Camille Saint-Saëns -Camille Saint-Saëns

hombre de mediana edad con barba cuidada
Saint-Saëns c.  1880

Charles-Camille Saint-Saëns ( francés:  [ʃaʁl kamij sɛ̃ sɑ̃(s)] ; 9 de octubre de 1835 - 16 de diciembre de 1921) fue un compositor, organista, director de orquesta y pianista francés de la era romántica . Entre sus obras más conocidas se encuentran Introducción y Rondo Capriccioso (1863), el Segundo Concierto para piano (1868), el Primer Concierto para violonchelo (1872), Danza macabra (1874), la ópera Sansón y Dalila (1877), el Tercer Concierto para violín ( 1880), la Tercera Sinfonía ("Órgano") (1886) y El Carnaval de los Animales (1886).

Saint-Saëns fue un prodigio musical; hizo su debut en un concierto a la edad de diez años. Después de estudiar en el Conservatorio de París , siguió una carrera convencional como organista de iglesia, primero en Saint-Merri , París y, a partir de 1858, en La Madeleine , la iglesia oficial del Imperio francés . Después de dejar el cargo veinte años después, fue un exitoso pianista y compositor independiente, muy solicitado en Europa y América.

De joven, Saint-Saëns estaba entusiasmado con la música más moderna de la época, en particular la de Schumann , Liszt y Wagner , aunque sus propias composiciones estaban generalmente dentro de una tradición clásica convencional. Fue un estudioso de la historia musical y se mantuvo comprometido con las estructuras elaboradas por los primeros compositores franceses. Esto lo puso en conflicto en sus últimos años con compositores de las escuelas de música impresionista y dodecafónica ; aunque había elementos neoclásicos en su música, que presagiaban obras de Stravinsky y Les Six , a menudo se lo consideraba un reaccionario en las décadas cercanas al momento de su muerte.

Saint-Saëns ocupó un solo puesto docente, en la École de Musique Classique et Religieuse de París, y permaneció allí menos de cinco años. Sin embargo, fue importante en el desarrollo de la música francesa: sus alumnos incluyeron a Gabriel Fauré , entre cuyos propios alumnos posteriores se encontraba Maurice Ravel . Ambos estaban fuertemente influenciados por Saint-Saëns, a quien veneraban como un genio.

Vida

Primeros años de vida

Vista de la calle parisina de calle lateral estrecha
La rue du Jardinet, lugar de nacimiento de Saint-Saëns

Saint-Saëns nació en París, hijo único de Jacques-Joseph-Victor Saint-Saëns (1798–1835), funcionario del Ministerio del Interior francés, y Françoise-Clémence, de soltera Collin. Victor Saint-Saëns era de ascendencia normanda y su esposa era de una familia de Haute-Marne ; su hijo, nacido en la Rue du Jardinet en el distrito 6 de París , y bautizado en la cercana iglesia de Saint-Sulpice , siempre se consideró un verdadero parisino. Menos de dos meses después del bautizo, Victor Saint-Saëns murió de tisis (tuberculosis) en el primer aniversario de su matrimonio. El joven Camille fue llevado al campo por motivos de salud y durante dos años vivió con una enfermera en Corbeil , 29 kilómetros (18 millas) al sur de París.

boceto de niño en el teclado del piano
Saint-Saëns de niño

Cuando trajeron a Saint-Saëns a París, vivía con su madre y su tía viuda, Charlotte Masson. Antes de cumplir los tres años, mostró un oído perfecto y disfrutaba tocando melodías en el piano. Su tía abuela le enseñó los conceptos básicos del piano, y cuando tenía siete años se convirtió en alumno de Camille-Marie Stamaty , ex alumno de Friedrich Kalkbrenner . Stamaty requería que sus alumnos tocaran apoyando los antebrazos en una barra situada frente al teclado, de modo que toda la fuerza del pianista proviniera de las manos y los dedos en lugar de los brazos, lo que, según escribió más tarde Saint-Saëns, era un buen entrenamiento. Clémence Saint-Saëns, muy consciente del talento precoz de su hijo, no deseaba que se hiciera famoso demasiado joven. El crítico musical Harold C. Schonberg escribió sobre Saint-Saëns en 1969: "En general, no se sabe que fue el niño prodigio más notable de la historia, y eso incluye a Mozart". El niño daba representaciones puntuales para público reducido desde los cinco años, pero no fue hasta los diez que hizo su debut público oficial, en la Salle Pleyel , en un programa que incluía el Concierto para piano en Si de Mozart ( K 450), y el Tercer Concierto para piano de Beethoven . A través de la influencia de Stamaty, Saint-Saëns conoció al profesor de composición Pierre Maleden y al profesor de órgano Alexandre Pierre François Boëly . De este último adquirió un amor de por vida por la música de Bach , que entonces era poco conocida en Francia.

Como escolar, Saint-Saëns se destacó en muchas materias. Además de su destreza musical, se distinguió en el estudio de la literatura francesa, latín y griego, teología y matemáticas. Sus intereses incluían la filosofía, la arqueología y la astronomía, de las cuales, particularmente de la última, siguió siendo un talentoso aficionado en su vida posterior.

Exterior del edificio de la ciudad francesa del siglo XIX.
El antiguo edificio del Conservatorio de París, donde estudió Saint-Saëns

En 1848, a la edad de trece años, Saint-Saëns fue admitido en el Conservatorio de París , la academia de música más importante de Francia. El director, Daniel Auber , había sucedido a Luigi Cherubini en 1842 y traía un régimen más relajado que el de su predecesor martinet, aunque el plan de estudios seguía siendo conservador. Se animó a los estudiantes, incluso a pianistas destacados como Saint-Saëns, a especializarse en estudios de órgano, porque se consideró que una carrera como organista de iglesia ofrecía más oportunidades que la de un pianista solista. Su profesor de órgano fue François Benoist , a quien Saint-Saëns consideraba un organista mediocre pero un maestro de primera; sus alumnos incluyeron a Adolphe Adam , César Franck , Charles Alkan , Louis Lefébure-Wély y Georges Bizet . En 1849 Saint-Saëns ganó el segundo premio del Conservatorio para organistas y en 1851 el primer premio; en el mismo año comenzó estudios formales de composición. Su profesor fue un protegido de Cherubini, Fromental Halévy , cuyos alumnos incluyeron a Charles Gounod y Bizet.

Las composiciones estudiantiles de Saint-Saëns incluyeron una sinfonía en la mayor (1850) y una pieza coral, Les Djinns (1850), basada en un poema homónimo de Victor Hugo . Compitió por el principal premio musical de Francia, el Prix de Rome , en 1852, pero no tuvo éxito. Auber creía que el premio debería haber recaído en Saint-Saëns, por considerarlo más prometedor que el ganador, Léonce Cohen , que dejó poca huella durante el resto de su carrera. En el mismo año, Saint-Saëns tuvo mayor éxito en un concurso organizado por la Société Sainte-Cécile, París, con su Ode à Sainte-Cécile , por la que los jueces lo votaron unánimemente como el primer premio. La primera pieza que el compositor reconoció como una obra madura y le dio un número de opus fue Trois Morceaux para armonio (1852).

