Ruth Asawa-Ruth Asawa

ruth asawa
Imogen Cunningham - Ruth Asawa.jpg
Asawa en 1952
Nacido
Ruth Aiko Asawa

( 01/24/1926 )24 de enero de 1926
Norwalk, California , Estados Unidos
Murió 6 de agosto de 2013 (2013-08-06)(87 años)
San Francisco, California , Estados Unidos
Educación Colegio de la montaña negra
Conocido por Escultura
Esposos)
alberto lanier
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( m.  1949; murió 2008 )
Niños 6
Sitio web ruthasawa.com _

Ruth Aiko Asawa (24 de enero de 1926 - 6 de agosto de 2013) fue una escultora modernista estadounidense . Su trabajo se presenta en colecciones del Museo Solomon R. Guggenheim y el Museo Whitney de Arte Americano en la ciudad de Nueva York. Quince de las esculturas de alambre de Asawa están en exhibición permanente en la torre del Museo de Young de San Francisco en el Golden Gate Park , y varias de sus fuentes están ubicadas en lugares públicos de San Francisco. Fue una defensora de la educación artística y la fuerza impulsora detrás de la creación de la Escuela de Artes de San Francisco, que pasó a llamarse Escuela de Artes Ruth Asawa San Francisco en 2010. En 2020, el Servicio Postal de EE . UU.honró su trabajo produciendo una serie de diez sellos que conmemoran sus conocidas esculturas de alambre.

Temprana edad y educación

Ruth Asawa nació en 1926 en Norwalk, California y fue una de siete hijos. Sus padres, inmigrantes de Japón, operaron una granja de camiones hasta el internamiento japonés-estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial . A excepción del padre de Ruth, la familia estuvo internada en un centro de reunión instalado apresuradamente en el hipódromo de Santa Anita durante gran parte de 1942, después de lo cual fueron enviados al Centro de Reubicación de Guerra Rohwer en Arkansas . El padre de Ruth, Umakichi Asawa, fue arrestado por agentes del FBI en febrero de 1942 e internado en un campo de detención en Nuevo México . Durante los seis meses siguientes, la familia Asawa no supo si estaba vivo o muerto. Asawa no vio a su padre durante seis años. La hermana menor de Ruth, Nancy (Kimiko), estaba visitando a su familia en Japón cuando su familia fue internada. No pudo regresar, ya que Estados Unidos impidió la entrada incluso de ciudadanos estadounidenses desde Japón. Nancy se vio obligada a permanecer en Japón durante la guerra. Asawa dijo sobre el internamiento:

No guardo hostilidad por lo sucedido; No culpo a nadie. A veces lo bueno surge de la adversidad. No sería quien soy hoy si no hubiera sido por el internamiento, y me gusta quién soy.

Asawa se interesó por el arte a una edad temprana. Cuando era niña, su maestra de tercer grado la animó a crear su propia obra de arte. Como resultado, en 1939, Asawa recibió el primer premio en un concurso de arte escolar por obras de arte que exploraban temas de la identidad estadounidense.

Después de graduarse de la escuela secundaria del centro de internamiento, Asawa asistió a la Universidad Estatal de Maestros de Milwaukee , con la intención de convertirse en maestra de arte. Se le impidió asistir a la universidad en la costa de California, ya que la guerra había continuado y la zona de la universidad prevista todavía estaba prohibida para los japoneses étnicos, fueran o no ciudadanos estadounidenses. Al no poder ser contratada para la enseñanza práctica requerida para completar su título, se fue de Wisconsin sin un título. (Wisconsin le otorgó el título en 1998). Asawa relató una experiencia cuando se detuvo en Missouri para usar el baño cuando ella y su hermana no sabían qué baño usar. Había un baño de color y uno de blanco en la parada del autobús y debido a la discriminación racial en ese momento optaron por usar el baño de color. Una vez en Black Mountain, hubo más igualdad para ella y otros estudiantes de minorías, incluidos otros asiáticoamericanos y afroamericanos. Mientras estaban en el campus eran iguales, pero en la ciudad la realidad del racismo en Estados Unidos era evidente. Esto condujo a un sentido directo de conciencia social en las esculturas de Asawa y una intimidad influenciada por la adversidad que experimentó su familia como minoría en Estados Unidos.

