Pre-Code Hollywood - Pre-Code Hollywood

En este 1931 foto publicitaria, Dorothy Mackaill juega un secretario que se convirtió en prostituta en seguridad en el Infierno , un pre-Código de Warner Bros. película.
Las películas de Pre-Code como The Public Enemy (1931) pudieron presentar protagonistas criminales y antihéroes .
42nd Street (1933) hizo concesiones al Código Hays en su diálogo, pero aún presentaba imágenes sexualizadas.

Pre-Code Hollywood fue la breve era en la industria cinematográfica estadounidense entre la adopción generalizada del sonido en las imágenes en 1929 y la aplicación de las pautas de censura del Código de producción cinematográfica , conocido popularmente como el "Código Hays", a mediados de 1934. Aunque el Código fue adoptado en 1930, la supervisión fue deficiente y no se hizo cumplir rigurosamente hasta el 1 de julio de 1934, con el establecimiento de la Administración del Código de Producción (PCA). Antes de esa fecha, el contenido de las películas estaba más restringido por las leyes locales, las negociaciones entre el Comité de Relaciones con el Estudio (SRC) y los principales estudios, y la opinión popular, que por el estricto cumplimiento del Código Hays, que a menudo los cineastas de Hollywood ignoraban.

Como resultado, algunas películas de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930 mostraban o implicaban insinuaciones sexuales , relaciones románticas y sexuales entre blancos y negros , blasfemias moderadas , uso ilegal de drogas , promiscuidad , prostitución , infidelidad , aborto , violencia intensa y homosexualidad . Se vio que los personajes nefastos se beneficiaban de sus hechos, en algunos casos sin repercusiones significativas. Por ejemplo, muchos veían a los gánsteres de películas como The Public Enemy , Little Caesar y Scarface como heroicos en lugar de malvados. Los personajes femeninos fuertes eran omnipresentes en películas anteriores al Código como Female , Baby Face y Red-Headed Woman . Además de presentar personajes femeninos más fuertes, las películas examinaron temas femeninos que no serían revisados ​​hasta décadas más tarde en las películas estadounidenses. Muchas de las estrellas más importantes de Hollywood, como Clark Gable , Bette Davis , Barbara Stanwyck , Joan Blondell y Edward G. Robinson, comenzaron en la era. Sin embargo, otras estrellas que sobresalieron durante este período, como Ruth Chatterton (que se mudó a Inglaterra) y Warren William (el llamado "rey de Pre-Code", que murió en 1948), terminarían esencialmente olvidados por el público en general. dentro de una generación.

A partir de finales de 1933 y en aumento durante la primera mitad de 1934, los católicos romanos estadounidenses lanzaron una campaña contra lo que consideraban la inmoralidad del cine estadounidense. Esto, más una posible toma de control por parte del gobierno de la censura cinematográfica y la investigación social que parecía indicar que las películas que se consideraban inmorales podían promover el mal comportamiento, fue suficiente presión para obligar a los estudios a capitular ante una mayor supervisión.

Orígenes del Código (1915-1930)

Will H. Hays fue reclutado por los estudios en 1922 para ayudar a limpiar su imagen de "Sin City" después de una serie de escándalos, especialmente el juicio por homicidio involuntario de Roscoe "Fatty" Arbuckle .

Primeros intentos del Código

En 1922, después de algunas películas subidas de tono y una serie de escándalos fuera de la pantalla que involucraban a estrellas de Hollywood, los estudios reclutaron al anciano presbiteriano William H. "Will" Hays para rehabilitar la imagen de Hollywood. Hays, más tarde apodada la película "Zar", recibió la entonces lujosa suma de $ 100,000 al año (equivalente a más de $ 1.4 millones en dólares de 2015). Hays, director general de correos bajo Warren G. Harding y ex director del Comité Nacional Republicano , se desempeñó durante 25 años como presidente de Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA), donde "defendió a la industria de los ataques, recitó tonterías tranquilizadoras , y tratados negociados para el cese de hostilidades ". Hollywood imitó la decisión que las Grandes Ligas habían tomado al contratar al juez Kenesaw Mountain Landis como Comisionado de la Liga el año anterior para sofocar las preguntas sobre la integridad del béisbol a raíz del escándalo de los juegos de azar de la Serie Mundial de 1919 ; El New York Times llamó a Hays el "Landis de la pantalla".

Hays presentó una serie de recomendaciones denominadas "La Fórmula" en 1924, que se aconsejó a los estudios que tuvieran en cuenta, y pidió a los cineastas que describieran a su oficina las tramas de las imágenes que estaban planeando. La Corte Suprema ya había decidido por unanimidad en 1915 en Mutual Film Corporation contra la Comisión Industrial de Ohio que la libertad de expresión no se extendía a las películas, y si bien había habido intentos simbólicos de limpiar las películas antes, como cuando los estudios formaron la Asociación Nacional de la Industria Cinematográfica (NAMPI) en 1916, poco había salido de los esfuerzos.

Creación del Código y su contenido

En 1929, el laico católico romano Martin Quigley , editor del destacado periódico comercial Motion Picture Herald , y el padre Daniel A. Lord , un sacerdote jesuita , crearon un código de normas (que Hays aprobó con firmeza) y lo enviaron a los estudios. Las preocupaciones de Lord se centraban en los efectos que el cine sonoro tenía en los niños, a quienes consideraba especialmente susceptibles al encanto del medio. Varios directores de estudio, incluido Irving Thalberg de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), se reunieron con Lord y Quigley en febrero de 1930. Después de algunas revisiones, aceptaron las estipulaciones del Código. Uno de los principales factores que motivaron la adopción del Código fue evitar la intervención directa del gobierno. Era responsabilidad del Comité de Relaciones con el Estudio, encabezado por el coronel Jason S. Joy, supervisar la producción cinematográfica y avisar a los estudios cuando se necesitaran cambios o recortes.

El Código se dividió en dos partes. El primero fue un conjunto de "principios generales" que se referían principalmente a la moral. El segundo era un conjunto de "aplicaciones particulares", una lista exacta de elementos que no podían describirse. Algunas restricciones, como la prohibición de la homosexualidad o el uso de malas palabras específicas, nunca se mencionaron directamente, pero se asumió que se entendían sin una demarcación clara. Estaba prohibido el mestizaje, la mezcla de razas. El Código declaró que la noción de una "política solo para adultos" sería una estrategia dudosa e ineficaz que sería difícil de hacer cumplir. Sin embargo, sí permitió que "las mentes más maduras puedan comprender y aceptar fácilmente sin dañar el tema de las tramas que perjudican positivamente a los jóvenes". Si se supervisaba a los niños y los eventos se implicaban elípticamente, el código permitía lo que el historiador cultural de la Universidad de Brandeis, Thomas Doherty, llamó "la posibilidad de un crimen mental inspirado en el cine ".

Esta foto promocional de 1932 de Joan Blondell fue prohibida más tarde, según el Código de producción cinematográfico que entonces no se podía hacer cumplir .

El Código buscaba no solo determinar qué podía retratarse en la pantalla, sino también promover los valores tradicionales. Las relaciones sexuales fuera del matrimonio no pueden presentarse como atractivas y hermosas, presentadas de una manera que pueda despertar pasión o parecer correctas y permisibles. Toda acción criminal tenía que ser castigada, y ni el crimen ni el criminal podían suscitar la simpatía de la audiencia. Las figuras de autoridad tenían que ser tratadas con respeto y el clero no podía ser retratado como personajes cómicos o villanos. En algunas circunstancias, los políticos, policías y jueces pueden ser villanos, siempre que esté claro que son la excepción a la regla.

Todo el documento contenía un trasfondo católico y afirmaba que el arte debe manejarse con cuidado porque podría ser "moralmente malo en sus efectos" y porque su "profundo significado moral" era incuestionable. La influencia católica en el Código se mantuvo inicialmente en secreto, debido al sesgo anticatólico de la época. Un tema recurrente fue "en todo momento, la audiencia se siente segura de que el mal está mal y el bien está bien". El Código contenía un apéndice, comúnmente conocido como el Código de Publicidad, que regulaba el texto y las imágenes publicitarias de las películas.

Aplicación

El 19 de febrero de 1930, Variety publicó todo el contenido del Código y predijo que las juntas estatales de censura cinematográfica pronto quedarían obsoletas. Sin embargo, los hombres obligados a hacer cumplir el código, Jason Joy, quien fue el jefe del Comité hasta 1932, y su sucesor, el Dr. James Wingate, fueron considerados generalmente ineficaces. La primera película que revisó la oficina, El ángel azul , que fue aprobada por Joy sin revisión, fue considerada indecente por un censor de California. Aunque hubo varios casos en los que Joy negoció cortes de películas y, de hecho, hubo limitaciones definidas, aunque sueltas, una cantidad significativa de material espeluznante llegó a la pantalla.

Joy tenía que revisar 500 películas al año con poco personal y poca potencia. La oficina de Hays no tenía la autoridad para ordenar a los estudios que eliminaran material de una película en 1930, sino que trabajaba razonando y, a veces, suplicándoles. Para complicar las cosas, el proceso de apelaciones finalmente puso la responsabilidad de tomar la decisión final en manos de los propios estudios.

Un factor para ignorar el Código fue el hecho de que algunos encontraron mojigata esa censura. Este fue un período en el que la era victoriana a veces fue ridiculizada por ser ingenua y atrasada. Cuando se anunció el Código, The Nation , un periódico liberal, lo atacó. La publicación afirmaba que si el crimen nunca se presentara con simpatía, entonces, si se tomaran literalmente, "ley" y "justicia" se convertirían en lo mismo. Por lo tanto, eventos como el Boston Tea Party no pudieron retratarse. Y si el clero siempre se presentara positivamente, tampoco se podría examinar la hipocresía. La Perspectiva de acuerdo, y, a diferencia de la variedad , predicho desde el principio el Código sería difícil de aplicar.

Clara Bow se levanta la falda en el cartel de la película de 1929 The Saturday Night Kid . El levantamiento de faldas era una de las muchas actividades sugerentes detestadas por Hays.

Además, la Gran Depresión de la década de 1930 motivó a los estudios a producir películas con contenido picante y violento, lo que impulsó la venta de entradas. Pronto, el incumplimiento del código se convirtió en un secreto a voces. En 1931, The Hollywood Reporter se burló del código, y Variety siguió su ejemplo en 1933. En el mismo año que el artículo de Variety , un destacado guionista declaró que "el código moral de Hays ya no es ni una broma; es solo un recuerdo".

Era temprana del cine sonoro

Nils Asther besando el pie de Loretta Young de 15 años en una escena de Laugh, Clown, Laugh (1928). Una escena silenciosa anterior al código antes de la introducción del código de 1930.

Aunque la liberalización de la sexualidad en el cine estadounidense había aumentado durante la década de 1920, la era anterior al Código se remonta al comienzo de la era del cine sonoro o, de manera más general, a marzo de 1930, cuando se escribió por primera vez el Código Hays. Tras las protestas de NAMPI, Nueva York se convirtió en el primer estado en aprovechar la decisión de la Corte Suprema en Mutual Film vs. Ohio al instituir una junta de censura en 1921. Virginia hizo lo mismo al año siguiente, y ocho estados individuales tenían una junta por parte del advenimiento de la película sonora.

Muchas de estas juntas resultaron ineficaces. En la década de 1920, el escenario de Nueva York, una fuente frecuente de material de pantalla posterior, tenía espectáculos en topless; las actuaciones estaban llenas de blasfemias, temas maduros y diálogos sexualmente sugerentes. Al principio del proceso de conversión del sistema de sonido, se hizo evidente que lo que podría ser aceptable en Nueva York no lo sería en Kansas. En 1927, Hays sugirió que los ejecutivos de los estudios formaran un comité para discutir la censura cinematográfica. Irving Thalberg de Metro Goldwyn Mayer (MGM), Sol Wurtzel de Fox y EH Allen de Paramount respondieron colaborando en una lista que llamaron "No hacer y tener cuidado ", basada en elementos que fueron cuestionados por las juntas de censura locales, y que consistía en once temas que era mejor evitar y veintiséis que debían manejarse con mucho cuidado. La Comisión Federal de Comercio (FTC) aprobó la lista y Hays creó el Comité de Relaciones con el Estudio (SRC) para supervisar su implementación. Sin embargo, todavía no había forma de hacer cumplir estos principios. La controversia en torno a los estándares cinematográficos llegó a un punto crítico en 1929.

El director Cecil B. DeMille fue responsable del creciente debate sobre el sexo en el cine en la década de 1920. Comenzando con Masculino y Femenino (1919), hizo una serie de películas que examinaban el sexo y tuvieron un gran éxito. Películas con la original " It girl " de Hollywood, Clara Bow , como The Saturday Night Kid (estrenada cuatro días antes de la caída del mercado del 29 de octubre de 1929) destacaron el atractivo sexual de Bow. Estrellas de la década de 1920 como Bow, Gloria Swanson y Norma Talmadge mostraron libremente su sexualidad de una manera sencilla.

Hollywood durante la Gran Depresión

La Gran Depresión presentó una época única para la realización de películas en los Estados Unidos. El desastre económico provocado por la caída de la bolsa de valores de 1929 cambió los valores y creencias estadounidenses de varias maneras. Los temas del excepcionalismo estadounidense y los conceptos tradicionales de logros personales, autosuficiencia y superación de las probabilidades perdieron gran vigencia. Debido a las constantes y vacías garantías económicas de los políticos en los primeros años de la Depresión, el público estadounidense desarrolló una actitud cada vez más hastiada.

Hombres desempleados en 1931. La Depresión influyó profundamente en el Hollywood anterior al Código tanto financiera como artísticamente.

El cinismo, el desafío a las creencias tradicionales y la controversia política de las películas de Hollywood durante este período reflejaron las actitudes de muchos de sus patrocinadores. También desapareció el estilo de vida despreocupado y aventurero de la década de 1920. "Después de dos años, la Era del Jazz parece tan lejana como los días previos a la guerra", comentó F. Scott Fitzgerald en 1931. En el sentido señalado por Fitzgerald, comprender el clima moral de principios de la década de 1930 es complejo. Aunque las películas experimentaron un nivel de libertad sin precedentes y se atrevieron a retratar cosas que se mantendrían ocultas durante varias décadas, muchos en Estados Unidos consideraron la caída del mercado de valores como un producto de los excesos de la década anterior. Al mirar hacia atrás en la década de 1920, se consideraba cada vez más que los acontecimientos ocurrían antes de la caída del mercado. En Dance, Fools, Dance (1931), las escenas de fiesta espeluznantes con flappers de la década de 1920 se reproducen en exceso. Joan Crawford finalmente reforma sus costumbres y se salva; menos afortunado es William Bakewell , quien continúa en el camino descuidado que lo lleva a su autodestrucción final.

