Música indígena de América del Norte - Indigenous music of North America

Escala más de 5 octavas
Escala pentatónica - Do mayor

La música indígena de América del Norte , que incluye la música indígena americana o la música nativa americana , es la música que utilizan, crean o interpretan los pueblos indígenas de América del Norte , incluidos los nativos americanos en los Estados Unidos y los pueblos aborígenes en Canadá , los pueblos indígenas de México. y otros países de América del Norte, especialmente la música tribal tradicional , como la música pueblo y la música inuit . Además de la música tradicional de los grupos nativos americanos, ahora existen géneros panindionistas e intertribales , así como distintos subgéneros nativos americanos de música popular que incluyen: rock , blues , hip hop , clásica, música de cine y reggae , también. como estilos populares únicos como chicken scratch y música de Nuevo México .

Escala tritónica - E

Caracteristicas

El canto y la percusión son los aspectos más importantes de la música tradicional de los nativos americanos. La vocalización adopta muchas formas, que van desde el canto en solitario y coral hasta el canto responsorial, al unísono y multiparte. La percusión, especialmente los tambores y sonajeros, son un acompañamiento común para mantener el ritmo constante de los cantantes, quienes generalmente usan su lengua materna o vocablos no léxicos (sílabas sin sentido). La música tradicional generalmente comienza con ritmos lentos y constantes que crecen gradualmente más rápido y más enfáticos, mientras que varios adornos como tambores y trémolos , gritos y patrones acentuados agregan variedad y cambios de señal en la interpretación para cantantes y bailarines.

Aunque cada grupo de nativos americanos puede caracterizarse por sus propios géneros y estilos distintos, se pueden encontrar ciertos aspectos del estilo con similitudes entre los grupos nativos que habrían sido tribus vecinas. Estas similitudes se amplían aún más cuando la música y los instrumentos se comparten entre cada tribu, lo que facilita encontrar ciertas características en el uso frecuente. Las melodías generalmente consisten en una escala más simple que la escala clásica de ocho tonos de la cultura oriental, y a menudo se encuentran en la escala pentatónica o tritónica .

La voz puede variar desde un sonido tenso, nasal o relajado, y consta de timbres más altos específicamente para vocalistas masculinos donde el falsete es común. El vibrato vocal, cuando ocurre, es una pulsación rápida de diferentes tonos como un efecto más ornamental. Los patrones rítmicos a menudo se pueden encontrar en metros de dos o tres y tienen en cuenta los ritmos vocales y la síncopa para incorporarlos al patrón. Los patrones de llamada y respuesta son comunes en las partes vocales y el ostinato también se puede incluir en la parte de percusión.

Los tambores se componen de tipos que van desde tambores de una sola cabeza, de dos cabezas y de caldera. Otros instrumentos de percusión consisten en cascabeles y agitadores, y están hechos de cosas como caparazones de tortuga. Además de los instrumentos de percusión y las voces, un sonido común en la música de los nativos americanos es la instrumentación como flautas, silbatos y otros instrumentos que producen sonido a partir de la respiración del jugador. (Cuernos, flautas, etc.) Los instrumentos con cuerdas que se pueden golpear, puntear o arquear incluyen el arco musical que se originó en las Américas, pero que no aparece con frecuencia en la música indígena contemporánea. Otros instrumentos de cuerda incluyen guitarras y violines nativos cuya estructura y composición varían de una tribu a otra.

Un estudio realizado en 2016 analizó los rasgos musicales de la música indígena en relación con los contextos sociales y el sujeto lírico. Tras analizar más de 2.000 canciones de la colección de música nativa de Frances Densmore , el estudio pudo encontrar incluso la relación entre temas como el amor en las canciones y la variedad tonal y la tesitura . Las canciones de amor se pueden caracterizar con tesituras altas y melodías espaciosas, con intervalos y rangos más amplios. También, en muchos casos, se los percibe como "tristes", relacionados con la partida, la pérdida o el anhelo. Esto explica la relación entre el tema lírico y el movimiento melódico relativamente lento y la dinámica baja. Se encontraron canciones de juegos de escondite, como las asociadas con "juegos de mocasín, mano y palo para esconderse o esconder huesos", con una duración promedio significativamente baja y un rango y variedad de tono pequeños. También encontraron que las "canciones curativas", y su característica de un rango estrecho y una repetición comparativamente mayor de notas bajas, probablemente tenían la intención de crear un sonido relajante que aliviaría la incomodidad en el caso de que se cantara una canción curativa. Con respecto a la música de personas específicas, encontraron que las canciones de la naturaleza Yuman a menudo tienen un rango pequeño, un movimiento melódico descendente y frecuentes motivos musicales repetidos. La colección Densmore también caracteriza las canciones de guerra por tener un rango más amplio, un registro más alto y una mayor diversidad en duración y tono. En comparación, las canciones de baile también tienen estas distinciones, aunque se pueden encontrar en el sentido opuesto, ya que las canciones de baile a menudo se encuentran con registros más bajos. Las canciones de baile también son similares a las canciones de animales en rango, variedad de tono y registro primario.

Este estudio también mantiene una visión significativa de que muchas de estas características ("altura de tono, tempo, dinámica y variabilidad") tienen una relación directa con la respuesta emocional, lo que hace que surja dicha respuesta independientemente de la cultura, lo que significa que características similares de una cultura la música y su función se encontrarán a menudo en otra cultura para la misma función. Así es como Shanahan, Neubarth y Conklin pudieron utilizar la colección de Densmore de más de 2000 canciones para crear un análisis de comparación entre tema y característica musical.

