Sarah Vaughan - Sarah Vaughan

Sarah Vaughan
Vaughan, c.  1946
Vaughan, c. 1946
Información de contexto
Nombre de nacimiento Sarah Lois Vaughan
Nació ( 27 de marzo de 1924 )27 de marzo de 1924
Newark , Nueva Jersey, EE. UU.
Murió 3 de abril de 1990 (03 de abril de 1990)(66 años)
Hidden Hills , California, EE. UU.
Géneros
Ocupación (es) Cantante
Instrumentos Voz, piano
Años activos 1942-1990
Etiquetas Columbia , Mercury , Verve , Ruleta , Pablo

Sarah Lois Vaughan (27 de marzo de 1924-3 de abril de 1990) fue una cantante de jazz estadounidense.

Apodada "Sassy" y " The Divine One ", ganó cuatro premios Grammy , incluido el Lifetime Achievement Award. Recibió un premio NEA Jazz Masters en 1989. El crítico Scott Yanow escribió que tenía "una de las voces más maravillosas del siglo XX".

Vida temprana

Vaughan nació en Newark, Nueva Jersey , hijo de Asbury "Jake" Vaughan, un carpintero de oficio que tocaba la guitarra y el piano, y Ada Vaughan, una lavandera que cantaba en el coro de la iglesia, inmigrantes de Virginia. Los Vaughan vivieron en una casa en Brunswick Street en Newark durante toda la infancia de Vaughan. Jake era profundamente religioso. La familia estaba activa en la Iglesia Bautista New Mount Zion en 186 Thomas Street. Vaughan comenzó sus lecciones de piano a la edad de siete años, cantó en el coro de la iglesia y tocó el piano en los ensayos y servicios.

Desarrolló un amor temprano por la música popular en discos y la radio. En la década de 1930, vio con frecuencia bandas locales y de gira en la pista de patinaje de Montgomery Street. A mediados de su adolescencia, comenzó a aventurarse ilegalmente en los clubes nocturnos de Newark y a actuar como pianista y cantante en el Piccadilly Club y en el aeropuerto de Newark .

Vaughan asistió a East Side High School , luego se transfirió a Newark Arts High School , que abrió en 1931. Como sus aventuras nocturnas como intérprete abrumaron sus actividades académicas, abandonó la escuela secundaria durante su tercer año para concentrarse en la música.

Carrera profesional

1942-1943: carrera temprana

Vaughan fue acompañada con frecuencia por una amiga, Doris Robinson, en sus viajes a la ciudad de Nueva York. En el otoño de 1942, cuando tenía 18 años, Vaughan sugirió que Robinson participara en el concurso Apollo Theatre Amateur Night. Vaughan tocó el acompañamiento de piano para Robinson, quien ganó el segundo premio. Más tarde, Vaughan decidió regresar y competir como cantante. Cantó " Body and Soul " y ganó, aunque la fecha de esta actuación victoriosa es incierta. El premio, como recordó Vaughan a Marian McPartland , era de $ 10 y la promesa de un compromiso de una semana en el Apollo. El 20 de noviembre de 1942, regresó al Apollo para abrir para Ella Fitzgerald .

Durante su semana de presentaciones en el Apollo, Vaughan conoció al líder de la banda y pianista Earl Hines , aunque los detalles de esa presentación son discutidos. Billy Eckstine , el cantante de Hines en ese momento, ha sido reconocido por Vaughan y otros por escucharla en el Apollo y recomendarla a Hines. Hines afirmó más tarde haberla descubierto él mismo y le ofreció un trabajo en el acto. Después de una breve prueba en el Apollo, Hines reemplazó a su cantante por Vaughan el 4 de abril de 1943.

1943-1944: Earl Hines y Billy Eckstine

Vaughan pasó el resto de 1943 y parte de 1944 de gira por el país con la big band de Earl Hines, que incluía a Billy Eckstine . Fue contratada como pianista para que Hines pudiera contratarla bajo la jurisdicción del sindicato de músicos ( Federación Estadounidense de Músicos ) en lugar del sindicato de cantantes ( Gremio Estadounidense de Artistas de Variedades ). Pero después de que Cliff Smalls se unió a la banda como trombonista y pianista, sus deberes se limitaron a cantar. La banda de Earl Hines en este período es recordada como una incubadora del bebop , ya que incluía al trompetista Dizzy Gillespie , el saxofonista Charlie Parker (que tocaba el saxofón tenor en lugar de alto) y el trombonista Bennie Green . Gillespie arregló para la banda, aunque la prohibición de grabación contemporánea por parte del sindicato de músicos significó que no existen grabaciones comerciales.