Para Rain or Shine (1930), Milton Ager y Jack Yellen compusieron " Happy Days Are Here Again ". La canción fue repetida sarcásticamente por personajes de varias películas como Under Eighteen (1931) y 20,000 Years in Sing Sing (1933). Menos cómica fue la imagen del futuro de Estados Unidos presentada en Heroes for Sale ese mismo año (1933), en la que un vagabundo mira hacia una noche deprimente y proclama: "Es el fin de América".

Heroes for Sale fue dirigida por el prolífico director anterior a Code William Wellman y contó con la estrella del cine mudo Richard Barthelmess como un veterano de la Primera Guerra Mundial lanzado a las calles con una adicción a la morfina de su estadía en el hospital. En Wild Boys of the Road (1933), el joven interpretado por Frankie Darrow lidera un grupo de jóvenes vagabundos desposeídos que frecuentemente se pelean con la policía. Tales bandas eran comunes; alrededor de 250.000 jóvenes viajaron por el país subiendo trenes o haciendo autostop en busca de mejores circunstancias económicas a principios de la década de 1930.

Una multitud se reúne alrededor del American Union Bank en la ciudad de Nueva York durante una corrida bancaria a principios de la Gran Depresión. La mentalidad de la mafia mostrada en las corridas bancarias se retrató en películas como American Madness (1932), donde Frank Capra describió "la delgada línea entre la confianza de los inversores y el pánico en los Estados Unidos de Hoover".

Para complicar las cosas para los estudios, el advenimiento del cine sonoro en 1927 requirió un inmenso gasto en escenarios de sonido, cabinas de grabación, cámaras y sistemas de sonido de cine, sin mencionar las complicaciones artísticas recién descubiertas de producir en un medio radicalmente alterado. Los estudios se encontraban en una situación financiera difícil incluso antes de la caída del mercado, ya que el proceso de conversión de sonido y algunas compras arriesgadas de cadenas de cines habían llevado sus finanzas cerca del punto de quiebre. Estas circunstancias económicas llevaron a una pérdida de casi la mitad de la asistencia semanal y al cierre de casi un tercio de los teatros del país en los primeros años de la depresión. Aun así, 60 millones de estadounidenses iban al cine semanalmente.

Aparte de las realidades económicas de la conversión al sonido, estaban las consideraciones artísticas. Las primeras películas sonoras se destacaron a menudo por ser demasiado detalladas. En 1930, Carl Laemmle criticó las bromas de pared a pared de las imágenes sonoras, y el director Ernst Lubitsch se preguntó para qué estaba destinada la cámara si los personajes iban a narrar toda la acción en pantalla. La industria cinematográfica también resistió la competencia de la radio doméstica y, a menudo, los personajes de las películas hicieron todo lo posible para menospreciar el medio. Sin embargo, la industria cinematográfica no estaba por encima de usar el nuevo medio para transmitir comerciales para sus proyectos, y ocasionalmente convirtió a las estrellas de la radio en artistas de cortometrajes para aprovechar sus seguidores incorporados.

Hirviendo bajo la superficie de la vida estadounidense en la Depresión estaba el miedo a la multitud enojada, retratada en una histeria de pánico en películas como Gabriel Over the White House (1933), The Mayor of Hell (1933) y American Madness (1932). Enormes tomas amplias de hordas furiosas, compuestas a veces por cientos de hombres, se lanzan a la acción con una uniformidad terriblemente eficiente. Grupos de hombres agitados, ya sea parados en líneas de pan, holgazaneando en campamentos de vagabundos o marchando por las calles en protesta, se convirtieron en un espectáculo frecuente durante la Gran Depresión. Las protestas del Bonus Army de los veteranos de la Primera Guerra Mundial en la capital en Washington, DC, en las que Hoover desató una brutal represión, provocaron muchas de las representaciones de Hollywood. Aunque los problemas sociales se examinaron más directamente en la era anterior al Código, Hollywood todavía ignoró en gran medida la Gran Depresión, ya que muchas películas buscaban aliviar la ansiedad de los clientes en lugar de incitarlos.

Hays comentó en 1932:

La función de las películas es ENTRETENER. ... Esto debemos tenerlo ante nosotros en todo momento y debemos darnos cuenta constantemente de la fatalidad de permitir que nuestra preocupación por los valores sociales nos lleve al reino de la propaganda ... la película estadounidense ... no tiene ninguna obligación cívica mayor que la presentación honesta de entretenimiento limpio y sostiene que al proporcionar entretenimiento efectivo, libre de propaganda, cumplimos un propósito elevado y autosuficiente.

Películas de problemas sociales

Hays y otros, como Samuel Goldwyn , obviamente sintieron que las películas presentaban una forma de escapismo que tuvo un efecto paliativo en los espectadores estadounidenses. Goldwyn había acuñado el famoso dicho: "Si desea enviar un mensaje, llame a Western Union " en la era anterior al Código. Sin embargo, la MPPDA adoptó la postura opuesta cuando se le preguntó sobre ciertas películas llamadas "mensaje" ante el Congreso en 1932, alegando que el deseo de realismo de la audiencia llevó a que ciertas cuestiones sociales, legales y políticas desagradables se retrataran en las películas.

Warren William , descrito por Mick LaSalle como "una de las alegrías singulares de la era Pre-Code", interpretó a villanos industriales y otros personajes de la mala vida.

La duración de las películas anteriores al código solía ser comparativamente corta, pero ese tiempo de ejecución a menudo requería un material más ajustado y no afectó el impacto de las películas con mensajes. Employees 'Entrance (1933) recibió la siguiente reseña de Jonathan Rosenbaum : "Como un ataque al capitalismo despiadado, va mucho más allá de los esfuerzos más recientes como Wall Street , y es asombroso ver cuánta trama y personaje se calzan con calzador en 75 minutos . " La película presentaba a la megaestrella anterior a Code Warren William (más tarde apodado "el rey de Pre-Code"), "en su peor momento magnético", interpretando a un gerente de tienda departamental particularmente vil y desalmado que, por ejemplo, termina los trabajos de dos empleados varones de pie, uno de los cuales se suicida como resultado. También amenaza con despedir al personaje de Loretta Young , que finge ser soltera para seguir empleada, a menos que se acueste con él, y luego intenta arruinar a su marido después de enterarse de que está casada.

Las películas que expresaban una posición sobre un tema social generalmente se etiquetaban como "películas de propaganda" o "historias de predicación". En contraste con la postura definitivamente republicana de Goldwyn y MGM sobre las películas de temas sociales, Warner Brothers, liderada por el defensor del New Deal Jack L. Warner , fue el creador más prominente de este tipo de imágenes y prefirió que se las llamara "historias de americanismo". El historiador anterior al Código, Thomas Doherty, ha escrito que dos elementos recurrentes marcaron los llamados hilos de la predicación. "El primero es el prefacio exculpatorio; el segundo es el preludio de la Era del Jazz ". El prefacio fue esencialmente una versión suavizada de un descargo de responsabilidad que tenía la intención de calmar a cualquiera en la audiencia que no estuviera de acuerdo con el mensaje de la película. El preludio de la era del jazz se utilizó casi de forma singular para avergonzar el comportamiento bullicioso de la década de 1920.

Cabin in the Cotton (1932) es una película con mensajes de Warner Bros. sobre los males del capitalismo. La película se desarrolla en un estado sureño no especificado donde los trabajadores apenas reciben lo suficiente para sobrevivir y se aprovechan de ellos al cobrar tasas de interés exorbitantes y precios altos por terratenientes sin escrúpulos. La película es decididamente anticapitalista; sin embargo, su prefacio afirma lo contrario:

Hoy en día, en muchas partes del Sur existe una disputa interminable entre los terratenientes ricos, conocidos como plantadores, y los pobres recolectores de algodón, conocidos como "peckerwoods". Los jardineros proporcionan a los inquilinos los requisitos simples de la vida cotidiana y; a cambio, los arrendatarios trabajan la tierra año tras año. Se podrían escribir cien volúmenes sobre los aciertos y los errores de ambas partes, pero los productores de Cabin in the Cotton no tienen el objetivo de tomar partido. Solo nos preocupa el esfuerzo por representar estas condiciones.

Sin embargo, al final, los plantadores admiten sus malas acciones y acuerdan una distribución más equitativa del capital.

Una famosa escena de It Happened One Night , en la que Claudette Colbert hace autostop usando un método poco ortodoxo para atraer un coche, después de que Clark Gable no consiguiera uno con el pulgar.

El hombre de negocios avaricioso siguió siendo un personaje recurrente en el cine anterior al Código. En The Match King (1932), Warren William interpretó a un industrial basado en el empresario sueco de la vida real Ivar Kreuger , apodado él mismo el "Match King", que intenta acaparar el mercado mundial de los fósforos. El vil personaje de William, Paul Kroll, comete robo, fraude y asesinato en su camino de conserje a capitán de la industria. Cuando el mercado colapsa en el colapso de 1929, Kroll se arruina y se suicida para evitar el encarcelamiento. William interpretó a otro hombre de negocios sin escrúpulos en Skyscraper Souls (1932): David Dwight, un rico banquero que posee un edificio que lleva su nombre y que es más grande que el Empire State Building . Engaña a todos los que conoce a la pobreza para que se apropien de la riqueza de otros. Finalmente, su secretaria ( Verree Teasdale ) le dispara , quien luego termina la película y su propia vida caminando desde el techo del rascacielos.

La desconfianza y la aversión de los estadounidenses hacia los abogados fue un tema frecuente de disección en películas sobre problemas sociales como Lawyer Man (1933), State's Attorney y The Mouthpiece (1932). En películas como Paid (1930), el sistema legal convierte a personajes inocentes en criminales. La vida del personaje de Joan Crawford se arruina y su interés romántico se ejecuta para que pueda vivir libre, aunque es inocente del delito por el que la fiscalía quiere condenarla. La hipocresía religiosa se abordó en películas como La mujer milagrosa (1931), protagonizada por Barbara Stanwyck y dirigida por Frank Capra . Stanwyck también interpretó a una enfermera y heroína inicialmente reacia que logra salvar, por medios poco ortodoxos, a dos niños pequeños en peligro de personajes nefastos (incluido Clark Gable como un chofer malévolo) en Night Nurse (1931).

Muchas películas anteriores al Código tratan sobre la realidad económica de un país que lucha por encontrar su próxima comida. En Blonde Venus (1932), el personaje de Marlene Dietrich recurre a la prostitución para alimentar a su hijo, y el personaje de Claudette Colbert en It Happened One Night (1934) recibe su merecido por tirar una bandeja de comida al suelo al encontrarse más tarde. sin alimentos ni recursos económicos. El personaje de Joan Blondell en Big City Blues (1932) refleja que, como corista , recibía regularmente diamantes y perlas como regalos, pero ahora debe contentarse con un sándwich de carne en conserva. En Union Depot (1932), Douglas Fairbanks Jr. pone una comida deliciosa como la primera orden del día en su itinerario después de ganar dinero.

Comunicados políticos

En la película anterior al Código Gabriel Over the White House (1933), un presidente de Estados Unidos se convierte en dictador, parte de lo que los periódicos comerciales de la década de 1930 denominaron la "locura del dictador".

Dadas las circunstancias sociales, las películas sobre problemas sociales de orientación política ridiculizaban a los políticos y los retrataban como incompetentes torpes, sinvergüenzas y mentirosos. En The Dark Horse (1932), Warren William se alista nuevamente, esta vez para conseguir que un imbécil, que accidentalmente se postula para gobernador, sea elegido. El candidato gana las elecciones a pesar de sus incesantes y vergonzosos contratiempos. Washington Merry-Go-Round retrató el estado de un sistema político atascado en neutral. Columbia Pictures consideró estrenar la película con una escena de la ejecución pública de un político como punto culminante antes de decidir cortarla.

Cecil B. DeMille estrenó This Day and Age en 1933, y está en marcado contraste con sus otras películas de la época. Filmado poco después de que DeMille completara una gira de cinco meses por la Unión Soviética , This Day and Age se lleva a cabo en Estados Unidos y presenta a varios niños torturando a un gángster que se salió con la suya con el asesinato de un popular comerciante local. Se ve a los jóvenes bajando al gángster en una tina de ratas cuando llega la policía, y su respuesta es alentar a los jóvenes a continuar con esto. La película termina con los jóvenes llevando al gángster a un juez local y obligando al magistrado a llevar a cabo un juicio en el que el resultado nunca está en duda.

La necesidad de líderes fuertes que pudieran hacerse cargo y sacar a Estados Unidos de su crisis se ve en Gabriel Over the White House (1933), sobre un dictador benevolente que toma el control de los Estados Unidos. Walter Huston interpreta a un presidente ineficaz y de voluntad débil (probablemente inspirado en Hoover) que está habitado por el arcángel Gabriel al quedar inconsciente. El comportamiento del espíritu es similar al de Abraham Lincoln . El presidente resuelve la crisis de desempleo de la nación y ejecuta a un criminal tipo Al Capone que continuamente ha violado la ley.

Los dictadores no solo fueron glorificados en la ficción. Mussolini Speaks de Columbia (1933) fue un himno de 76 minutos al líder fascista , narrado por el comentarista de radio de NBC Lowell Thomas . Después de mostrar algunos de los avances que Italia ha logrado durante los 10 años de reinado de Mussolini , Thomas opina: "¡Este es un momento en el que un dictador es útil!" La película fue vista por más de 175.000 personas jubilosas durante sus dos primeras semanas en el cavernoso Palace Theatre en Albany, Nueva York .

La elección de Franklin Delano Roosevelt (FDR) en 1932 sofocó el afecto público por los dictadores. A medida que el país se cautivó cada vez más con FDR, que apareció en innumerables noticieros , mostró menos deseo por formas alternativas de gobierno. Muchas películas de Hollywood reflejaron este nuevo optimismo. Heroes for Sale , a pesar de ser una película tremendamente sombría y en ocasiones antiestadounidense, termina con una nota positiva cuando el New Deal aparece como un signo de optimismo. Cuando Wild Boys of the Road (1933), dirigida por William Wellman , llega a su conclusión, un delincuente juvenil desposeído está en el tribunal esperando una sentencia de cárcel. Sin embargo, el juez deja al niño en libertad, le revela el símbolo del New Deal detrás de su escritorio y le dice que "las cosas van a ser mejores aquí ahora, no solo aquí en Nueva York, sino en todo el país. . " Una víctima de taquilla de esta esperanza fue Gabriel Over the White House , que entró en producción durante el malestar de la era Hoover y buscó capitalizarlo. Para cuando se estrenó la película el 31 de marzo de 1933, la elección de FDR había producido un nivel de esperanza en Estados Unidos que dejó obsoleto el mensaje de la película.