Textos y fuentes de las canciones

Los textos de las canciones de los nativos americanos incluyen tanto piezas públicas como canciones secretas, que se dice que son "antiguas e inmutables", que se utilizan únicamente con fines sagrados y ceremoniales. También hay cantos sagrados públicos, así como discursos rituales que a veces se perciben como musicales por su uso del ritmo y la melodía. Estos discursos rituales a menudo describen directamente los eventos de una ceremonia y las razones y ramificaciones de la noche.

Vocables , o sílabas léxicamente sin sentido, son una parte común de muchos tipos de canciones nativas americanas. Con frecuencia marcan el principio y el final de frases, secciones o canciones ellos mismos. A menudo, las canciones hacen un uso frecuente de vocablos y otros elementos intraducibles. Las canciones que se pueden traducir incluyen canciones históricas, como el navajo " Shi 'naasha' , que celebra el final del internamiento de los navajos en Fort Sumner, Nuevo México en 1868. Las canciones de banderas tribales y los himnos nacionales también son una parte importante del corpus musical de los nativos americanos. , y son un comienzo frecuente para las ceremonias públicas, especialmente los powwows . La música de los nativos americanos también incluye una variedad de canciones de cortejo , canciones de baile y melodías populares estadounidenses o canadienses como " Amazing Grace ", " Jambalaya " y " Sugar Time ". Muchas canciones celebran cosecha, temporada de siembra u otras épocas importantes del año.

Rol social

Bateristas de la Fundación United Indians of All Tribes en el Seafair Indian Days Pow Wow , Daybreak Star Cultural Center , Seattle , Washington

La música de los nativos americanos juega un papel vital en la historia y la educación, con ceremonias e historias que transmiten oralmente las costumbres ancestrales a las nuevas generaciones. Se dice tradicionalmente que la música ceremonial de los nativos americanos proviene de deidades o espíritus, o de individuos particularmente respetados. Los rituales están moldeados por cada aspecto de una canción, baile y vestuario, y cada aspecto informa sobre los "creadores, portadores y símbolos importantes para la nación, tribu, aldea, clan, familia o individuo". Los nativos americanos interpretan historias a través de canciones, música y danzas, y los hechos históricos así propagados son una parte integral de las creencias de los nativos americanos. Las leyendas e historias épicas sobre héroes culturales son parte de las tradiciones musicales tribales, y estos cuentos suelen ser una parte icónica de la cultura local. Pueden variar ligeramente de un año a otro, y los líderes se recombinan e introducen ligeras variaciones. El Pueblo compone una serie de canciones nuevas cada año en un comité que utiliza sueños y visiones.

Algunos nativos americanos ven las canciones como "propiedad" de la tribu o del individuo que las percibió por primera vez. Por ejemplo, si un individuo recibe la canción en un sueño o en una visión, la música pertenecerá a ese individuo y ese individuo tendrá el poder de darle la canción a otro. En otros casos, la música sería propiedad de los pueblos de donde se originó.

Los estilos y propósitos de la música varían mucho entre y entre cada tribu nativa americana. Sin embargo, un concepto común entre muchos grupos indígenas es una combinación de música y poder. Por ejemplo, la gente de Pima siente que muchas de sus canciones fueron dadas al principio y cantadas por el Creador. Se creía que algunas personas tenían más inclinación por el talento musical que otras debido al poder peculiar de un individuo.

Género

Sonajeros de pierna de caparazón de tortuga para mujeres del sudeste, ca. 1920, colección del Centro de Historia de Oklahoma

Dentro de varias comunidades nativas americanas, el género juega un papel importante en la música. Los hombres y las mujeres desempeñan roles específicos de cada sexo en muchas actividades musicales. Los instrumentos, las canciones y los bailes suelen ser específicos de uno u otro sexo, y muchos escenarios musicales están estrictamente controlados por el sexo. En los powwows modernos, las mujeres juegan un papel vital como cantantes y bailarinas de respaldo. La gente de Cherokee , por ejemplo, realiza bailes antes de los juegos de stickball . En estos eventos previos al juego, hombres y mujeres realizan bailes separados y siguen regulaciones separadas. Los hombres bailan en círculo alrededor de una fogata, mientras que las mujeres bailan en su lugar. Los hombres cantan sus propias canciones, mientras que un anciano les canta sus canciones a las mujeres . Mientras que las canciones de los hombres invocan el poder, las canciones de las mujeres alejan el poder del equipo contrario de stickball. En algunas sociedades, existen costumbres en las que ciertos tambores ceremoniales deben ser tocados únicamente por hombres. Para los indios de las Llanuras del Sur, se cree que el primer tambor se lo dio el Gran Espíritu a una mujer, quien le indicó que lo compartiera con todas las mujeres de las naciones nativas. Sin embargo, también existen prohibiciones contra las mujeres sentadas en el Beg Drum.