Carrera temprana

interior de la iglesia gótica
La iglesia de Saint-Merri , París, donde Saint-Saëns fue organista, 1853-1857

Al dejar el Conservatorio en 1853, Saint-Saëns aceptó el puesto de organista en la antigua iglesia parisina de Saint-Merri, cerca del Hôtel de Ville . La parroquia era sustancial, con 26.000 feligreses; en un año típico había más de doscientas bodas, los honorarios del organista de los cuales, junto con los honorarios de los funerales y su modesto estipendio básico, dieron a Saint-Saëns un ingreso cómodo. El órgano, obra de François-Henri Clicquot , sufrió graves daños tras la Revolución Francesa y fue restaurado de forma imperfecta. El instrumento era adecuado para los servicios de la iglesia, pero no para los ambiciosos recitales que ofrecían muchas iglesias parisinas de alto perfil. Con suficiente tiempo libre para seguir su carrera como pianista y compositor, Saint-Saëns compuso lo que se convirtió en su opus 2, la Sinfonía en mi (1853). Esta obra, con fanfarrias militares y secciones de percusión y metales aumentadas, captó el estado de ánimo de la época a raíz del ascenso popular al poder de Napoleón III y la restauración del Imperio francés . La obra le valió al compositor otro primer premio de la Société Sainte-Cécile.

Entre los músicos que rápidamente detectaron el talento de Saint-Saëns estaban los compositores Gioachino Rossini , Hector Berlioz y Franz Liszt , y la influyente cantante Pauline Viardot , quienes lo alentaron en su carrera. A principios de 1858, Saint-Saëns se mudó de Saint-Merri al destacado puesto de organista de La Madeleine , la iglesia oficial del Imperio; Liszt lo escuchó tocar allí y lo declaró el mejor organista del mundo.

Aunque en su vida posterior tuvo una reputación de conservadurismo musical abierto, en la década de 1850 Saint-Saëns apoyó y promovió la música más moderna de la época, incluida la de Liszt, Robert Schumann y Richard Wagner . A diferencia de muchos compositores franceses propios y de la próxima generación, Saint-Saëns, a pesar de todo su entusiasmo y conocimiento de las óperas de Wagner, no fue influenciado por él en sus propias composiciones. Comentó: "Admiro profundamente las obras de Richard Wagner a pesar de su carácter extraño. Son superiores y poderosas, y eso es suficiente para mí. Pero no soy, nunca he sido y nunca seré del wagneriano". religión."

Década de 1860: maestro y fama creciente

joven con uniforme universitario del siglo XIX
Gabriel Fauré , alumno, protegido y amigo de toda la vida de Saint-Saëns, como estudiante, 1864

En 1861, Saint-Saëns aceptó su único puesto como profesor, en la École de Musique Classique et Religieuse de París, que Louis Niedermeyer había establecido en 1853 para formar organistas y directores de coro de primer nivel para las iglesias de Francia. El propio Niedermeyer fue profesor de piano; cuando murió en marzo de 1861, Saint-Saëns fue designado para hacerse cargo de los estudios de piano. Escandalizó a algunos de sus colegas más austeros al introducir a sus alumnos en la música contemporánea, incluida la de Schumann, Liszt y Wagner. Su alumno más conocido, Gabriel Fauré , recordaba en la vejez:

Después de dejar que las lecciones se alargaran, se acercaba al piano y nos revelaba aquellas obras de los maestros de los que el riguroso clasicismo de nuestro programa de estudios nos mantenía a distancia y que, además, en aquellos años lejanos , eran apenas conocidos. ... En ese momento yo tenía 15 o 16 años, y de esa época data el apego casi filial ... la admiración inmensa, la gratitud incesante que [he] tenido por él, a lo largo de mi vida.

Saint-Saëns animó aún más el régimen académico escribiendo y componiendo música incidental para una farsa en un acto interpretada por los estudiantes (incluido André Messager ). Concibió su pieza más conocida, El carnaval de los animales , pensando en sus alumnos, pero no terminó de componerla hasta 1886, más de veinte años después de abandonar la escuela Niedermeyer.

En 1864 Saint-Saëns causó cierta sorpresa al competir por segunda vez por el Prix de Rome. Muchos en los círculos musicales estaban desconcertados por su decisión de participar nuevamente en la competencia, ahora que estaba estableciendo una reputación como solista y compositor. Una vez más fracasó. Berlioz, uno de los jueces, escribió:

El otro día le dimos el Prix de Rome a un joven que no esperaba ganarlo y que casi se volvió loco de alegría. Todos esperábamos que el premio fuera para Camille Saint-Saëns, quien tuvo la extraña idea de competir. Confieso que me dio pena votar en contra de un hombre que es verdaderamente un gran artista y que ya es muy conocido, prácticamente una celebridad. Pero el otro hombre, que todavía es estudiante, tiene ese fuego interior, esa inspiración, siente, puede hacer cosas que no se pueden aprender y el resto las aprende más o menos. Así que voté por él, suspirando al pensar en la infelicidad que este fracaso debe causar a Saint-Saëns. Pero, sea lo que sea, hay que ser honesto.

Según el erudito musical Jean Gallois, fue a propósito de este episodio que Berlioz hizo su conocido bon mot sobre Saint-Saëns, "Él sabe todo, pero carece de inexperiencia" ("Il sait tout, mais il manque d'inexpérience" ). El ganador, Victor Sieg , tuvo una carrera no más notable que la del ganador de 1852, pero el biógrafo de Saint-Saëns, Brian Rees, especula que los jueces pueden "haber estado buscando signos de genialidad en medio del esfuerzo tentativo y el error, y consideraron que Saint-Saëns había llegado a su cima de competencia". La sugerencia de que Saint-Saëns era más competente que inspirado persiguió su carrera y su reputación póstuma. Él mismo escribió: "El arte está destinado a crear belleza y carácter. El sentimiento solo viene después y el arte puede muy bien prescindir de él. De hecho, es mucho mejor cuando lo hace". La biógrafa Jessica Duchen escribe que era "un hombre con problemas que prefería no traicionar el lado más oscuro de su alma". El crítico y compositor Jeremy Nicholas observa que esta reticencia ha llevado a muchos a subestimar la música; cita comentarios tan despectivos como "Saint-Saëns es el único gran compositor que no fue un genio" y "Mala música bien escrita".

imágenes de cabeza y hombros de cuatro hombres del siglo XIX de mediana edad
Entrega del primer premio de Saint-Saëns, París, 1867: en el sentido de las agujas del reloj desde arriba a la izquierda, Berlioz , Gounod , Rossini y Verdi

Mientras enseñaba en la escuela Niedermeyer, Saint-Saëns dedicó menos energía a la composición y la interpretación, aunque una obertura titulada Spartacus fue coronada en un concurso instituido en 1863 por la Société Sainte Cécile de Burdeos . Pero después de dejar la escuela en 1865, siguió con vigor ambos aspectos de su carrera. En 1867 su cantata Les noces de Prométhée venció a más de un centenar de candidaturas para ganar el premio de composición de la Grande Fête Internationale de París, cuyo jurado incluía a Auber, Berlioz, Gounod, Rossini y Giuseppe Verdi . En 1868 estrenó la primera de sus obras orquestales para ganar un lugar permanente en el repertorio, su Segundo Concierto para piano . Tocando esta y otras obras, se convirtió en una figura destacada en la vida musical de París y otras ciudades de Francia y el extranjero durante la década de 1860.