Eckstine dejó la banda de Hines a finales de 1943 y formó una gran banda con Gillespie, dejando a Hines para convertirse en el director musical de la banda. Parker se unió a Eckstine, y durante los siguientes años la banda incluyó a Gene Ammons , Art Blakey , Miles Davis , Kenny Dorham , Dexter Gordon y Lucky Thompson . Vaughan aceptó la invitación de Eckstine para unirse a su banda en 1944, dándole la oportunidad de grabar por primera vez el 5 de diciembre de 1944 en la canción "I'll Wait and Pray" para De Luxe . El crítico y productor Leonard Feather le pidió que grabara ese mismo mes para Continental con un septeto que incluía a Dizzy Gillespie y Georgie Auld . Dejó la banda de Eckstine a finales de 1944 para seguir una carrera en solitario, aunque permaneció cerca de Eckstine y grabó con él con frecuencia.

Al pianista John Malachi se le atribuye haberle dado a Vaughan el apodo de "Sassy", un apodo que coincidía con su personalidad. A ella le gustó, y el nombre y su variante abreviada "Sass" se quedó con los colegas y la prensa. En las comunicaciones escritas, Vaughan a menudo lo deletreaba "Sassie".

1945-1948: principios de su carrera en solitario

En Café Society, septiembre de 1946

Vaughan comenzó su carrera en solitario en 1945 trabajando independientemente en la calle 52 de la ciudad de Nueva York en Three Deuces, Famous Door, Downbeat y Onyx Club . Pasó un tiempo en Braddock Grill junto al Apollo Theatre en Harlem. El 11 de mayo de 1945, grabó " Lover Man " para Guild con un quinteto con Gillespie y Parker con Al Haig al piano, Curly Russell al contrabajo y Sid Catlett a la batería. Más tarde ese mes, entró al estudio con una agregación de Gillespie / Parker ligeramente diferente y más grande y grabó tres lados más.

Después de ser invitada por el violinista Stuff Smith para grabar la canción "Time and Again" en octubre de 1945, el propietario Albert Marx le ofreció a Vaughan un contrato para grabar para Musicraft , aunque no comenzaría a grabar como líder de Musicraft hasta el 7 de mayo de 1946. Mientras tanto, grabó para Crown y Gotham y comenzó a actuar regularmente en Café Society Downtown, un club integrado en Sheridan Square de Nueva York .

Mientras estaba en Café Society, Vaughan se hizo amiga del trompetista George Treadwell , quien se convirtió en su manager. Ella le delegó la mayor parte de las responsabilidades de directora musical para sus sesiones de grabación, lo que le permitió concentrarse en el canto. Durante los siguientes años, Treadwell realizó cambios en la apariencia escénica de Vaughan. Aparte de un nuevo guardarropa y peinado, tenía los dientes tapados , eliminando un espacio entre sus dos dientes frontales.

Sus grabaciones para Musicraft incluyeron " If You Could See Me Now " (escrita y arreglada por Tadd Dameron ), " Don't Blame Me ", " Estoy enamorado de ti ", " Todo lo que tengo es tuyo " y " Cuerpo y Alma ". Con la relación profesional de Vaughan y Treadwell sobre una base sólida, la pareja se casó el 16 de septiembre de 1946.

En 1947, Vaughan actuó en el tercer concierto de Cavalcade of Jazz celebrado en Wrigley Field en Los Ángeles, que fue producido por Leon Hefflin, Sr. el 7 de septiembre de 1947. The Valdez Orchestra , The Blenders, T-Bone Walker , Slim Gaillard , The Honeydrippers , Johnny Otis y su orquesta , Woody Herman y los Three Blazers también actuaron ese mismo día.

El éxito de grabación de Vaughan para Musicraft continuó durante 1947 y 1948. Su grabación de " Tenderly " (se enorgullecía de ser la primera en grabar ese estándar de jazz) se convirtió en un inesperado éxito pop a finales de 1947. Su grabación del 27 de diciembre de 1947 de " It's Magic "(de la película de Doris Day Romance on the High Seas ) tuvo éxito en las listas a principios de 1948. Su grabación de" Nature Boy "del 8 de abril de 1948 se convirtió en un éxito en la época en que se lanzó la popular versión de Nat King Cole . Debido a una segunda prohibición de grabación por parte del sindicato de músicos, "Nature Boy" se grabó con un coro a capella.

