Shakespeare en la actuación - Shakespeare in performance
Miles de actuaciones de William Shakespeare obras se han representado desde finales del siglo 16. Mientras Shakespeare estaba vivo, muchas de sus mejores obras fueron interpretadas por las compañías de actuación de Lord Chamberlain's Men y King's Men en los teatros Globe y Blackfriars . Entre los actores de estas representaciones originales se encontraban Richard Burbage (que interpretó el papel principal en las primeras representaciones de Hamlet , Othello , Richard III y King Lear ), Richard Cowley y William Kempe .
Las obras de Shakespeare continuaron representándose después de su muerte hasta el Interregno (1642-1660), cuando la mayoría de las representaciones teatrales públicas fueron prohibidas por los gobernantes puritanos . Después de la Restauración inglesa , las obras de Shakespeare se representaron en teatros, con escenografía elaborada, y se escenificaron con música, baile, truenos, relámpagos, máquinas de olas y fuegos artificiales . Durante este tiempo, los textos fueron "reformados" y "mejorados" para el escenario, una empresa que ha parecido escandalosamente irrespetuosa para la posteridad.
Las producciones victorianas de Shakespeare a menudo buscaban efectos pictóricos en trajes y decorados históricos "auténticos". La puesta en escena de las peleas navales y la escena de las barcazas en Antonio y Cleopatra fue un ejemplo espectacular. Un escenario tan elaborado para los lugares que cambian con frecuencia en las obras de Shakespeare a menudo conducía a una pérdida de ritmo. Hacia finales del siglo XIX, William Poel lideró una reacción contra este estilo pesado. En una serie de producciones "isabelinas" en un escenario de empuje , prestó una nueva atención a la estructura del drama. A principios del siglo XX, Harley Granville-Barker dirigió textos en cuarteto y folio con pocos cortes, mientras que Edward Gordon Craig y otros pidieron una puesta en escena abstracta. Ambos enfoques han influido en la variedad de estilos de producción de Shakespeare que se ven hoy en día.
Actuaciones durante la vida de Shakespeare
La compañía para la que Shakespeare escribió sus primeras obras de teatro no se conoce con certeza; la portada de la edición de 1594 de Titus Andronicus revela que había sido actuada por tres compañías diferentes. Después de las plagas de 1592-1593, las obras de Shakespeare fueron representadas por Lord Chamberlain's Men, una nueva compañía de la que Shakespeare fue miembro fundador, en The Theatre and the Curtain en Shoreditch , al norte del Támesis. Los londinenses acudieron en masa para ver la primera parte de Enrique IV , recordando Leonard Digges : "Que venga Falstaff, Hal, Poins, el resto ... y apenas tendrás una habitación". Cuando el propietario del Theatre anunció que no renovaría el contrato de arrendamiento de la compañía, derribaron la casa de juegos y usaron las vigas para construir el Globe Theatre , la primera casa de juegos de Londres construida por actores para actores, en la orilla sur del Támesis en Southwark. . El Globo se inauguró en otoño de 1599, con Julio César como una de las primeras obras representadas. La mayoría de las mejores obras de Shakespeare posteriores a 1599 fueron escritas para el Globe, incluidas Hamlet , Othello y King Lear .
El Globe, como los otros teatros públicos con techo abierto de Londres, empleaba un escenario de empuje, cubierto por un dosel de tela. Una fachada de dos pisos en la parte trasera del escenario ocultaba la casa cansada y, a través de ventanas cerca de la parte superior de la fachada, oportunidades para escenas de balcones como la de Romeo y Julieta . Es posible que las puertas en la parte inferior de la fachada se hayan utilizado para escenas de descubrimiento como la del final de La tempestad . Una trampilla en el escenario mismo podría usarse para negocios escénicos, como algunos de los que involucran al fantasma en Hamlet . Esta zona de trampilla se llamaba "infierno", como el dosel de arriba se llamaba "cielo".
Se sabe menos sobre otras características de la puesta en escena y la producción. La utilería escénica parece haber sido mínima, aunque el vestuario era tan elaborado como era posible. El "tráfico de dos horas" mencionado en el prólogo de Romeo y Julieta no era fantasioso; La hostilidad del gobierno de la ciudad significó que las actuaciones se limitaran oficialmente a ese período de tiempo. Aunque no se sabe con qué seriedad se tomaron las empresas tales mandatos, parece probable que las obras se realizaran a una velocidad casi vertiginosa o que los textos de las obras que ahora existen se cortaron para la interpretación, o ambas cosas.