Década de 1870: guerra, matrimonio y éxito operístico

En 1870, preocupados por el predominio de la música alemana y la falta de oportunidades para que los jóvenes compositores franceses interpretaran sus obras, Saint-Saëns y Romain Bussine , profesor de canto en el Conservatorio, discutieron la fundación de una sociedad para promover la nueva música francesa. . Antes de que pudieran llevar la propuesta más allá , estalló la guerra franco-prusiana . Saint-Saëns sirvió en la Guardia Nacional durante la guerra. Durante la breve pero sangrienta Comuna de París que siguió de marzo a mayo de 1871, su superior en Madeleine, el Abbé Deguerry, fue asesinado por rebeldes; Saint-Saëns escapó a un breve exilio en Inglaterra. Con la ayuda de George Grove y otros se mantuvo en Londres, dando recitales. Al regresar a París en mayo, descubrió que los sentimientos anti-alemanes habían aumentado considerablemente el apoyo a la idea de una sociedad musical pro-francesa. La Société Nationale de Musique , con su lema, "Ars Gallica" , se estableció en febrero de 1871, con Bussine como presidente, Saint-Saëns como vicepresidente y Henri Duparc , Fauré, Franck y Jules Massenet entre sus miembros fundadores.

retrato informal de un hombre de mediana edad con las manos en los bolsillos de los pantalones
Saint-Saëns en 1875, año de su matrimonio

Como admirador de los innovadores poemas sinfónicos de Liszt , Saint-Saëns adoptó con entusiasmo la forma; su primer "poème symphonique" fue Le Rouet d'Omphale (1871), estrenado en un concierto de la Sociéte Nationale en enero de 1872. En el mismo año, después de más de una década de trabajo intermitente en partituras operísticas, Saint-Saëns finalmente tuvo puesta en escena de una de sus óperas. La princesse jaune ("La princesa amarilla"), una pieza romántica ligera en un acto, se presentó en la Opéra-Comique de París en junio. Tuvo cinco funciones.

A lo largo de la década de 1860 y principios de la de 1870, Saint-Saëns había seguido viviendo una existencia de soltero, compartiendo un gran apartamento en el cuarto piso en la Rue du Faubourg Saint-Honoré con su madre. En 1875, sorprendió a muchos al casarse. El novio se acercaba a los cuarenta y la novia diecinueve; ella era Marie-Laure Truffot, la hermana de uno de los alumnos del compositor. El matrimonio no fue un éxito. En palabras de la biógrafa Sabina Teller Ratner, "la madre de Saint-Saëns lo desaprobaba y era difícil vivir con su hijo". Saint-Saëns y su esposa se mudaron a la Rue Monsieur-le-Prince , en el Barrio Latino ; su madre se mudó con ellos. La pareja tuvo dos hijos, los cuales murieron en la infancia. En 1878, el mayor, André, de dos años, se cayó de una ventana del piso y murió; el más joven, Jean-François, murió de neumonía seis semanas después, a la edad de seis meses. Saint-Saëns y Marie-Laure siguieron viviendo juntos durante tres años, pero él la culpó del accidente de André; el doble golpe de su pérdida destruyó efectivamente el matrimonio.

Dibujo de una producción de una ópera del siglo XIX, con bailarina y dos hombres.
Escena de Le timbre d'argent

Para un compositor francés del siglo XIX, la ópera era vista como el tipo de música más importante. El contemporáneo y rival más joven de Saint-Saëns, Massenet, comenzaba a ganar reputación como compositor de ópera, pero Saint-Saëns, con solo la corta y sin éxito La princesse jaune puesta en escena, no había dejado huella en esa esfera. En febrero de 1877, finalmente hizo representar una ópera de larga duración. Su "drame lyricque" en cuatro actos, Le timbre d'argent ("La campana de plata"), con libreto de Jules Barbier y Michel Carré , que recuerda la leyenda de Fausto , había estado ensayado en 1870, pero el estallido de la guerra detuvo la producción. La obra finalmente fue presentada por la compañía Théâtre Lyrique de París; tuvo dieciocho funciones.

El dedicado de la ópera, Albert Libon, murió tres meses después del estreno, dejando a Saint-Saëns un gran legado "Para liberarlo de la esclavitud del órgano de la Magdalena y permitirle dedicarse por completo a la composición". Saint-Saëns, sin saber del legado inminente, había dimitido de su cargo poco antes de la muerte de su amigo. No era un cristiano convencional y encontraba los dogmas religiosos cada vez más fastidiosos; se había cansado de la injerencia y la insensibilidad musical de las autoridades clericales; y quería ser libre para aceptar más compromisos como pianista solista en otras ciudades. Después de esto, nunca tocó el órgano profesionalmente en un servicio religioso y rara vez tocó el instrumento. Compuso una Messe de Requiem en memoria de su amigo, que se representó en Saint-Sulpice para conmemorar el primer aniversario de la muerte de Libon; Charles-Marie Widor tocaba el órgano y Saint-Saëns dirigía.

En diciembre de 1877, Saint-Saëns tuvo un éxito operístico más sólido, con Samson et Dalila , su única ópera para ganar y mantener un lugar en el repertorio internacional. Debido a su tema bíblico, el compositor había encontrado muchos obstáculos para su presentación en Francia y, gracias a la influencia de Liszt, el estreno se realizó en Weimar en una traducción al alemán. Aunque la obra finalmente se convirtió en un éxito internacional, no se representó en la Ópera de París hasta 1892.

Saint-Saëns era un gran viajero. Desde la década de 1870 hasta el final de su vida realizó 179 viajes a 27 países. Sus compromisos profesionales lo llevaron con mayor frecuencia a Alemania e Inglaterra; para las vacaciones y para evitar los inviernos parisinos que afectaban su débil pecho, prefería Argel y varios lugares de Egipto.

Década de 1880: figura internacional

Saint-Saëns fue elegido miembro del Institut de France en 1881, en su segundo intento, después de haber sido derrotado por Massenet en 1878. En julio de ese año, él y su esposa fueron de vacaciones a la ciudad balneario de Auvergnat , La Bourboule . . El 28 de julio desapareció de su hotel y unos días después su esposa recibió una carta de él para decirle que no regresaría. Nunca se volvieron a ver. Marie Saint-Saëns volvió con su familia y vivió hasta 1950, muriendo cerca de Burdeos a la edad de noventa y cinco años. Saint-Saëns no se divorció de su esposa y se volvió a casar, ni entabló ninguna relación íntima posterior con una mujer. Rees comenta que aunque no hay pruebas firmes, algunos biógrafos creen que Saint-Saëns se sentía más atraído por su propio sexo que por las mujeres. Después de la muerte de sus hijos y el colapso de su matrimonio, Saint-Saëns encontró cada vez más una familia sustituta en Fauré y su esposa, Marie, y sus dos hijos, de quienes era un tío honorario muy querido. Marie le dijo: "Para nosotros eres uno más de la familia, y aquí mencionamos tu nombre sin cesar".

Escenario del siglo XIX que muestra un gran interior Tudor inglés
Enrique VIII de Saint-Saëns en la Ópera de París , 1883

En la década de 1880, Saint-Saëns siguió buscando el éxito en el teatro de la ópera, una empresa que se hizo más difícil debido a la creencia arraigada entre los miembros influyentes del establecimiento musical de que era impensable que un pianista, organista y sinfonista pudiera escribir una buena ópera. Tuvo dos óperas puestas en escena durante la década, la primera fue Enrique VIII (1883) encargada por la Ópera de París. Aunque el libreto no fue de su elección, Saint-Saëns, normalmente un compositor fluido e incluso fácil, trabajó en la partitura con una diligencia inusual para capturar un aire convincente de la Inglaterra del siglo XVI. La obra fue un éxito y fue revivida con frecuencia durante la vida del compositor. Cuando se produjo en Covent Garden en 1898, The Era comentó que aunque los libretistas franceses generalmente "hacen un buen resumen de la historia británica", esta pieza "no era del todo despreciable como historia de ópera".