Muchas culturas musicales tribales tienen una relativa escasez de canciones y bailes tradicionales de mujeres, especialmente en las regiones del noreste y sureste. Sin embargo, el sureste es el hogar de una destacada tradición musical femenina en el uso de sonajeros para las piernas para los bailes ceremoniales de pisotones y bailes de la amistad, y el canto de las mujeres durante los concursos de juegos de pelota y caballos . Las tribus de la costa oeste de América del Norte tienden a un mayor protagonismo en la música de las mujeres, la de las mujeres especiales canciones de amor , canciones de medicina y handgame canciones; el suroeste es particularmente diverso en la oferta musical de mujeres, con importantes roles ceremoniales, instrumentales y sociales en los bailes. Las mujeres también juegan un papel ceremonial vital en la Danza del Sol de las Grandes Llanuras y la Gran Cuenca, y cantan durante los bailes sociales. Las mujeres shoshone todavía cantaban las canciones de Ghost Dance en la década de 1980.

Historia

La música y la historia están estrechamente entrelazadas en la vida de los nativos americanos. La historia de una tribu se cuenta y se vuelve a contar constantemente a través de la música, que mantiene viva una narración oral de la historia. Estas narrativas históricas varían mucho de una tribu a otra y son una parte integral de la identidad tribal. Sin embargo, no se puede verificar su autenticidad histórica; Aparte de las suposiciones y algunas pruebas arqueológicas, la documentación más antigua de la música de los nativos americanos se produjo con la llegada de los exploradores europeos. Los instrumentos musicales y las pictografías que representan la música y la danza se remontan al siglo VII. Sin embargo, la evidencia arqueológica muestra que los instrumentos musicales en América del Norte se remontan al menos al período Arcaico (ca. 8000-1000 aC), que incluye instrumentos como sonajeros de caparazón de tortuga.

Bruno Nettl se refiere al estilo del área de la Gran Cuenca como el estilo más antiguo y común en todo el continente antes de Mesoamérica, pero continuó solo en la Gran Cuenca y en los géneros de canciones de cuna, juegos de azar y cuentos en todo el continente. Un estilo que presenta una técnica vocal relajada y el ascenso puede haberse originado en el México mesoamericano y haberse extendido hacia el norte, particularmente en las áreas de música de California-Yuman y del Este. Según Nettl, estos estilos también presentan una simplicidad rítmica "relativa" en la batería y la percusión, con material isométrico y escalas pentatónicas en el canto, y motivos creados a partir de secciones más cortas hacia otras más largas.

Si bien este proceso ocurrió, tres estilos asiáticos pueden haber influido en la música norteamericana a través del Estrecho de Bering, todos con una técnica vocal pulsante y posiblemente evidente en tribus paleo-siberianas recientes como Chuckchee, Yukaghir, Koryak. Además, estos pueden haber influido en las áreas de Plains-Pueblo, Athabascan e Inuit-Northwest Coast. Según Nettl, el límite entre estas influencias hacia el sur y las anteriores hacia el norte son las áreas de mayor complejidad musical: la costa noroeste, la música pueblo y la música navajo. La evidencia de influencias entre la costa noroeste y México se indica, por ejemplo, mediante silbidos en forma de pájaro. El área de Plains-Pueblo ha influido y sigue influyendo en las culturas circundantes, con músicos contemporáneos de todas las tribus aprendiendo géneros pantribales influenciados por Plains-Pueblo, como las canciones de Peyote.

Influencia

Durante su estadía en los Estados Unidos, el compositor Antonín Dvořák sostuvo que el futuro de la voz estadounidense en la música residía en la música afroamericana y nativa americana, y apoyó su crecimiento en los Estados Unidos. Tenía el objetivo de descubrir la "música estadounidense" y pidió Los compositores estadounidenses busquen estas culturas de la música en busca de estudio e inspiración. (Si bien las raíces musicales de los nativos americanos y los afroamericanos son bastante diferentes, comparten características similares, como melodías pentatónicas destacadas y ritmos complejos).

En este estudio del sonido estadounidense, escribió:

"La música de la gente es como una flor rara y hermosa que crece en medio de la maleza invasora. Miles la pasan, mientras que otros la pisotean, por lo que es probable que perezca antes de que la vea el único espíritu que la aprecia. sobre todo."

Durante este tiempo también escribió su Sinfonía No. 9, Del Nuevo Mundo , que se convertiría en uno de sus mayores éxitos.

Antes de la interpretación de la sinfonía, dejó en claro el hecho de que "la obra fue escrita bajo la influencia directa de un estudio serio de la música nacional de los indios norteamericanos". Aunque en este momento, Dvořák tenía la impresión de que la música de los nativos americanos era más similar a la música afroamericana de lo que realmente era, debido a la presencia de melodías pentatónicas en las canciones de cada cultura.

Estudio academico

La evidencia arqueológica de la música de los nativos americanos se remonta al período Arcaico (ca. 8000-1000 aC). Sin embargo, la documentación escrita más antigua proviene de la llegada de exploradores europeos al continente americano, y la investigación académica más temprana proviene de finales del siglo XIX. Durante ese período, los primeros musicólogos y folcloristas recopilaron y estudiaron la música de los nativos americanos y propusieron teorías sobre los estilos indígenas.

