Modernismo - Modernism

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Pablo Picasso , Les Demoiselles d'Avignon (1907). Esta obra protocubista se considera una influencia fundamental en las tendencias posteriores de la pintura modernista.

El modernismo es tanto un movimiento filosófico como un movimiento artístico que surgió de amplias transformaciones en la sociedad occidental durante finales del siglo XIX y principios del XX. El movimiento reflejó un deseo por la creación de nuevas formas de arte, filosofía y organización social que reflejaran el nuevo mundo industrial emergente , incluidas características como la urbanización , las nuevas tecnologías y la guerra. Los artistas intentaron apartarse de las formas de arte tradicionales, que consideraban anticuadas u obsoletas. El mandato del poeta Ezra Pound de 1934 de "Hacerlo nuevo" fue la piedra de toque del enfoque del movimiento.

Las innovaciones modernistas incluyeron el arte abstracto , la novela de la corriente de la conciencia , el cine de montaje , la música atonal y de doce tonos y la pintura divisionista . El modernismo rechazó explícitamente la ideología del realismo y utilizó las obras del pasado empleando la repetición , la incorporación , la reescritura, la recapitulación , la revisión y la parodia . El modernismo también rechazó la certeza del pensamiento de la Ilustración , y muchos modernistas también rechazaron las creencias religiosas. Una característica notable del modernismo es la autoconciencia sobre las tradiciones artísticas y sociales, que a menudo condujo a la experimentación con la forma, junto con el uso de técnicas que llamaron la atención sobre los procesos y materiales utilizados en la creación de obras de arte.

Mientras que algunos académicos ven que el modernismo continúa en el siglo XXI, otros lo ven evolucionando hacia el modernismo tardío o el modernismo alto . El posmodernismo se aparta del modernismo y rechaza sus supuestos básicos.

Definición

Algunos comentaristas definen el modernismo como un modo de pensar: una o más características definidas filosóficamente, como la autoconciencia o la autorreferencia, que se encuentran en todas las novedades en las artes y disciplinas. Más comunes, especialmente en Occidente, son aquellos que lo ven como una tendencia de pensamiento socialmente progresista que afirma el poder de los seres humanos para crear, mejorar y remodelar su entorno con la ayuda de la experimentación práctica, el conocimiento científico o la tecnología. Desde esta perspectiva, el modernismo alentó a reexaminar todos los aspectos de la existencia, desde el comercio hasta la filosofía, con el objetivo de encontrar aquello que estaba "frenando" el progreso y reemplazarlo con nuevas formas de alcanzar el mismo fin. Otros se centran en el modernismo como una introspección estética. Esto facilita la consideración de reacciones específicas al uso de la tecnología en la Primera Guerra Mundial y los aspectos anti-tecnológicos y nihilistas de las obras de diversos pensadores y artistas que abarcan el período desde Friedrich Nietzsche (1844-1900) hasta Samuel Beckett (1906-1989). ).

Según Roger Griffin , el modernismo puede definirse en una visión maximalista como una amplia iniciativa cultural, social o política, sostenida por el ethos de "la temporalidad de lo nuevo". El modernismo buscó restaurar, escribe Griffin, un "sentido de orden sublime y propósito en el mundo contemporáneo, contrarrestando así la erosión (percibida) de un ' nomos ' o 'dosel sagrado' general, bajo el impacto fragmentador y secularizante de la modernidad. " Por lo tanto, fenómenos aparentemente ajenos entre sí como " expresionismo , futurismo , vitalismo , teosofía , psicoanálisis , nudismo, eugenesia , urbanismo y arquitectura utópicos , danza moderna , bolchevismo , nacionalismo orgánico - e incluso el culto al autosacrificio que sustentaba el hecatombe de la Primera Guerra Mundial: revelar una causa común y una matriz psicológica en la lucha contra la (percibida) decadencia ". Todos ellos encarnan ofertas para acceder a una "experiencia suprapersonal de la realidad", en la que los individuos creían que podían trascender su propia mortalidad y, finalmente, habían dejado de ser víctimas de la historia para convertirse en sus creadores.