La mentalidad abierta de la Société Nationale se había endurecido a mediados de la década de 1880 en una adhesión dogmática a los métodos wagnerianos favorecidos por los alumnos de Franck, dirigidos por Vincent d'Indy . Habían comenzado a dominar la organización y buscaban abandonar su ethos "Ars Gallica" de compromiso con las obras francesas. Bussine y Saint-Saëns encontraron esto inaceptable y renunciaron en 1886. Habiendo presionado durante mucho tiempo los méritos de Wagner en un público francés a veces escéptico, Saint-Saëns ahora estaba preocupado de que la música alemana tuviera un impacto excesivo en los jóvenes compositores franceses. Su creciente cautela hacia Wagner se convirtió en años posteriores en una hostilidad más fuerte, dirigida tanto al nacionalismo político de Wagner como a su música.

En la década de 1880, Saint-Saëns era un favorito establecido entre el público de Inglaterra, donde era ampliamente considerado como el mejor compositor francés vivo. En 1886, la Sociedad Filarmónica de Londres encargó lo que se convirtió en una de sus obras más populares y respetadas, la Tercera Sinfonía ("Órgano") . Se estrenó en Londres en un concierto en el que Saint-Saëns actuó como director de la sinfónica y como solista en el Cuarto Concierto para piano de Beethoven , dirigido por Sir Arthur Sullivan . El éxito de la sinfónica en Londres fue considerable, pero fue superado por la acogida exultante que recibió la obra en su estreno en París a principios del año siguiente. Más tarde, en 1887, el "drame lyrique" Proserpine de Saint-Saëns se inauguró en la Opéra-Comique. Fue bien recibido y parecía encaminarse a una carrera sustancial cuando el teatro se quemó a las pocas semanas del estreno y se perdió la producción.

En diciembre de 1888 murió la madre de Saint-Saëns. Sintió profundamente su pérdida y se sumió en la depresión y el insomnio, incluso contemplando el suicidio. Dejó París y se quedó en Argel, donde se recuperó hasta mayo de 1889, caminando y leyendo pero sin poder componer.

Década de 1890: marcando el tiempo

retrato de busto de Saint-Saëns con barba en un chaleco y traje, mirando al espectador
Saint-Saëns fotografiado por Nadar

Durante la década de 1890, Saint-Saëns pasó mucho tiempo de vacaciones, viajando al extranjero, componiendo menos y actuando con menos frecuencia que antes. Una visita planeada para actuar en Chicago fracasó en 1893. Escribió una ópera, la comedia Phryné (1893), y junto con Paul Dukas ayudó a completar Frédégonde (1895), una ópera que Ernest Guiraud dejó inconclusa , quien murió en 1892. Phryné fue bien recibido y provocó pedidos de más óperas cómicas en la Opéra-Comique, que últimamente había estado favoreciendo la gran ópera . Sus pocas obras corales y orquestales de la década de 1890 son en su mayoría breves; las principales piezas de concierto de la década fueron el movimiento único Fantasia Africa (1891) y su Quinto Concierto para piano ("Egipcio") , que estrenó en un concierto en 1896 con motivo del quincuagésimo aniversario de su debut en la Salle Pleyel en 1846. Antes tocando el concierto, leyó un breve poema que había escrito para el evento, elogiando la tutela de su madre y el largo apoyo de su público.

Entre los conciertos que Saint-Saëns realizó durante la década estuvo uno en Cambridge en junio de 1893, cuando él, Bruch y Tchaikovsky actuaron en un evento presentado por Charles Villiers Stanford para la Sociedad Musical de la Universidad de Cambridge , marcando la concesión de títulos honoríficos a los tres. visitantes Saint-Saëns disfrutó mucho de la visita, e incluso habló con aprobación de los servicios de la capilla del colegio: "Las exigencias de la religión inglesa no son excesivas. Los servicios son muy cortos y consisten principalmente en escuchar buena música muy bien cantada, porque los ingleses son excelentes coristas". Su respeto mutuo por los coros británicos continuó durante el resto de su vida, y una de sus últimas obras a gran escala, el oratorio La Tierra Prometida , fue compuesta para el Festival de los Tres Coros de 1913.

1900–21: últimos años

En 1900, después de diez años sin un hogar permanente en París, Saint-Saëns alquiló un piso en la rue de Courcelles, no lejos de su antigua residencia en la rue du Faubourg Saint-Honoré. Este siguió siendo su hogar por el resto de su vida. Continuó viajando al extranjero con frecuencia, pero cada vez más para dar conciertos en lugar de como turista. Volvió a visitar Londres, donde siempre fue un visitante bienvenido, fue a Berlín, donde hasta la Primera Guerra Mundial fue recibido con honor, y viajó por Italia, España, Mónaco y la provincia de Francia. En 1906 y 1909 realizó exitosas giras por los Estados Unidos, como pianista y director de orquesta. En Nueva York, en su segunda visita, estrenó su "Praise ye the Lord" para doble coro, orquesta y órgano, que compuso para la ocasión.

retrato sentado de un hombre de mediana edad, con barba, vestido con un traje formal del siglo XIX
Saint-Saëns, fotografiado por Pierre Petit en 1900

A pesar de su creciente reputación como un reaccionario musical, Saint-Saëns fue, según Gallois, probablemente el único músico francés que viajó a Munich para escuchar el estreno de la Octava Sinfonía de Mahler en 1910. No obstante, en el siglo XX, Saint-Saëns había perdió gran parte de su entusiasmo por el modernismo en la música. Aunque se esforzó por ocultárselo a Fauré, no entendió ni le gustó la ópera Penélope (1913) de este último, de la que fue el dedicado. En 1917 , Francis Poulenc , al comienzo de su carrera como compositor, se mostró desdeñoso cuando Ravel elogió a Saint-Saëns como un genio. En ese momento, estaban surgiendo varios hilos de música nueva con los que Saint-Saëns tenía poco en común. Su instinto clásico por la forma lo puso en desacuerdo con lo que le parecía la falta de forma y la estructura de los impresionistas musicales, encabezados por Debussy. Las teorías de la dodecafonía de Arnold Schönberg tampoco se recomendaron a Saint-Saëns:

Ya no se trata de añadir a las viejas reglas nuevos principios que son la expresión natural del tiempo y de la experiencia, sino simplemente de desechar todas las reglas y todas las restricciones. "Cada uno debe hacer sus propias reglas. La música es libre e ilimitada en su libertad de expresión. No hay acordes perfectos, acordes disonantes o acordes falsos. Todas las agregaciones de notas son legítimas". Eso se llama, y ​​así lo creen, el desarrollo del gusto .