Densmore grabando Blackfoot Chief, 1916

A principios del siglo XX, se inició una investigación más sistemática. Fue dirigido por musicólogos comparativos como Frances Densmore , Natalie Curtis , George Herzog y Helen Heffron Roberts . Densmore fue el más prolífico de la época, publicando más de cien obras sobre música nativa americana. Cuando era niña, Densmore ganó un aprecio por la música indígena al escuchar a los pueblos de Dakota , y a lo largo de su vida pudo grabar más de mil canciones interpretadas por nativos americanos en más de cincuenta años, comenzando en 1907. Una distinción que hace que su trabajo sea tan valioso, es que muchas de sus grabaciones fueron realizadas con personas más ancianas con poca influencia de la tradición musical occidental, e involucran una gama impresionantemente grande en origen geográfico. Muchas de las grabaciones que hizo ahora se encuentran en la Biblioteca del Congreso para investigadores y delegaciones tribales.

Más recientemente, desde la década de 1950, la música de los nativos americanos ha sido parte de la investigación etnomusicológica, estudiada por Bruno Nettl , William Powers y David McAllester , entre otros.

Áreas musicales

Nettl utiliza las siguientes áreas musicales que coinciden aproximadamente con las áreas culturales de Wissler, Kroeber y Driver : Inuit-costa noroeste, Great Basin, California-Yuman, Plains-Pueblo, Athabascan y Eastern.

Sur oeste

Chasi, un músico Apache de Warm Springs tocando el violín Apache, 1886, foto de A. Frank Randall

Los nativos americanos del suroeste de los Estados Unidos se limitaron a idiófonos y aerófonos como medios para la producción de sonido a partir del siglo VII. Los idiófonos aplicables incluían: resonadores de tablones, tambores con patas , piedras de percusión , idiófonos agitados , cascabeles de vasijas y campanas de cobre y arcilla . Los aerófonos aplicables incluían bramidos , silbatos y flautas descomponibles, silbatos de resonancia de arcilla, trompetas de concha e instrumentos de lengüeta prehistóricos . La flauta de madera fue de particular importancia.

El árido suroeste de Estados Unidos es el hogar de dos grupos amplios de culturas estrechamente relacionadas, los Pueblo y los Athabaskan . Las tribus Southern Athabaskan Navajo y Apache cantan con voces nasales al estilo de las llanuras con una monofonía sin mezcla, mientras que los Pueblos enfatizan un estilo monofónico relajado, de rango bajo y altamente mezclado. Las canciones de Athabaskan son rápidas y usan tambores o cascabeles , así como un instrumento exclusivo de esta área, el violín Apache , o "Tsii'edo'a'tl" que significa "madera que canta" en el idioma Apache .

Las canciones pueblo son complejas y meticulosamente detalladas, generalmente con cinco secciones divididas en cuatro o más frases caracterizadas por fórmulas introductorias y cadenciales detalladas. Tienen un tempo mucho más lento que las canciones de Athabaskan y utilizan varios instrumentos de percusión como acompañamiento.

Piute Game Song pretende acompañar la acción del juego que se está jugando.

Nettl describe la música Pueblo, que incluye Hopi , Zuni , Taos Pueblo , San Ildefonso Pueblo , Santo Domingo Pueblo y muchas otras, como una de las más complejas del continente, con una mayor duración y número de tonos de escala ( común hexatónico y heptatónico ), variedad de forma, contorno melódico y acompañamiento de percusión, oscila entre una octava y una doceava, con una complejidad rítmica igual a la subárea Plains. Él cita las canciones de baile Kachina como las canciones más complejas y el material Hopi y Zuni como el más complejo del Pueblo, mientras que la música Tanoan y Keresan es más simple e intermedia entre las Llanuras y los Pueblos occidentales. La música de Pima y Tohono O'odham es intermedia entre las áreas musicales de Plains-Pueblo y California-Yuman, con el movimiento melódico de Yuman, aunque incluye el ascenso , y la forma y ritmo del Pueblo.

Describe la música del sur de Atabasca, la de Apache y Navajo, como la más simple junto al estilo Great Basin, con forma estrófica , voces tensas con pulsación y falsete , escalas tritónicas y tetratónicas en formación de tríadas , ritmos simples y valores de duración limitada ( generalmente solo dos por canción), contornos melódicos de tipo arco e intervalos melódicos grandes con predominio de tercios mayores y menores y cuartos y quintos perfectos con saltos de octava no es raro. Las canciones de peyote comparten características de la música Apache y la música de Plains-Pueblo que el pueblo Apache promovió entre las Llanuras.

Describe las características estructurales de la música de California-Yuman, incluyendo la de Pomo, Miwak, Luiseno, Catalineno y Gabrielino, y las tribus Yuman, incluyendo Mohave, Yuman, Havasupai, Maricopa, como usar el aumento en casi todas las canciones, un técnica vocal relajada no pulsante (como la música clásica europea), una cantidad relativamente grande de material isorrítmico, algunas tendencias isorrítmicas, ritmos simples, escalas pentatónicas sin semitonos, un rango melódico promedio de una octava, secuencia y figuras sincopadas como una semicorchea , corchea, semicorchea. La forma de subida utilizada varía a lo largo del área, por lo general está relacionada rítmicamente con la sección anterior sin subida, pero difiere en el material melódico o el tono. El aumento puede no ser más alto que el tono más alto de la sección original, pero contendrá un número mucho mayor de tonos más altos. En California, el no aumento suele ser una frase reiterada, el aumento es la frase transpuesta una octava más alta, los yumanos usan un no aumento de secciones largas repetidas, cada una de las cuales consta de varias frases, el aumento es de tres a cinco frases realizadas solo una vez, y en el sur de California se encuentran las dos formas anteriores y progresivas. Un instrumento distintivamente californiano es el palillo de badajo , un instrumento de percusión hecho al partir una rama de saúco que se usa para acompañar a cantantes y bailarines.