El verano anterior a su último año en Milwaukee, Asawa viajó a México con su hermana mayor Lois (Masako). Asawa asistió a una clase de arte en la Universidad Nacional Autónoma de México ; entre sus maestras estuvo Clara Porset , diseñadora de interiores de Cuba. Amigo del artista Josef Albers , Porset le contó a Asawa sobre el Black Mountain College , donde enseñaba. Asawa relató:

Me dijeron que podría ser difícil para mí, con los recuerdos de la guerra aún frescos, trabajar en una escuela pública. Mi vida podría incluso estar en peligro. Esto fue un regalo del cielo, porque me animó a seguir mi interés por el arte, y posteriormente me matriculé en Black Mountain College en Carolina del Norte.

De 1946 a 1949 estudió en el Black Mountain College con Josef Albers . Asawa aprendió a usar materiales comunes de Albers y comenzó a experimentar con alambre, usando una variedad de técnicas. Como todos los estudiantes de Black Mountain College, Asawa tomó cursos en una variedad de diferentes formas de arte y este enfoque interdisciplinario ayudó a dar forma a su práctica artística. Su estudio de dibujo con Ilya Bolotowsky y Josef Albers fue formativo. Sus dibujos de esta época exploran el patrón y la repetición, y estaba especialmente intrigada por el meandro como motivo. Fue particularmente influenciada por las sesiones de verano de 1946 y 1948, que incluyeron cursos del artista Jacob Lawrence , el curador de fotografía e historiador Beaumont Newhall , Jean Varda , el compositor John Cage , la coreógrafa Merce Cunningham , el artista Willem de Kooning , el escultor Leo Amino y R. Buckminster Fuller . Según Asawa, los cursos de baile que tomó con Merce Cunningham fueron especialmente inspiradores. En una clase que incluía a su compañero de estudios Rauschenberg Asawa informó que corrieron por una gran colina como si fuera un baile con antorchas encendidas que hacían estallar el Rito de la Primavera de Stravinsky. En contraste, Asawa describió sus experiencias estudiando con Josef Albers como más formalista y lo que otros estudiantes describieron como fascista en comportamiento y no consideró los sentimientos de sus alumnos en sus enseñanzas. Ella lo citó diciendo: "Si quieres expresarte, hazlo en tu propio tiempo. No lo hagas en mi clase". Prefería enseñar la exploración y el descubrimiento a través del diseño en lugar del conocimiento regurgitado y gratuito que enseñan otros académicos. Asawa se conectó con este enfoque debido a los antecedentes culturales de su familia y lo que ella describe como una intolerancia a las emociones.

Carrera profesional

Las esculturas de Asawa exhibidas en la galería David Zwirner en la ciudad de Nueva York

En la década de 1950, mientras estudiaba en Black Mountain College en Asheville, Carolina del Norte, Asawa hizo una serie de esculturas de alambre de ganchillo en varias formas abstractas. Asawa sintió que ella y sus compañeros de estudios se adelantaron a la administración al desarrollar su propia forma de modernismo en la escultura, probando constantemente cosas nuevas. Comenzó con diseños de canastas y luego exploró formas biomórficas que colgaban del techo. Aprendió la técnica de ganchillo con alambre durante un viaje para visitar a Josef Albers mientras estaba de año sabático en 1947 en Toluca, México , donde los aldeanos usaban una técnica similar para hacer canastas con alambre galvanizado. Ella explicó:

Me interesó por la economía de una línea, hacer algo en el espacio, encerrarlo sin bloquearlo. Todavía es transparente. Me di cuenta de que si iba a hacer estas formas, que se entrelazan y entrelazan, solo se puede hacer con una línea porque una línea puede ir a cualquier parte.