Con puntos de vista tan conservadores, Saint-Saëns no simpatizaba, y estaba pasado de moda, con la escena musical parisina de principios del siglo XX, fascinada como estaba con la novedad. Se suele decir que abandonó, escandalizado, el estreno del ballet La consagración de la primavera de Vaslav Nijinsky e Igor Stravinsky en 1913. De hecho, según Stravinsky, Saint-Saëns no estuvo presente en esa ocasión, pero sí en la primer concierto de la pieza al año siguiente, expresó la firme opinión de que Stravinsky estaba loco.

Cuando un grupo de músicos franceses encabezados por Saint-Saëns intentó organizar un boicot a la música alemana durante la Primera Guerra Mundial, Fauré y Messager se desvincularon de la idea, aunque el desacuerdo no afectó la amistad con su antiguo maestro. En privado, les preocupaba que su amigo estuviera en peligro de quedar en ridículo con su exceso de patriotismo y su creciente tendencia a denunciar en público las obras de los jóvenes compositores en ascenso, como en su condena de En blanc et noir (1915) de Debussy: "Nosotros hay que atrancar a toda costa la puerta del Institut contra un hombre capaz de semejantes atrocidades; hay que ponerlas al lado de los cuadros cubistas ". Su determinación de bloquear la candidatura de Debussy para la elección del Institut tuvo éxito y provocó un amargo resentimiento entre los seguidores del joven compositor. La respuesta de Saint-Saëns al neoclasicismo de Les Six fue igualmente intransigente: de la suite sinfónica politonal Protée (1919) de Darius Milhaud , comentó : "afortunadamente, todavía hay asilos para lunáticos en Francia".

interior de la sala de conciertos abarrotada durante un concierto
Saint-Saëns al piano para su concierto de despedida previsto en 1913, dirigido por Pierre Monteux

Saint-Saëns dio lo que pretendía ser su concierto de despedida como pianista en París en 1913, pero su retiro pronto quedó en suspenso como resultado de la guerra, durante la cual realizó muchas actuaciones en Francia y otros lugares, recaudando dinero para obras de caridad de guerra. . Estas actividades lo llevaron a cruzar el Atlántico, a pesar del peligro de los submarinos alemanes.

En noviembre de 1921, Saint-Saëns dio un recital en el Institut ante un numeroso público invitado; se comentó que su forma de tocar era tan vívida y precisa como siempre, y que su porte personal era admirable para un hombre de ochenta y seis años. Salió de París un mes después hacia Argel, con la intención de pasar el invierno allí, como estaba acostumbrado desde hacía mucho tiempo. Mientras estuvo allí, murió sin previo aviso de un ataque al corazón el 16 de diciembre de 1921. Su cuerpo fue llevado de regreso a París y, después de un funeral de estado en Madeleine, fue enterrado en el cimetière du Montparnasse . Profundamente velada, en un lugar discreto entre los dolientes de la élite política y artística de Francia, estaba su viuda, Marie-Laure, a quien había visto por última vez en 1881.

Música

Retrato de Camille Saint-Saëns por Jean-Joseph Benjamin-Constant , 1898

En los primeros años del siglo XX, el autor anónimo del artículo sobre Saint-Saëns en el Diccionario de música y músicos de Grove escribió:

Saint-Saëns es un consumado maestro de la composición, y nadie posee un conocimiento más profundo que él de los secretos y recursos del arte; pero la facultad creativa no sigue el ritmo de la habilidad técnica del trabajador. Su incomparable talento para la orquestación le permite dar relieve a ideas que de otro modo serían toscas y mediocres en sí mismas ... sus obras, por un lado, no son lo suficientemente frívolas para volverse populares en el sentido más amplio, ni por el otro se arraigan. del público por esa sinceridad y calidez de sentimiento que resulta tan convincente.

Aunque en su juventud fue un entusiasta modernista, Saint-Saëns siempre fue profundamente consciente de los grandes maestros del pasado. En un perfil de él escrito para conmemorar su octogésimo cumpleaños, el crítico DC  Parker  escribió: "Que Saint-Saëns conoce a Rameau  ... Bach y Handel , Haydn y Mozart, debe ser manifiesto para todos los que están familiarizados con sus escritos. Su el amor por los gigantes clásicos y su simpatía por ellos forman, por así decirlo, la base de su arte".

Menos atraído que algunos de sus contemporáneos franceses por la corriente continua de música popularizada por Wagner, Saint-Saëns a menudo favorecía las melodías independientes. Aunque con frecuencia son, en palabras de Ratner, "flexibles y flexibles", la mayoría de las veces se construyen en secciones de tres o cuatro compases, y el "patrón de frase AABB es característico". Una tendencia ocasional al neoclasicismo, influenciada por su estudio de la música barroca francesa, contrasta con la colorida música orquestal más ampliamente identificada con él. Grove observa que sus efectos se basan más en armonías y ritmos característicos que en una partitura extravagante. En ambas áreas de su oficio, normalmente se contentaba con lo familiar. Rítmicamente, se inclinó por los metros estándar dobles, triples o compuestos (aunque Grove apunta a un pasaje de 5/4 en el Piano Trio y otro en 7/4 en la Polonesa para dos pianos). Desde su época en el Conservatorio fue un maestro del contrapunto; pasajes contrapuntísticos surgen, aparentemente con naturalidad, en muchas de sus obras.

obras orquestales

Los autores de The Record Guide de 1955 , Edward Sackville-West y Desmond Shawe-Taylor escriben que la brillante maestría musical de Saint-Saëns fue "instrumental para llamar la atención de los músicos franceses sobre el hecho de que hay otras formas de música además de la ópera". En la edición de 2001 de Grove's Dictionary , Ratner y Daniel Fallon, analizando la música orquestal de Saint-Saëns, califican la Sinfonía en A sin numerar (c.1850) como la más ambiciosa de las obras juveniles del compositor. De las obras de su madurez, la Primera Sinfonía (1853) es una obra seria y de gran formato, en la que se nota la influencia de Schumann. La Sinfonía "Urbs Roma" (1856) representa en cierto modo un paso atrás, siendo menos hábilmente orquestada y "gruesa y pesada" en su efecto. Ratner y Fallon elogian la Segunda Sinfonía (1859) como un buen ejemplo de economía orquestal y cohesión estructural, con pasajes que muestran el dominio del compositor en la escritura fugaz . La más conocida de las sinfonías es la Tercera (1886) que, inusualmente, tiene partes prominentes para piano y órgano. Se abre en do menor y termina en do mayor con una majestuosa melodía coral. Los cuatro movimientos están claramente divididos en dos pares, una práctica que Saint-Saëns usó en otros lugares, especialmente en el Cuarto Concierto para piano (1875) y la Primera Sonata para violín (1885). La obra está dedicada a la memoria de Liszt, y utiliza un motivo recurrente tratado en un estilo lisztiano de transformación temática .

Tarjeta postal con retrato e inscripción manuscrita
Saint-Saëns modeló sus poemas sinfónicos a partir de los de Liszt , que se ven aquí en una postal dedicada a Fauré .