Historia temprana

Orígenes

Según un crítico, el modernismo se desarrolló a partir de la rebelión del romanticismo contra los efectos de la Revolución Industrial y los valores burgueses : "El motivo fundamental del modernismo, afirma Graff , fue la crítica del orden social burgués del siglo XIX y su visión del mundo [. ..] los modernistas, llevando la antorcha del romanticismo ". Si bien JMW Turner (1775-1851), uno de los más grandes paisajistas del siglo XIX, fue miembro del movimiento romántico , como "pionero en el estudio de la luz, el color y la atmósfera", "anticipó a los impresionistas franceses "y por lo tanto el modernismo" al romper las fórmulas convencionales de representación; [aunque] a diferencia de ellas, creía que sus obras siempre debían expresar importantes temas históricos, mitológicos, literarios u otros temas narrativos ".

Un retrato realista de Otto von Bismarck . Los modernistas rechazaron el realismo.

Las tendencias dominantes de la Inglaterra victoriana industrial se opusieron, desde aproximadamente 1850, por los poetas y pintores ingleses que constituían la Hermandad Prerrafaelita , debido a su "oposición a la habilidad técnica sin inspiración". Fueron influenciados por los escritos del crítico de arte John Ruskin (1819-1900), quien tenía fuertes sentimientos sobre el papel del arte para ayudar a mejorar la vida de las clases trabajadoras urbanas, en las ciudades industriales en rápida expansión de Gran Bretaña. El crítico de arte Clement Greenberg describe a la Hermandad prerrafaelita como protomodernistas: "Allí los protomodernistas eran, de entre todos, los prerrafaelistas (e incluso antes de ellos, como protoprotomodernistas, los nazarenos alemanes ). Los prerrafaelistas en realidad presagiaron a Manet (1832-1883), con quien definitivamente comienza la pintura modernista. Actuaron sobre la insatisfacción con la pintura tal como se practicaba en su tiempo, sosteniendo que su realismo no era lo suficientemente veraz ". El racionalismo también ha tenido oponentes en los filósofos Søren Kierkegaard (1813-1855) y más tarde Friedrich Nietzsche (1844-1900), quienes tuvieron una influencia significativa en el existencialismo y el nihilismo .

Sin embargo, la Revolución Industrial continuó. Las innovaciones influyentes incluyeron la industrialización a vapor, y especialmente el desarrollo de los ferrocarriles, que comenzó en Gran Bretaña en la década de 1830, y los avances posteriores en física, ingeniería y arquitectura asociados con esto. Un importante logro de la ingeniería del siglo XIX fue el Crystal Palace , la enorme sala de exposiciones de hierro fundido y placas de vidrio construida para la Gran Exposición de 1851 en Londres. El vidrio y el hierro se utilizaron con un estilo monumental similar en la construcción de las principales terminales ferroviarias de Londres , como la estación de Paddington (1854) y la estación de King's Cross (1852). Estos avances tecnológicos llevaron a la construcción de estructuras posteriores como el Puente de Brooklyn (1883) y la Torre Eiffel (1889). Este último rompió todas las limitaciones anteriores sobre la altura de los objetos artificiales. Estas maravillas de la ingeniería alteraron radicalmente el entorno urbano del siglo XIX y la vida cotidiana de las personas. La experiencia humana del tiempo mismo se alteró con el desarrollo del telégrafo eléctrico a partir de 1837 y la adopción del tiempo estándar por las compañías ferroviarias británicas a partir de 1845 y en el resto del mundo durante los siguientes cincuenta años.