Después de su viaje a México, la profesora de dibujo de Asawa, Ilya Bolotowsky, notó que su interés por el dibujo convencional había sido reemplazado por una fascinación por el uso del alambre como forma de dibujar en el espacio. Sus esculturas de alambre en bucle exploran la relación de los volúmenes interiores y exteriores, creando, como ella misma lo expresó, "una forma que estaba dentro y fuera al mismo tiempo". Se han descrito como encarnando varios estados materiales: interior y exterior, línea y volumen, pasado y futuro. Awawa dijo: "Fue en 1946 cuando pensé que era moderno. Pero ahora es 2002 y no puedes ser moderno para siempre". mientras desarrollaba su materialidad y técnicas, experimentando con medios manuales de comunicación visual. La experimentación fue clave para encontrar su identidad visual como artista. Si bien su técnica para hacer esculturas se parece al tejido, no estudió tejido ni utilizó materiales de fibra. Los materiales importaban. Como un estudiante universitario pobre, Asawa abrazó los objetos encontrados de bajo costo, como rocas, hojas y palos, porque no tenían los fondos ni el acceso a un buen papel. La proximidad y el descubrimiento era su recurso.

Las esculturas de alambre de Asawa le dieron prominencia en la década de 1950, cuando su trabajo apareció varias veces en la Bienal de Whitney , en una exposición de 1954 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y en la Bienal de Arte de São Paulo de 1955 .

En 1962, Asawa comenzó a experimentar con esculturas de alambre atado de formas ramificadas arraigadas en la naturaleza, que se volvieron cada vez más geométricas y abstractas a medida que continuaba trabajando en esa forma. Con estas piezas, a veces trataba el alambre cincándolo . También experimentó con la galvanoplastia , haciendo correr la corriente eléctrica en la dirección "incorrecta" para crear efectos de textura. "Ruth se adelantó a su tiempo al comprender cómo podían funcionar las esculturas para definir e interpretar el espacio", dijo Daniell Cornell, curador del Museo de Young en San Francisco. "Este aspecto de su trabajo anticipa gran parte del trabajo de instalación que ha llegado a dominar el arte contemporáneo".

Asawa participó en la Beca del Taller de Litografía Tamarind en Los Ángeles en 1965 como artista. En colaboración con los siete grabadores del taller, produjo cincuenta y dos litografías de amigos, familiares (incluidos sus padres, Umakichi y Haru), objetos naturales y plantas.

En la década de 1960, Asawa comenzó a recibir encargos de esculturas a gran escala en espacios públicos y comerciales en San Francisco y otras ciudades. Awasa instaló su primera escultura pública, Andrea (1968), después del anochecer en la Plaza Ghirardelli , con la esperanza de crear la impresión de que siempre había estado allí. La escultura representa a dos sirenas de bronce fundido en una fuente, una amamantando a un merbaby, chapoteando entre tortugas marinas y ranas. La obra de arte generó mucha controversia sobre la estética, el feminismo y el arte público tras la instalación. Lawrence Halprin , el arquitecto paisajista que diseñó el espacio frente al mar, describió la escultura como un adorno de césped suburbano y exigió que se retirara la obra de arte. Asawa respondió: "Para los mayores, les traería de vuelta la fantasía de su infancia, y para los jóvenes, les daría algo para recordar cuando envejezcan". Muchos habitantes de San Francisco, especialmente mujeres, apoyaron la escultura de sirena de Asawa y se unieron con éxito detrás de ella para protegerla.

Cerca de Union Square (en Stockton Street, entre las calles Post y Sutter), creó una fuente para la que movilizó a 200 escolares para moldear en masa cientos de imágenes de la ciudad de San Francisco, que luego se fundieron en hierro. A lo largo de los años, pasó a diseñar otras fuentes públicas y se hizo conocida en San Francisco como la "dama de la fuente".