El ascenso al poder de Adolf Hitler en Alemania y las políticas antisemitas de su régimen afectaron significativamente al cine estadounidense anterior al Código. Aunque Hitler se había vuelto impopular en muchas partes de los Estados Unidos, Alemania seguía siendo un gran importador de películas estadounidenses y los estudios querían apaciguar al gobierno alemán. La prohibición de los judíos y las representaciones negativas de Alemania por parte del gobierno de Hitler incluso llevaron a una reducción significativa del trabajo para los judíos en Hollywood hasta después del final de la Segunda Guerra Mundial. Como resultado, solo dos películas sobre problemas sociales lanzadas por compañías cinematográficas independientes abordaron la manía en Alemania durante la era anterior al Código ( ¿Somos civilizados? Y El reino del terror de Hitler ).

En 1933, Herman J. Mankiewicz y el productor Sam Jaffe anunciaron que estaban trabajando en una película, que se titularía Mad Dog of Europe , que pretendía ser un ataque a gran escala contra Hitler. Jaffe había dejado su trabajo en RKO Pictures para hacer la película. Hays convocó a la pareja a su oficina y les dijo que detuvieran la producción, ya que estaban causando dolores de cabeza innecesarios a los estudios. Alemania había amenazado con apoderarse de todas las propiedades de los productores de Hollywood en Alemania y prohibir la importación de futuras películas estadounidenses.

Las escenas que mostraban pistolas apuntando a la cámara (como en esta toma de El gran robo del tren , 1903) fueron consideradas inapropiadas por los censores del estado de Nueva York en la década de 1920 y, por lo general, eliminadas.

Películas sobre crímenes

A principios de la década de 1900, Estados Unidos todavía era principalmente un país rural, especialmente en lo que respecta a su propia identidad. DW Griffith 's Los mosqueteros de Pig Callejón (1912) es una de las películas más tempranas americano en ofrecer un crimen organizado urbano. La llegada de la prohibición en 1920 creó un entorno en el que quienes deseaban consumir alcohol a menudo tenían que asociarse con delincuentes, especialmente en las zonas urbanas. No obstante, el género del crimen urbano fue mayormente ignorado hasta 1927 cuando Underworld , que es reconocida como la primera película de gánsteres, se convirtió en un éxito sorpresa.

Según la entrada de la Enciclopedia de Hollywood en Underworld , "La película estableció los elementos fundamentales de la película de gánsteres: un héroe matón; calles de la ciudad siniestras y envueltas en la noche; fulanas; y un final ardiente en el que los policías matan al protagonista". Películas de gángsters como Thunderbolt (1929) y senda del crimen (1930) fueron puestos en libertad de sacar provecho de Underworld ' popularidad s, con Thunderbolt se describe como 'una nueva versión virtual' de Underworld . Otras películas sobre crímenes de finales de la década de 1920 investigaron la conexión entre los mafiosos y las producciones de Broadway en películas como Lights of New York (1928), Tenderloin (1928) y Broadway (1929).

La Oficina de Hays nunca había recomendado oficialmente prohibir la violencia en ninguna forma en la década de 1920, a diferencia de las malas palabras, el tráfico de drogas o la prostitución, pero recomendó que se manejara con cuidado. La junta de censura de Nueva York fue más exhaustiva que la de cualquier otro estado, y solo faltó alrededor de 50 de las publicaciones anuales de 1,000 a 1,300 del país.

De 1927 a 1928, las escenas violentas eliminadas incluían aquellas en las que se apuntaba con un arma a la cámara o "al cuerpo de otro personaje" o "dentro de él". También estaban sujetas a posible censura escenas con ametralladoras, criminales disparando contra agentes del orden, apuñalamientos o blandiendo un cuchillo (el público consideraba que los apuñalamientos eran más perturbadores que los tiroteos), azotes, asfixia, tortura y electrocución, así como escenas que el público consideraba instructivas en cuanto a cómo cometer un delito. La violencia sádica y las tomas de reacción que muestran los rostros de las personas que reciben la violencia se consideraron áreas especialmente sensibles. Posteriormente, el Código recomendó que no se mostraran escenas de robo, robo, apertura de cajas fuertes, incendio premeditado, "uso de armas de fuego", "dinamización de trenes, máquinas y edificios" y "asesinatos brutales", sobre la base de que serían rechazados por las autoridades locales. censores.

La fascinación del público por los gánsteres a principios de la década de 1930 se vio reforzada por la amplia cobertura noticiosa de criminales como Al Capone y John Dillinger , en quienes se basaron personajes como Scarface , interpretado por Paul Muni (1932).

Nacimiento del gángster de Hollywood

Ningún género cinematográfico de la era Pre-Code fue más incendiario que la película de gángsters; ni las historias de predicación ni las películas de vicio indignaron tanto a los guardianes morales ni desconcertaron a los padres de la ciudad como los escenarios de alto calibre que convirtieron a los asesinos de piedra en héroes de la pantalla.

-  Historiador de Pre-Code Thomas P. Doherty

A principios de la década de 1930, varios delincuentes de la vida real se convirtieron en celebridades. Dos en particular capturaron la imaginación estadounidense: Al Capone y John Dillinger . Gángsteres como Capone habían transformado la percepción de ciudades enteras. Capone le dio a Chicago su "reputación como el locus classicus del gángsterdom estadounidense, un paisaje urbano donde los roadsters a prueba de balas con matones armados con metralletas en los estribos corrían alrededor de State Street rociando babosas en los escaparates de las floristerías y derribando a la competencia en sangre. garajes ". Capone apareció en la portada de la revista Time en 1930. Incluso dos importantes estudios de Hollywood le ofrecieron sumas de siete cifras para aparecer en una película, pero él se negó.

Dillinger se convirtió en una celebridad nacional como ladrón de bancos que eludió el arresto y escapó del confinamiento varias veces. Se había convertido en el forajido público más célebre desde Jesse James . Su padre apareció en una popular serie de noticieros dando consejos caseros a la policía sobre cómo atrapar a su hijo. La popularidad de Dillinger aumentó tan rápidamente que Variety bromeó diciendo que "si Dillinger permanece en libertad por mucho más tiempo y se obtienen más entrevistas de este tipo, es posible que circulen algunas peticiones para convertirlo en nuestro presidente". Hays escribió un cablegrama a todos los estudios en marzo de 1934 ordenando que Dillinger no fuera retratado en ninguna película.

El género entró en un nuevo nivel tras el lanzamiento de Little Caesar (1931), que presentaba a Edward G. Robinson como el gángster Rico Bandello. Caesar , junto con The Public Enemy (protagonizada por James Cagney ) y Scarface (1932) (protagonizada por Paul Muni ), fueron, según los estándares de la época, películas increíblemente violentas que crearon un nuevo tipo de antihéroe. Nueve películas de gánsteres se estrenaron en 1930, 26 en 1931, 28 en 1932 y 15 en 1933, cuando la popularidad del género comenzó a disminuir después del final de la Prohibición. La reacción violenta contra las películas de gánsteres fue rápida. En 1931, Jack Warner anunció que su estudio dejaría de fabricarlos y que él mismo nunca había permitido que su hijo de 15 años los viera.

En Little Caesar (1931), Rico ( Edward G. Robinson ) se enfrenta a Joe ( Douglas Fairbanks Jr. ) por querer dejar la pandilla.

Little Caesar generalmente se considera el abuelo de las películas de gánsteres. Después de su liberación, James Wingate, quien entonces encabezaba la junta de censura de Nueva York, le dijo a Hays que estaba inundado de quejas de personas que veían a los niños en los cines de todo el país "aplaudir al líder de la pandilla como un héroe". El éxito de Little Caesar inspiró The Secret Six (1931) y Quick Millions (1931) de Fox , y City Streets (1931) de Paramount , pero el próximo gran gángster de Hollywood vendría de Warner.

La infame "escena del pomelo" en The Public Enemy (1931), con James Cagney y Mae Clarke

The Public Enemy (1931) de William Wellman presentó a James Cagney como Tim Powers. En la famosa "escena de la toronja", cuando la novia de Powers ( Mae Clarke ) lo enfurece durante el desayuno, él le arroja media toronja en la cara. El personaje de Cagney se comportó aún más violentamente con las mujeres en la película de gángsters Picture Snatcher (1933); en una escena, golpea a una mujer amorosa cuyos sentimientos no corresponde y la arroja violentamente al asiento trasero de su auto. En abril de 1931, el mismo mes del lanzamiento de The Public Enemy , Hays reclutó al exjefe de policía August Vollmer para realizar un estudio sobre el efecto que tenían las imágenes de gánsteres en los niños. Una vez que terminó su trabajo, Vollmer declaró que las películas de gánsteres eran inocuas e incluso demasiado favorables para representar a la policía. Aunque Hays utilizó los resultados para defender la industria cinematográfica, la junta de censura del estado de Nueva York no quedó impresionada y, desde 1930 hasta 1932, eliminó 2200 escenas de crímenes de las imágenes.

Tanto Osgood Perkins como Paul Muni encienden una cerilla para el cigarrillo de Karen Morley en el tráiler de Scarface (1932). Morley elige la luz de Muni, simbólicamente desdeñando a su novio por el gángster en rápido crecimiento.

Algunos críticos han nombrado a Scarface (1932) como la película de gánsteres más incendiaria anterior al Código. Dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Paul Muni como Tony Camonte, la película se basa parcialmente en la vida de Al Capone e incorpora detalles de la biografía de Capone en la historia. La producción de Scarface fue problemática desde el principio. La Oficina de Hays advirtió al productor Howard Hughes que no hiciera la película, y cuando la película se completó a fines de 1931, la oficina exigió numerosos cambios, incluida una conclusión en la que Camonte fue capturado, juzgado, condenado y ahorcado. También exigió que la película llevara el subtítulo "Vergüenza de una nación". Hughes envió la película a numerosas juntas estatales de censura, diciendo que esperaba mostrar que la película se hizo para combatir la "amenaza de los gángsters". Después de que no pudo pasar la película por la junta de censura del estado de Nueva York incluso después de los cambios, Hughes demandó a la junta y ganó, lo que le permitió lanzar la película en una versión cercana a la forma prevista. Cuando otros censores locales se negaron a publicar la versión editada, la Oficina de Hays envió a Jason Joy para asegurarles que el ciclo de películas de gánsteres de esta naturaleza estaba terminando.

Scarface provocó indignación principalmente por su violencia sin precedentes, pero también por sus cambios de tono de lo serio a lo cómico. Dave Kehr , escribiendo en el Chicago Reader , declaró que la película combina "comedia y horror de una manera que sugiere que Chico Marx se soltó con una ametralladora". En una escena, Camonte está dentro de un café mientras un torrente de disparos de ametralladora desde el automóvil de una pandilla rival se dirige hacia él; cuando el bombardeo termina, Camonte toma una de las ametralladoras recién lanzadas que los gánsteres habían dejado caer y exhibe una maravilla infantil y una emoción desenfrenada por el nuevo juguete. Los líderes cívicos se enfurecieron porque los gánsteres como Capone (que también fue la inspiración de Little Caesar ) estaban siendo aplaudidos en los cines de todo Estados Unidos. El guión, adaptado por el periodista de Chicago Ben Hecht, contenía detalles biográficos del personaje de Muni que fueron tomados tan obviamente de Capone que era imposible no establecer los paralelos.

Uno de los factores que hizo que las imágenes de gánsteres fueran tan subversivas fue que, en los difíciles tiempos económicos de la Depresión, ya existía el punto de vista de que la única forma de lograr el éxito financiero era a través del crimen. El Kansas City Times argumentó que, aunque los adultos pueden no verse particularmente afectados, estas películas eran "engañosas, contaminantes y, a menudo, desmoralizantes para los niños y los jóvenes". Para exacerbar el problema, algunos propietarios de salas de cine anunciaron imágenes de gánsteres de manera irresponsable; Los asesinatos de la vida real estaban vinculados a promociones y "los vestíbulos de los teatros mostraban metralletas y blackjacks ". La situación llegó a tal punto que los estudios tuvieron que pedir a los expositores que atenuaran los trucos en sus promociones.

Películas de prisión

Las películas sobre cárceles de la era anterior al Código a menudo involucraban a hombres que fueron encarcelados injustamente, y las películas ambientadas en las cárceles del Norte tendían a presentarlas como un bastión de solidaridad contra el desmoronado sistema social de la Gran Depresión . Desencadenado por el incendio penitenciario de Ohio en la vida real el 21 de abril de 1930, en el que los guardias se negaron a liberar a los prisioneros de sus celdas, causando 300 muertes, las películas mostraban las condiciones inhumanas dentro de las cárceles a principios de la década de 1930. El género estaba compuesto por dos arquetipos: la película de prisión y la película de pandillas en cadena . Las películas sobre cárceles típicamente mostraban grandes hordas de hombres moviéndose con uniformes idénticos, resignados a su destino y viviendo según un código bien definido. En las películas de bandas en cadena, los prisioneros sureños a menudo eran sometidos a un sistema draconiano de disciplina en el abrasador calor exterior, donde sus despiadados captores los trataban terriblemente.

Soy un fugitivo de una pandilla encadenada (protagonizada por Paul Muni, 1932) se basó en las memorias autobiográficas de Robert E. Burns , quien era él mismo un fugitivo cuando se publicó la imagen. La película demostró ser un poderoso catalizador para posteriores reformas sociales y de justicia penal.

El prototipo del género carcelario fue La casa grande (1930). En la película, Robert Montgomery interpreta a un recluso inquieto que es sentenciado a seis años después de cometer homicidio vehicular mientras está bajo la influencia. Sus compañeros de celda son un asesino interpretado por Wallace Beery y un falsificador interpretado por Chester Morris . La imagen presenta elementos básicos futuros del género carcelario, como el confinamiento solitario, informantes, disturbios, visitas, una fuga y los códigos de la vida en prisión. El protagonista, Montgomery, termina siendo un personaje repugnante, un cobarde que venderá a cualquiera en la prisión para asegurar una liberación anticipada. La película fue prohibida en Ohio, el sitio de los disturbios mortales en las prisiones que la inspiraron. Le siguieron Hombres numerados , El Código Penal , La sombra de la ley , el Código de convictos y otros, de no menos de siete estudios. Sin embargo, las películas sobre cárceles atrajeron principalmente a los hombres y, como resultado, tuvieron un rendimiento de taquilla débil.

