Tarsila do Amaral - Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral
	Amaral hacia 1925
Nació	1 de septiembre de 1886; Capivari , São Paulo , Imperio de Brasil (actual Rafard , São Paulo , Brasil)
Murió	17 de enero de 1973 (86 años); São Paulo , Brasil
Lugar de descanso	Cementerio de la Consolação , São Paulo
Nacionalidad	brasileño
Conocido por	Grupo dos Cinco ; Abaporu
Estilo	Modernista
Movimiento	Antropofagia

Tarsila de Aguiar do Amaral ( pronunciación portuguesa: [taɾˈsilɐ du ɐmaˈɾaw] ; 1 de septiembre de 1886 - 17 de enero de 1973) fue una pintora, dibujante y traductora brasileña. Es considerada una de las principales artistas modernistas latinoamericanas y la pintora que mejor logró las aspiraciones brasileñas de expresión nacionalista en un estilo moderno. Como miembro del Grupo dos Cinco , Tarsila también se considera una gran influencia en el movimiento del arte moderno en Brasil, junto a Anita Malfatti , Menotti Del Picchia , Mário de Andrade y Oswald de Andrade . Jugó un papel decisivo en la formación del movimiento estético Antropofagia (1928-1929); de hecho, fue Tarsila quien con su célebre cuadro, Abaporu , inspiró el famoso Manifiesto Antropófago de Oswald de Andrade .

Temprana edad y educación

Tarsila do Amaral nació en Capivari , un pequeño pueblo en el campo del estado de São Paulo . Nació en una familia adinerada de agricultores y terratenientes que cultivaban café , dos años antes del fin de la esclavitud en Brasil. En ese momento en Brasil no se animaba a las mujeres a buscar educación superior, especialmente si provenían de familias acomodadas. A pesar de provenir de una familia acomodada , Tarsila contó con el apoyo de su familia para obtener una educación superior. Cuando era adolescente, Tarsila y sus padres viajaron a España , donde Tarsila llamó la atención de la gente al dibujar y pintar copias de las obras de arte que vio en los archivos de su escuela. Tarsila asistió a la escuela en Barcelona y más tarde se formó de forma privada en su ciudad natal con el pintor Pedro Alexandrino Borges (1864-1942). También asistió a la Academie Julian en París y estudió con otros artistas destacados (1920-1923).

Carrera profesional

A partir de 1916, Tarsila do Amaral estudió pintura en São Paulo. Posteriormente estudió dibujo y pintura con el pintor académico Pedro Alexandrino . Todos eran profesores respetados pero conservadores. Debido a que Brasil carecía de un museo de arte público o una galería comercial significativa hasta después de la Segunda Guerra Mundial, el mundo del arte brasileño era estéticamente conservador y la exposición a las tendencias internacionales era limitada.

Modernismo brasileño

Al regresar a São Paulo en 1922, Tarsila estuvo expuesta a muchas cosas después de conocer a Anita Malfatti , Oswald de Andrade , Mário de Andrade y Menotti Del Picchia . Estos compañeros artistas formaron un grupo que se llamó Grupo dos Cinco . Antes de su llegada a São Paulo desde Europa, el grupo había organizado la Semana de Arte Moderna ("Semana del Arte Moderno") durante la semana del 11 al 18 de febrero de 1922. El evento fue fundamental en el desarrollo del modernismo en Brasil. Los participantes estaban interesados en cambiar el establecimiento artístico conservador en Brasil fomentando un modo distintivo de arte moderno. Se le pidió a Tarsila que se uniera al movimiento y juntos se convirtieron en el Grupo dos Cinco, que buscaba promover la cultura brasileña , el uso de estilos que no eran específicamente europeos y la inclusión de cosas que eran indígenas de Brasil.

Durante un breve regreso a París en 1929, Tarsila estuvo expuesta al cubismo , el futurismo y el expresionismo mientras estudiaba con André Lhote , Fernand Léger y Albert Gleizes . Los artistas europeos en general habían desarrollado un gran interés en las culturas africanas y primitivas en busca de inspiración. Esto llevó a Tarsila a utilizar las formas indígenas de su propio país incorporando los estilos modernos que había estudiado. Mientras estaba en París en este momento, pintó una de sus obras más famosas, A Negra (1923). El tema principal del cuadro es una gran figura de una mujer negra con un solo pecho prominente. Tarsila estilizó la figura y aplanó el espacio, llenando el fondo con formas geométricas.