El patrimonio del artista está representado por la Galería David Zwirner .

Activismo en el servicio público y la educación artística

Asawa tenía un compromiso apasionado y era un ferviente defensor de la educación artística como una experiencia transformadora y de empoderamiento, especialmente para los niños. En 1968, fue nombrada miembro de la Comisión de Artes de San Francisco y comenzó a presionar a políticos y fundaciones benéficas para que apoyaran programas artísticos que beneficiarían a los niños pequeños y a la población promedio de San Francisco. Asawa ayudó a cofundar el Taller de Artes de Alvarado para niños en edad escolar en 1968. A principios de la década de 1970, se convirtió en el modelo para el Programa de Artes Vecinales/CETA de la Comisión de Arte utilizando dinero del programa de financiación federal, la Ley Integral de Empleo y Capacitación (CETA) , que se convirtió en un programa replicado a nivel nacional que emplea a artistas de todas las disciplinas para realizar trabajos de servicio público para la ciudad.

El enfoque de Alvarado funcionó para integrar las artes y la jardinería, reflejando la propia crianza de Asawa en una granja. Asawa creía en una experiencia práctica para los niños y siguió el enfoque de "aprender haciendo". Asawa creía en el beneficio de que los niños aprendieran de artistas profesionales, algo que adoptó al aprender de artistas en ejercicio en Black Mountain College . Ella creía que no se podía esperar que los maestros de clase enseñaran las artes, además de todas sus otras responsabilidades. El 85 por ciento del presupuesto del programa se destinó a contratar artistas e intérpretes profesionales para que los estudiantes aprendieran. A esto le siguió en 1982 la construcción de una escuela secundaria pública de artes, la Escuela de Artes de San Francisco, que pasó a llamarse Escuela de Artes de Ruth Asawa San Francisco en su honor en 2010. Asawa continuaría sirviendo en la Escuela de Artes de California. Council, National Endowment for the Arts en 1976, y de 1989 a 1997 se desempeñó como fideicomisaria de los Museos de Bellas Artes de San Francisco .

Al final de su vida, Asawa reconoció que la educación artística era fundamental para la importancia del trabajo de su vida.

Vida personal

En julio de 1949, Asawa se casó con el arquitecto Albert Lanier, a quien conoció en 1947 en el Black Mountain College. La pareja tuvo seis hijos a pesar de las dudas de Lanier sobre tener hijos: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956-2003), Addie (1958) y Paul (1959). Albert Lanier murió en 2008. Asawa creía que "los niños son como las plantas. Si los alimentas y los riegas en general, crecerán". Le dijo a otro artista y amigo suyo "tus cuadros serán tus flores" y nunca tuvieron hijos. Su matrimonio interracial fue controvertido en ese momento y alimentó la dirección artística de Asawa. La familia se mudó al vecindario de Noe Valley en Castro en 28 y 23 de San Francisco en 1960, donde estuvo activa durante muchos años en la comunidad.

Muerte

Asawa murió por causas naturales el 6 de agosto de 2013 en su casa de San Francisco a la edad de 87 años.

Premios y honores

Trabajos seleccionados

  • Andrea (1966), la fuente de la sirena en Ghirardelli Square , San Francisco, California
  • Fuente (1973), The Hyatt on Union Square, San Francisco, California
  • Fuentes (1976), The Buchanan Mall (Nihonmachi), San Francisco, California
  • Aurora (1986), la fuente inspirada en el origami en el paseo marítimo de San Francisco.
  • La escultura conmemorativa del internamiento japonés-estadounidense (1994) en San José, California
  • The Garden of Remembrance (2002) en la Universidad Estatal de San Francisco, San Francisco, California

Premios

  • 1966: Primer premio Dymaxion para artista/científico
  • 1974: Medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos
  • 1990: Premio Cyril Magnin de la Cámara de Comercio de San Francisco
  • 1993: Premio de Honor del Caucus de Mujeres por las Artes
  • 1995: Premio a la trayectoria del anillo de oro de las fundaciones de arte asiático-estadounidense
  • 2002: Doctorado honorario por la Universidad Estatal de San Francisco
  • Desde 1982, San Francisco ha declarado el 12 de febrero como el "Día de Ruth Asawa".