Los estudios también produjeron películas sobre cárceles para niños que abordaban los problemas de delincuencia juvenil de Estados Unidos durante la Depresión. El alcalde del infierno , por ejemplo, presentó a niños matando a un supervisor de reformatorio asesinamente abusivo sin retribución.

Películas de pandillas en cadena

La crítica más aguda al sistema penitenciario estadounidense se reservó para la descripción de las bandas de cadenas del sur, siendo Soy un fugitivo de una banda de cadenas, con mucho, el más influyente y famoso. La película se basa en la historia real del personaje popular Robert E. Burns En la primera mitad de 1931, la revista True Detective Mysteries había publicado el trabajo de Burns en seis números, y la historia se publicó como libro en enero de 1932. El veterano condecorado James Allen (Paul Muni) regresa de la Primera Guerra Mundial como un hombre cambiado y busca una alternativa al tedioso trabajo que había dejado atrás, viajando por el país en busca de trabajos de construcción. Allen sigue a un vagabundo, a quien había conocido en un refugio para personas sin hogar, hasta un café, aceptando al vagabundo su oferta de una comida gratis. Cuando el vagabundo intenta robar el restaurante, Allen es acusado de cómplice, condenado por robar unos pocos dólares y condenado a diez años en una pandilla encadenada.

Los hombres son encadenados y transportados a una cantera para romper rocas todos los días. Incluso cuando están desencadenados el uno del otro, los grilletes permanecen alrededor de sus tobillos en todo momento. Allen convence a un prisionero negro grande que tiene una puntería particularmente buena de golpear los grilletes de sus tobillos con un mazo para doblarlos. Se quita los pies de los grilletes doblados y, en una famosa secuencia, escapa por el bosque mientras es perseguido por sabuesos. En el exterior, desarrolla una nueva identidad y se convierte en un desarrollador respetado en Chicago. Una mujer a la que no ama lo chantajea para que se case y descubre su secreto. Cuando amenaza con dejarla por una joven de la que se ha enamorado, su esposa lo entrega. Su caso se convierte en una causa célebre , y él acepta entregarse bajo el acuerdo de que cumplirá 90 días y luego será liberado. Sin embargo, es engañado y no es liberado después de la duración acordada. Esto lo obliga a escapar nuevamente, y busca a la joven diciéndole que no pueden estar juntos porque siempre lo perseguirán. La película termina con ella preguntándole cómo sobrevive, y su siniestra respuesta desde la oscuridad es: "Robo".

Aunque se basa en la realidad, la película Chain Gang cambia ligeramente la historia original para atraer a las audiencias de la era de la Depresión al representar al país en dificultades económicas, a pesar de que Burns regresó durante la era de los locos años veinte . El final sombrío y antisistema de la película sorprendió al público.

Laughter in Hell , una película de 1933 dirigida por Edward L. Cahn y protagonizada por Pat O'Brien , se inspiró en parte en I Am a Fugitive from a Chain Gang . O'Brien interpreta a un ingeniero ferroviario que mata a su esposa y a su amante en un ataque de celos y es enviado a prisión. El hermano del muerto es el alcaide de la prisión y atormenta el carácter de O'Brien. O'Brien y varios otros se rebelan, matan al alcaide y escapan con su nueva amante ( Gloria Stuart ). La película, redescubierta en 2012, generó controversia por su escena de linchamiento en el que varios hombres negros fueron ahorcados, aunque los informes varían sobre si los hombres negros fueron ahorcados junto a hombres blancos o solos. Un crítico de cine de The New Age (un semanario afroamericano) elogió a los realizadores por ser lo suficientemente valientes como para describir las atrocidades que estaban ocurriendo en algunos estados del sur.

Los títulos de las películas anteriores al Código eran a menudo deliberadamente provocativos. Aunque violenta, Safe in Hell (1931) fue una película reflexiva y socialmente moderna.

Películas de sexo

Promoción

A medida que las películas con elementos lascivos se desempeñaron bien en la taquilla, después de la represión de las películas policiales, Hollywood aumentó su producción de películas con los siete pecados capitales . En 1932, Warner Bros formó una política oficial que decretaba que "dos de cada cinco historias deberían estar calientes", y que casi todas las películas podrían beneficiarse "añadiendo algo que tenga que ver con el jengibre". Los cineastas (incluida la astuta Mae West ) comenzaron a colocar material demasiado sugerente que sabían que nunca llegaría a los cines con la esperanza de que delitos menores sobrevivieran en la sala de montaje. El guionista de MGM, Donald Ogden Stewart, dijo: "[Joy y Wingate] no querrían sacar demasiado, por lo que les daría cinco cosas para que se llevaran para satisfacer a la Oficina de Hays, y se saldría con la suya con lo que dejaron en . "

Películas como Laughing Sinners , The Devil's Holiday , Safe in Hell , The Devil is Driving , Merrily We Go to Hell , Laughter in Hell y The Road to Ruin eran provocativas en sus simples títulos. Los estudios comercializaron sus películas, a veces de manera deshonesta, inventando eslóganes sugerentes y títulos espeluznantes, llegando incluso a realizar concursos internos para idear títulos provocativos para guiones. Comúnmente etiquetadas como "películas de sexo" por los censores, estas imágenes ofenden el gusto en más categorías que solo la sexualidad. Según un análisis de Variety de 440 imágenes producidas en 1932-1933, 352 tenían "cierta inclinación sexual", de las cuales 145 poseían "secuencias cuestionables" y 44 eran "críticamente sexuales". Variety resumió que "más del 80% de la producción cinematográfica principal del mundo estaba ... aromatizada con esencia de dormitorio". Los intentos de crear películas solo para adultos (apodado "pinking") terminaron atrayendo a grandes audiencias de todas las edades a los cines.

Algunos objetaron las fotos publicitarias como esta toma de 1932 de Ina Claire posando seductoramente en un diván de The Greeks Had a Word for Them .

Los carteles y las fotos publicitarias a menudo resultaban tentadores. Las mujeres aparecieron en poses y atuendos que ni siquiera se vislumbraban en las propias películas. En algunos casos, las actrices con pequeños papeles en películas (o en el caso de Dolores Murray en su publicidad todavía para The Common Law , sin ningún papel en absoluto) aparecían escasamente vestidas. Hays se indignó por las imágenes vaporosas que circulaban en los periódicos de todo el país. El Código Hays original contenía una nota a menudo ignorada sobre imágenes publicitarias, pero escribió una regla publicitaria completamente nueva al estilo de los Diez Mandamientos que contenía un conjunto de doce prohibiciones. Los primeros siete abordaron imágenes. Prohibieron a las mujeres en ropa interior, a las mujeres alzándose la falda, poses sugerentes, besos, besuqueos y otros materiales sugerentes. Los últimos cinco se referían a la copia publicitaria y prohibían la tergiversación del contenido de la película, la "copia lasciva" y la palabra " cortesana ".

Los estudios encontraron su camino alrededor de las restricciones y publicaron imágenes cada vez más picantes. En última instancia, esto fracasó en 1934 cuando se colocó una valla publicitaria en Filadelfia frente a la casa del cardenal Dennis Dougherty . Gravemente ofendido, Dougherty se vengó ayudando a lanzar el boicot cinematográfico que luego facilitaría la aplicación del Código. Un tema comúnmente repetido por quienes apoyan la censura, y uno mencionado en el Código mismo, fue la noción de que la gente común necesitaba ser salvada de sí misma por la élite cultural más refinada.

A pesar de los intentos obvios de atraer a los hombres estadounidenses de sangre roja, la mayoría de los clientes de las imágenes sexuales eran mujeres. Variety culpó directamente a las mujeres por el aumento de las imágenes de vicio:

Las mujeres son responsables del creciente gusto del público por el sensacionalismo y las cosas sexys. Las mujeres que constituyen la mayor parte de las audiencias cinematográficas son también las lectoras mayoritarias de los tabloides, las hojas de escándalos, las revistas llamativas y los libros eróticos ... la mente del hombre promedio parece sana en comparación. ... Las mujeres aman la suciedad, nada las impacta.

Jean Harlow (vista aquí en una portada de 1935 de Time ) fue impulsada al estrellato en películas anteriores al Código como Platinum Blonde , Red Dust y Red-Headed Woman .

A las audiencias femeninas de Pre-Code les gustaba disfrutar de los estilos de vida carnales de amantes y adúlteras mientras al mismo tiempo disfrutaban de su inevitable caída en las escenas finales de la película. Si bien se decía que las películas de gánsteres corrompían la moral de los niños pequeños, se culpaba a las películas de vicio de amenazar la pureza de las mujeres adolescentes.

Contenido

En el Hollywood anterior a Code, la película sexual se convirtió en sinónimo de fotografías de mujeres: Darryl F.Zanuck le dijo una vez a Wingate que la oficina corporativa de Warner Brothers en Nueva York le ordenó reservar el 20% de la producción del estudio para "fotografías de mujeres, lo que inevitablemente significa fotos de sexo ". Las películas de Vice generalmente incluían finales en los que los personajes más llenos de pecado eran castigados o redimidos. Las películas exploraron temas que desafían el código de una manera sin complejos con la premisa de que un momento final podría redimir todo lo que había sucedido antes. El concepto de matrimonio se puso a prueba a menudo en películas como El hijo pródigo (1931), en la que una mujer tiene una aventura con un personaje sórdido y luego se enamora de su cuñado. Cuando su suegra interviene al final de la película, es para animar a un hijo a que le conceda el divorcio a su esposa para que pueda casarse con su hermano, de quien obviamente está enamorada. La mujer mayor proclama el mensaje de la película en una línea casi al final: "Este es el siglo XX. Sal al mundo y obtén la felicidad que puedas".

En Madame Satan (1930), el adulterio se condona explícitamente y se usa como una señal para que la esposa deba actuar de una manera más tentadora para mantener el interés de su esposo. En Secretos (1933), un esposo admite haber cometido adulterio en serie, solo que esta vez se arrepiente y el matrimonio se salva. Las películas apuntaron a lo que ya era una institución dañada. Durante la Gran Depresión, las relaciones entre los cónyuges a menudo se deterioraron debido a la tensión financiera, los matrimonios disminuyeron y los maridos abandonaron a sus familias en mayor número. Las tasas de matrimonio disminuyeron continuamente a principios de la década de 1930, y finalmente aumentaron en 1934, el último año de la era anterior al Código, y aunque las tasas de divorcio bajaron, es probable que esto se deba a que la deserción se convirtió en un método de separación más común. En consecuencia, los personajes femeninos, como Ruth Chatterton en Female , viven estilos de vida promiscuos de soltera y controlan su propio destino financiero (Chatterton supervisa una fábrica de automóviles) sin remordimientos.

En The Divorcee (1930), protagonizada por Norma Shearer , una esposa descubre que su marido (interpretado por Chester Morris) la ha estado engañando. En reacción, ella decide tener una aventura con su mejor amigo (interpretado por Robert Montgomery ). Cuando el marido se entera, decide dejarla. Después de suplicarle que se quedara, la esposa desata sus frustraciones sobre él y, en un momento de inspiración, le revela su deseo de vivir una vida sin miedo y sexualmente liberada sin él. Según al menos un historiador de cine, esta fue la película que inspiró a otras películas centradas en protagonistas femeninas sofisticadas, que se quedaban fuera hasta tarde, tenían aventuras, usaban vestidos reveladores y que básicamente destruyeron el doble rasero sexual al imponerse tanto en la sociedad como en en el dormitorio. Desde The Divorcee en adelante, se desarrolló "una tendencia hacia una sofisticación en las imágenes de mujeres que continuaría sin cesar hasta el final de la era Pre-Code a mediados de 1934".

Uno de los ejemplos más destacados de castigo por transgresiones inmorales en la película de vicio se puede ver en The Story of Temple Drake , basada en la novela Santuario de William Faulkner . En Drake , el personaje principal (interpretado por Miriam Hopkins ), una "fiestera" fría e insípida, la hija de un juez, es violada y obligada a prostituirse por un personaje de los bosques, y según el erudito anterior al Código Thomas Doherty, el La película implica que los hechos que le hicieron son en recompensa por su inmoralidad. Más tarde, en la corte, confiesa que mató al hombre que la violó y la retuvo. Se desmaya tras esta confesión, sobre la que su abogado la lleva a cabo, lo que la lleva a un "final feliz". En la película de RKO Christopher Strong , Katharine Hepburn interpreta a una aviadora que queda embarazada de una aventura con un hombre casado. Se suicida volando su avión directamente hacia arriba hasta que rompe el récord mundial de altitud, momento en el que se quita la máscara de oxígeno y cae en picado a la tierra. Los personajes femeninos fuertes a menudo terminaban las películas como mujeres "reformadas", después de experimentar situaciones en las que su perspectiva progresista resultó ser defectuosa.

La abierta bisexualidad de Marlene Dietrich causó revuelo. En 1933, su estudio, Paramount, firmó un acuerdo en gran parte ineficaz para no representar mujeres con ropa de hombre en sus películas.

Las protagonistas femeninas de las películas sobre vicios agresivamente sexuales solían ser de dos tipos generales: la chica mala o la mujer caída. En las llamadas imágenes de "chicas malas", los personajes femeninos se beneficiaron de la promiscuidad y el comportamiento inmoral. Jean Harlow , una actriz que, según todos los informes, era una persona alegre y amable fuera de la pantalla, con frecuencia interpretaba personajes de chicas malas y las apodaba "buitres sexuales".

Dos de los ejemplos más destacados de películas de chicas malas, Mujer pelirroja y Cara de bebé , incluían a Harlow y Stanwyck. En Mujer pelirroja, Harlow interpreta a una secretaria decidida a dormir para lograr un estilo de vida más lujoso, y en Cara de bebé, Stanwyck es una fugitiva maltratada decidida a usar el sexo para progresar económicamente.

En Baby Face, Stanwyck se muda a Nueva York y duerme hasta llegar a la cima de Gotham Trust. Su progreso se ilustra en una metáfora visual recurrente de la cámara de cine girando hacia arriba a lo largo del frente del rascacielos de Gotham Trust. Los hombres se vuelven locos de lujuria por ella y cometen asesinatos, intentan suicidarse y se arruinan financieramente por asociarse con ella antes de que ella enmiende sus caminos en el carrete final. En otra desviación de las películas de código postal, la única compañera de Stanwyck durante la duración de la película es una mujer negra llamada Chico ( Theresa Harris ), a quien se llevó con ella cuando se escapó de casa a los 14 años.