Emocionada por su estilo recién desarrollado y sintiéndose cada vez más nacionalista, escribió a su familia en abril de 1923:

"Me siento cada vez más brasileño. Quiero ser el pintor de mi país. Qué agradecido estoy de haber pasado toda mi infancia en la finca. Los recuerdos de estos tiempos se han vuelto preciosos para mí. Quiero, en el arte, ser la niñita de São Bernardo, jugando con muñecos de paja, como en el último cuadro que estoy trabajando… No pienses que aquí se ve negativamente esta tendencia. Al contrario. Lo que quieren aquí es que cada uno traiga la contribución de su propio país. Esto explica el éxito del ballet ruso, los gráficos japoneses y la música negra. París estaba harta del arte parisino ".

Periodo Pau-Brasil

Oswald de Andrade , que se había convertido en su compañero de viaje, la acompañó por toda Europa. Al regresar a Brasil a fines de 1923, Tarsila y Andrade viajaron por todo Brasil para explorar la variedad de la cultura indígena y encontrar inspiración para su arte nacionalista. Durante este período, Tarsila hizo dibujos de los diversos lugares que visitaron, lo que se convirtió en la base de muchas de sus próximas pinturas. También ilustró la poesía que Andrade escribió durante sus viajes, incluido su fundamental libro de poemas titulado Pau Brasil , publicado en 1924. En el manifiesto del mismo nombre, Andrade enfatizó que la cultura brasileña fue producto de la importación de la cultura europea y llamó a los artistas a crear obras que fueran exclusivamente brasileñas con el fin de "exportar" la cultura brasileña, al igual que la madera del árbol de Brasil se había convertido en una exportación importante para el resto del mundo. Además, desafió a los artistas a utilizar un enfoque modernista en su arte, un objetivo por el que se habían esforzado durante la Semana de Arte Moderna en São Paulo.

Durante este tiempo, los colores de Tarsila se volvieron más vibrantes. De hecho, escribió que había encontrado "los colores que adoraba cuando era niña. Más tarde me enseñaron que eran feos y poco sofisticados". Su pintura inicial de este período fue ECFB (Estrada de Ferro Central do Brasil) , (1924). Además, en ese momento, tenía interés en la industrialización y su impacto en la sociedad.

Período de antropofagia

En 1926, Tarsila se casó con Andrade y continuaron viajando por Europa y Medio Oriente. En París, en 1926, tuvo su primera exposición individual en la Galerie Percier. Las pinturas mostradas en la exposición incluyen São Paulo (1924), A Negra (1923), Lagoa Santa (1925) y Morro de Favela (1924). Sus trabajos fueron elogiados y calificados de "exóticos", "originales", "ingenuos" y "cerebrales", y comentaron su uso de colores vivos e imágenes tropicales.

Mientras estuvo en París, estuvo expuesta al surrealismo y después de regresar a Brasil, Tarsila comenzó un nuevo período de pintura en el que se apartó de los paisajes urbanos y la escenografía y comenzó a incorporar el estilo surrealista en su arte nacionalista. Este cambio también coincidió con un movimiento artístico más amplio en São Paulo y otras partes de Brasil que se centró en celebrar a Brasil como el país de las grandes serpientes. Las ciudades también afectó la forma en que se formó su arte. Incluyendo representaciones verticales de los edificios en grandes ciudades, como Sao Paulo, su arte se volvió icónico. Estas obras de arte que hizo podrían incluir pequeños aspectos de la ciudad, como una bomba de gas, o elementos grandes como edificios. Su mezcla de detalles era importante porque esos detalles conformaban la ciudad. Sobre la base de las ideas del anterior movimiento Pau-Brasil, los artistas se esforzaron por apropiarse de los estilos e influencias europeas para desarrollar modos y técnicas que eran exclusivamente suyos y brasileños. Este movimiento Pau-Brasil fue un concepto modernista de Brasil.