En el sur de California hoy en día, la música tradicional de la Cahuilla se mantiene viva en la interpretación de las canciones de los pájaros. Las canciones de los pájaros son un ciclo de canciones que describe la historia de la migración hacia el sur de la gente de Cahuilla y también contienen lecciones sobre la vida y otros temas. En total, componen más de 300 piezas musicales, tradicionalmente interpretadas en una secuencia específica. Las representaciones de las canciones de los pájaros comenzaban al anochecer y terminaban al amanecer, cada noche durante una semana, hasta que se completaba el ciclo de canciones. Como tal, la destreza física y vocal eran atributos muy buscados entre los artistas intérpretes o ejecutantes.

Bosques del este

Sonajero de caparazón de tortuga para hombre, fabricado por Tommy Wildcat ( Cherokee - Muscogee - Natchez

Habitando una amplia franja de los Estados Unidos y Canadá, los pueblos indígenas de Eastern Woodlands , según Nettl, se pueden distinguir por antifonía ( estilo de canto de llamada y respuesta ), que no ocurre en otras áreas. Su territorio incluye las regiones marítima de Canadá , Nueva Inglaterra , el Atlántico medio de EE . UU. , Los Grandes Lagos y el sureste . Las canciones son rítmicamente complejas, caracterizadas por frecuentes cambios métricos y una estrecha relación con la danza ritual . Las flautas y los silbidos son instrumentos solistas y se toca una amplia variedad de tambores, sonajeros y baquetas. Nettl describe el área de la música oriental como la región entre el río Mississippi y el Atlántico . Los estilos más complejos son el de Southeastern Creek, Yuchi , Cherokee, Choctaw , Iroquois y su grupo de idiomas, siendo el estilo más simple el del grupo de idiomas algonquianos que incluye Delaware y Penobscot . Los Shawnee de habla algonquina tienen un estilo relativamente complejo influenciado por las tribus cercanas del sureste.

Las características de toda esta área incluyen breves frases iterativas; revertir relaciones; grita antes, durante y después de cantar escalas pentatónicas anhemitónicas ; ritmos simples y métrica y, según Nettl, técnicas antifonales o responsoriales que incluyen la " polifonía imitativa rudimentaria ". El movimiento melódico tiende a descender gradualmente en toda el área y las voces incluyen una cantidad moderada de tensión y pulsación.

llanuras

Extendiéndose a través del Medio Oeste de Estados Unidos hasta Canadá, la música de la zona de Plains es nasal , con tonos altos y falsettos frecuentes , con un descenso en terrazas (un descenso paso a paso en una octava ) en una monofonía sin mezclar . Los trazos utilizan la repetición incompleta , lo que significa que las canciones se dividen en dos partes, la segunda de las cuales siempre se repite antes de volver al principio.

Los grandes tambores de piel de doble cara son característicos de las tribus de las llanuras, y también son comunes las flautas solas (flageolet).

Nettl describe a los indios de las llanuras centrales , desde Canadá hasta Texas: Blackfoot, Crow, Dakota, Cheyenne, Arapaho, Kiowa y Comanche, como la subárea más típica y simple del área musical de Plains-Pueblo. La música de esta zona se caracteriza por una extrema tensión vocal, pulsaciones, preferencia melódica por cuartas perfectas y un rango que promedia una décima, complejidad rítmica y mayor frecuencia de escalas tetratónicas . Las músicas de Arapaho y Cheyenne intensifican estas características, mientras que las tribus del norte, especialmente la música Blackfoot , presentan material más simple, rangos melódicos más pequeños y menos tonos de escala.

La música Nettl Arapaho incluye canciones ceremoniales y seculares, como el ritual de la Danza del Sol , que se realiza en el verano cuando las diversas bandas del pueblo Arapaho se unían. Las canciones tradicionales arapaho constan de dos secciones que exhiben un descenso en terrazas, con un rango superior a una octava y escalas entre cuatro y seis tonos. Otras canciones ceremoniales se recibieron en visiones o se enseñaron como parte de las iniciaciones de un hombre en una sociedad para su grupo de edad. Las canciones seculares incluyen una serie de bailes sociales, como los bailes redondos de tres metros y las canciones para inspirar a los guerreros o hazañas recientes. También hay canciones que se dice que son enseñadas por un espíritu guardián, que deben cantarse solo cuando el destinatario está cerca de la muerte.

Gran Cuenca

La música de la Gran Cuenca es simple, discreta y ornamentada, caracterizada por melodías cortas con un rango menor a una octava , monofonía moderadamente mezclada , voces relajadas y abiertas y, lo más inusual, estructura de frases pareadas, en las que se repite una frase melódica . dos veces, se alterna con una o dos frases adicionales. Una canción de este tipo se puede diagramar de la siguiente manera: AA BB CC AA BB CC, etc.