1948-1953: el estrellato y los años de Columbia

La prohibición del sindicato de músicos llevó a Musicraft al borde de la bancarrota. Vaughan utilizó los pagos de regalías perdidos como una oportunidad para firmar con el sello discográfico más grande de Columbia . Después de resolver los problemas legales, sus éxitos en las listas continuaron con " Black Coffee " en el verano de 1949. Mientras estuvo en Columbia hasta 1953, se dirigió casi exclusivamente a las baladas pop comerciales, varias de ellas con éxito en las listas: " That Lucky Old Sun "," Haz creer (te alegras cuando lo sientes) "," Estoy loco por amarte "," El nuestro "," Amo al chico "," Pensando en ti "(con el pianista Bud Powell ), " Lloré por ti ", "Estas cosas que te ofrezco", "Vanidad", "Corrí todo el camino a casa", "Santo o pecador", "Mi corazón atormentado" y "Tiempo".

Ganó el premio New Star de la revista Esquire en 1947, premios de la revista Down Beat de 1947 a 1952 y de la revista Metronome de 1948 a 1953. La grabación y el éxito de la crítica llevaron a oportunidades de interpretación, con Vaughan cantando ante grandes multitudes en clubes de todo el país durante finales de la década de 1940 y principios de la de 1950. En el verano de 1949, hizo su primera aparición con una orquesta sinfónica en un beneficio de la Orquesta de Filadelfia titulado "100 hombres y una niña". Por esta época, el disc jockey de Chicago Dave Garroway le acuñó un segundo apodo, "The Divine One", que la seguiría a lo largo de su carrera. Una de sus primeras apariciones en televisión fue en el programa de variedades de DuMont Stars on Parade (1953–54) en el que cantó " My Funny Valentine " y "Linger A while".

En 1949, con sus finanzas mejorando, Vaughan y Treadwell compraron una casa de tres pisos en 21 Avon Avenue en Newark, ocupando el piso superior durante sus cada vez menos frecuentes horas libres en casa y trasladando a los padres de Vaughan a los dos pisos inferiores. Sin embargo, las presiones comerciales y los conflictos de personalidad llevaron a un enfriamiento en la relación de Treadwell y Vaughan. Treadwell contrató a un gerente de carreteras para que se ocupara de sus necesidades de gira y abrió una oficina de administración en Manhattan para poder trabajar con otros clientes.

La relación de Vaughan con Columbia se agrió cuando se sintió insatisfecha con el material comercial y su deslucido éxito financiero. Hizo algunas grabaciones en grupos pequeños en 1950 con Miles Davis y Bennie Green, pero eran atípicas de lo que grabó para Columbia.

Radio

En 1949, Vaughan tenía un programa de radio, Songs by Sarah Vaughan , en WMGM en la ciudad de Nueva York. Los programas de 15 minutos fueron transmitidos por las noches de miércoles a domingo desde The Clique Club, descrito como "encuentro de la multitud bebop". La acompañaron George Shearing al piano, Oscar Pettiford al contrabajo y Kenny Clarke a la batería.

1954-1959: años de Mercurio

Vaughan en 1955

En 1953, Treadwell negoció un contrato para Vaughan con Mercury en el que grabaría material comercial para Mercury y material orientado al jazz para su subsidiaria, EmArcy . Fue emparejada con el productor Bob Shad , y su relación de trabajo produjo un éxito comercial y artístico. Su primera sesión de grabación en Mercury tuvo lugar en febrero de 1954. Permaneció con Mercury hasta 1959. Después de grabar para Roulette de 1960 a 1963, regresó a Mercury de 1964 a 1967.

Su éxito comercial en Mercury comenzó con el éxito de 1954 "Make Yourself Comfortable", grabado en el otoño de 1954, y continuó con " How Important Can It Be " (con Count Basie ), " Whatever Lola Wants ", " The Banana Boat Song". "," Deberías tener esposa "y" Misty ". Su éxito comercial alcanzó su punto máximo en 1959 con " Broken Hearted Melody ", una canción que consideraba "cursi" que, sin embargo, se convirtió en su primer disco de oro y en una parte habitual de su repertorio de conciertos en los años venideros. Vaughan se reunió con Billy Eckstine para una serie de grabaciones a dúo en 1957 que produjeron el éxito " Passing Strangers ". Sus grabaciones comerciales fueron manejadas por varios arreglistas y directores, principalmente Hugo Peretti y Hal Mooney .

La "pista" de jazz de su carrera discográfica avanzó a buen ritmo, respaldada por su trío de trabajo o por combinaciones de músicos de jazz. Uno de sus álbumes favoritos fue una fecha de sexteto de 1954 que incluía a Clifford Brown .

