, posiblemente de Carlo Magnone. Clovis Whitfield, un marchante de arte con sede en Londres, ha cuestionado la atribución y ha sugerido que la pintura de Badminton House en realidad podría ser de Caravaggio.

Originalmente cubierto con un grueso barniz amarillo, se corresponde en todos los detalles con la descripción que hizo Baglione de la obra que vio en el palacio del cardenal Del Monte. Las flores están salpicadas de gotas de rocío, como comenta Baglione, y la jarra de agua refleja la ventana y otras características de la habitación. Estos elementos, y el considerable número de pentimenti (incisiones hechas en la pintura con el mango del pincel, un método de trabajo común que se ve también en el Salvator Mundi de Leonardo ), distinguen la pintura Badminton House de la versión Hermitage. Es un poco más grande que la obra del Hermitage, cuyo borde original corta las flores de la izquierda y el rollo del violín, y está pintado con pinceladas más densas.

Esta pintura parece ser la descrita en el inventario de 1627 de la colección de Del Monte. No era la pintura descrita en 1628 por los herederos como 'Un Giovane che sona di clevo' (sin una atribución), que se vende junto con el de Caravaggio Santa Catalina y los jugadores de cartas (nombrados específicamente como de Caravaggio) y varias otras pinturas al cardenal Antonio Barberini , que nos ha llegado en el trabajo de la colección Wildenstein .

Apollo Lute Player (detalle)

La pieza floral es de gran importancia para la tradición de la naturaleza muerta, no solo en Italia, sino también en los Países Bajos, y existe un cierto vínculo con la pintura flamenca anterior; por ejemplo, muchos de los pintores de flores flamencos, desde Jan Brueghel hasta Ambrosius Bosschaert y Van der Ast, a menudo esperaban para estudiar especímenes separados en varias estaciones del año, pero los incluían a todos en una asamblea ficticia. Los frutos del Luteplayer, sin embargo, no son de la misma estación que las flores, lo que sugiere un enfoque inter estacional similar al de Brueghel y Bosschaert.

Apolo el jugador de laúd
Caravaggioapollo.jpg
Artista Caravaggio
Año c.1596
Medio Óleo sobre lienzo
Dimensiones 96 cm × 121 cm (38 pulgadas × 48 pulgadas)
Localización Ex-Badminton House, Gloucestershire

Las flores se corresponden con las ilustradas por Giovanni Battista della Porta en su Magia Naturale (Nápoles, 1589) como las correspondientes a la visión, desde la caléndula que se parece al Sol, el aciano amarillo que se parece al ojo, a otra flor que se asemeja al eufrasia que fue desde la Edad Media un ingrediente en los remedios para los ojos. Esto explicaría de alguna manera la naturaleza de la elección de las flores, que están dominadas por los iris en la parte superior, e Iris no solo era la mensajera de los dioses, sino que en el marco óptico representaba el arco iris y el espectro de colores que representan las distintas flores. Una vez más, De refractione optices de Della Porta tiene un libro completo dedicado a 'De Iride et colore', un intento de llegar a una comprensión del arco iris. Pero el naturalismo de las flores, incluidas las vainas del iris y las flores marchitas, muestra que Caravaggio las observaba en especímenes reales y no mejoraba lo que la naturaleza podría haber obtenido si las circunstancias hubieran sido diferentes. La expresión tácita de la teoría de la segnatura, la correspondencia de ciertas formas del mundo natural con las del hombre, es algo que vincula el pensamiento detrás de la pintura con la creencia paracelsa. El interés de Del Monte en esto se manifiesta en el grupo de retratos que colgaban en su Casino alquímico, que son de las mismas siete luminarias que se ilustran en la portada de la Basílica Chymica de Oswald Croll (Frankfurt, 1609). Sabemos que el Casino del Pincio fue el centro en Roma de la práctica de la iatroquimia o la medicina química, aunque este tipo de filosofía natural estaba cada vez más mal visto y bien pudo haber influido en la condenación memoriae a la que fue sometido Del Monte. Pero Federico Cesi y su Accademia dei Lincei también eran seguidores devotos de lo que percibían como disciplinas paracelsa.

Parece probable que el laudista fue originalmente pensado como decoración para el studiolo en el primer piso del Casino en el Pincio que Del Monte había adquirido en 1596, y donde Guercino pintaría más tarde su fresco de Aurora para los Ludovisi. En la planta baja Del Monte hizo su trabajo alquímico y químico; arriba, en el techo del studiolo, Caravaggio pintó a los dioses Neptuno, Júpiter y Plutón , que representan los Elementos. Apolo habría tocado la fibra sensible al representar la armonía del universo, en un lugar opuesto a la ventana única. Ya la fuerza de su estilo pictórico estaba en pintar temas clásicos de la vida que lo rodeaba, como el Baco en la pintura de los Uffizi, sus rasgos a veces estaban disfrazados por su apariencia contemporánea. Dado que Giordano Bruno había escrito que era apropiado representar a Apolo , siempre joven, tocando el laúd, a diferencia de su lira más convencional, esta puede haber sido la intención de Del Monte en esta pintura, y los rayos de sol que son tal característica. de la esfera de cristal tienen este significado. Apolo está muy en su lugar en una habitación dedicada a los elementos, como está implícito en la pintura del techo, porque la Stanza degli Elementi que hizo Vasari en el Palazzo Vecchio tiene a Apolo con el Carro del Sol en el medio, y Del Monte tenía este tema como la pieza central del techo en su nuevo studiolo en Palazzo Avogadro, pintado por Andrea Sacchi . De hecho, una de las imágenes más copiadas en la decoración del Palazzo del Te de Giulio Romano es el techo con lo que quizás Caravaggio pudo haber conocido por un dibujo.