A pesar de los continuos avances tecnológicos, la idea de que la historia y la civilización eran intrínsecamente progresistas, y que el progreso siempre era bueno, fue objeto de un creciente ataque en el siglo XIX. Surgieron argumentos de que los valores del artista y los de la sociedad no eran simplemente diferentes, sino que la sociedad era la antítesis del progreso y no podía avanzar en su forma actual. A principios de siglo, el filósofo Schopenhauer (1788-1860) ( El mundo como voluntad y representación , 1819) había puesto en duda el optimismo anterior, y sus ideas tuvieron una influencia importante en pensadores posteriores, incluido Nietzsche. Dos de los pensadores más importantes de mediados del siglo XIX fueron el biólogo Charles Darwin (1809-1882), autor de El origen de las especies por medio de la selección natural (1859), y el politólogo Karl Marx (1818-1883), autor de Das Kapital (1867). La teoría de la evolución de Darwin por selección natural socavó la certeza religiosa y la idea de la unicidad humana. En particular, la noción de que los seres humanos eran impulsados ​​por los mismos impulsos que los "animales inferiores" resultó difícil de reconciliar con la idea de una espiritualidad ennoblecedora. Karl Marx argumentó que había contradicciones fundamentales dentro del sistema capitalista y que los trabajadores eran todo menos libres.

Odilon Redon , Guardian Spirit of the Waters , 1878, carboncillo sobre papel, Art Institute of Chicago

Los inicios a finales del siglo XIX

Historiadores y escritores de diferentes disciplinas han sugerido varias fechas como puntos de partida para el modernismo. El historiador William Everdell , por ejemplo, ha argumentado que el modernismo comenzó en la década de 1870, cuando la continuidad metafórica (u ontológica ) comenzó a ceder a lo discreto con el corte de Dedekind del matemático Richard Dedekind (1831-1916) y el de Ludwig Boltzmann (1844). –1906) termodinámica estadística . Everdell también cree que el modernismo en la pintura comenzó en 1885-1886 con el divisionismo de Seurat , los "puntos" utilizados para pintar Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte . Por otro lado, el crítico de arte visual Clement Greenberg llamó a Immanuel Kant (1724-1804) "el primer modernista real", aunque también escribió: "Lo que se puede llamar con seguridad Modernismo surgió a mediados del siglo pasado, y más bien a nivel local, en Francia, con Baudelaire en literatura y Manet en pintura, y quizás con Flaubert también en prosa de ficción (fue un tiempo más tarde, y no tan localmente, que el Modernismo apareció en la música y la arquitectura ) ". Las flores del mal ( Las flores del mal ) del poeta Baudelaire y la novela Madame Bovary de Flaubert se publicaron en 1857.

En las artes y las letras, dos enfoques importantes se desarrollaron por separado en Francia, a partir de la década de 1860. El primero fue el Impresionismo , una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en estudios, sino al aire libre ( en plein air ). Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió adeptos a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados de la muestra comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno , los impresionistas organizaron exposiciones colectivas anuales en lugares comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, sincronizándolas con el Salón oficial. Un hecho significativo de 1863 fue el Salon des Refusés , creado por el emperador Napoleón III para mostrar todas las pinturas rechazadas por el Salón de París. Si bien la mayoría tenían estilos estándar, pero de artistas inferiores, el trabajo de Manet atrajo una gran atención y abrió las puertas comerciales al movimiento. La segunda escuela francesa fue el simbolismo , que los historiadores literarios ven comenzando con Charles Baudelaire (1821-1867), e incluyendo a los poetas posteriores, Arthur Rimbaud (1854-1891) Une Saison en Enfer ( Una temporada en el infierno , 1873), Paul Verlaine ( 1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898) y Paul Valéry (1871-1945). Los simbolistas "enfatizaron la prioridad de la sugestión y la evocación sobre la descripción directa y la analogía explícita", y estaban especialmente interesados ​​en "las propiedades musicales del lenguaje".