El otro teatro principal donde se representaron las obras originales de Shakespeare fue el segundo Teatro Blackfriars , un teatro cubierto construido por James Burbage , padre de Richard Burbage y empresario de Lord Chamberlain's Men. Sin embargo, las protestas del vecindario impidieron que Burbage usara el teatro para las representaciones de Lord Chamberlain's Men durante varios años. Después de que los Hombres del Lord Chamberlain fueron rebautizados como Hombres del Rey en 1603, entraron en una relación especial con la nueva corte del Rey James . Los registros de rendimiento son irregulares, pero se sabe que los Hombres del Rey interpretaron siete de las obras de Shakespeare en la corte entre el 1 de noviembre de 1604 y el 31 de octubre de 1605, incluidas dos representaciones de El mercader de Venecia . En 1608, los King's Men (como se conocía entonces a la compañía) tomaron posesión del Blackfriars Theatre . Después de 1608, la compañía actuó en el Blackfriars Theatre cubierto durante el invierno y en el Globe durante el verano. El escenario interior, combinado con la moda jacobea de máscaras lujosamente escenificadas , creó nuevas condiciones para la actuación que permitieron a Shakespeare introducir dispositivos escénicos más elaborados. En Cymbeline , por ejemplo, Júpiter desciende "entre truenos y relámpagos, sentado sobre un águila: lanza un rayo. Los fantasmas caen de rodillas". Las obras de teatro producidas en el teatro interior presumiblemente también hicieron un mayor uso de los efectos de sonido y la música.
Sobrevive un fragmento del diario del capitán naval William Keeling , en el que detalla las actuaciones de su tripulación a bordo de Hamlet (frente a las costas de Sierra Leona , el 5 de septiembre de 1607, y en Socotra , el 31 de marzo de 1608) y Ricardo II (Sierra Leona). , 30 de septiembre de 1607). Durante un tiempo después de su descubrimiento, se sospechó que el fragmento era una falsificación, pero ahora se acepta generalmente como genuino. Estas son las primeras representaciones de aficionados grabadas de cualquier obra de Shakespeare.
El 29 de junio de 1613, el Globe Theatre se incendió durante una actuación de Enrique VIII . Un cañón teatral, disparado durante la representación, falló, encendiendo las vigas de madera y el techo de paja. Según uno de los pocos documentos sobrevivientes del evento, nadie resultó herido excepto un hombre que apagó sus calzones en llamas con una botella de cerveza. El evento señala la fecha de una obra de Shakespeare con rara precisión. Sir Henry Wotton registró que la obra "se presentó con muchas circunstancias extraordinarias de pompa y ceremonia". El teatro fue reconstruido pero, como todos los demás teatros de Londres, el Globe fue cerrado por los puritanos en 1642.
Los actores de la compañía de Shakespeare incluían a Richard Burbage , Will Kempe , Henry Condell y John Heminges . Burbage desempeñó el papel principal en las primeras representaciones de muchas de las obras de Shakespeare, incluidas Richard III , Hamlet , Othello y King Lear . El popular actor cómico Will Kempe interpretó a Peter en Romeo y Julieta ya Dogberry en Much Ado About Nothing , entre otras partes. Fue reemplazado a finales del siglo XVI por Robert Armin , quien interpretó papeles como Touchstone en As You Like It y el tonto en King Lear . Ciertamente, se sabe poco sobre los estilos de actuación. Los críticos elogiaron a los mejores actores por su naturalidad. El desprecio se amontonaba sobre los despotricadores y aquellos que "destrozaban la pasión", como dice Hamlet. También con Hamlet, los dramaturgos se quejan de los payasos que improvisan en el escenario (los críticos modernos a menudo culpan a Kemp en particular en este sentido). En la antigua tradición de la comedia, que alcanzó su cúspide con Richard Tarlton , los payasos, a menudo el principal atractivo de una compañía, eran los responsables de crear una comedia secundaria. En la era jacobea, ese tipo de humor había sido suplantado por el ingenio verbal.