Los cuatro poemas sinfónicos de Saint-Saëns siguen el modelo de los de Liszt, aunque, en opinión de Sackville-West y Shawe-Taylor, sin la "descaro vulgar" a la que era propenso el compositor anterior. El más popular de los cuatro es Danse macabre (1874) que representa esqueletos bailando a medianoche. Saint-Saëns generalmente logró sus efectos orquestales mediante una hábil armonización en lugar de una instrumentación exótica, pero en esta pieza destacó el xilófono , que representa el ruido de los huesos de los bailarines. Le Rouet d'Omphale (1871) se compuso poco después de los horrores de la Comuna, pero su ligereza y su delicada orquestación no dan indicios de tragedias recientes. Rees califica a Phaëton (1873) como el mejor de los poemas sinfónicos, contradiciendo la profesada indiferencia del compositor por la melodía, e inspirado en su descripción del héroe mítico y su destino. Un crítico en el momento del estreno tuvo una opinión diferente, escuchando en la pieza "el ruido de un coche de carreras que bajaba de Montmartre" en lugar de los caballos de fuego al galope de la leyenda griega que inspiró la pieza. El último de los cuatro poemas sinfónicos, La jeunesse d'Hercule ("La juventud de Hércules", 1877) fue el más ambicioso de los cuatro, por lo que, según sugiere Harding, es el menos exitoso. A juicio del crítico Roger Nichols , estas obras orquestales, que combinan melodías impactantes, fuerza de construcción y una orquestación memorable, "establecieron nuevos estándares para la música francesa y fueron una inspiración para compositores tan jóvenes como Ravel".

Saint-Saëns escribió un ballet en un acto, Javot (1896), la partitura de la película L'assassinat du duc de Guise (1908) y música incidental para una docena de obras entre 1850 y 1916. Tres de estas partituras fueron para avivamientos. de clásicos de Molière y Racine, para los que el profundo conocimiento de Saint-Saëns de las partituras barrocas francesas se refleja en sus partituras, en las que incorpora música de Lully y Charpentier .

obras concertantes

Saint-Saëns fue el primer gran compositor francés en escribir conciertos para piano. Su Primero , en Re (1858), en forma convencional de tres movimientos, no es muy conocido, pero el Segundo, en Sol menor (1868) es una de sus obras más populares. El compositor experimentó con la forma en esta pieza, reemplazando la forma sonata habitual del primer movimiento con una estructura más discursiva, abriendo con una cadencia solemne . El segundo movimiento de scherzo y el presto final contrastan tanto con la apertura que el pianista Zygmunt Stojowski comentó que la obra "comienza como Bach y termina como Offenbach". El Tercer Concierto para piano , en Mi (1869) tiene otro final animado, pero los primeros movimientos son más clásicos, la textura clara, con elegantes líneas melódicas. El Cuarto, en Do menor (1875) es probablemente el concierto para piano más conocido del compositor después del Segundo. Consta de dos movimientos, cada uno de los cuales comprende dos subsecciones identificables, y mantiene una unidad temática que no se encuentra en los otros conciertos para piano del compositor. Según algunas fuentes, fue esta pieza la que impresionó tanto a Gounod que apodó a Saint-Saëns "el Beethoven de Francia" (otras fuentes basan esa distinción en la Tercera Sinfonía). El quinto y último concierto para piano, en fa mayor, fue escrito en 1896, más de veinte años después de su predecesor. La obra se conoce como el concierto "egipcio"; fue escrito mientras el compositor pasaba el invierno en Luxor e incorpora una melodía que escuchó cantar a los barqueros del Nilo.

El Primer Concierto para violonchelo , en la menor (1872) es una obra seria aunque animada, en un solo movimiento continuo con una primera sección inusualmente turbulenta. Es uno de los conciertos más populares en el repertorio de violonchelo, muy favorecido por Pablo Casals y los músicos posteriores. El Segundo , en re menor (1902), al igual que el Cuarto Concierto para piano, consta de dos movimientos, cada uno subdividido en dos secciones distintas. Es más puramente virtuosa que su predecesora: Saint-Saëns le comentó a Fauré que nunca sería tan popular como la Primera porque era demasiado difícil. Hay tres conciertos para violín; la primera que se compuso data de 1858 pero no se publicó hasta 1879, como la Segunda del compositor , en do mayor. La Primera, en A, también se completó en 1858. Es una obra corta, su único movimiento de 314 compases dura menos de un cuarto de hora. El Segundo, en forma de concierto convencional de tres movimientos, es el doble de largo que el Primero y es el menos popular de los tres: el catálogo temático de las obras del compositor enumera solo tres representaciones durante su vida. La Tercera , en si menor, escrita para Pablo de Sarasate , es técnicamente desafiante para el solista, aunque los virtuosos pasajes se equilibran con intervalos de serenidad pastoril. Es, con cierto margen, el más popular de los tres conciertos para violín, pero la obra concertante para violín y orquesta más conocida de Saint-Saëns es probablemente la Introducción y Rondo Capriccioso , en la menor, op. 28, una pieza de un solo movimiento, también escrita para Sarasate, que data de 1863. Cambia de una apertura melancólica y tensa a un tema principal arrogante, descrito como levemente siniestro por el crítico Gerald Larner, quien continúa: "Después de un cadencia detenida ... el violín solista hace un sprint sin aliento a través de la coda hasta el final feliz en La mayor".

óperas

Ilustración de prensa de la producción de ópera, que muestra al cantante interpretando a Samson demoliendo el templo enemigo
Samson et Dalila en la Ópera de París , 1892: Samson ( Edmond Vergnet ) destruye el templo filisteo

Descontando su colaboración con Dukas en la finalización de la Frédégonde inacabada de Guiraud , Saint-Saëns escribió doce óperas, dos de las cuales son opéras comiques . Durante la vida del compositor, su Enrique VIII se convirtió en una pieza de repertorio; desde su muerte, solo Samson et Dalila se ha representado regularmente, aunque según Schonberg, los expertos consideran que Ascanio (1890) es una obra mucho más fina. El crítico Ronald Crichton escribe que a pesar de toda su experiencia y habilidad musical, Saint-Saëns "carecía del 'olfato' del animal de teatro concedido, por ejemplo, a Massenet, que en otras formas de música era inferior a él". En un estudio de 2005, el erudito musical Steven Huebner contrasta a los dos compositores: "Saint-Saëns obviamente no tenía tiempo para el histrionismo de Massenet". El biógrafo de Saint-Saëns, James Harding , comenta que es lamentable que el compositor no haya intentado más obras de carácter alegre, en la línea de La princesse jaune , que Harding describe como Sullivan "con un ligero toque francés".

Aunque la mayoría de las óperas de Saint-Saëns han permanecido descuidadas, Crichton las considera importantes en la historia de la ópera francesa, como "un puente entre Meyerbeer y las óperas francesas serias de principios de la década de 1890". A su juicio, las partituras operísticas de Saint-Saëns tienen, en general, los puntos fuertes y débiles del resto de su música –“transparencia mozartiana lúcida, mayor cuidado por la forma que por el contenido  … Hay cierta sequedad emocional; invención a veces es delgado, pero la mano de obra es impecable". Estilísticamente, Saint-Saëns se basó en una variedad de modelos. De Meyerbeer extrajo el uso efectivo del coro en la acción de una pieza; para Enrique VIII incluyó música Tudor que había investigado en Londres; en La princesse jaune utilizó una escala pentatónica oriental ; de Wagner derivó el uso de leitmotivs , que, como Massenet, utilizó con moderación. Huebner observa que Saint-Saëns era más convencional que Massenet en lo que respecta a la composición , favoreciendo más a menudo arias y conjuntos discretos, con menos variedad de tempo dentro de los números individuales. En un estudio de la ópera grabada, Alan Blyth escribe que Saint-Saëns "ciertamente aprendió mucho de Handel, Gluck, Berlioz, el Verdi de Aida y Wagner, pero de estos excelentes modelos forjó su propio estilo".