Mujer pelirroja comienza con Harlow seduciendo a su jefe Bill LeGendre y rompiendo intencionalmente su matrimonio. Durante sus seducciones, él intenta resistirse y la abofetea, momento en el que ella lo mira delirante y le dice "Hazlo de nuevo. ¡Me gusta! ¡Hazlo de nuevo!" Eventualmente se casan, pero Harlow seduce a un industrial adinerado que está en el negocio con su esposo para que ella pueda mudarse a Nueva York. Aunque este plan tiene éxito, la dejan de lado cuando descubren que tiene una aventura con su chófer, en esencia engañando a su amante. Harlow dispara a LeGendre y casi lo mata. La última vez que se la ve en la película, está en Francia en el asiento trasero de una limusina con un anciano adinerado conducido por el mismo chófer. La película fue una bendición para la carrera de Harlow y ha sido descrita como una "obra maestra basura".

El cine clasificado como películas de "mujeres caídas" a menudo se inspiraba en las dificultades de la vida real que soportaron las mujeres en el lugar de trabajo de la era de la Depresión. Los hombres que ostentaban el poder en estas fotografías frecuentemente acosaban sexualmente a las mujeres que trabajaban para ellos. Mantener el empleo a menudo se convirtió en una cuestión de virtud de la mujer. En She Had to Say Yes (1933), protagonizada por Loretta Young , una tienda departamental en apuros ofrece citas con sus taquígrafas como incentivo para los clientes. La Entrada de Empleados se comercializó con el lema "Vea a qué se enfrentan las niñas sin trabajo en estos días". Joy se quejó en 1932 de otro género, la película de la "mujer mantenida", que presentaba el adulterio como alternativa al tedio de un matrimonio infeliz.

Hasta 1934, la desnudez que involucraba a mujeres "civilizadas", que se entendía que significaba mujeres blancas, estaba generalmente prohibida, pero se permitía con mujeres "incivilizadas", que se entendía que significaba mujeres no blancas. La cineasta Deane Dickason aprovechó este vacío legal para estrenar un documental casi pornográfico Virgins of Bali en septiembre de 1932, que trata sobre un día en la vida de dos adolescentes balineses, presumiblemente "incivilizados". La introducción de la película señala que las mujeres balinesas normalmente iban en topless y solo se cubrían el pecho para los deberes ceremoniales; Doherty comentó secamente que, "afortunadamente" para Dickason, las dos "estrellas" de su película rara vez realizaban deberes ceremoniales. Típico de la película es la primera escena en la que las dos chicas se bañan en el río mientras Dickason narra, hablando sin aliento sobre cómo las dos chicas "bañan sus cuerpos bronceados desvergonzadamente desnudos". Virgins of Bali , que consistía casi en su totalidad en escenas de mujeres balinesas en varios estados de desnudez con el pretexto de mostrar cómo era la vida cotidiana en Bali , fue una película inmensamente popular entre los hombres en ese momento, y casi sin ayuda hizo de Bali en un destino turístico popular.

Los homosexuales fueron retratados en películas anteriores al Código como Our Betters (1933), Footlight Parade (1933), Only Yesterday (1933), Sailor's Luck (1933) y Cavalcade (1933). Aunque el tema se trató de manera mucho más abierta que en las décadas siguientes, las caracterizaciones de personajes gays y lesbianas fueron generalmente despectivas. Los personajes masculinos homosexuales fueron retratados como frívolos con voces altas, existiendo simplemente como personajes secundarios bufonescos.

Un raro ejemplo de un personaje homosexual que no se retrata de la manera afeminada estándar, aunque todavía negativamente, fue el villano "Murder Legendre", interpretado por Bela Lugosi en White Zombie (1932), el francés que dominaba los poderes mágicos de un Bokor ( hechicero vudú). Legendre es contratado por el rico propietario de una plantación Charles Beaumont ( Robert Frazer ) para convertir a la mujer que desea en un zombi, solo para ser informado más tarde de que Legendre lo desea y lo va a transformar en un zombi. En películas como Ladies They Talk About , las lesbianas fueron retratadas como personajes rudos y fornidos, pero en La señal de la cruz de DeMille , una esclava cristiana es llevada a un prefecto romano y seducida en la danza por una escultural bailarina lesbiana. Fox casi se convirtió en el primer estudio estadounidense en usar la palabra "gay" para referirse a la homosexualidad, pero el SRC hizo que el estudio amortiguara la palabra en la banda sonora de todas las imágenes que llegaban a los cines.

A Mae West a veces se le llama erróneamente la razón del Código de Producción. Incluso bajo el Código se las arregló para llevar un vestido casi transparente en Go West, Young Man (1936).

La actriz bisexual Marlene Dietrich cultivó una base de admiradores de género cruzado y comenzó una tendencia cuando comenzó a usar trajes de hombre. Causó conmoción cuando apareció en el estreno de La Señal de la Cruz en 1932 con un esmoquin, con sombrero de copa y bastón. La aparición de personajes homosexuales tuvo su apogeo en 1933; en ese año, Hays declaró que todos los personajes masculinos homosexuales serían eliminados de las imágenes. Paramount aprovechó la publicidad negativa que Dietrich generó al firmar un acuerdo en gran parte sin sentido que decía que no retratarían a mujeres con atuendos masculinos.

Comedia

En los duros tiempos económicos de la Depresión temprana, las películas y los artistas intérpretes o ejecutantes a menudo presentaban un estilo cómico alienado, cínico y socialmente peligroso. Al igual que con las películas políticas, la comedia se suavizó con la elección de FDR y el optimismo del New Deal. Los personajes de la era anterior al Código participaban con frecuencia en duelos cómicos de insinuaciones sexuales en aumento. En Employee's Entrance , una mujer entra en la oficina de un jefe sinvergüenza que dice: "Oh, eres tú, no te reconocí con toda la ropa puesta". Los estereotipos raciales se empleaban generalmente cuando aparecían personajes étnicos. Los negros en particular solían ser el blanco de las bromas, nunca los bromistas. El comediante negro más reconocido fue Stepin Fetchit , cuyo personaje cómico de ingenio lento solo estaba destinado a tener éxito de manera involuntaria, con él mismo como el remate.

El escenario de Nueva York estaba lleno de humor obsceno y comedia sexualmente ofensiva; cuando los productores de películas empezaron a poner chistes en sus imágenes sonoras, buscaron artistas neoyorquinos. Los cómics populares como los hermanos Marx comenzaron en Broadway frente al público en vivo. Los censores se quejaron cuando tuvieron que mantenerse al día con la avalancha de bromas en imágenes a principios de la década de 1930, algunas de las cuales estaban diseñadas para pasar por alto. Las bromas cómicas de algunas de las primeras películas sonoras eran rápidas, ininterrumpidas y, con frecuencia, agotadoras para la audiencia en el carrete final.

Mae West ya se había establecido como actriz cómica cuando su espectáculo de Broadway Sex de 1926 llegó a los titulares nacionales. Juzgada y condenada por indecencia por el fiscal de distrito de la ciudad de Nueva York, cumplió ocho días en prisión. West construyó cuidadosamente una personalidad escénica y la trasladó a sus entrevistas y apariciones personales. A pesar de su físico voluptuoso, la mayor parte de su atractivo residía en sus modales sugerentes. Se convirtió en una forjadora de palabras en el arte de la provocación y la línea seductora y, a pesar de su evidente atractivo para el público masculino, también era popular entre las mujeres. Sobre los gritos de los censores, West comenzó su carrera en la película Night After Night (1932), protagonizada por George Raft y Constance Cummings , como un personaje secundario de Texas Guinan . Aceptó aparecer en la película solo después de que los productores accedieran a dejarla escribir sus propias líneas. En la primera línea de West en la película, después de que una chica a cuadros de sombrero comenta "Dios, qué hermosos diamantes", West responde: "Dios no tuvo nada que ver con eso, cariño". Raft, que había querido a la propia Texas Guinan para el papel que fue para West, escribió más tarde: "En esta imagen, Mae West se robó todo menos las cámaras". Luego hizo She Done Him Wrong en 1933, que se convirtió en un gran éxito de taquilla, recaudando $ 3 millones contra un presupuesto de $ 200,000, y nueve meses después escribió y protagonizó I'm No Angel . Tuvo tanto éxito que su carrera salvó a Paramount de la ruina financiera.

La llegada del cine sonoro creó un nuevo mercado laboral para los escritores de diálogos en pantalla. Muchos periodistas de periódicos se mudaron a California y se convirtieron en guionistas empleados en estudios. Esto resultó en una serie de imágenes de comedia de habla rápida con periodistas. La portada , posteriormente rehecha como la publicación mucho menos cínica y más sentimental de Code His Girl Friday (1940), fue adaptada de la obra de Broadway por los periodistas de Chicago y los guionistas de Hollywood, Ben Hecht y Charles MacArthur . Se basó en las experiencias de Hecht trabajando como reportero para el Chicago Daily Journal .

Betty Boop en 1933 y 1939
Los bailarines ensayando con ropa abreviada en 42nd Street (1933) ilustra el encanto del musical entre bastidores.
El " por una cascada número" de Busby Berkeley 's Footlight desfile (1933), que también destacó James Cagney ' talentos de baile s.

Dibujos animados

Las caricaturas teatrales también estaban cubiertas por el Código de Producción. Según Leonard Maltin : "A principios de 1933, el dueño de un teatro de Georgia escribió a Film Daily :" Lo peor que tenemos son las obscenidades en los dibujos animados. Son principalmente un dibujo infantil, y los padres con frecuencia se oponen a la suciedad que se les pone, por cierto sin ayudar a la comedia. Las más sucias son invariablemente las menos divertidas '". Betty Boop sufrió así algunos de los cambios más dramáticos después de la imposición del Código:" desapareció la liga, la minifalda, el escote ".

Musicales

A medida que las imágenes sonoras se convirtieron en la norma en Hollywood, la película musical "entre bastidores" fue un tema natural para el nuevo medio. Los estudios no solo podían presentar cantos y bailes a su público (muchos de los cuales era poco probable que hubieran visto un musical en el escenario antes), sino que los musicales de películas anteriores al Código también tendían a presentar coros femeninos jóvenes y bien formados con ropa de ensayo escasa que reveló partes del cuerpo que aún no eran normales para ver en la calle, e insinuó otras partes de una manera que la moda normal no permitía. Pero incluso si esto pudiera considerarse un uso explotador del cuerpo femenino, las películas musicales anteriores al Código generalmente no eran despectivas en su presentación de las virtudes físicas de sus mujeres, sino celebratorias, con los espectaculares números musicales de Busby Berkeley siendo especialmente, y ingeniosamente; Berkeley evitó fetichizar a sus artistas femeninas.

Los "muchachos" del coro también eran en general ejemplares bien formados, de aspecto saludable y viriles, pero aun así nunca recibieron la atención que recibían las mujeres. Junto con las obvias demostraciones de potencial sexual masculino y femenino, y el coqueteo y el cortejo que lo acompañan, los musicales anteriores a Code presentan la energía y la vitalidad de sus jóvenes intérpretes, así como las habilidades cómicas de los muchos actores de personajes mayores de Hollywood. , quienes a menudo fueron elegidos como productores, agentes, "ángeles" de Broadway (patrocinadores financieros) y parientes ricos y tacaños, y dieron un toque ligero, aunque a menudo estereotipado, a estas películas.

Algunos musicales precodificados

Terror y ciencia ficción

A diferencia de las películas de crimen y sexo de la era muda, las películas de terror mudas, a pesar de haber sido producidas por cientos, nunca fueron una preocupación importante para los censores o líderes cívicos. Sin embargo, cuando se estrenaron películas de terror con sonido, rápidamente causaron controversia. El sonido proporcionó "música atmosférica y efectos de sonido, diálogos macabros de voz espeluznante y una dosis liberal de gritos espeluznantes" que intensificaron sus efectos en el público y, en consecuencia, en los cruzados morales. El Código Hays no mencionó lo horripilante, y los cineastas se aprovecharon de este descuido. Sin embargo, las juntas estatales por lo general no tenían pautas establecidas y podían objetar cualquier material que encontraran indecente. Aunque películas como Frankenstein y Freaks causaron polémica cuando se estrenaron, ya habían sido recortadas para cumplir con la censura.

Boris Karloff en Frankenstein (1931). La brutalidad del monstruo sorprendió a muchos espectadores, al igual que la declaración del médico de que "¡Ahora sé lo que se siente al ser Dios!" En la época de Bride of Frankenstein (1935), el Código estaba en pleno vigor.

La película de pesadilla, que comprende los nacientes géneros cinematográficos de terror y ciencia ficción , provocó terror psicológico individual en sus encarnaciones de terror, mientras que encarnaba el terror sociológico grupal en sus manifestaciones de ciencia ficción. Los dos tipos principales de imágenes de terror anteriores al Código eran la película de un solo monstruo y las películas en las que masas de horribles bestias se levantaban y atacaban a sus supuestos mejores. Frankenstein y Freaks ejemplificaron ambos géneros.

El ciclo de terror anterior al Código fue motivado por la necesidad financiera. Universal, en particular, se animó con la producción de éxitos de terror como Drácula (1931) y Frankenstein , y luego siguió esos éxitos con Murders in the Rue Morgue (1932), The Mummy (1932) y The Old Dark House (1932). Otros grandes estudios respondieron con sus propias producciones. Sin embargo, al igual que el ciclo de las películas sobre crímenes, el intenso auge del ciclo de terror fue efímero y había decaído en la taquilla al final de la era anterior al Código.

Mientras que Joy declaró a Drácula "bastante satisfactorio desde el punto de vista del Código" antes de su lanzamiento, y la película tuvo pocos problemas para llegar a los cines, Frankenstein fue una historia diferente. Nueva York, Pensilvania y Massachusetts eliminaron la escena en la que el monstruo ahoga involuntariamente a una niña y las líneas que hacían referencia al complejo de Dios del Dr. Frankenstein. Kansas , en particular, se opuso a la película. La junta de censura del estado solicitó el corte de 32 escenas, que si se eliminan, habrían reducido a la mitad la duración de la película.

Dr. Jekyll y Mr. Hyde (1931) de Paramount interpretaron las teorías freudianas populares entre la audiencia de su época. Fredric March interpretó al personaje principal con personalidad dividida. Jekyll representaba el superyó compuesto y Hyde el id lascivo . La coqueta cantante de bar de Miriam Hopkins , Ivy Pierson, se burla sexualmente de Jekyll al principio de la película mostrando partes de sus piernas y pecho. Joy sintió que la escena había sido "arrastrada simplemente para excitar a la audiencia". Hyde la coacciona con la amenaza de violencia para que se convierta en su amante y la golpea cuando intenta dejar de verlo. Se la contrasta con su sana prometida Muriel ( Rose Hobart ), cuya naturaleza casta no satisface al alter ego más básico de March. La película es considerada "la más honrada de las películas de terror de Pre-Code". Muchas de las escenas gráficas entre Hyde e Ivy fueron cortadas por los censores locales debido a su sugerencia. El sexo estaba íntimamente ligado al horror en muchas películas de terror anteriores al Código. En crímenes de la calle Morgue , una adaptación de Edgar Allan Poe 's cuento clásico que tiene poco en común con el material de origen, a Bela Lugosi interpreta a un científico loco que tortura y mata a las mujeres, tratando de mezclar la sangre humana con la sangre simio durante sus experimentos . Su preciado experimento, un simio inteligente llamado Erik, irrumpe en la ventana del apartamento del segundo piso de una mujer y la viola.