Actuaciones de interregno y restauración
Las obras de Shakespeare continuaron representándose después de su muerte hasta el Interregno (1642-1660), cuando la mayoría de las representaciones teatrales públicas fueron prohibidas por los gobernantes puritanos . Aunque se les negó el uso del escenario, el vestuario y la escenografía, los actores se las arreglaron para ejercer su oficio interpretando " drolls " o piezas cortas de obras más grandes que generalmente terminaban con algún tipo de jig. Shakespeare fue uno de los muchos dramaturgos cuyas obras fueron saqueadas para estas escenas. Entre los graciosos tomados de Shakespeare se encontraban Bottom the Weaver ( escenas de Bottom de Sueño de una noche de verano ) y The Grave -makers (la escena del sepulturero de Hamlet ).
En la Restauración de 1660, las obras de Shakespeare se dividieron entre las dos compañías recién licenciadas: la Compañía del Rey de Thomas Killigrew y los Hombres del Duque de William Davenant . El sistema de licencias prevaleció durante dos siglos; de 1660 a 1843, solo dos compañías principales presentaban regularmente a Shakespeare en Londres. Davenant, que había conocido a los primeros actores de Stuart como John Lowin y Joseph Taylor , fue la figura principal que estableció cierta continuidad con las tradiciones anteriores; sus consejos a sus actores resultan, pues, de interés como posibles reflejos de prácticas originales.
Sin embargo, en general, la innovación estaba a la orden del día para las empresas de restauración. John Downes informa que los Hombres del Rey inicialmente incluyeron algunos actores de Caroline; sin embargo, la ruptura forzada del Interregno separó a ambas empresas del pasado. Los actores de la restauración actuaban en los escenarios del proscenio , a menudo por la noche, entre las seis y las nueve. La escenografía y los accesorios se volvieron más elaborados y variables. Quizás lo más notable es que los jugadores masculinos fueron reemplazados por actrices. Las audiencias de los teatros interiores comparativamente caros eran más ricas, mejor educadas y más homogéneas que las multitudes diversas, a menudo rebeldes, del Globe. La compañía de Davenant comenzó en el Salisbury Court Theatre , luego se trasladó al teatro en Lincoln's Inn Fields y finalmente se instaló en el Dorset Garden Theatre . Killigrew comenzó en la cancha de tenis de Gibbon antes de instalarse en el nuevo teatro de Christopher Wren en Drury Lane . Los clientes de ambas compañías esperaban una tarifa bastante diferente de la que había complacido a los isabelinos. Para la tragedia, sus gustos corrían hacia el drama heroico ; para la comedia, para la comedia de los modales . Aunque les gustó Shakespeare, parece que desearon que sus obras se ajustaran a estas preferencias.
Los escritores de la Restauración los complacieron adaptando libremente las obras de Shakespeare. Escritores como William Davenant y Nahum Tate reescribieron algunas de las obras de Shakespeare para adaptarse a los gustos de la época, lo que favoreció la comedia cortesana de Beaumont y Fletcher y las reglas neoclásicas del drama . En 1681, Tate proporcionó La historia del rey Lear , una versión modificada de la tragedia original de Shakespeare con final feliz. Según Stanley Wells, la versión de Tate "suplantó la obra de Shakespeare en todas las representaciones de 1681 a 1838", cuando William Charles Macready interpretó a Lear de una versión abreviada y reordenada del texto de Shakespeare. "Fue mi buena suerte", dijo Tate, "iluminar un expediente para rectificar lo que faltaba en la regularidad y probabilidad de la historia, que era recorrer todo un amor entre Edgar y Cordelia que nunca cambiaba de palabra. en el original".