Nettl describe la música de la Gran Cuenca escasamente poblada, incluida la mayor parte del desierto de Utah y Nevada (Paiute, Ute, Shoshoni) y parte del sur de Oregón (Modoc y Klamath), como "extremadamente simple", con rangos melódicos que promedian un poco más de un perfecto quinto, muchas escalas tetratónicas y formas cortas. La mayoría de las canciones son iterativas y cada frase se repite una vez, aunque se encuentran canciones ocasionales con múltiples repeticiones. Muchas canciones de Modoc y Klamath contienen solo una frase repetida y muchas de sus escalas solo de dos a tres notas (ditónicas o tritónicas). Este estilo fue llevado a las Grandes Llanuras por la religión de la Danza Fantasma que se originó entre los Paiute, y con mucha frecuencia presenta patrones de frases emparejadas y un estilo vocal relajado y no pulsátil. Herzog atribuye las canciones de cuna, los cuentos de canciones y las canciones de juego igualmente simples que se encuentran históricamente en todo el continente a la música de la Gran Cuenca, que se conservó a través del relativo aislamiento cultural y la baja población.

Costa noroeste

Las voces abiertas con monofonía son comunes en el noroeste del Pacífico y la Columbia Británica , aunque también se produce polifonía (esta es la única área de América del Norte con polifonía nativa). También son característicos los intervalos cromáticos que acompañan a las melodías largas, y los ritmos son complejos y declamatorios, derivados del habla. La instrumentación es más diversa que en el resto de América del Norte e incluye una amplia variedad de silbidos, flautas, cuernos e instrumentos de percusión.

Nettl describe la música de Kwakwaka'wakw , Nuu-chah-nulth , Tsimshian , Makah y Quileute como algunas de las más complejas del continente, con la música de las naciones salish ( Nlaka'pamux , Nuxálk y Sliammon , y otros directamente al este de las tribus del noroeste) como intermediarios entre estas tribus de la costa noroeste y la música inuit. La música de las tribus Salish, y aún más la costa noroeste, intensifica las características significativas de la música inuit, ver más abajo, sin embargo, su movimiento melódico es a menudo de tipo péndulo ("saltando en amplios intervalos de un límite del rango al otro "). La música de la costa noroeste también "se encuentra entre las más complicadas del continente, especialmente en lo que respecta a la estructura rítmica", con intrincados patrones rítmicos distintos pero relacionados con la melodía vocal y la percusión rígida. También informa sobre el uso no registrado de polifonía incipiente en forma de drones o intervalos paralelos, además de formas antifonales y responoriales. Las voces son extremadamente tensas, producen un contraste dinámico, ornamentación y pulsación, y también a menudo usan múltiples acentos repentinos en un tono sostenido.

Ártico

Los inuit de Alaska , Territorios del Noroeste , Territorio de Yukon , Nunavut y Groenlandia son bien conocidos por su canto de garganta , un método inusual de vocalización que se encuentra solo en unas pocas culturas en todo el mundo. La forma tradicional inuit de canto de garganta generalmente involucra a dos mujeres en una posición cara a cara, donde una intérprete establece un patrón rítmico con sonidos sonoros o sordos, y el otro llena los huecos del ritmo con estos sonidos. Estos sonidos son muy diferentes a los del canto de garganta de Tuvan , que incluye matices de silbidos y sonidos nasales, pero lo más prominente es un sonido bajo de "gruñido". En cambio, producen sonidos a través de la inhalación o la exhalación, la mayoría de las veces una mezcla de ambos a un ritmo rápido, produciendo una interpretación musical atlética. El canto de garganta se utiliza como base para un juego entre los inuit en el que cada intérprete intenta mantener el ritmo y el ritmo del dúo sin fallar. El ganador de este juego es el que venza al mayor número de personas en estos concursos. Las melodías de rango estrecho y los efectos declamatorios son comunes, como en el noroeste. Las notas repetidas marcan el final de las frases. Los tambores de caja , que se encuentran en otros lugares, son comunes, al igual que un tambor de mano parecido a una pandereta . Además, los pueblos del Ártico usaban el bramido para los juguetes de los niños o para un ritual que endurecía la nieve para facilitar el viaje. Nettl describe la música "esquimal" como una de las más simples del continente, enumerando características que incluyen cantos de tipo recitativo, organización rítmica compleja, rango melódico relativamente pequeño con un promedio de un sexto, prominencia de tercios mayores y segundos menores melódicamente, con movimiento melódico ondulante.

Música intertribal

The Wake Singers, banda de músicos de Oglala Lakota

Muchos géneros musicales abarcan múltiples tribus. El pan-tribalismo es la adopción sincrética de tradiciones de comunidades extranjeras. Desde el surgimiento de los Estados Unidos y Canadá, los nativos americanos han forjado una identidad común e inventado la música panindia , la más famosa incluye powwows , canciones de peyote y Ghost Dance .

La Danza de los Fantasmas se extendió por las tribus de las Llanuras en la década de 1890 y en la actualidad se cantan muchas canciones. Se caracterizan por una voz relajada y un rango estrecho. Canciones de peyote derivadas de Apache , oraciones en la Iglesia Nativa Americana , usan una melodía descendente y una monofonía. Se utilizan sonajeros y bidones de agua , a un ritmo rápido. La Danza del Sol y la Danza de la Hierba de las llanuras son las raíces de los powwows intertribales, que cuentan con música con descenso escalonado y voces nasales, ambos rasgos característicos de las Llanuras.