En la segunda mitad de la década de 1950 siguió un programa de giras casi ininterrumpidas. Apareció en el primer Festival de Jazz de Newport en el verano de 1954 y protagonizó ediciones posteriores de ese festival en Newport y en la ciudad de Nueva York durante el resto de su vida. En el otoño de 1954, actuó en el Carnegie Hall con la Count Basie Orchestra en un proyecto que también incluía a Billie Holiday , Charlie Parker, Lester Young y el Modern Jazz Quartet . Ese otoño, volvió a realizar una gira por Europa antes de embarcarse en una gira por Estados Unidos "Big Show", una sucesión de actuaciones que incluyeron a Count Basie , George Shearing, Erroll Garner y Jimmy Rushing . En el Festival de Jazz de Nueva York de 1955 en Randalls Island , Vaughan compartió cartel con el cuarteto de Dave Brubeck , Horace Silver , Jimmy Smith y la Orquesta de Johnny Richards .

Aunque la relación profesional entre Vaughan y Treadwell fue bastante exitosa durante la década de 1950, su relación personal finalmente llegó a un punto de ruptura y ella solicitó el divorcio en 1958. Vaughan había delegado por completo los asuntos financieros a Treadwell, y a pesar de las importantes cifras de ingresos reportadas durante la década de 1950 , en el acuerdo Treadwell dijo que solo quedaban $ 16,000. La pareja dividió equitativamente la cantidad y sus bienes personales, terminando su relación comercial.

Hizo su debut en el Reino Unido en 1958 en Sunday Night en el London Palladium con varias canciones, entre ellas "Who's Got the Last Laugh Now".

1959-1969: Atkins y la ruleta

La salida de Treadwell de la vida de Vaughan fue precipitada por la entrada de Clyde "CB" Atkins, un hombre de origen incierto a quien conoció en Chicago y se casó el 4 de septiembre de 1959. Aunque Atkins no tenía experiencia en gestión de artistas o música, Vaughan deseaba tener una relación profesional y personal mixta como la que tenía con Treadwell. Ella nombró a Atkins su manager, aunque todavía sentía el aguijón de los problemas que tenía con Treadwell e inicialmente mantuvo un ojo más atento a Atkins. Vaughan y Atkins se mudaron a una casa en Englewood, Nueva Jersey .

Cuando el contrato de Vaughan con Mercury terminó a fines de 1959, firmó con Roulette, un pequeño sello propiedad de Morris Levy , quien era uno de los patrocinadores de Birdland , donde aparecía con frecuencia. Comenzó a grabar para Roulette en abril de 1960, haciendo una serie de grandes álbumes organizados o dirigidos por Billy May , Jimmy Jones , Joe Reisman , Quincy Jones , Benny Carter , Lalo Schifrin y Gerald Wilson . Tuvo éxito en las listas de éxitos en 1960 con "Serenata" en Roulette y "Eternally" y "You're My Baby", un par de pistas residuales de su contrato con Mercury. Grabó After Hours (1961) con el guitarrista Mundell Lowe y el contrabajista George Duvivier y Sarah + 2 (1962) con el guitarrista Barney Kessel y el contrabajista Joe Comfort .

En 1961, Vaughan y Atkins adoptaron una hija, Deborah Lois Atkins, conocida profesionalmente como Paris Vaughan. Sin embargo, la relación con Atkins resultó difícil y violenta. Después de varios incidentes, solicitó el divorcio en noviembre de 1963. Se dirigió a dos amigos para que la ayudaran a resolver los asuntos financieros del matrimonio. El propietario del club, John "Preacher" Wells, un conocido de la infancia, y Clyde "Pumpkin" Golden Jr. descubrieron que el juego y los gastos de Atkins habían puesto a Vaughan en una deuda de 150.000 dólares. La casa de Englewood fue incautada por el IRS por falta de pago de impuestos. Vaughan retuvo la custodia de su hijo y Golden tomó el lugar de Atkins como gerente y amante de Vaughan durante el resto de la década.

Cuando su contrato con Roulette terminó en 1963, Vaughan regresó a los confines más familiares de Mercury. En el verano de 1963, fue a Dinamarca con el productor Quincy Jones para grabar Sassy Swings the Tivoli , un álbum de presentaciones en vivo con su trío. Durante el año siguiente, hizo su primera aparición en la Casa Blanca para el presidente Lyndon Johnson . La grabación de Tivoli sería el momento más brillante de su segundo paso por Mercury. Los cambios demográficos y gustos en la década de 1960 dejaron a los músicos de jazz con audiencias cada vez más reducidas y material inapropiado. Aunque mantuvo muchos seguidores lo suficientemente leales como para mantener su carrera, la calidad y cantidad de su producción grabada disminuyó a medida que su voz se oscurecía y su habilidad permanecía intacta. Al concluir su contrato con Mercury en 1967, carecía de un contrato de grabación para el resto de la década.