Lear de Tate sigue siendo famoso como un ejemplo de una adaptación mal concebida que surge de la insensibilidad a la visión trágica de Shakespeare. El genio de Tate no estaba en el lenguaje, muchas de sus líneas interpoladas ni siquiera escanean, sino en la estructura; su Lear comienza brillantemente con el primer discurso que llamó la atención de Edmund el Bastardo y termina con la heroica salvación de Cordelia en la prisión por parte de Lear y la restauración de la justicia en el trono. La cosmovisión de Tate, y la del mundo teatral que abrazó (y exigió) sus versiones de "final feliz" de las obras trágicas de Bard (como El rey Lear y Romeo y Julieta ) durante más de un siglo, surgió de un sentido de moralidad profundamente diferente en sociedad y del papel que el teatro y el arte deben jugar dentro de esa sociedad. Las versiones de Tate de Shakespeare ven la responsabilidad del teatro como un agente transformador para el cambio positivo al sostener un espejo moral para nuestros instintos más básicos. Las versiones de Tate de lo que ahora consideramos algunas de las obras más importantes de Bard dominaron el escenario a lo largo del siglo XVIII precisamente porque las Edades de la Ilustración y la Razón consideraron inmoral la "visión trágica" de Shakespeare y sus obras trágicas inestables. Tate rara vez se representa hoy, aunque en 1985, la Riverside Shakespeare Company montó una exitosa producción de La historia del rey Lear en el Shakespeare Center , anunciada por algunos como un "Lear para la era de Ronald Reagan".
Quizás un ejemplo más típico del propósito de las revisiones de la Restauración es La ley contra los amantes de Davenant , una comedia de 1662 que combina la trama principal de Medida por medida con la trama secundaria de Mucho ruido y pocas nueces . El resultado es una instantánea de los gustos cómicos de Restoration. Beatrice y Benedick se ponen en paralelo con Claudio y Hero; todo el énfasis está en la conversación ingeniosa, y el enfoque temático de Shakespeare sobre la lujuria se minimiza constantemente. La obra termina con tres matrimonios: el de Benedick con Beatrice, el de Claudio con Hero y el de Isabella con Angelo, cuyo atentado contra la virtud de Isabella fue una estratagema. Davenant escribió muchas de las escenas de transición y reformuló gran parte de los versos de Shakespeare como pareados heroicos .
Una característica final de la escenografía de Restauración impactó las producciones de Shakespeare. El gusto por la ópera que habían desarrollado los exiliados en Francia también dejó su huella en Shakespeare. Davenant y John Dryden trabajaron La tempestad en una ópera, La tempestad, o La isla encantada ; su trabajo contó con una hermana para Miranda, un hombre, Hipólito, que nunca ha visto a una mujer, y otro matrimonio en pareja al final. También contó con muchas canciones, una espectacular escena de naufragio y una máscara de cupidos voladores. Otra de las obras de Shakespeare que recibieron el tratamiento operístico incluido El sueño de una noche de verano (como La reina de las hadas en 1692) y Charles Gildon 's Medida por medida (por medio de una mascarilla elaborada.)
Por mal guiadas que parezcan ahora tales revisiones, tenían sentido para los dramaturgos y el público de la época. Los dramaturgos se acercaron a Shakespeare no como bardólogos , sino como profesionales del teatro. A diferencia de Beaumont y Fletcher, cuyas "obras son ahora los entretenimientos más agradables y frecuentes del escenario", según Dryden en 1668, "dos de las suyas representadas durante todo el año para una de Shakespeare o Jonson", Shakespeare les pareció que tenía volverse anticuado. Sin embargo, casi universalmente, vieron que valía la pena actualizarlo. Aunque la mayoría de estas piezas revisadas fracasaron en el escenario, muchas se mantuvieron actualizadas en el escenario durante décadas; La adaptación romana de Thomas Otway de Romeo y Julieta , por ejemplo, parece haber sacado el original de Shakespeare del escenario entre 1680 y 1744. Fue en gran parte el Shakespeare revisado el que ocupó el lugar principal en el repertorio a principios del siglo XVIII. mientras que la participación de Beaumont y Fletcher disminuyó constantemente.
siglo 18
El siglo XVIII fue testigo de tres cambios importantes en la producción de las obras de Shakespeare. En Inglaterra, el desarrollo del star system transformó tanto la actuación como la producción; a finales de siglo, la revolución romántica tocó la actuación como tocó todas las artes. Al mismo tiempo, los actores y productores comenzaron a volver a los textos de Shakespeare, eliminando lentamente las revisiones de la Restauración. Finalmente, a finales de siglo las obras de Shakespeare se habían establecido como parte del repertorio fuera de Gran Bretaña: no solo en los Estados Unidos sino en muchos países europeos.