En Asesinatos en la Rue Morgue (1932), la sombra de la mano del mono aparece sobre la cabeza de Camille ( Sidney Fox ) al entrar en su habitación. Lo que sigue ha sido denominado "mestizaje entre especies" por el historiador de cine Thomas Doherty.

En Freaks , el director Tod Browning de la fama de Drácula encabeza una imagen que representa un circo ambulante poblado por un grupo de fanáticos del carnaval deformados. Browning pobló la película con actores reales de carnaval, incluidos "enanos, enanos, hermafroditas, gemelos siameses y, lo que es más terrible, el hombre sin brazos y sin piernas anunciado como el 'torso viviente'". También hay un grupo de cabezas de alfiler, a quienes se les describe como afortunados porque no son lo suficientemente capaces mentalmente para comprender que disgustan a las personas. Pero los personajes verdaderamente desagradables aquí son los villanos, el hombre fuerte del circo Hércules y la bella artista de cuerda floja Cleopatra, que tiene la intención de casarse y envenenar a Hans, el heredero enano que está enamorado de ella. En una cena de celebración de su unión, uno de los monstruos baila sobre la mesa mientras cantan "gooble-engulle, engulle, engulle, uno de nosotros, uno de nosotros, la aceptamos, la aceptamos". Disgustada, Cleopatra insulta a Hans y se besa con Hércules frente a él. Cuando los monstruos descubren su plan, se vengan mutilando a Cleopatra hasta convertirla en un monstruo. Aunque los fanáticos del circo eran comunes a principios de la década de 1930, la película fue su primera representación en la pantalla. Browning se preocupó de detenerse en las tomas de los artistas deformes y discapacitados con tomas largas de ellos, incluido uno del "torso vivo" encendiendo un fósforo y luego un cigarrillo con la boca. La película estuvo acompañada de una campaña de marketing sensacional que planteaba preguntas sexuales como "¿Los gemelos siameses hacen el amor?", "¿De qué sexo es mitad hombre mitad mujer?" Y "¿Puede una mujer madura amar de verdad a un enano?". ? " Sorprendentemente, dada su reacción a Frankenstein , el estado de Kansas no objetó nada en Freaks . Sin embargo, otros estados, como Georgia, fueron rechazados por la película y no se proyectó en muchos lugares. Más tarde, la película se convirtió en un clásico de culto impulsado por las proyecciones de películas a medianoche , pero fue una bomba de taquilla en su lanzamiento original.

En Island of Lost Souls (1932), una adaptación de la novela de ciencia ficción de HG Wells La isla del doctor Moreau , Charles Laughton interpreta a otro científico loco con un complejo de Dios. Como Moreau, Laughton crea la isla paradisíaca de un científico loco, un refugio sin vigilancia donde es libre de crear una raza de hombres-bestias y Lota, una bestia-mujer que quiere aparearse con un hombre humano normal. Un náufrago aterriza en su isla, brindándole la oportunidad de ver hasta dónde ha llegado su experimento científico, la atractiva y apenas vestida Lota. El náufrago descubre a Moreau viviseccionando a uno de los hombres-bestia e intenta salir de la isla. Corre hacia el campamento de los hombres-bestias y Moreau los golpea con un látigo. La película termina con Lota muerta, el náufrago rescatado y los hombres-bestias gritando: "¿No somos hombres?" mientras atacan y luego vivisecan a Moreau. La película ha sido descrito como "de un hombre rico Freaks " debido a su material de origen estimado. Wells, sin embargo, despreció la película por sus espeluznantes excesos. Fue rechazada por 14 juntas de censura locales en los Estados Unidos y considerada "contra natura" en Gran Bretaña, donde estuvo prohibida hasta 1958.

Películas de aventuras exóticas

Dolores del Río baila casi en topless en Ave del paraíso (1932).

Las películas de Pre-Code contenían un tema continuo y recurrente de racismo blanco. A principios de la década de 1930, los estudios filmaron una serie de imágenes que tenían como objetivo proporcionar a los espectadores una sensación de lo exótico, una exploración de lo desconocido y lo prohibido. Estas imágenes a menudo se imbuían del encanto del sexo interracial según el historiador anterior al Código, Thomas Doherty. "En el núcleo psíquico del género está el escalofrío de la atracción sexual, la amenaza y la promesa del mestizaje". Películas como Africa Speaks se comercializaron directamente haciendo referencia al sexo interracial; los espectadores recibieron pequeños paquetes con la etiqueta "Secretos" que contenían fotografías de mujeres negras desnudas. Como representaciones de las condiciones históricas, estas películas tienen poco valor educativo, pero como artefactos que muestran la actitud de Hollywood hacia la raza y las culturas extranjeras, son esclarecedoras. El punto central de interés en La rubia cautiva (1931), una película que mostraba a una mujer rubia secuestrada por una tribu salvaje de aborígenes australianos, no fue que fue secuestrada, sino que disfrutaba viviendo entre la tribu. La falta de personajes negros en las películas resalta su estatus en Jim Crow America .

En Bird of Paradise , un estadounidense blanco ( Joel McCrea ) disfruta de un tórrido romance con una princesa polinesia ( Dolores del Río ). La película creó un escándalo cuando se estrenó debido a una escena en la que Del Río nadaba desnudo . Orson Welles dijo que Del Río representó el ideal erótico más alto con su actuación en la película.

El protagonista blanco de Tarzán, el hombre mono (1932) es el "Rey de la jungla [africana]". Tarzán ( Johnny Weissmuller ) es una criatura selvática monosilábica semidesnuda cuyo atractivo se deriva de su destreza física; A lo largo de la película, salva a Jane ( Maureen O'Sullivan ) del peligro y ella se desmaya en sus brazos. Cuando el padre de Jane le advierte "no es como nosotros", ella responde "es blanco" como prueba de lo contrario. En la picante secuela de 1934, Tarzán y su pareja (la última palabra que significa tanto un estatus como una función biológica), los hombres vienen de los EE. UU. Con elegantes vestidos y otros accesorios para cortejar y vestir a la Jane sin sujetador y apenas vestida, interpretada nuevamente. por O'Sullivan, con la esperanza de alejarla del salvaje Tarzán. Detesta la ropa más elegante y se la arranca. La película incluyó una escena de desnudos con desnudez extensa con un doble de cuerpo en lugar de O'Sullivan. Breen, entonces jefe del SRC, se opuso a la escena y MGM, el productor de la película, decidió llevar su caso a la junta de revisión de apelaciones. La junta estaba formada por los jefes de Fox, RKO y Universal. Después de ver la escena "varias veces", el tablero se puso del lado de Breen y el MPPDA, y la escena fue eliminada, pero MGM aún permitió que algunos trailers sin cortar y algunos carretes permanecieran en circulación. MGM comercializó la película principalmente para mujeres que usaban lemas como:

¡Muchachas! ¿Vivirías como Eva si encontraras al Adán correcto?
¡Los matrimonios modernos podrían aprender mucho de este drama de apareamiento en la jungla primitiva!
Si todos los matrimonios se basaran en el primitivo instinto de apareamiento, sería un mundo mejor.

Los personajes étnicos fueron retratados contra el estereotipo en Massacre (1934). El protagonista ( Richard Barthelmess ) es un nativo americano que se presenta en un espectáculo del salvaje oeste con un atuendo indio completo, pero luego se pone un traje y habla en jerga estadounidense una vez que termina el espectáculo. Tiene un mayordomo negro que es atípicamente inteligente; su personaje simplemente se hace el tonto al deslizarse hacia un personaje estereotipado y torpe de "negro" cuando le conviene, en lugar de ser genuinamente poco inteligente.

Películas como The Mask of Fu Manchu (1932), Shanghai Express (1932) y The Bitter Tea of ​​General Yen (1933) exploraron el exotismo del Lejano Oriente, utilizando actores blancos, no asiáticos, en los papeles principales. Los actores blancos con frecuencia se veían absurdos con el maquillaje de cara amarilla junto a los asiáticos genuinos, por lo que los estudios proyectaban todas las partes asiáticas en blanco. En general, los estereotipos de " Yellow Peril " dominaron la representación de los personajes asiáticos, que casi siempre eran villanos. El erudito estadounidense Huang Yunte escribió que el personaje de Charlie Chan, un detective chino-estadounidense ayudado por su torpe y americanizado "Hijo Número Uno" eran prácticamente los únicos ejemplos positivos de personajes asiáticos en Hollywood en este período. La actriz Anna May Wong se quejó en una entrevista de 1933 sobre la prevalencia de los estereotipos de "Yellow Peril" en Hollywood diciendo: "¿Por qué el chino de la pantalla es siempre el villano? Y un villano tan vulgar: asesino, traicionero, una serpiente en el ¡Hierba! No somos así. ¿Cómo podríamos serlo, con una civilización tantas veces más antigua que Occidente?

En Fu Manchu , Boris Karloff interpreta al malvado científico loco y gángster Dr. Fu Manchu, que quiere encontrar la espada y la máscara de Genghis Khan , lo que le dará el poder de controlar las "innumerables hordas" de asiáticos y liderarlos. en batalla contra Occidente. Fu es un desviado sexual que se dedica a la tortura ritual y tiene poderes ocultos. Varias veces, la película parece sugerir que Fu está involucrado en una relación incestuosa con su igualmente malvada hija Fah Lo See ( Myrna Loy ), que juega un tema central de los temores del "Peligro Amarillo", la supuesta sexualidad anormal de los asiáticos. En una escena cortada de la película debido a su descripción del mestizaje, la película muestra a la depravada hija de Fu violando a uno de los castos y buenos personajes. Fu es finalmente conquistado, pero no antes de que ponga temporalmente su mano sobre la espada y proclame a un vasto ejército panasiático formado por asiáticos y musulmanes: "¿Tendrían doncellas como esta [refiriéndose a Karen Morley ] para sus esposas? Entonces ¡Conquista y engendra! ¡Mata al hombre blanco y toma a sus mujeres! "

En la película de 1932 Shanghai Express, el señor de la guerra chino, el general Henry Chang ( Warner Oland ), se presenta no solo como euroasiático , sino también como poseedor de una asexualidad amenazante que lo coloca fuera del mundo convencionalmente definido de la sexualidad occidental y el orden racial, lo que lo convierte en un personaje peligroso. tanto a los personajes occidentales a los que ha tomado como rehenes como al hecho de que es un caudillo vicioso. Aunque Chang es euroasiático, se enorgullece de su herencia china mientras rechaza su herencia estadounidense, lo que confirma su identidad oriental. La China devastada por la guerra, alrededor de 1931, se presenta como un "infierno", por el que un grupo diverso de occidentales debe viajar en un viaje en tren de pesadilla desde Pekín a Shanghai , que empeora cuando el tren es secuestrado por Chang y su hombres. La película insinúa fuertemente que Chang es bisexual, que no solo quiere violar a la heroína Shanghai Lily ( Marlene Dietrich ), sino también al héroe Capitán Donald "Doc" Harvey ( Clive Brook ). Cuando el contrabandista de opio alemán Erich Baum ( Gustav von Seyffertitz ) insulta a Chang, el resultado es una escena en la que el señor de la guerra comete una violación simbólica, ya que el sádico Chang claramente siente placer sexual al marcar a Baum con un atizador al rojo vivo. Después de ser marcado (el símbolo de la esclavitud), el otrora orgulloso Baum se vuelve notablemente atemorizado y sumiso hacia Chang, quien en cierto sentido ahora lo "posee", lo que refleja el máximo temor al Peligro Amarillo de que los occidentales se conviertan en esclavos de Oriente y sus países. Sexualidad "pervertida". Más tarde, Chang viola a Hui Fei ( Anna May Wong ). Gina Marchetti sugiere que el deseo de Chang de cegar a Harvey no solo se entiende literalmente, sino que también es una metáfora de la castración, que incluso bajo el código de producción más permisivo en vigor en 1932 habría sido un tema tabú. En un marcado contraste con la sexualidad retorcida de Chang y su "pulido casi afeminado", Harvey se presenta como un soldado decididamente heterosexual, áspero y duro con una profunda vena romántica que demostró sobradamente su hombría en las trincheras de la Primera Guerra Mundial , presentando un modelo. de masculinidad y fuerza occidentales.

En varias ocasiones, la película insinúa que Shanghai Lily y Hui Fei son más que mejores amigos, y de hecho están comprometidos en una relación lésbica, por lo que cuando la película termina con Lily eligiendo a Harvey como su amante, esto sirve como testimonio de su virilidad. El atractivo sexual occidental, que la "redime" de su vida como prostituta. Al mismo tiempo que Shanghai Express adopta los estereotipos de Yellow Peril a través del personaje de Chang, también los socava en cierta medida a través del personaje de Hui, quien se muestra llorando desconsoladamente después de ser violada por Chang, lo que le da cierta humanidad y permite que el audiencia para simpatizar con ella. Hui es una cortesana que es despreciada por todos los personajes occidentales excepto por su mejor amiga Lily debido a su raza y profesión, pero se muestra que posee dignidad y la voluntad de defenderse. Varias escenas parecían sugerir que Shanghai Lily y Hui se sienten más atraídos el uno por el otro que el Capitán Harvey, ya que las dos mujeres intercambian miradas anhelantes más de una vez, lo que puede sugerir que la sexualidad de Hui no es del todo normal (la mayoría de la gente en 1932 considera que la bisexualidad es antinatural). En un momento, Hui usa un ajustado vestido cheongsam, que revela claramente sus pezones erectos, lo que definitivamente captura el interés de Lily. La misma crítica podría aplicarse a Lily, pero la película termina con Lily abrazando el amor heterosexual besando a Harvey mientras Hui se aleja sola, más triste como resultado de perder a su mejor amiga por Harvey y porque fue violada, pero por lo demás sin cambios. . Finalmente, es Hui quien salva a Harvey en el clímax de ser cegado / violado / castrado a manos de Chang al matar a Chang; Hui explica el asesinato como su forma de recuperar el respeto propio que Chang le había quitado.