El studiolo tenía espacio también para otro de los cuadros de Del Monte, el Pastor Corydon . Esta obra, ahora en el Museo Capitolino, se ha malinterpretado durante mucho tiempo como San Juan Bautista, pero aparte del tema exhibicionista del niño, el carnero (en lugar de un cordero) es una contradicción para ese tema. En cambio, la obra es un tema emblemático: el carnero representa el primer signo del zodíaco, Aries, en el período del equinoccio de primavera y la energía de esa estación. En la combinación de temas, la armonía de las esferas está representada en sentido figurado por Apolo el laudista, donde el equinoccio de primavera y las flores de primavera se equilibran con los frutos del otoño sobre la mesa, desde el equinoccio de otoño, bajo el signo de Libra, cuando las fuerzas de la naturaleza vuelven a estar en equilibrio. Es más fácil ver la belleza afeminada del pastor como correspondiente al gusto estético personal de Del Monte, que como la obra que Ciriaco Mattei encargó poco después para su hijo primogénito, llamado de hecho Giovanni Battista, una pintura que debe buscarse en uno de los muchos cuadros de San Juan Bautista que realizó Caravaggio. Había un cuadro así, pintado para la familia Mattei y luego también comprado por el cardenal Pio de la colección Del Monte, una composición oblonga con San Juan jugando con un cordero, y con una cruz de junco en el hombro, que finalmente fue vendida a Gavin. Hamilton en 1777.

Apollo Lute Player durante la limpieza

La idea de "correspondencias" que informó gran parte de la filosofía natural contemporánea, significa que el globo de la jarra con sus reflejos, como una bola de cristal, se habría visto como un paralelo con el globo celeste en el techo con los Elementos de arriba. Esta característica, descrita en la pintura del laudista que Baglione vio presumiblemente in situ con el cardenal Del Monte, está ausente en la versión del Hermitage. Los elementos de la composición del Apollo Laúd se repiten no solo en la obra del Hermitage (con varias variaciones de contrapunto), sino también en la jarra de cristal de la parte inferior de los dos cuadros Un niño mordido por un lagarto , muy especialmente en la versión en la National Gallery de Londres. Allí, la rosa central y el jazmín blanco están bastante cerca de estos elementos en la obra actual, mientras que en el cuadro de la Fundación Longhi la rosa es blanca. La margarita inferior de la presente obra ha sido reposicionada, y de hecho existe un pentiment prominente 3 cm arriba, y esa es la posición que ocupa en el cuadro del Hermitage del Laudista. Bien podría ser que la pieza de flor original que sabemos que Del Monte poseía de Caravaggio, que parece haber comprado incluso antes de conocerlo, probablemente a través del distribuidor de cuadros local Maestro Valentino, podría haber sido la fuente continua de estas variaciones. Era una pintura descrita como una jarra de flores, de dos palmas de altura, que se compró en la venta de 1628 de la colección Del Monte en un lote que incluía a los Músicos, pero no se ha sabido de él desde entonces. Es interesante que dedicara tanto esmero a un cuadro de flores, como también a la Cesta de Frutas de la Ambrosiana, y que no se mostrase reacio a hacerlo, como lo ilustra el hecho de que introdujera la jarra de el agua con los mismos reflejos en los lienzos de Un niño mordido por un lagarto , sin importar la posición de la figura frente a las fuentes de luz.

Dado que el artista pasó, según Bellori, cuatro o cinco años en Roma haciendo repetidas imágenes devocionales y copias de retratos de cabezas 'un grosso l'uno', fue natural que repitiera sus propios inventos cuando llegó a esta sensacional novedad. técnica de copiar la realidad, a partir de una imagen virtual, en lugar de las composiciones de otras personas. El espejo parabólico, probablemente el mismo que había construido Della Porta en Venecia en 1580, que había producido algunos efectos sensacionales y condujo al desarrollo de la cámara oscura, probablemente no era más grande que un ocular, pero lo hizo posible. para hacer un mosaico de imágenes naturalistas que fuera extremadamente convincente; la técnica también explica el enfoque superficial de las composiciones de Caravaggio.

Ver también

Notas al pie

Referencias

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enlaces externos