Bretaña
En el siglo XVIII, Shakespeare dominó el escenario de Londres, mientras que las producciones de Shakespeare se convirtieron cada vez más en la creación de turnos estelares para actores estelares. Después de la Ley de Licencias de 1737, una cuarta parte de las obras representadas fueron de Shakespeare, y en al menos dos ocasiones los teatros rivales de Londres representaron la misma obra de Shakespeare al mismo tiempo ( Romeo y Julieta en 1755 y El rey Lear el año siguiente) y todavía dominaba al público. Esta ocasión fue un ejemplo sorprendente de la creciente prominencia de las estrellas de Shakespeare en la cultura teatral, siendo la gran atracción la competencia y rivalidad entre los protagonistas masculinos de Covent Garden y Drury Lane, Spranger Barry y David Garrick . En la década de 1740, Charles Macklin , en papeles como Malvolio y Shylock , y David Garrick , quien ganó fama como Ricardo III en 1741, ayudaron a que Shakespeare fuera verdaderamente popular. Garrick pasó a producir 26 de las obras en Drury Lane Theatre entre 1747 y 1776, y celebró un gran jubileo de Shakespeare en Stratford en 1769. Sin embargo, adaptó libremente la obra de Shakespeare, diciendo de Hamlet : "Había jurado que no me iría el escenario hasta que había rescatado esa noble obra de toda la basura del quinto acto. La he sacado adelante sin el truco del sepulturero, Osrick, y el fósforo de esgrima ". Aparentemente, no se percibió ninguna incongruencia en que Barry y Garrick, de poco más de treinta años, interpretaran al Romeo adolescente una temporada y al rey Lear geriátrico la siguiente. Las nociones de verosimilitud del siglo XVIII generalmente no requerían que un actor fuera físicamente apropiado para un papel, un hecho personificado por una producción de 1744 de Romeo y Julieta en la que Theophilus Cibber , entonces de cuarenta años, interpretó a Romeo para la Julieta de su hija adolescente Jennie.
En otras partes de Europa
Parte del trabajo de Shakespeare se realizó en Europa continental incluso durante su vida; Ludwig Tieck señaló versiones alemanas de Hamlet y otras obras, de procedencia incierta, pero ciertamente bastante antiguas. pero no fue hasta mediados del siglo siguiente que Shakespeare apareció regularmente en los escenarios alemanes. En Alemania, Lessing comparó a Shakespeare con la literatura popular alemana. Goethe organizó un jubileo de Shakespeare en Frankfurt en 1771, afirmando que el dramaturgo había demostrado que las unidades aristotélicas eran "tan opresivas como una prisión" y eran "pesados grilletes en nuestra imaginación". Herder también proclamó que la lectura de la obra de Shakespeare abre "hojas del libro de los acontecimientos, de la providencia, del mundo, que soplan en las arenas del tiempo ". Esta afirmación de que la obra de Shakespeare rompe todas las fronteras creativas para revelar un mundo caótico, repleto y contradictorio se convirtió en una característica de la crítica romántica, que luego fue expresada por Victor Hugo en el prefacio de su obra Cromwell , en la que elogió a Shakespeare como un artista de lo grotesco. , un género en el que lo trágico, lo absurdo, lo trivial y lo serio se entrelazaban inseparablemente.
Siglo 19
Los teatros y la escenografía teatral se volvieron cada vez más elaborados en el siglo XIX, y las ediciones de actuación utilizadas fueron recortadas y reestructuradas progresivamente para enfatizar cada vez más los soliloquios y las estrellas, a expensas del ritmo y la acción. Las actuaciones se ralentizaron aún más por la necesidad de pausas frecuentes para cambiar el escenario, creando una necesidad percibida de incluso más cortes para mantener la duración de la actuación dentro de límites tolerables; se convirtió en una máxima generalmente aceptada que las obras de Shakespeare eran demasiado largas para ser representadas sin cortes sustanciales. La plataforma, o delantal, escenario en el que los actores del siglo XVII se presentaban para el contacto con la audiencia, había desaparecido, y los actores permanecían permanentemente detrás de la cuarta pared o arco del proscenio , separados aún más de la audiencia por la orquesta (ver imagen en Derecha).