Se puede decir que el cabaret , que dio origen a tantas artes del modernismo, incluidos los precursores inmediatos del cine, comenzó en Francia en 1881 con la inauguración del gato negro en Montmartre , el comienzo del monólogo irónico y el fundación de la Sociedad de Artes Incoherentes.

Henri Matisse , Le bonheur de vivre , 1905–06, Fundación Barnes , Merion, PA . Una de las primeras obras maestras fauvistas .

Influyentes en los primeros días del modernismo fueron las teorías de Sigmund Freud (1856-1939). La primera obra importante de Freud fue Estudios sobre la histeria (con Josef Breuer , 1895). En el pensamiento de Freud es central la idea "de la primacía de la mente inconsciente en la vida mental", de modo que toda la realidad subjetiva se basaba en el juego de impulsos e instintos básicos, a través de los cuales se percibía el mundo exterior. La descripción de Freud de los estados subjetivos involucró una mente inconsciente llena de impulsos primarios y contrarrestar las restricciones autoimpuestas derivadas de los valores sociales.

Henri Matisse , The Dance , 1910, Museo del Hermitage , San Petersburgo , Rusia. A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, incluidos los precubistas Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck, revolucionaron el mundo del arte parisino con paisajes y pinturas de figuras "salvajes", multicolores y expresivos. que los críticos llamaron fauvismo . La segunda versión de Henri Matisse de The Dance significa un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna.

Friedrich Nietzsche (1844-1900) fue otro precursor importante del modernismo, con una filosofía en la que los impulsos psicológicos, específicamente la " voluntad de poder " ( Wille zur Macht ), eran de importancia central: "Nietzsche a menudo identificaba la vida misma con la 'voluntad de poder ', es decir, con instinto de crecimiento y durabilidad ". Henri Bergson (1859-1941), por otro lado, enfatizó la diferencia entre el tiempo científico, del reloj y la experiencia humana directa y subjetiva del tiempo. Su trabajo sobre el tiempo y la conciencia "tuvo una gran influencia en los novelistas del siglo XX", especialmente en aquellos modernistas que utilizaron la técnica de la corriente de la conciencia , como Dorothy Richardson , James Joyce y Virginia Woolf (1882-1941). También importante en la filosofía de Bergson fue la idea de élan vital , la fuerza vital, que "provoca la evolución creativa de todo". Su filosofía también le dio un gran valor a la intuición , aunque sin rechazar la importancia del intelecto.

Los precursores literarios importantes del modernismo fueron Fyodor Dostoevsky (1821-1881), quien escribió las novelas Crimen y castigo (1866) y Los hermanos Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), quien publicó la colección de poesía Hojas de hierba (1855–1891); y August Strindberg (1849-1912), especialmente sus últimas obras, incluida la trilogía To Damascus 1898-1901, A Dream Play (1902) y The Ghost Sonata (1907). Henry James también ha sido sugerido como un precursor significativo, en una obra tan temprana como The Portrait of a Lady (1881).

De la colisión de ideales derivados del romanticismo, y de un intento de encontrar la forma de que el conocimiento explique lo desconocido, surgió la primera oleada de obras de la primera década del siglo XX, que si bien sus autores las consideraron extensiones de las tendencias existentes en el arte, rompió el contrato implícito con el público en general de que los artistas eran los intérpretes y representantes de la cultura y las ideas burguesas. Estos puntos de referencia "modernista" incluyen la atonal final de Arnold Schoenberg 's Segundo Cuarteto de cuerda en 1908, los expresionistas pinturas de Wassily Kandinsky comenzando en 1903 y culminando con su primera pintura abstracta y la fundación del jinete azul grupo en Munich en 1911, y el auge del fauvismo y las invenciones del cubismo de los estudios de Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque y otros, en los años comprendidos entre 1900 y 1910.

Periodo principal

Frank Lloyd Wright , Fallingwater , Mill Run , Pensilvania (1937). Fallingwater fue una de las residencias privadas más famosas de Wright (terminada en 1937).