1970-1982: Fisher y Mainstream

Dizzy Gillespie y Sarah Vaughan se presentan en la Casa Blanca en honor al Sha de Irán el 15 de noviembre de 1977.

En 1971, en el Tropicana de Las Vegas, Marshall Fisher era un empleado de un puesto de comida y un fan cuando le presentaron a Sarah Vaughan. Se sintieron atraídos el uno por el otro de inmediato. Fisher se mudó con ella a Los Ángeles. Aunque era blanco y siete años mayor, se llevaba bien con sus amigos y familiares. Aunque no tenía experiencia en el negocio de la música, se convirtió en su road manager y luego en manager personal. Pero a diferencia de otros hombres y gerentes, Fisher se dedicó a ella y manejó meticulosamente su carrera y la trató bien. Le escribió poemas de amor.

En 1971, Bob Shad , que había trabajado con ella como productor en Mercury, le pidió que grabara para su sello, Mainstream , que había fundado después de dejar Mercury. Rompiendo una pausa de cuatro años, Vaughan firmó un contrato con Mainstream y regresó al estudio para A Time in My Life , un paso del jazz a la música pop con canciones de Bob Dylan , John Lennon y Marvin Gaye arregladas por Ernie Wilkins . No se quejó de este ecléctico cambio de dirección, pero eligió el material para su próximo álbum después de admirar el trabajo de Michel Legrand . Dirigió una orquesta de más de cien músicos para Sarah Vaughan con Michel Legrand , un álbum de composiciones de Legrand con letra de Alan y Marilyn Bergman . Las canciones hicieron llorar a algunos de los músicos durante las sesiones. Pero Shad quería un éxito y el álbum no rindió ninguno. Cantó una versión del éxito pop " Rainy Days and Mondays " de los Carpenters para Feelin 'Good . Esto fue seguido por Live in Japan , su primer álbum en vivo desde 1963. Sarah Vaughan and the Jimmy Rowles Quintet (1974) fue más experimental, conteniendo improvisación libre y algo de scat poco convencional.

Send in the Clowns fue otro intento de aumentar las ventas al irrumpir en el mercado de la música pop. A Vaughan no le gustaban las canciones y odiaba la portada del álbum que mostraba a un payaso con un afro. Presentó una demanda contra Shad en 1975 por creer que la portada era inconsistente con la imagen formal y sofisticada que proyectaba en el escenario. También sostuvo que el álbum Sarah Vaughan: Live at the Holiday Inn Lesotho tenía un título incorrecto y que Shad había estado dañando su carrera. Aunque no le gustó el álbum, le gustó la canción " Send in the Clowns " escrita por Steven Sondheim para el musical A Little Night Music . Lo aprendió al piano, hizo muchos cambios con la ayuda del pianista Carl Schroeder y se convirtió en su canción insignia.

En 1974, interpretó música de George Gershwin en el Hollywood Bowl con la Filarmónica de Los Ángeles . La orquesta fue dirigida por Michael Tilson Thomas , quien era fanático de Vaughan y la invitó a actuar. Thomas y Vaughan repitieron la actuación con la orquesta local de Thomas en Buffalo, Nueva York, seguida de apariciones en 1975 y 1976 con otras orquestas sinfónicas en los Estados Unidos.

Después de dejar Mainstream, firmó con Atlantic y trabajó en un álbum de canciones de John Lennon y Paul McCartney que fueron arreglados por Marty Paich y su hijo, David Paich de la banda de rock Toto. Estaba entusiasmada de participar más en la realización de un álbum, pero Atlantic lo rechazó alegando que no contenía éxitos. "No sé cómo pueden reconocer los golpes de antemano", dijo. Atlantic canceló su contrato. Ella dijo: "Ya me importan un carajo las discográficas".

Rio y Norman Granz

En 1977, el cineasta Thomas Guy siguió Vaughan de gira para filmar el documental Escucha al Sol . Viajó por Sudamérica: Argentina, Colombia, Chile, Ecuador y Perú. Estaba enamorada de Brasil, ya que esta era su tercera gira por Brasil en seis años. En el documental llamó a la ciudad de Río "el lugar más grande que creo que he estado en la tierra". El público estaba tan entusiasmado que ella dijo: "No creo que les agrado tanto". Tras el rechazo de Atlantic, quiso intentar producir su propio álbum de música brasileña. Ella le pidió a Aloísio de Oliveira que dirigiera las sesiones y grabó I Love Brazil! con Milton Nascimento , Jose Roberto Bertrami , Dorival Caymmi y Antonio Carlos Jobim .