Las producciones victorianas de Shakespeare a menudo buscaban efectos pictóricos en trajes y decorados históricos "auténticos". La puesta en escena de las peleas navales y la escena de las barcazas en Antonio y Cleopatra fue un ejemplo espectacular. Con demasiada frecuencia, el resultado fue una pérdida de ritmo. Hacia finales de siglo, William Poel lideró una reacción contra este estilo pesado. En una serie de producciones "isabelinas" en un escenario de empuje , prestó una nueva atención a la estructura del drama.
A lo largo del siglo XIX, una lista de nombres de actores legendarios casi ahoga las obras en las que aparecen: Sarah Siddons (1755-1831), John Philip Kemble (1757-1823), Henry Irving (1838-1905) y Ellen Terry (1847-1928). Ser una estrella del drama legítimo pasó a significar ser ante todo un "gran actor de Shakespeare", con una famosa interpretación de, para hombres, Hamlet, y para mujeres, Lady Macbeth, y sobre todo con una llamativa entrega de los grandes soliloquios. . El apogeo del espectáculo, la estrella y el soliloquio de la actuación de Shakespeare llegó con el reinado del actor y gerente Henry Irving y su coprotagonista Ellen Terry en sus elaboradas producciones, a menudo con música incidental orquestal , en el Lyceum Theatre de Londres de 1878 a 1878. 1902. Al mismo tiempo, la Elizabethan Stage Society de William Poel estaba efectuando un retorno revolucionario a las raíces de los textos originales de Shakespeare y al escenario de la plataforma, la ausencia de escenografía y los cambios de escena fluidos del teatro isabelino .
siglo 20
A principios del siglo XX, Harley Granville-Barker dirigió textos en cuarteto y folio con pocos cortes, mientras que Edward Gordon Craig y otros pidieron una puesta en escena abstracta. Ambos enfoques han influido en la variedad de estilos de producción de Shakespeare que se ven hoy en día.
El siglo XX también vio una multiplicidad de interpretaciones visuales de las obras de Shakespeare .
El diseño de Gordon Craig para Hamlet en 1911 fue pionero en su influencia cubista . Craig definió el espacio con pisos simples: lienzos monocromáticos estirados sobre marcos de madera, que se unieron con bisagras para ser autoportantes. Aunque la construcción de estos pisos no fue original, su aplicación a Shakespeare fue completamente nueva. Los pisos podrían alinearse en muchas configuraciones y proporcionaron una técnica de simulación de estructuras líticas arquitectónicas o abstractas a partir de materiales y métodos comunes a cualquier teatro en Europa o América.
El segundo cambio importante de la escenografía de Shakespeare en el siglo XX se produjo en la producción de Cymbeline de Barry Vincent Jackson en 1923 en el Birmingham Rep . Esta producción fue innovadora porque reintrodujo la idea de la vestimenta moderna en Shakespeare. No fue la primera producción de vestimenta moderna, ya que hubo algunos ejemplos menores antes de la Primera Guerra Mundial , pero Cymbeline fue la primera en llamar la atención sobre el dispositivo de una manera descarada. Iachimo vestía traje de noche para la apuesta, la corte vestía uniformes militares y la Imogen disfrazada con calzoncillos y gorra. Fue para esta producción que los críticos inventaron el eslogan "Shakespeare en más de cuatro". El experimento tuvo un éxito moderado, y el director, HK Ayliff , dos años más tarde puso en escena a Hamlet con vestimenta moderna. Estas producciones allanaron el camino para las producciones shakesperianas de vestimenta moderna con las que estamos familiarizados hoy.
En 1936, Orson Welles fue contratado por el Federal Theatre Project para dirigir una producción innovadora de Macbeth en Harlem con un elenco totalmente afroamericano . La producción se conoció como Voodoo Macbeth , ya que Welles cambió el escenario a un Haití del siglo XIX dirigido por un rey malvado completamente controlado por la magia africana. Inicialmente hostil, la comunidad negra tomó la producción a fondo, asegurando casas llenas durante diez semanas en el Lafayette Theatre y provocando un pequeño éxito en Broadway y una gira nacional.
Otras producciones notables del siglo 20 que siguen esta tendencia de volver a poner las obras de Shakespeare son HK Ayliff 's Macbeth de 1928 set en los campos de batalla de la Primera Guerra Mundial , Welles' Julio César de 1937 en base a los nazis mítines en Nuremberg , y de Thacker Coriolano de 1994 disfrazado a la manera de la Revolución Francesa .