Frank Capra Es La amargura del general Yen no era el mismo tipo de película: Stanwyck juega un misionero que va a China desgarrada por la guerra civil y se encuentra con el titular general (interpretado por Nils Asther ) después de que su coche mata al conductor de su rickshaw . Cuando queda inconsciente en un motín, él la saca de la turba y la sube a un vagón de tren. Tiene sueños espeluznantes, simbólicos y de temática de terror sobre el General, en los que se siente excitada y repugnada por él. La película rompe precedentes al convertirse en una historia de amor interracial, pero su ejército termina en ruinas. Yen se suicida al concluir la película, bebiendo té envenenado, en lugar de ser capturado y asesinado. Capra adoraba el guión e ignoraba el riesgo de hacer una película que infringía las leyes de California (y de otros 29 estados) relativas a la representación del mestizaje. El director de fotografía Joseph Walker probó una nueva técnica que creó, a la que denominó "Difusión variable", al filmar la película. Esto representó la imagen completa con un enfoque muy suave .

Noticieros y documentales

Desde 1904 hasta 1967, cuando la televisión finalmente los mató, los noticiarios precedieron a las películas. En la era temprana de las películas sonoras, duraban alrededor de ocho minutos y presentaban momentos destacados y clips de las historias más importantes del mundo. Actualizados dos veces por semana por los cinco estudios principales, se convirtieron en una empresa altamente rentable: en 1933, los noticiarios tuvieron una recaudación total de taquilla de casi $ 19,5 millones frente a un desembolso de menos de $ 10 millones. La era del cine sonoro creó al narrador; entre los primeros estaba Graham McNamee , quien proporcionó voz en off durante los clips, a menudo entregando chistes trillados mientras delineaba la acción en pantalla. Las entrevistas y los monólogos de los noticiarios sonoros presentaban a sujetos famosos que no estaban acostumbrados al nuevo medio. Estos clips cambiaron la percepción pública de personajes históricos importantes dependiendo de su elocución, el sonido de sus voces nunca antes escuchadas y su compostura frente a la cámara. Pronto se crearon alrededor de 12 "teatros de noticieros" en los Estados Unidos, siendo el más exitoso el Embassy Newsreel Theatre en Broadway . La Embajada era una instalación de 578 asientos que presentaba catorce programas de 45 a 50 minutos por día, desde las 10 de la mañana hasta la medianoche. Se destacó por su audiencia intelectual y exigente, muchos de los cuales no asistieron a las salas de cine.

All Quiet on the Western Front (1930), una de las primeras películas estadounidenses en retratar los horrores de la Primera Guerra Mundial , recibió grandes elogios del público por su mensaje humanitario y antibélico.

La noticia más apasionante de la era anterior al Código fue el secuestro del bebé Lindbergh en la noche del 1 de marzo de 1932. Como el niño ya era enormemente famoso antes del secuestro, el evento creó un circo mediático, con una cobertura de noticias más intensa que cualquier cosa desde la Primera Guerra Mundial. Los noticieros que mostraban fotos familiares del niño (la primera vez que las imágenes privadas habían sido "reclutadas para el servicio público") pedían a los espectadores que informaran si lo vieran. El 12 de mayo de 1932, el cuerpo del niño fue encontrado a menos de cinco millas de la casa de Lindbergh. Aunque los noticiarios cubrieron los temas más importantes del día, también presentaron historias de interés humano (como la cobertura inmensamente popular de los quintillizos de Dionne ) y noticias de entretenimiento, a veces con más detalle que asuntos políticos y sociales más urgentes.

El impacto de algunas de las imágenes contradice su precisión histórica; Casi todas las ceremonias y eventos públicos que se filmaron para noticiarios en la era del sonido temprana se escenificaron y, en algunos casos, incluso se recrearon. Por ejemplo: cuando FDR firmó un proyecto de ley importante, se llamó a un miembro de su gabinete antes de que comenzara la recreación escenificada, por lo que la película lo muestra ausente en el momento de la firma, aunque había estado presente. Los noticiarios de FDR se organizaron para ocultar su andar cojeando causado por la poliomielitis. Atrapados entre el deseo de presentar noticias precisas y contundentes y la necesidad de mantener a la audiencia de humor para el próximo entretenimiento, los noticiarios a menudo suavizaron las dificultades que enfrentaron los estadounidenses durante los primeros años de la Gran Depresión. FDR, en particular, recibió un trato favorable de Hollywood, con los cinco principales estudios produciendo cortos pro-FDR a finales de 1933. Estos cortos presentaban algunos de los talentos de contrato menor de los estudios que ensalzaban las virtudes de los programas gubernamentales y sociales creados por FDR. El propio Roosevelt era un natural ante la cámara. Los noticiarios fueron fundamentales para el éxito de su campaña inicial y para su perdurable popularidad mientras estuvo en el cargo. Variety lo describió como el "Barrymore de la capital".

Aprovechando 30 años de noticiarios archivados, los cineastas hicieron los primeros documentales de la era del sonido. La Primera Guerra Mundial fue un tema popular de estas imágenes y fue objeto de numerosos documentales, incluidos The Big Drive (1933), World in Revolt (1933), This is America (1933), Hell's Holiday (1933) y el profético titulado The Primera Guerra Mundial (1934): el documental de mayor éxito comercial y crítico de la época.

Los realizadores también hicieron documentales de largometraje que cubrieron los oscuros rincones del mundo, incluida la selva amazónica , los asentamientos de nativos americanos , las islas del Pacífico y todos los lugares intermedios. Aprovechando los impulsos voyeristas del público, ayudados por la concesión de desnudos en los documentales tribales, la filmación de tierras no tocadas por la modernidad y la presentación de lugares nunca antes filmados, estas películas aplacaron al público estadounidense de la época de la Depresión mostrándoles estilos de vida más difíciles que sus propio. También se plasmaron las expediciones al Ártico en películas como 90 ° Sur y Con Byrd en el Polo Sur , y África Subsahariana en las películas de safari de Martin y Osa Johnson , entre otras.

Algunos documentales de estilo de explotación pretendían mostrar hechos reales, pero en su lugar eran artimañas elaboradas. El más destacado de ellos fue Ingagi (1931), una película que pretendía mostrar un ritual en el que las mujeres africanas eran entregadas a gorilas como esclavas sexuales, pero en cambio se filmó principalmente en Los Ángeles utilizando negros locales en lugar de nativos. Douglas Fairbanks se burló de la falsedad de muchos documentales anteriores al Código en su parodia La vuelta al mundo en 80 minutos con Douglas Fairbanks , en una escena en la que se filmó a sí mismo luchando con un muñeco de peluche de tigre y luego con una alfombra de piel de tigre. En oposición a estas películas estaba el diario de viaje que se mostró antes de los largometrajes y sirvió como una forma breve y empalagosa de turismo cinematográfico.

Comienzo de la era del Código (1 de julio de 1934)

Código previo: "No hacer" y "Tenga cuidado", como se propuso en 1927

El Código enumeró una serie de puntos clave conocidos como "No hacer" y "Tenga cuidado":

Se resuelve, Que aquellas cosas que se incluyan en la siguiente lista no aparecerán en las fotografías producidas por los miembros de esta Asociación, independientemente de la forma en que sean tratados:

  • Blasfemias señaladas, ya sea por título o por labios, esto incluye las palabras "Dios", "Señor", "Jesús", "Cristo" (a menos que se utilicen con reverencia en relación con las ceremonias religiosas adecuadas), "infierno", "maldición", "Dios", y cualquier otra expresión profana y vulgar, como quiera que se deletree;
  • Cualquier desnudez licenciosa o sugerente, de hecho o en silueta; y cualquier aviso lujurioso o licencioso por parte de otros personajes en la imagen;
  • El tráfico ilegal de drogas;
  • Cualquier inferencia de perversión sexual;
  • Esclavitud blanca ;
  • Mestizaje (relaciones sexuales entre las razas blanca y negra);
  • Higiene sexual y enfermedades venéreas;
  • Escenas de un parto real, de hecho o en silueta;
  • Órganos sexuales de niños;
  • El ridículo del clero;
  • Ofensa intencional a cualquier nación, raza o credo;

Y resuélvase además, Que se tenga especial cuidado en la forma en que se traten los siguientes temas, con el fin de que se elimine la vulgaridad y la sugestión y se pueda enfatizar el buen gusto:

  • El uso de la bandera;
  • Relaciones internacionales (evitar imaginarse de manera desfavorable la religión, la historia, las instituciones, las personas prominentes y la ciudadanía de otro país);
  • Incendio provocado;
  • El uso de armas de fuego;
  • Robo, asalto, apertura de cajas fuertes y dinamización de trenes, minas, edificios, etc. (teniendo en cuenta el efecto que una descripción demasiado detallada de estos puede tener sobre el idiota );
  • Brutalidad y posible astucia;
  • Técnica de cometer asesinato por cualquier método;
  • Métodos de contrabando;
  • Métodos de tercer grado ;
  • Ejecuciones reales o electrocuciones como castigo legal por un delito;
  • Simpatía por los criminales;
  • Actitud hacia personajes e instituciones públicas;
  • Sedición ;
  • Crueldad aparente hacia los niños y los animales;
  • Marca de personas o animales;
  • La venta de mujeres, o de una mujer que vende su virtud;
  • Violación o intento de violación;
  • Escenas de la primera noche ;
  • Hombre y mujer juntos en la cama;
  • Seducción deliberada de niñas;
  • La institución del matrimonio;
  • Operaciones quirúrgicas;
  • El uso de drogas;
  • Títulos o escenas que tengan que ver con agentes del orden o agentes del orden;
  • Besos excesivos o lujuriosos, particularmente cuando un personaje u otro es " pesado ".

Las películas de Pre-Code comenzaron a provocar la ira de varios grupos religiosos, algunos protestantes pero en su mayoría un contingente de cruzados católicos romanos. Amleto Giovanni Cicognani , delegado apostólico de la Iglesia católica en los Estados Unidos, pidió a los católicos romanos en los Estados Unidos que se unan contra la creciente inmoralidad de las películas. Como resultado, en 1933 se estableció la Legión Católica de la Decencia, encabezada por el Reverendo John T. McNicholas (más tarde rebautizado como Legión Nacional de la Decencia ), para controlar y hacer cumplir los estándares de la decencia y boicotear las películas que consideraban ofensivas. Crearon un sistema de clasificación para las películas que comenzaban en "inofensivas" y terminaban en "condenadas", y esta última denotaba una película que era un pecado de ver.

Deseo unirme a la Legión de la Decencia, que condena las películas viles y malsanas. Me uno a todos los que protestan contra ellos como una grave amenaza para la juventud, la vida hogareña, el país y la religión. Condeno absolutamente esas películas salaces que, con otras agencias degradantes, están corrompiendo la moral pública y promoviendo una manía sexual en nuestra tierra ... Considerando estos males, prometo permanecer alejado de todas las películas excepto aquellas que no ofenden la decencia. y moral cristiana.

-  Compromiso de la Legión Católica de la Decencia

La Legión incitó a varios millones de católicos romanos en todo Estados Unidos a inscribirse en el boicot, lo que permitió a los líderes religiosos locales determinar qué películas protestar. Los protestantes conservadores tendían a apoyar gran parte de la represión, particularmente en el sur, donde no se podía retratar nada relacionado con el estado de las relaciones raciales o el mestizaje. Aunque la Conferencia Central de Rabinos Estadounidenses se unió a la protesta, fue una alianza incómoda dada la fuerte presencia de ejecutivos y productores de estudios judíos, que, según se pensaba, había inspirado al menos parte del vitriolo de los grupos católicos.

Hays se opuso a la censura directa, considerándola "antiamericana". Había declarado que, aunque en su opinión había algunas películas de mal gusto, trabajar con los cineastas era mejor que la supervisión directa y que, en general, las películas no eran perjudiciales para los niños. Hays culpó a algunas de las películas más lascivas de los difíciles tiempos económicos que ejercieron una "tremenda presión comercial" en los estudios más que una burla del código. Los grupos católicos se enfurecieron con Hays y ya en julio de 1934 le exigían que renunciara a su cargo, lo que no hizo, aunque su influencia disminuyó y Breen tomó el control, y Hays se convirtió en funcionario.

El sello de aprobación de la PCA en la década de 1930. El Sello apareció antes de todas las fotografías aprobadas por la MPPDA.

El Fondo de Experimentos y Estudios de Payne fue creado en 1927 por Frances Payne Bolton para apoyar un estudio de la influencia de la ficción en los niños. Los Payne Fund Studies , una serie de ocho libros publicados entre 1933 y 1935 que detallaban cinco años de investigación dirigida específicamente a los efectos del cine en los niños, también estaban ganando publicidad en este momento y se convirtieron en una gran preocupación para Hays. Hays había dicho que ciertas imágenes podrían alterar "... esa cosa sagrada, la mente de un niño ... esa cosa limpia y virgen, ese estado sin marcar" y tener "la misma responsabilidad, la misma preocupación por la cosa que se le puso que lo habría hecho el mejor clérigo o el maestro más inspirado ". A pesar de su recepción inicial, los principales hallazgos del estudio fueron en gran parte inocuos. Descubrió que el efecto del cine en los individuos variaba con la edad y la posición social, y que las imágenes reforzaban las creencias existentes de la audiencia. El Motion Picture Research Council (MPRC, dirigido por la vicepresidenta honoraria Sara Delano Roosevelt (madre del presidente Franklin D. Roosevelt) y el director ejecutivo, el reverendo William H. Short), que financió el estudio, no estaba satisfecho. Un "resumen alarmista" de los resultados del estudio escrito por Henry James Forman apareció en McCall's , una de las principales revistas para mujeres de la época, y el libro de Forman, Our Movie Made Children , que se convirtió en un éxito de ventas, publicitó los resultados de Payne Fund, enfatizando su aspectos más negativos.

El ambiente social creado por la publicidad de Payne Fund Studies y las protestas religiosas alcanzó tal punto álgido que un miembro de la Oficina de Hays lo describió como un "estado de guerra". Sin embargo, periódicos como The Plain Dealer ( Cleveland ), New Orleans Times Picayune , Chicago Daily News , Atlanta Journal , Saint Paul Dispatch , Philadelphia Record and Public Ledger , Boston American y New York's Daily News , Daily Mirror y Evening Post todos arremetió contra los estudios. Al discutir la decisión de la Corte Suprema de 1915, el historiador de cine Gregory Black argumenta que los esfuerzos de los reformadores podrían haber disminuido si "los cineastas hubieran estado dispuestos a producir películas para audiencias especializadas (solo adultos, familia, sin niños) ... de la industria quería o necesitaba el mercado más grande posible ". Las películas más provocativas fueron las más rentables, con el 25% de la producción de la industria cinematográfica que fue la más sensacional apoyando al 75% más limpio.