El primer cuadro de Tarsila durante este período fue Abaporu (1928), que había sido regalado como cuadro sin título a Andrade por su cumpleaños. El sujeto es una gran figura humana estilizada con pies enormes sentada en el suelo junto a un cactus con un sol en rodajas de limón al fondo. Andrade seleccionó el título eventual, Abaporu , que es un término indio para "el hombre come", en colaboración con el poeta Raúl Bopp. Esto estaba relacionado con las ideas entonces actuales sobre la fusión del estilo y las influencias europeas. Poco después, Andrade escribió su Manifiesto Antropofagita , que literalmente llamaba a los brasileños a devorar los estilos europeos, deshacerse de todas las influencias directas y crear su propio estilo y cultura. El colonialismo jugó un papel en su trabajo; Tarsila incorporó este concepto a su arte. En lugar de ser devorados por Europa, ellos mismos devorarían Europa. Andrade usó a Abaporu para la portada del manifiesto como una representación de sus ideales. Al año siguiente continuó la influencia del manifiesto, Tarsila pintó Antropofagia (1929), que presentaba la figura de Abaporu junto con la figura femenina de A Negra de 1923, así como la hoja de plátano brasileño, el cactus y nuevamente el sol en rodajas de limón.

En 1929, Tarsila tuvo su primera exposición individual en Brasil en el Hotel Palace de Río de Janeiro, seguida de otra en el Salón Gloria de São Paulo. En 1930, apareció en exposiciones en Nueva York y París. Desafortunadamente, 1930 también vio el final del matrimonio de Tarsila y Andrade. Esto puso fin a su colaboración.

Carrera posterior y muerte

En 1931, Tarsila viajó a la Unión Soviética . Mientras estuvo allí, exhibió sus obras en Moscú en el Museo de Arte Occidental y viajó a otras ciudades y museos. La pobreza y la difícil situación del pueblo ruso la afectaron mucho, como se ve en su pintura Trabajadores (Operarios) (1933). A su regreso a Brasil en 1932, se involucró en la Revuelta Constitucional de São Paulo contra la dictadura en Brasil, encabezada por Getúlio Vargas . Junto con otros que fueron vistos como izquierdistas, fue encarcelada durante un mes porque sus viajes la hacían parecer una simpatizante comunista.

El resto de su carrera se centró en temas sociales. Representativa de este período es la pintura Segundo Class (1931), que ha empobrecido a hombres, mujeres y niños rusos como tema. También comenzó a escribir una columna semanal de arte y cultura para el Diario de São Paulo , que continuó hasta 1952.

En 1938, Tarsila finalmente se instaló definitivamente en São Paulo, donde pasó el resto de su carrera pintando pueblos y paisajes brasileños. En 1950, tuvo una exposición en el Museo de Arte Moderno de São Paulo, donde un crítico la llamó "la pintora más brasileña de aquí, que representa el sol, los pájaros y los espíritus juveniles de nuestro país en desarrollo, tan simple como los elementos de nuestro tierra y naturaleza… ". Murió en São Paulo 1973. La vida de Tarsila es una marca del cálido carácter brasileño y una expresión de su exuberancia tropical ".

Legado

Además de las 230 pinturas, cientos de dibujos, ilustraciones, grabados, murales y cinco esculturas, el legado de Tarsila es su efecto en la dirección del arte latinoamericano. Tarsila hizo avanzar el modernismo en América Latina y desarrolló un estilo único en Brasil. Siguiendo su ejemplo, otros artistas latinoamericanos fueron influenciados para comenzar a utilizar temas indígenas brasileños y desarrollar su propio estilo. El cráter Amaral en Mercurio lleva su nombre.

En 2018, el MoMA inauguró una exposición individual de su obra, la octava retrospectiva sobre artistas latinoamericanos después de las exposiciones sobre Diego Rivera , Cândido Portinari , Roberto Matta , Manuel Álvarez Bravo , Armando Reverón , José Clemente Orozco y Joaquín Torres García .