Tenía un álbum pero no un sello para editarlo, por lo que firmó con Pablo dirigido por Norman Granz . Conocía a Granz desde 1948 cuando actuó en una de sus giras Jazz at the Philharmonic. Fue el productor y gerente de discos de Ella Fitzgerald y el dueño de Verve . Después de vender Verve, fundó Pablo . Se dedicó al jazz acústico, mainstream y había grabado Count Basie, Duke Ellington y Clark Terry . En 1978 grabó How Long Has This Been Going On? De Vaughan . , un conjunto de estándares de jazz con los músicos de jazz veteranos Oscar Peterson , Joe Pass , Ray Brown y Louis Bellson . El álbum fue nominado a un premio Grammy. Pablo lanzó I Love Brazil! y también fue nominado a un Grammy.

1982-1989: final de carrera

Sarah Vaughan y Billy Eckstine en el Festival de Jazz de Monterey en 1981

En el verano de 1980 recibió una placa en la calle 52 fuera del edificio CBS (Black Rock) en conmemoración de los clubes de jazz que una vez había frecuentado en "Swing Street" y que desde hacía mucho tiempo habían sido reemplazados por edificios de oficinas. Una presentación de su programa sinfónico Gershwin con la Sinfónica de Nueva Jersey en 1980 fue transmitida por PBS y ganó un premio Emmy al año siguiente por Logros individuales, Clase especial. Se reunió en 1982 con Tilson Thomas para una versión modificada del programa de Gershwin, interpretado nuevamente por la Filarmónica de Los Ángeles, pero esta vez en su sala principal, el Dorothy Chandler Pavilion ; la grabación de CBS del concierto Gershwin Live! ganó un Grammy a la Mejor Interpretación Vocal de Jazz, Femenina .

Tras finalizar su contrato con Pablo en 1982, se comprometió a realizar un número limitado de grabaciones de estudio. Ella hizo una aparición especial en 1984 en Barry Manilow 's 02 a.m. Paradise Cafe , un álbum de composiciones pastiche con músicos de jazz establecidos. En 1984 participó en The Planet is Alive, Let It Live, pieza sinfónica compuesta por Tito Fontana y Sante Palumbo sobre la traducción italiana de poemas polacos de Karol Wojtyla, más conocido como el Papa Juan Pablo II . La grabación se hizo en Alemania con una traducción al inglés del escritor Gene Lees y fue lanzada por Lees en su etiqueta privada después de que la grabación fuera rechazada por las principales discográficas.

En 1985, Vaughan se reconectó con su audiencia europea de larga data y en continuo crecimiento durante un concierto de celebración en el Teatro Chatelet de París. Lanzado póstumamente en el sello Justin Time, In the City of Lights es una grabación de dos discos del concierto, que cubre los aspectos más destacados de la carrera de Vaughan mientras captura a una querida cantante en el apogeo de sus poderes. Gracias en parte al duro apoyo telepático del pianista Frank Collett (quien responde a cada uno de sus desafíos y luego le pide lo mismo), Sarah repite "If You Could See Me Now" de Tad Dameron con un poder poco común, su respiración una conexión perfecta entre coro y puente. Para el Gershwin Medley, el baterista Harold Jones cambia sus pinceles por baquetas para combinar la energía y la contundencia que no se detiene hasta el último de muchos bises.

En 1986, Vaughan cantó "Happy Talk" y "Bali Ha'i" en el papel de Bloody Mary en una grabación de estudio de Kiri Te Kanawa y José Carreras de la partitura del musical de Broadway South Pacific , mientras estaba sentado en el piso del estudio. El último álbum de Vaughan fue Brazilian Romance , producido por Sérgio Mendes con canciones de Milton Nascimento y Dori Caymmi . Se grabó principalmente a principios de 1987 en Nueva York y Detroit. En 1988, contribuyó con la voz a un álbum de villancicos grabados por el Coro del Tabernáculo Mormón con la Orquesta Sinfónica de Utah y vendidos en las tiendas Hallmark Cards. En 1989, el álbum Back on the Block de Quincy Jones incluyó a Vaughan en un breve dueto con Ella Fitzgerald. Esta fue su última grabación de estudio. Fue su única grabación de estudio con Fitzgerald en una carrera que había comenzado 46 años antes abriendo para Fitzgerald en el Apollo.