Película

  • Snyder, Robert, productor (1978) Ruth Asawa: On Forms and Growth , Pacific Palisades, CA: Masters and Masterworks Production
  • Directoras de Soe, Valerie y Ruth Asawa (2003) Each One Teach One: The Alvarado School Art Program, San Francisco: Alvarado Arts Program.

Ver también

Referencias

Otras lecturas

  • Abrahamson, Joan y Sally Woodridge (1973) El Programa Comunitario de Arte de la Escuela Alvarado. San Francisco: Taller Escuela Alvarado.
  • Biblioteca Bancroft (1990) Ruth Asawa, Art, Competence and Citywide Cooperation for San Francisco ", en The Arts and the Community Oral History Project . Universidad de California, Berkeley.
  • Bell, Tiffany y Robert Storr (2017) Ruth Asawa. Libros de David Zwirner: Nueva York.
  • Chase, Marilyn (2020) Todo lo que ella tocó: La vida de Ruth Asawa. Libros de crónicas: San Francisco.
  • Cook, Mariana (2000) Parejas. Libros de crónicas.
  • Cornell, Daniell et al. (2006) La Escultura de Ruth Asawa: Contornos en el Aire. Prensa de la Universidad de California .
  • Cunningham, Imogen (1970) Fotografías, Imogen Cunningham. Prensa de la Universidad de Washington.
  • D'Aquino, Andrea (2019) Una vida hecha a mano: Ruth Asawa (libro infantil). Prensa arquitectónica de Princeton.
  • Dobbs, Stephen (1981) "Comunidad y compromiso: una entrevista con Ruth Asawa", en Art Education vol 34 no 5.
  • Faul, Patricia et al. (1995) La nueva mujer mayor. Artes Celestiales.
  • Harris, Mary Emma (1987) Las artes en Black Mountain College. Prensa del MIT.
  • Hatfield, Zack. "Ruth Asawa: Tending the Metal Garden" , NY Daily, New York Review of Books , 21 de septiembre de 2017
  • Hopkins, Henry y Mimi Jacobs (1982) 50 artistas de la costa oeste. Libros de crónicas.
  • Jepson, Andrea y Sharon Litsky (1976) La experiencia de Alvarado. Taller de Arte de Alvarado.
  • Laib, Jonathan et al. (2015) Ruth Asawa: línea a línea. Catálogo de espectáculos de Christie.
  • McClintock, Elizabeth (1977) El jardín de té japonés, Golden Gate Park. San Francisco: Sociedad John McLaren. (Ilustraciones de plantas de Asawa.)
  • Rountree, Cathleen (1999) Sobre las mujeres que cumplen 70 años: Honrando las voces de la sabiduría. Jossey-Bass.
  • Rubinstein, Charlotte Streifer (1992) Mujeres escultoras estadounidenses. Salón GK.
  • Museo de Arte de San Francisco . (1973) Ruth Asawa: una visión retrospectiva . Museo de Arte de San Francisco.
  • Schatz, Howard (1992) Mujer superdotada. Prensa fotográfica del Pacífico.
  • Schenkenberg, Tamara et al. (2019) Ruth Asawa: El trabajo de la vida. New Haven: Prensa de la Universidad de Yale.
  • Schoettler, Joan (2018) Ruth Asawa: A Sculpting Life (libro para niños). Gretna, Luisiana: Pelican Publishing.
  • Villa, Carlos et al. (1994) Mundos en colisión: diálogos sobre cuestiones de arte multicultural. Instituto de Arte de San Francisco.
  • Woodridge, Sally (1973) Fuente de San Francisco de Ruth Asawa. Museo de Arte de San Francisco .

enlaces externos