Trabajos mayores

Un pescador , 1920, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
" A Negra ", 1923,
Cuca , 1924, Museo de Grenoble, Francia
Paisaje con toro , 1925, coleccionista privado
O Ovo , 1928, Gilberto Chateaubriand, Río de Janeiro
Abaporu , 1928, Eduardo Constantini, MALBA , Buenos Aires
Lago , 1928, Colección Privada, Río de Janeiro
Antropofagia , 1929, Paulina Nemirovsky, Fundación Nemirovsky, San Pablo
Sol poente , 1929, Colección particular, São Paulo
Segunda Clase , 1933, Colección Privada, São Paulo
Retrato de Vera Vicente Azevedo , 1937, Museu de Arte Brasileira, São Paulo
Paisaje púrpura con 3 casas y montañas , 1969–72, James Lisboa Escritorio de Arte, São Paulo

Exposiciones

1922 - Salón de la Societe des Artistes Français en París (grupo)
1926 - Galerie Percier, París (solo)
1928 - Galerie Percier, París (solo)
1929 - Palace Hotel, Río de Janeiro (solo)
1929 - Salón Gloria, São Paulo (solo)
1930 - Nueva York (grupo)
1930 - París (grupo)
1931 - Museo de Arte Occidental, Moscú
1933 - I Salón Paulista de Bellas Artes, São Paulo (grupo)
1951 - I Bienal de São Paulo, São Paulo (grupo)
1963 - VII Bienal de São Paulo, São Paulo (grupo)
1963 - XXXII Bienal de Venecia, Venecia (grupo)
2005 - Mujer: Metamorfosis de la Modernidad , Fundación Joan Miró, Barcelona (grupo)
2005 - Brasil: Body Nostalgia , Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio, Japón (grupo)
2006 - Salao de 31: Diferencas en proceso , Museo Nacional de Bellas Artes, Río de Janeiro (grupo)
2006 - Dibujo Moderno Brasileño: 1917-1950 , Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro (grupo)
2006 - Ciccillo , Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo, São Paulo (grupo)
2007 - Un siglo de arte brasileño: Colección de Gilbert Chateaubriand , Museo Oscar Niemeyer, Curitiba (grupo)
2009 - Tarsila do Amaral , Fundación Juan March, Madrid
2017 - Tarsila do Amaral: Inventing Modern Art in Brazil , Art Institute of Chicago, Chicago (en solitario)
2018 - Brasil: Body & Soul , The Guggenheim, Nueva York (grupo)
2018 - Tarsila do Amaral: Inventing Modern Art in Brazil , Museum of Modern Art, Nueva York (en solitario)
2019 - Tarsila Popular , Museo de Arte de São Paulo, São Paulo (en solitario)

Referencias

Fuentes y lectura adicional

Congdon, KG y Hallmark, KK (2002). Artistas de las culturas latinoamericanas: un diccionario biográfico . Westport, Connecticut, Greenwood Press. ISBN 0-313-31544-2
Lucie-Smith, Edward. Arte latinoamericano del siglo XX . Londres: Thames & Hudson Ltd, 2004.
Damian, Carol. Tarsila do Amaral: Arte y preocupaciones ambientales de un modernista brasileño . Diario de arte de la mujer 20.1 (1999): 3-7.
Barnitz, Jaqueline. Arte del siglo XX en América Latina . China: Prensa de la Universidad de Texas, 2006: 57.
Gotlib, Nadia Batella. Tarsila do Amaral: una modernista . São Paulo: Editora SENAC, 2000.
Pontual, Roberto. Tarsila . Diccionario de Arte Groves . Ed. Jane Turner. Nueva York: Macmillan, 1996.
Amaral, Aracy y Kim Mrazek Hastings. Etapas de la formación del perfil cultural brasileño . La Revista de Artes Decorativas y de Propaganda . 21 (1995): 8-25.
Fundación Juan March. Tarsila do Amaral (Catálogo: publicado en inglés y español) Madrid: Fundación Juan March (2009), 295 pp. Inglés ISBN 978-84-7075-561-3
D'Alessandro, Stephanie y Luis Pérez-Oramas . Tarsila do Amaral: inventando arte moderno en Brasil . New Haven: Yale University Press, 2017. ISBN 9780300228618
Scott, Andrea. Presentando Nueva York al primer modernista brasileño . The New Yorker, 2018.
Cardoso, Rafael. El problema de la raza en la pintura brasileña, c. 1850-1920 . Historia del arte, 2015: 18-20.
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Jackson, Kenneth David. Tres razas alegres: primitivismo y etnicidad en la literatura modernista brasileña . Modernismo / modernidad 1, (1994): 89-112.
Mujeres artistas latinoamericanas 1915–1995 . Films Media Group, 2003.

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