Un ejemplo de una canción intertribal es la canción AIM , que utiliza vocablos para hacerla accesible a personas de todas las tribus. Sin embargo, debido a sus orígenes del pueblo Lakota y Ojibwe, todavía conserva algunas características de las llanuras del norte y los Grandes Lagos.

John Trudell ( Santee Dakota ) lanzó un nuevo género de poesía hablada en la década de 1980, comenzando con Aka Graffiti Man (1986). La siguiente década vio más innovaciones en la música popular de los nativos americanos, incluido Robbie Robertson (de The Band ) lanzando una banda sonora para un documental, Music for the Native Americans , que tuvo un éxito limitado en la corriente principal, así como Verdell Primeaux y Johnny Mike 's modernized canciones de peyote , con las que comenzaron a experimentar en Sacred Path: Healing Songs of the Native American Church .

Waila (o la música de scratch de pollo de Tohono O'odham ) ha ganado la fama de artistas como los Joaquin Brothers en las comunidades nativas americanas, mientras que los equipos de hip hop como WithOut Rezervation y Robby Bee & the Boyz From the Rez ( Reservation of Education ) tienen un distintivo Los nativos americanos prosperan con el hip hop. En el siglo XXI, la luz principal de la música nativa americana contemporánea ha sido Martha Redbone, cuyos premiados álbumes Home of the Brave (2002) y Skintalk (2005) han incorporado referencias tanto a la canción tradicional como a la cultura en una mezcla de soul, funk y rock. y jazz que ha llegado a audiencias en Europa y Japón, así como en las comunidades urbanas de los EE. UU. Mientras tanto, jóvenes músicos nativos como Red Earth (ver "Zia Soul" (2003) ), DJ Abel , Derek Miller , Ethnic DeGeneration , War Water y Casper están produciendo música underground excepcional (desde hip-hop hasta funk, reggae y metal) desafiando los estereotipos de los nativos (sin soporte de etiquetas).

La ópera indígena americana es una tradición musical intertribal, creada cuando Gertrude Bonnin , una activista de Yankton Dakota , colaboró ​​con el compositor clásico William Hanson para crear la ópera Sun Dance en 1913. La cantante de ópera mezzosoprano de Cherokee Nation , Barbara McAlister, ha actuado en muchas óperas comparsas y ha cantado en el Metropolitan Opera House de Nueva York . La banda Brulé Lakota Brulé y la American Indian Rock Opera crean actuaciones musicales contemporáneas a gran escala, incluido el "Concierto para la Reconciliación de las Culturas".

Flauta nativa americana

Una flauta Yuchi tradicional .

La flauta nativa americana ha alcanzado cierta fama por su sonido distintivo, utilizado en una variedad de grabaciones de música new age y world . Su música se utilizó en el cortejo , la curación , la meditación y los rituales espirituales.

A finales de la década de 1960 se produjo un renacimiento de las raíces en torno a la flauta, con una nueva ola de flautistas y artesanos como Doc Tate Nevaquaya ( Comanche ) y Carl Running Deer . Flautistas nativos americanos notables y galardonados incluyen: Mary Youngblood , Kevin Locke , Charles Littleleaf , Jay Red Eagle , Robert Tree Cody , Robert Mirabal , Joseph Firecrow y Jeff Ball . Tommy Wildcat es un flautista contemporáneo que fabrica flautas tradicionales de caña de río Cherokee . De especial importancia es R. Carlos Nakai ( Cambios , 1983), quien ha alcanzado el estatus de Disco de Oro y la credibilidad de la corriente principal por su mezcla de la flauta con otros géneros contemporáneos.

La flauta nativa americana es la única flauta en el mundo construida con dos cámaras de aire: hay una pared dentro de la flauta entre la cámara de aire superior (lenta) y la cámara inferior que tiene el silbato y los orificios para los dedos. La cámara superior también sirve como resonador secundario, lo que le da a la flauta su sonido distintivo. Hay un agujero en la parte inferior de la cámara de aire "lenta" y un agujero (generalmente) cuadrado en la parte superior de la cámara de juego. Se ata un bloque (o "pájaro") con un espaciador en la parte superior de la flauta para formar una corriente de aire delgada y plana para el orificio del silbato (o "ventana"). Algunas flautas más modernas usan un corte en el bloque o en la flauta para eliminar la necesidad de un espaciador.

La flauta nativa americana "tradicional" se construyó usando medidas basadas en el cuerpo: la longitud de la flauta sería la distancia desde la axila hasta la muñeca, la longitud de la cámara de aire superior sería el ancho de un puño, la distancia desde el silbato hasta la muñeca. el primer orificio también tiene el ancho de un puño, la distancia entre los orificios sería del ancho de un pulgar y la distancia desde el último orificio hasta el final sería generalmente de un puño de ancho. A diferencia de la música occidental, la música tradicional de los indios americanos no tenía una referencia de tono estándar como A440 , por lo que las flautas no estaban estandarizadas para el tono.

Las flautas históricas de los nativos americanos generalmente se afinan con una variación de la escala pentatónica menor (como la que se tocaría con las teclas negras de un piano), lo que le da al instrumento su distintivo sonido quejumbroso. Recientemente, algunos creadores han comenzado a experimentar con diferentes escalas, dando a los jugadores nuevas opciones melódicas. Además, las flautas modernas generalmente se afinan en teclas de concierto (como A o D) para que se puedan tocar fácilmente con otros instrumentos. Las tonalidades fundamentales de las flautas nativas americanas modernas abarcan un rango de aproximadamente tres octavas y media, desde C2 hasta A5.