Otra música vocal

retratos de cabeza y hombros de tres escritores del siglo XIX y uno del siglo XX, todos de mediana edad
Pierre Corneille , Alphonse de Lamartine , Victor Hugo y Herman Klein , cuyas palabras Saint-Saëns plasma en canciones y obras corales.

Desde los seis años y durante el resto de su vida, Saint-Saëns compuso melodías , escribiendo más de 140. Consideró sus canciones completas y típicamente francesas, negando cualquier influencia de Schubert u otros compositores alemanes de Lieder . A diferencia de su protegido Fauré, o su rival Massenet, no se sintió atraído por el ciclo de canciones, escribiendo solo dos durante su larga carrera: Mélodies persanes ("Canciones persas", 1870) y Le Cendre rouge ("El fresno rojo", 1914). , dedicado a Fauré). El poeta cuyas obras ambientó con mayor frecuencia fue Víctor Hugo; otros incluyeron a Alphonse de Lamartine , Pierre Corneille , Amable Tastu y, en ocho canciones, el propio Saint-Saëns: entre sus muchos talentos no musicales, era un poeta aficionado. Era muy sensible a la configuración de las palabras y le dijo a la joven compositora Lili Boulanger que para escribir canciones de manera efectiva el talento musical no era suficiente: "debes estudiar el idioma francés en profundidad, es indispensable". La mayoría de las melodías están escritas para acompañamiento de piano, pero algunas, incluidas "Le palanca du soleil sur le Nil" ("Amanecer sobre el Nilo", 1898) e "Hymne à la paix" ("Himno a la paz", 1919) , son para voz y orquesta. Sus arreglos y versos elegidos son generalmente de forma tradicional, en contraste con el verso libre y las formas menos estructuradas de una generación posterior de compositores franceses, incluido Debussy .

Saint-Saëns compuso más de sesenta obras vocales sacras, que van desde motetes hasta misas y oratorios. Entre las composiciones de mayor formato se encuentran el Requiem (1878) y los oratorios Le déluge (1875) y The Promised Land (1913) con texto en inglés de Herman Klein . Se mostró orgulloso de su conexión con los coros británicos y comentó: "A uno le gusta ser apreciado en el hogar, por excelencia , del oratorio". Escribió un número menor de obras corales seculares, algunas para coro solo, algunas con acompañamiento de piano y algunas con orquesta completa. En sus obras corales, Saint-Saëns se basó en gran medida en la tradición, sintiendo que sus modelos deberían ser Handel, Mendelssohn y otros maestros anteriores del género. En opinión de Klein, este enfoque estaba anticuado y la familiaridad del tratamiento de Saint-Saëns de la forma del oratorio impidió su éxito en él.

Teclado solo

Nichols comenta que, aunque como un famoso pianista Saint-Saëns escribió para piano a lo largo de su vida, "esta parte de su obra ha dejado curiosamente poca huella". Nichols exceptúa el Étude en forme de valse (1912), que observa que todavía atrae a pianistas deseosos de mostrar su técnica de la mano izquierda. Aunque Saint-Saëns fue apodado "el Beethoven francés", y sus Variaciones sobre un tema de Beethoven en Mi (1874) es su obra más extensa para piano solo, no emuló a su predecesor en la composición de sonatas para piano. Ni siquiera se sabe que haya contemplado escribir uno. Hay juegos de bagatelas (1855), estudios (dos juegos: 1899 y 1912) y fugas (1920), pero en general las obras para piano de Saint-Saëns son piezas cortas individuales. Además de formas establecidas como la canción sin palabras (1871) y la mazurca (1862, 1871 y 1882) popularizadas por Mendelssohn y Chopin, respectivamente, escribió piezas descriptivas como "Souvenir d'Italie" (1887), "Les cloches du soir" ("Campanas de la tarde", 1889) y "Souvenir d'Ismaïlia" (1895).

A diferencia de su alumno Fauré, cuya larga carrera como organista renuente no dejó ningún legado de obras para el instrumento, Saint-Saëns publicó un número modesto de piezas para órgano solo. Algunos de ellos fueron escritos para su uso en los servicios de la iglesia: "Offertoire" (1853), "Bénédiction nuptiale" (1859), "Comunión" (1859) y otros. Después de dejar la Madeleine en 1877, Saint-Saëns escribió diez piezas más para órgano, principalmente para conciertos, incluidos dos juegos de preludios y fugas (1894 y 1898). Algunas de las obras anteriores se escribieron para tocarse en el armonio o en el órgano, y algunas estaban destinadas principalmente al primero.

Cámara

Saint-Saëns escribió más de cuarenta obras de cámara entre la década de 1840 y sus últimos años. Una de las primeras de sus principales obras en el género fue el Piano Quintet (1855). Es una pieza sencilla y segura, de estructura convencional con movimientos exteriores animados y un movimiento central que contiene dos temas lentos, uno coral y el otro cantabile . El Septeto (1880), para la combinación inusual de trompeta, dos violines, viola, violonchelo, contrabajo y piano, es una obra neoclásica que se basa en las formas de danza francesa del siglo XVII. En el momento de su composición Saint-Saëns estaba preparando nuevas ediciones de las obras de compositores barrocos como Rameau y Lully . El Caprice sur des airs danois et russes (1887) para flauta, oboe, clarinete y piano, y la Barcarolle en fa mayor (1898) para violín, violonchelo, armonio y piano son otros ejemplos de la instrumentación a veces poco ortodoxa de Saint-Saëns.

Las obras de cámara de Saint-Saëns revelan al hombre completo: su sentido de la tradición unido a la imaginación, su sentido del color, su sentido del humor, su deseo de equilibrio y simetría, su amor por la claridad.

Sabina Teller Ratner, 2005

En opinión de Ratner, las obras de cámara más importantes de Saint-Saëns son las sonatas: dos para violín, dos para violonchelo y una para oboe, clarinete y fagot, las siete con acompañamiento de piano. La Primera Sonata para violín data de 1885 y está clasificada por Grove's Dictionary como una de las mejores y más características composiciones del compositor. El Segundo (1896) marca un cambio estilístico en la obra de Saint-Saëns, con un sonido más ligero y claro para el piano, característico de su música a partir de entonces. La Primera Sonata para violonchelo (1872) fue escrita después de la muerte de la tía abuela del compositor, quien le había enseñado a tocar el piano más de treinta años antes. Se trata de una obra seria, en la que el material melódico principal está sostenido por el violonchelo sobre un virtuoso acompañamiento de piano. Fauré la llamó la única sonata para violonchelo de cualquier país que tenga alguna importancia. The Second (1905) está en cuatro movimientos y tiene la característica inusual de un tema y variaciones como su scherzo.