El video Sarah Vaughan Live from Monterey fue grabado en 1983 o 1984 con su trío y solistas invitados. Sass and Brass se grabó en 1986 en Nueva Orleans con los invitados Dizzy Gillespie y Maynard Ferguson. Sarah Vaughan: The Divine One fue parte de la serie American Masters en PBS. También en 1986, en el Día de la Independencia en un programa televisado a nivel nacional en PBS, actuó con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Mstislav Rostropovich , en un popurrí de canciones compuestas por George Gershwin.

Muerte

En 1989, la salud de Vaughan comenzó a deteriorarse, aunque rara vez reveló indicios de esto en sus actuaciones. Ella canceló una serie de compromisos en Europa en 1989, citando la necesidad de buscar tratamiento para la artritis de la mano, aunque pudo completar una serie de actuaciones en Japón. Durante una carrera en el Blue Note Jazz Club de Nueva York en 1989, le diagnosticaron cáncer de pulmón y estaba demasiado enferma para terminar el último día de lo que resultaría ser su última serie de actuaciones públicas.

Vaughan regresó a su casa en California para comenzar la quimioterapia y pasó sus últimos meses alternando estancias en el hospital y en casa. Se cansó de la lucha y exigió que la llevaran a casa, donde a los 66 años murió la noche del 3 de abril de 1990, mientras veía Laker Girls , una película para televisión protagonizada por su hija.

Su funeral se llevó a cabo en la Iglesia Bautista Mount Zion en Newark, Nueva Jersey . Después de la ceremonia, un carruaje tirado por caballos transportó su cuerpo al cementerio de Glendale, Bloomfield .

Comentario vocal

Se han establecido paralelos entre la voz de Vaughan y la de los cantantes de ópera . La cantante de jazz Betty Carter dijo que con el entrenamiento Vaughan podría haber "llegado tan lejos como Leontyne Price ". Bob James, el director musical de Vaughan en la década de 1960, dijo que "el instrumento estaba allí. Pero el conocimiento, la legitimidad de todo ese mundo no eran para ella ... Pero si el aria estuviera en el rango de Sarah, podría aportar algo que un cantante de formación clásica no pudo ".

En un capítulo dedicado a Vaughan en su libro Visions of Jazz (2000), el crítico Gary Giddins la describió como "la voz eterna del jazz moderno - de vertiginoso virtuosismo de posguerra, ingenio mordaz y capricho intrépido". Concluyó diciendo que "No importa qué tan de cerca analicemos los detalles de su talento ... inevitablemente debemos terminar contemplando con asombro silencioso el más fenomenal de sus atributos, el que le fue entregado al nacer, la voz que ocurre una vez en toda una vida, quizás una vez en varias vidas ".

Su voz tenía alas: deliciosa y tensa, disciplinada y matizada, era tan espesa como el coñac, pero se salía de los caminos trillados como un solo instrumental ... que su voz era un músculo de cuatro octavas de infinita flexibilidad la hacía desarmarla. más irónico. "- Gary Giddins

Su obituario en The New York Times la describió como una "cantante que aportó un esplendor operístico a sus interpretaciones de estándares populares y jazz". La cantante de jazz Mel Tormé dijo que tenía "el mejor instrumento vocal de cualquier cantante que trabaja en el campo popular". Su habilidad fue envidiada por Frank Sinatra, quien dijo: "Sassy es tan buena ahora que cuando la escucho quiero cortarme las muñecas con una navaja desafilada". El crítico del New York Times , John S. Wilson, dijo en 1957 que poseía "lo que bien podría ser la mejor voz jamás aplicada al jazz". Estuvo cerca de su apogeo hasta poco antes de su muerte a la edad de 66 años. Al final de su vida conservó una "flexibilidad juvenil y un timbre notablemente delicioso" y fue capaz de la proyección de pasajes de coloratura descritos como "delicados y resonantes".

Vaughan tenía un amplio rango vocal de soprano a través de un barítono femenino , cuerpo y volumen excepcionales, una variedad de texturas vocales y un control vocal excelente y muy personal. Su oído y sentido del tono eran casi perfectos y no había intervalos difíciles.

En sus últimos años, su voz fue descrita como una "contralto bruñida" y a medida que su voz se hizo más profunda con la edad, su registro más bajo se describió con "matices de un barítono ronco a una contralto rica y jugosa". El uso de su registro de contralto se comparó con "sumergirse en un pozo profundo y misterioso para recoger un tesoro de riquezas enterradas". El musicólogo Henry Pleasants señaló: "Vaughan, que canta fácilmente hasta un D bajo de contralto, asciende a un Do agudo [soprano] puro y preciso".