Las flautas nativas americanas suelen tener 5 o 6 orificios, pero los instrumentos pueden tener desde ningún orificio hasta siete (incluido un orificio para el pulgar). Varios fabricantes emplean diferentes escalas y digitaciones para sus flautas.

Algunas flautas modernas de los nativos americanos se llaman flautas de "zumbido" y son dos (o más) flautas construidas juntas. Generalmente, la cámara del dron toca una nota fija que la otra flauta puede tocar en armonía.

Tambores

Tambor y baquetas en reposo

Los tambores son muy influyentes en la música india americana. Las diferentes tribus tienen diferentes tradiciones sobre sus tambores y cómo tocarlos. Para los tambores de baile o powwow más grandes, la construcción básica es muy similar en la mayoría de las tribus: un marco de madera o un tronco tallado y ahuecado, con piel de ante de cuero crudo o piel de alce estirada a lo largo de la abertura mediante tiras de tendones. Tradicionalmente, los tambores de los indios americanos son grandes, de dos a tres pies de diámetro, y se tocan en comunidad por grupos de cantantes que se sientan alrededor de ellos en círculo. Para los tambores de mano de un solo lado más pequeños, se usa un armazón o carcasa más delgada, y una superficie de cuero crudo se ensarta en un solo lado, con cordones en el otro. Otros tipos incluyen dos estilos básicos de tambores de agua: el tipo Iroquois y el tipo Yaqui. El tambor de agua iroquesa es un pequeño recipiente de madera en forma de copa, con agua en su interior y una piel bronceada humedecida extendida a lo largo de la abertura superior; la humedad y la rigidez de la piel curtida producen cambios en el tono a medida que se toca el tambor de agua con el tiempo. El tambor de agua tipo yaqui es en realidad una media calabaza, de gran tamaño, que flota en una tina de agua como una burbuja en la superficie; la superficie redonda exterior de la calabaza se golpea con una baqueta y las vibraciones se amplifican utilizando la tina de agua como resonador.

Otro tipo de tambor llamado tambor de pie se ha encontrado en varios sitios arqueológicos nativos americanos del suroeste y centro de California habitados, o formalmente habitados, por las tribus indias Miwok , Maidu , Nahua y Hopi . Estos tambores eran a menudo troncos huecos de sección transversal en semicírculo colocados sobre pozos 'resonantes' cubiertos de madera colocados según la costumbre en kivas o casas de baile. Los tambores de pie se tocaron pisando fuerte en la parte superior del tronco hueco con los postes de la estructura utilizados para estabilizar.

Premios

Los premios dedicados a la música de los nativos americanos , que propusieron con éxito el premio Grammy al mejor álbum de música de los nativos americanos, se lanzaron en 1998 y se siguen celebrando anualmente. Los Native American Music Awards o NAMA fueron el primer programa nacional de premios para la música nativa americana en Norteamérica. Los premios nacieron de la necesidad de un mayor reconocimiento de las iniciativas musicales de los nativos americanos y sigue siendo la organización profesional basada en membresía más grande del mundo.

De 2001 a 2011, los premios American Grammy presentaron un premio anual al Mejor Álbum de Música Nativa Americana , y los premios Canadian Juno Awards otorgan un premio anual a la Grabación aborigen del año . El 6 de abril de 2011, se anunció que el Premio Grammy al Mejor Álbum de Música Nativa Americana se fusionaría con las categorías Mejor Álbum de Música Hawaiana y Mejor Álbum de Música Zydeco o Cajun en una nueva categoría, Mejor Álbum de Música Regional Roots . Este cambio fue parte de una reestructuración masiva de las categorías de los Grammy.

Muestras

  • Medios: Bice'waan_Song.ogg es una grabación de la Biblioteca del Congreso , recopilada por Alice Cunningham Fletcher y Francis La Flesche y publicada en 1897. El cantante es George Miller, que probablemente nació alrededor de 1852. Se describió como: " La verdadera canción de amor, llamada por el Omaha Bethae waan, una designación antigua y no un nombre descriptivo, se canta generalmente a primera hora de la mañana, cuando el amante mantiene su cita y espera que la doncella salga de la tienda y se dirija a la casa. El manantial. Pertenecen al cortejo secreto y a veces se les llama Me-the-g'thun wa-an - canciones de cortejo ... Se cantaban sin tambor, campana o sonajero, para acentuar el ritmo, en el que se cantan estas canciones. subordinada a la tonalidad y se siente solo en las frases musicales ... Las vibraciones con el propósito de dar mayor expresión no solo fueron afectadas por el trémolo de la voz, sino que fueron realzadas al agitar la mano, o un rocío de artemesia antes de la labios, mientras que el cuerpo a menudo se balanceaba suavemente al ritmo hm de la canción (Fletcher, 1894, p. 156) ".
  • Descargue la grabación de Ghost Dance y la canción de juego de los nativos americanos Paiute y Arapaho de la colección Emile Berliner and the Birth of the Recording Industry de la Biblioteca del Congreso ; realizado por James Mooney (posiblemente junto con Charles Mooney; se cree que ninguno de los dos es nativo americano) el 5 de julio de 1894

Ver también

Notas

Referencias

Otras lecturas

enlaces externos