En 1932, hubo un movimiento creciente por el control del gobierno. A mediados de 1934, cuando el cardenal Dougherty de Filadelfia pidió un boicot católico de todas las películas, y Raymond Cannon estaba preparando en privado un proyecto de ley del Congreso apoyado por demócratas y republicanos que introduciría la supervisión del gobierno, los estudios decidieron que ya habían tenido suficiente. Reorganizaron los procedimientos de ejecución, dando a Hays y al recientemente nombrado Joseph I. Breen , un devoto católico romano, jefe de la nueva Administración del Código de Producción (PCA), un mayor control sobre la censura. Los estudios acordaron disolver su comité de apelaciones e imponer una multa de $ 25,000 por producir, distribuir o exhibir cualquier película sin la aprobación de la PCA. Hays había contratado originalmente a Breen, quien había trabajado en relaciones públicas, en 1930 para manejar la publicidad del Código de Producción, y este último era popular entre los católicos. Joy comenzó a trabajar únicamente para Fox Studios , y Wingate había sido reemplazado a favor de Breen en diciembre de 1933. Hays se convirtió en funcionario, mientras que Breen manejaba el negocio de censurar películas.

Breen inicialmente tenía prejuicios antisemitas y fue citado diciendo que los judíos "son, probablemente, la escoria de la tierra". Cuando Breen murió en 1965, la revista especializada Variety declaró: "Más que cualquier individuo, él moldeó la estatura moral de la película estadounidense". Aunque el impacto de la Legión en la aplicación más efectiva del Código es incuestionable, su influencia en la población en general es más difícil de medir. Un estudio realizado por Hays después de que el Código finalmente se implementó por completo encontró que las audiencias estaban haciendo exactamente lo contrario de lo que la Legión había recomendado. Cada vez que la Legión protestaba por una película, significaba un aumento de la venta de entradas; Como era de esperar, Hays se guardó estos resultados para sí mismo y no se revelaron hasta muchos años después. A diferencia de las grandes ciudades, los boicots en las ciudades más pequeñas fueron más efectivos y los dueños de los cines se quejaron del acoso que recibían cuando exhibían películas lascivas.

Muchos actores y actrices, como Edward G. Robinson, Barbara Stanwyck y Clark Gable, continuaron sus carreras a buen ritmo después de que se hizo cumplir el Código. Sin embargo, otros, como Ruth Chatterton (que se mudó a Inglaterra alrededor de 1936) y Warren William (que murió relativamente joven en la década de 1940), que se destacó durante este período, se olvidan en su mayoría en la actualidad.

Efectos del Código

Escenas como ésta, en la que un hombre está a punto de besar a una mujer en la cama en camisón ( Warren William y Ann Dvorak en Three on a Match de 1932 ) fueron prohibidas por el Código de Producción. Después de 1934, una escena como esta no aparecería en una película de Hollywood durante décadas.

Censores como Martin Quigley y Joseph Breen entendieron que:

un código de la industria privada, estrictamente aplicado, es más eficaz que la censura gubernamental como medio de imponer un dogma religioso. Es secreto, por un lado, operar en la etapa de preproducción. La audiencia nunca sabe lo que se ha recortado, cortado, revisado o nunca escrito. Por otro, es uniforme, no está sujeto a cientos de estándares de licencia diferentes. Finalmente, y lo más importante, la censura privada puede ser más radical en sus demandas, porque no está limitada por el debido proceso constitucional o las reglas de libre expresión (en general, se aplican solo al gobierno) o por el mandato de la separación Iglesia-Estado. .. No hay duda de que el cine estadounidense de hoy es mucho más libre que en el apogeo del Código, cuando el lápiz azul de Joe Breen y la omnipresente amenaza de boicot de la Legión de la Decencia se combinaron para asegurar que las películas se adhirieran a la doctrina de la Iglesia Católica.

Breen lo denomina "Valor moral compensatorio", la máxima era que "cualquier tema debe contener al menos suficiente bien en la historia para compensar y contrarrestar cualquier mal que se relacione". Hollywood podría presentar un comportamiento malvado, pero solo si fuera erradicado al final de la película, "con el culpable castigado y el pecador redimido".

El erudito de Pre-Code Thomas Doherty resumió los efectos prácticos:

Sin embargo, incluso para los guardianes morales de la dedicación de Breen, la censura cinematográfica puede ser un asunto complicado. Las imágenes deben cortarse, los diálogos sobregrabados o eliminados, y los mensajes explícitos y las implicaciones sutiles deben eliminarse de lo que el argot de la crítica cinematográfica llama la " diégesis ". En pocas palabras, la diégesis es el mundo del cine, el universo habitado por los personajes que existen en el paisaje del cine. Los elementos "diegéticos" son experimentados por los personajes de la película y (indirectamente) por el espectador; Los elementos "no diegéticos" son captados por el espectador solo. ... El trabajo del censor de películas es patrullar la diégesis, vigilando y escuchando imágenes, lenguajes y significados que deberían ser desterrados del mundo del cine. ... La parte más fácil de la tarea es conectar los puntos y conectar lo que está prohibido visual y verbalmente por su nombre. ... Más desafiante es el trabajo de análisis textual y rehabilitación narrativa que discierne y reorienta lecciones ocultas y significados morales.

Shirley Temple , una estrella en ascenso en 1934, fue anunciada como "una atracción que servirá como respuesta a muchos de los ataques que se están lanzando contra las imágenes".

Los censores expandieron así su jurisdicción de lo que se veía a lo que estaba implícito en la mente del espectador. En The Office Wife (1930), varias de las maniobras de desnudez de Joan Blondell estaban estrictamente prohibidas y la imagen implícita de la actriz desnuda fuera de la pantalla se consideró demasiado sugerente a pesar de que se basaba en que el público usara su imaginación, por lo que después de Los lanzamientos de código de la película tenían escenas borrosas o indistintas, si es que se permitían.

Tras la decisión del 1 de julio de 1934 por parte de los estudios de poner el poder sobre la censura cinematográfica en manos de Breen, apareció en una serie de clips noticiosos que promocionaban el nuevo orden de los negocios, asegurando a los estadounidenses que la industria cinematográfica se limpiaría de "lo vulgar". , lo barato y lo vulgar "y que las imágenes se convertirían en" entretenimiento vital y saludable ". Todos los guiones pasaron ahora por PCA, y se ordenó que se retiraran varias películas que se proyectaban en los cines.

La primera película que Breen censuró en la etapa de producción fue la película de Joan Crawford-Clark Gable Forsaking All Others . Aunque los productores de películas independientes prometieron que "no pensarían en el Sr. Joe Breen ni en nada de lo que él representa", cedieron en su postura al cabo de un mes de haberlo hecho. Los principales estudios todavía eran dueños de la mayoría de los cines de éxito del país, y directores de estudios como Harry Cohn de Columbia Pictures ya habían acordado dejar de hacer películas indecentes. En varias grandes ciudades, el público abucheó cuando apareció el sello de Producción antes que las películas. Pero la Iglesia católica se mostró complacida y en 1936 el Papa Pío XI declaró que la industria cinematográfica estadounidense "ha reconocido y aceptado su responsabilidad ante la sociedad". La Legión condenó cero películas producidas por la MPPDA entre 1936 y 1943.

Los defensores del Código, como Motion Picture Herald , explicaron públicamente un repunte coincidente en la suerte de varios estudios como prueba positiva de que el código estaba funcionando. Otra afortunada coincidencia para los partidarios del Código fue el torrente de criminales famosos como John Dillinger , Baby Face Nelson y Bonnie y Clyde que fueron asesinados por la policía poco después de que la PCA asumiera el poder. Los cadáveres de los forajidos se mostraron en noticieros de todo el país, junto con clips de Al Capone y Machine Gun Kelly en Alcatraz . Entre los aspectos indiscutiblemente positivos del Código que se estaba aplicando estaba el dinero que ahorró a los estudios al tener que editar, cortar y alterar películas para obtener la aprobación de las distintas juntas estatales y censores. El dinero ahorrado fue de millones anualmente. Una serie de películas familiares más saludables con artistas como Shirley Temple despegó.

Estrellas como James Cagney redefinieron sus imágenes. Cagney interpretó a una serie de patriotas y su gángster en Ángeles con caras sucias (1937) actúa deliberadamente como un cobarde cuando es ejecutado para que los niños que lo habían admirado dejen de admirarlo. Breen, en esencia, neutralizó a Groucho Marx, eliminando la mayoría de sus bromas que hacían referencia directa al sexo, aunque algunas referencias sexuales pasaron desapercibidas en las imágenes del código postal de los hermanos Marx. En el ámbito político, películas como El señor Smith va a Washington (1939), en la que James Stewart intenta cambiar el sistema estadounidense desde adentro mientras reafirma sus valores fundamentales, contrastan marcadamente con Gabriel Over the White House, donde se necesita un dictador para curar los males de Estados Unidos.

Algunas películas anteriores al Código sufrieron daños irreparables por la censura después de 1934. Cuando los estudios intentaron reeditar películas de la década de 1920 y principios de la de 1930, se vieron obligados a realizar grandes recortes. Películas como Mata Hari (1931), Arrowsmith (1931), Shopworn (1932), Dr. Monica (1934) y Horse Feathers (1932) existen solo en sus versiones censuradas. Muchas otras películas sobrevivieron intactas porque eran demasiado controvertidas para ser relanzadas, como El halcón maltés (1931), que se rehizo una década más tarde con el mismo nombre y, por lo tanto, nunca se editaron los negativos maestros. En el caso de Convention City (1933), que Breen no permitiría que se reeditara de ninguna forma, falta toda la película. Aunque se ha rumoreado que Jack Warner ordenó la destrucción de todas las impresiones y negativos a fines de la década de 1930, investigaciones posteriores muestran que el negativo estaba en las bóvedas en 1948, cuando se desechó debido a la descomposición de nitratos.

Después del Código

El código de producción continuó aplicándose, pero durante el período previo a la Segunda Guerra Mundial , los estudios de Hollywood comenzaron a preocuparse de que adherirse al código reduciría sus ganancias en el extranjero de Europa. Al mismo tiempo, Hays advirtió sobre el uso de películas con fines propagandísticos .

Hays dimitió en 1945, después de 24 años como jefe de censores de Hollywood, pero siguió siendo asesor. Su sucesor, Eric Johnston , cambió el nombre de la asociación a Motion Picture Association of America (MPAA). En 1956, supervisó la primera revisión importante del Código de Producción desde su creación en 1930. Esta revisión permitió el tratamiento de algunos temas que anteriormente estaban prohibidos, incluido el aborto y el uso de estupefacientes, siempre que estuvieran "dentro del límites del buen gusto ". Al mismo tiempo, las revisiones agregaron una serie de nuevas restricciones al código, incluida la prohibición de la representación de la blasfemia y los asesinatos por piedad en las películas.

Johnston murió en 1963 y, después de una búsqueda de tres años, fue sucedido en 1966 por Jack Valenti , ex asistente del presidente Lyndon Johnson . En noviembre de 1968, Valenti reemplazó el Código de Producción con un sistema de clasificación voluntaria de películas , con el fin de limitar la censura de las películas de Hollywood y proporcionar a los padres información sobre la idoneidad de las películas para niños. Además de las preocupaciones sobre la protección de los niños, Valenti declaró en su autobiografía que buscaba asegurarse de que los cineastas estadounidenses pudieran producir las películas que querían, sin la censura que existía bajo el Código de Producción que había estado en vigor desde 1934. El sistema de clasificación pasó por algunos ajustes, pero sigue vigente hoy.

Proyecciones contemporáneas

En la década de 1980, el programador del Foro de Cine de la Ciudad de Nueva York Bruce Goldstein celebró los primeros festivales de cine con películas anteriores al Código. Goldstein también es reconocido por el crítico de cine de San Francisco, Mick LaSalle, como la persona que llevó el término "precódigo" a un uso generalizado.

UCLA emitió varias series de películas anteriores al Código durante la década de 2000, mostrando películas que no se habían visto durante décadas y no estaban disponibles en video casero.

En 2014, el British Film Institute organizó una temporada de 21 películas titulada Hollywood Babylon: Early Talkies Before the Censors , en el BFI Southbank .

Video casero

En la década de 1990, MGM lanzó varias películas pre-Code en laserdisc y VHS. "The Forbidden Hollywood Collection" incluyó: Baby Face ; Beauty and the Boss ; Chica de los grandes negocios ; Bendito evento ; Rubia loca ; Bombshell ; Danza, tontos, danza ; Entrada de empleados ; Ex dama ; Mujer ; Viudas de La Habana ; Héroes en venta ; Ilícito ; Tengo tu número ; Damas de las que hablan ; Lady Killer ; Señora Satanás ; Enfermera de noche ; Nuestras hijas bailarinas ; Nuestras doncellas modernas ; El precio de compra ; Mujer pelirroja ; Amanecer escarlata ; Almas de rascacielos ; El extraño amor de Molly Louvain ; Lo llaman pecado ; y tres en un partido .

La carga sexual Baby Face (1933) protagonizada por Barbara Stanwyck , que "tenía que e hizo que pagar".

MGM / UA y Turner Classic Movies también lanzaron otras películas anteriores al código como The Divorcee , Doctor X , A Free Soul , Little Caesar , Mystery of the Wax Museum , Possessed , The Public Enemy , Red Dust (rehecha en 1953 como Mogambo ) y Riptide bajo otras etiquetas.

En 1999, Roan Group / Troma Entertainment lanzó dos colecciones de DVD pre-Code: Pre-Code Hollywood: The Risqué Years # 1 , con Of Human Bondage , Millie and Kept Husbands , y Pre-Code Hollywood 2 , con Bird of Paradise y La dama se niega .

Warner Bros. Home Video ha lanzado varias de sus películas anteriores al código en DVD bajo el estandarte de Forbidden Hollywood . Hasta la fecha, se han publicado 10 volúmenes:

Universal Home Video hizo lo mismo con la colección Pre-Code Hollywood Collection: Universal Backlot Series (7 de abril de 2009). Incluye The Cheat , Merrily We Go to Hell , Hot Saturday , Torch Singer , Murder at the Vanities y Search for Beauty , junto con una copia de todo el Código Hays.

Ha habido numerosos lanzamientos de DVD-R fabricados a pedido , y Warner también emite varios precodificadores de forma individual y como conjuntos de películas dobles a través de su sello Warner Archive Collection . Éstas incluyen:

Turner también ha lanzado MOD DVD-R, que incluyen:

Ver también

Referencias

Notas

Fuentes

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Otras lecturas

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enlaces externos