El vibrato de Vaughan se describió como "un adorno de tamaño, forma y duración excepcionalmente flexibles", un vibrato descrito como "voluptuoso" y "pesado" Vaughan se logró en su capacidad de "deshilachar" o "doblar" las notas en las extremidades de su voz. distancia. En una interpretación de 1972 de " Where Is Love? " De Lionel Bart se notó que "a mitad de la melodía, ella comenzó a torcer la canción, pasando de los increíbles tonos de violonchelo de su registro inferior, disparándose a los tenues pianissimos de su parte superior". "

Sostuvo un micrófono en una actuación en vivo, usando su ubicación como parte de su actuación. La ubicación del micrófono le permitió complementar su volumen y textura vocal, a menudo sosteniendo el micrófono con el brazo extendido y moviéndolo para alterar su volumen.

Con frecuencia usaba la canción " Send in the Clowns " para demostrar sus habilidades vocales en presentaciones en vivo. La actuación fue denominada "tour de force de tres octavas de pirotecnia semi-improvisada en la que los lados jazz, pop y operístico de su personalidad musical se unieron y encontraron expresión completa" por The New York Times .

Los cantantes influenciados por Vaughan incluyen a Phoebe Snow , Anita Baker , Sade y Rickie Lee Jones . Las cantantes Carmen McRae y Dianne Reeves grabaron álbumes tributo a Vaughan después de su muerte; Sarah: Dedicated to You (1991) y The Calling: Celebrating Sarah Vaughan (2001) respectivamente.

Aunque generalmente se la considera una cantante de jazz, Vaughan evitó clasificarse a sí misma como tal. Habló del término en una entrevista de 1982 para Down Beat :

No sé por qué la gente me llama cantante de jazz, aunque supongo que la gente me asocia con el jazz porque me crié en él, desde hace mucho tiempo. No estoy menospreciando el jazz, pero no soy un cantante de jazz ... He grabado todo tipo de música, pero (para ellos) soy un cantante de jazz o un cantante de blues. No puedo cantar blues, solo blues directo, pero puedo poner blues en cualquier cosa que cante. Podría cantar 'Send In the Clowns' y podría ponerle una pequeña parte de blues, o cualquier canción. Lo que quiero hacer, en cuanto a música, es todo tipo de música que me gusta, y me gusta todo tipo de música.

Vida personal

Vaughan se casó tres veces: con George Treadwell (1946-1958), con Clyde Atkins (1958-1961) y con Waymon Reed (1978-1981). Incapaz de tener hijos, Vaughan adoptó una niña (Debra Lois) en 1961. Debra trabajó en las décadas de 1980 y 1990 como actriz con el nombre de Paris Vaughan. Como resultado del matrimonio de su hija, Vaughan era la suegra de la ex estrella de la NHL Russ Courtnall .

En 1977, Vaughan puso fin a su relación personal y profesional con Marshall Fisher. Aunque en ocasiones se hace referencia a Fisher como el tercer marido de Vaughan, nunca se casaron legalmente. Vaughan comenzó una relación con Waymon Reed, un trompetista 16 años menor que ella y que tocaba con la banda Count Basie. Reed se unió a su trío de trabajo como directora musical y trompetista, y se convirtió en su tercer marido en 1978.

Ella era miembro de la hermandad de mujeres Zeta Phi Beta .

Premios y honores

El álbum Sarah Vaughan con Clifford Brown y el sencillo " If You Could See Me Now " fueron incluidos en el Grammy Hall of Fame , un premio establecido en 1973 para honrar las grabaciones que tienen al menos veinticinco años y tienen "calificaciones cualitativas o históricas". significado." En 1985 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 1988 fue incluida en el Salón de la Fama del Jazz Estadounidense.

En 1978, recibió un Doctorado Honoris Causa en Música por el Berklee College of Music .

En 2012, fue incluida en el Salón de la Fama de Nueva Jersey . En 2004–2006, New Jersey Transit rindió homenaje a Vaughan en el diseño de sus estaciones de Newark Light Rail . Los pasajeros que se detengan en cualquier estación de esta línea pueden leer la letra de "Body and Soul" a lo largo del borde de la plataforma de la estación.

Recibió el premio George and Ira Gershwin por sus logros musicales de toda una vida en UCLA Spring Sing .

San Francisco y Berkeley, California , celebraron el 27 de marzo el Día de Sarah Lois Vaughan.

Discografia

Filmografia

Referencias

enlaces externos

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