En 1978, se realizó una versión deconstructiva de The Taming of the Shrew en el Royal Shakespeare Theatre . El personaje principal caminó a través de la audiencia hacia el escenario, actuando borracho y gritando comentarios sexistas antes de proceder a derribar (es decir, deconstruir) el escenario. Incluso después de la cobertura de prensa, algunos miembros de la audiencia aún huyeron de la actuación, pensando que estaban presenciando un asalto real.
Siglo 21
La Royal Shakespeare Company en el Reino Unido ha producido dos importantes festivales de Shakespeare en el siglo XXI. El primero fue el Complete Works (festival RSC) en 2006-2007, que organizó producciones de todas las obras de teatro y poemas de Shakespeare. El segundo es el Festival Mundial de Shakespeare en 2012, que forma parte de la Olimpiada Cultural de Londres 2012 y presenta cerca de 70 producciones en las que participan miles de artistas de todo el mundo. Más de la mitad de estas producciones son parte del Festival Globe to Globe . Cada una de las producciones de este festival ha sido revisada por académicos, teatrales y blogueros de Shakespeare en un proyecto llamado Year of Shakespeare .
En mayo de 2009, Hamlet abrió con Jude Law en el papel principal en la temporada de Donmar Warehouse West End en Wyndham's . A él se unieron Ron Cook , Peter Eyre , Gwilym Lee , John MacMillan, Kevin R McNally , Gugu Mbatha-Raw , Matt Ryan , Alex Waldmann y Penelope Wilton . La producción se inauguró oficialmente el 3 de junio y se prolongó hasta el 22 de agosto de 2009. La producción también se montó en Elsinore Castle en Dinamarca del 25 al 30 de agosto de 2009 y en Broadway en el Broadhurst Theatre de Nueva York .
La compañía Propeller ha llevado producciones de elenco exclusivamente masculinos en todo el mundo. Phyllida Lloyd ha presentado continuamente versiones de Shakespeare para mujeres en Londres.
Shakespeare en pantalla
Se han producido más de 420 versiones de largometrajes de las obras de Shakespeare desde principios del siglo XX, lo que convierte a Shakespeare en el autor más filmado de la historia. Algunas de las adaptaciones cinematográficas, especialmente las películas de Hollywood comercializadas para el público adolescente, utilizan sus tramas en lugar de sus diálogos, mientras que otras son simplemente versiones filmadas de sus obras.
Vestimenta y diseño
Durante siglos había existido un estilo aceptado de cómo se iba a interpretar Shakespeare, que se etiquetó erróneamente como "isabelino", pero en realidad reflejaba una tendencia de diseño de un período poco después de la muerte de Shakespeare. Las representaciones de Shakespeare se realizaron originalmente con vestimenta contemporánea. Los actores iban vestidos con ropas que podrían usar fuera del escenario. Esto continuó en el siglo XVIII, el período georgiano, donde los trajes eran la vestimenta de moda actual. No fue hasta siglos después de su muerte, principalmente en el siglo XIX, que las producciones comenzaron a mirar hacia atrás y trataron de ser "auténticas" al estilo de Shakespeare. La época victoriana tenía una fascinación por la precisión histórica y esto se adaptó al escenario para atraer a la clase media educada. Charles Kean estaba particularmente interesado en el contexto histórico y pasó muchas horas investigando la vestimenta histórica y el escenario para sus producciones. Este estilo falso de Shakespeare se fijó hasta el siglo XX. En el siglo XXI, hay muy pocas producciones de Shakespeare, tanto en el escenario como en el cine, que todavía se representan con trajes de época "auténticos", mientras que en 1990, prácticamente todas las versiones cinematográficas reales de una obra de Shakespeare eran realizado con el traje de época correcto.
Ver también
Notas
Bibliografía
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- Sprague, AC Beaumont y Fletcher en la etapa de restauración . Nueva York: Benjamin Blom, 1954.
- Tieck, Ludwig . Drama alt-englischen . Berlín, 1811.
enlaces externos
- Shakespeare en el Teatro Nacional , 1967–2012 , compilado por Daniel Rosenthal, en Google Arts & Culture