Las sonatas de viento-madera se encuentran entre las últimas obras del compositor y forman parte de sus esfuerzos por ampliar el repertorio para instrumentos para los que apenas se escribieron partes solistas, como le confió a su amigo Jean Chantavoine en una carta fechada el 15 de abril de 1921: "En este momento Estoy concentrando mis últimas reservas en dar a instrumentos raramente considerados la oportunidad de ser escuchados". Ratner escribe sobre ellos: "Las líneas sobrias, evocadoras y clásicas, las melodías inquietantes y las estructuras formales soberbias subrayan estos faros del movimiento neoclásico". Gallois comenta que la Sonata para oboe comienza como una sonata clásica convencional, con un tema andantino; la sección central tiene armonías ricas y coloridas, y el molto allegro finale está lleno de delicadeza, humor y encanto con forma de tarantela . Para Gallois, la Sonata para clarinete es la más importante de las tres: la llama "una obra maestra llena de picardía, elegancia y un lirismo discreto" que equivale a "un resumen del resto". La obra contrasta un " threnody triste " en el movimiento lento con el final, que "hace piruetas en compás de 4/4", en un estilo que recuerda al siglo XVIII. El mismo comentarista llama a la Sonata para fagot "un modelo de transparencia, vitalidad y ligereza", que contiene toques de humor pero también momentos de contemplación pacífica. Saint-Saëns también expresó su intención de escribir una sonata para el cor anglais , pero no lo hizo.

La obra más famosa del compositor, El carnaval de los animales (1887), aunque lejos de ser una pieza de cámara típica, está escrita para once intérpretes, y el Grove's Dictionary la considera parte de la producción de cámara de Saint-Saëns. Grove lo califica como "su obra cómica más brillante, parodiando a Offenbach, Berlioz, Mendelssohn, Rossini, su propia Danse macabre y varias melodías populares". Prohibió su interpretación durante su vida, preocupado de que su frivolidad dañara su reputación como compositor serio.

Grabaciones

Saint-Saëns fue un pionero en la música grabada. En junio de 1904 , The Gramophone Company of London envió a su productor Fred Gaisberg a París para grabar Saint-Saëns como acompañante de la mezzosoprano Meyriane Héglon en arias de Ascanio y Samson et Dalila , y como solista en su propia música para piano, incluido un arreglo. de secciones del Segundo Concierto para piano (sin orquesta). Saint-Saëns hizo más grabaciones para la compañía en 1919.

En los primeros días del disco LP , las obras de Saint-Saëns se representaban irregularmente en el disco. The Record Guide (1955) enumera una grabación de la Tercera Sinfonía, el Segundo Concierto para piano y el Primer Concierto para violonchelo, junto con varias versiones de Danse Macabre , The Carnival of the Animals , la Introducción y Rondo Capriccioso y otras obras orquestales breves. En la última parte del siglo XX y principios del XXI, muchas más obras del compositor se publicaron en LP y luego en CD y DVD. La Guía Penguin de música clásica grabada de 2008 contiene diez páginas de listas de obras de Saint-Saëns, incluidos todos los conciertos, sinfonías, poemas sinfónicos, sonatas y cuartetos. También se enumeran una Misa temprana, colecciones de música de órgano y canciones corales. En 1997 se lanzó una grabación de veintisiete de las melodías de Saint-Saëns .

Con la excepción de Samson et Dalila , las óperas han sido escasamente representadas en disco. En 1992 se publicó una grabación de Enrique VIII en CD y DVD. Hélène se lanzó en CD en 2008. Hay varias grabaciones de Samson et Dalilah , bajo la dirección de Sir Colin Davis , Georges Prêtre , Daniel Barenboim y Myung-Whun Chung . A principios de la década de 2020, el sello Bru Zane del Centre de musique romantique française publicó nuevas grabaciones de Le Timbre d'argent (dirigida por François-Xavier Roth , 2020), La Princesse jaune ( Leo Hussain , 2021) y Phryné ( Hervé Niquet , 2022).

Honores y reputación

Saint-Saëns fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1867 y ascendido a Oficial en 1884 y Grand Croix en 1913. Los honores extranjeros incluyeron la Real Orden Victoriana Británica (CVO) en 1902, la Orden Monégasque de Saint-Charles en 1904 y doctorados honorarios de las universidades de Cambridge (1893) y Oxford (1907).

Tumba de Saint-Saëns en el cementerio de Montparnasse

En su aviso de obituario, The Times comentó:

La muerte de M. Saint-Saëns no sólo priva a Francia de uno de sus compositores más ilustres; saca del mundo al último representante de los grandes movimientos musicales propios del siglo XIX. Mantuvo una vitalidad tan vigorosa y se mantuvo en tan estrecho contacto con las actividades actuales que, aunque se había vuelto costumbre hablar de él como el decano de los compositores franceses, era fácil olvidar el lugar que realmente ocupaba en la cronología musical. Era solo dos años menor que Brahms, cinco años mayor que Tchaikovsky, seis años mayor que Dvořák y siete años mayor que Sullivan. Ocupó una posición en la música de su propio país, algunos aspectos de los cuales pueden compararse adecuadamente con cada uno de esos maestros en sus propias esferas.

En un breve poema, "Mea culpa", publicado en 1890, Saint-Saëns se acusaba a sí mismo de falta de decadencia y comentaba con aprobación los entusiasmos excesivos de la juventud, lamentando que tales cosas no fueran para él. Un comentarista inglés citó el poema en 1910 y observó: "Sus simpatías están con los jóvenes en su deseo de seguir adelante, porque no ha olvidado su propia juventud cuando defendió los ideales progresistas de la época". El compositor buscó un equilibrio entre la innovación y la forma tradicional. El crítico Henry Colles , escribió, pocos días después de la muerte del compositor:

En su deseo de mantener "el equilibrio perfecto" encontramos la limitación del atractivo de Saint-Saëns para la mente musical ordinaria. Saint-Saëns rara vez, si es que alguna vez lo hace, se arriesga; él nunca, para usar la jerga del momento, "se vuelve loco". Todos sus grandes contemporáneos lo hicieron. Brahms, Tchaikovsky, e incluso Franck, estaban dispuestos a sacrificarlo todo por el fin que cada uno quería alcanzar, para ahogarse en el intento de llegar allí si era necesario. Saint-Saëns, al preservar su equilibrio, permite que sus oyentes conserven el suyo.

Grove concluye su artículo sobre Saint-Saëns con la observación de que, aunque sus obras son notablemente coherentes, "no se puede decir que desarrolló un estilo musical distintivo. Más bien, defendió la tradición francesa que amenazaba con ser absorbida por las influencias wagnerianas y creó la ambiente que nutrió a sus sucesores".

Desde la muerte del compositor, los escritores que simpatizan con su música han lamentado que el público musical lo conozca solo por un puñado de sus partituras, como El carnaval de los animales , el Segundo concierto para piano, el Tercer concierto para violín, la Sinfonía para órgano, Sansón . et Dalila , Danse macabre y la Introducción y Rondo Capriccioso. Entre su gran producción, Nicholas destaca el Réquiem, el Oratorio de Navidad , el ballet Javotte , el Cuarteto con piano , el Septeto para trompeta, piano y cuerdas, y la Primera Sonata para violín como obras maestras olvidadas. En 2004, el violonchelista Steven Isserlis dijo: "Saint-Saens es exactamente el tipo de compositor que necesita un festival para él solo... hay Misas, todas las cuales son interesantes. He tocado toda su música para violonchelo y no hay t una mala pieza. Sus obras son gratificantes en todos los sentidos. Y es una figura infinitamente fascinante ".

Ver también

Notas, referencias y fuentes

notas

Referencias

Fuentes

Otras lecturas

  • Flynn, Timoteo (2015). "Las reverberaciones clásicas en la música y la vida de Camille Saint-Saëns". Música en el arte: Revista internacional de iconografía musical . 40 (1–2): 255–264. ISSN  1522-7464 .

enlaces externos