Principios del siglo XX hasta 1930

Palais Stoclet (1905-1911) por el arquitecto modernista Josef Hoffmann

Un aspecto importante del modernismo es cómo se relaciona con la tradición a través de la adopción de técnicas como repetición, incorporación, reescritura, recapitulación, revisión y parodia en nuevas formas.

Piet Mondrian , vista desde las dunas con playa y muelles, Domburg, 1909, óleo y lápiz sobre cartón, Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) es el museo nacional de arte del siglo XX de España, ubicado en Madrid . La foto muestra el edificio antiguo con la adición de una de las torres de vidrio contemporáneas al exterior por Ian Ritchie Architects con el primer plano de la torre de arte moderno.

TS Eliot hizo comentarios significativos sobre la relación del artista con la tradición, entre ellos: "[A] menudo encontraremos que no sólo las mejores, sino las partes más individuales de la obra [de un poeta], pueden ser aquellas en las que los poetas muertos , sus antepasados, afirman su inmortalidad con más vigor ". Sin embargo, la relación del modernismo con la tradición era compleja, como indica el erudito literario Peter Childs: "Había tendencias paradójicas, si no opuestas, hacia posiciones revolucionarias y reaccionarias, miedo a lo nuevo y deleite por la desaparición de lo viejo, nihilismo y entusiasmo fanático, creatividad y desesperación ".

Un ejemplo de cómo el arte modernista puede ser revolucionario y, sin embargo, estar relacionado con la tradición pasada, es la música del compositor Arnold Schoenberg . Por un lado, Schoenberg rechazó la armonía tonal tradicional , el sistema jerárquico de organización de las obras musicales que había guiado la creación musical durante al menos un siglo y medio. Creía haber descubierto una forma totalmente nueva de organizar el sonido, basada en el uso de filas de doce notas . Sin embargo, si bien esto era completamente nuevo, sus orígenes se remontan al trabajo de compositores anteriores, como Franz Liszt , Richard Wagner , Gustav Mahler , Richard Strauss y Max Reger . Schoenberg también escribió música tonal a lo largo de su carrera.

En el mundo del arte, en la primera década del siglo XX, jóvenes pintores como Pablo Picasso y Henri Matisse estaban causando conmoción con su rechazo a la perspectiva tradicional como medio de estructuración de la pintura, aunque el impresionista Monet ya había sido innovador en su uso de la perspectiva. En 1907, mientras Picasso pintaba Les Demoiselles d'Avignon , Oskar Kokoschka escribía Mörder, Hoffnung der Frauen ( Asesino, esperanza de mujeres ), la primera obra expresionista (producida con escándalo en 1909), y Arnold Schoenberg componía su Cuarteto de cuerda. No 2 en Fa sostenido menor (1908), su primera composición sin centro tonal.

Una influencia principal que llevó al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne , que se exhibieron en una retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 . En la obra de arte cubista, los objetos se analizan, se dividen y se vuelven a ensamblar en forma abstracta; en lugar de representar objetos desde un punto de vista, el artista representa al sujeto desde una multitud de puntos de vista para representar al sujeto en un contexto más amplio. El cubismo atrajo la atención del público en general por primera vez en 1911 en el Salon des Indépendants en París (celebrado del 21 de abril al 13 de junio). Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Robert Delaunay , Fernand Léger y Roger de La Fresnaye se mostraron juntos en la habitación 41, provocando un 'escándalo' del que surgió el cubismo y se extendió por todo París y más allá. También en 1911, Kandinsky pintó Bild mit Kreis ( Cuadro con un círculo ), que más tarde llamó la primera pintura abstracta. En 1912, Metzinger y Gleizes escribieron el primer (y único) manifiesto cubista importante, Du "Cubisme" , publicado a tiempo para el Salon de la Section d'Or , la mayor exposición cubista hasta la fecha. En 1912, Metzinger pintó y exhibió sus encantadores La Femme au Cheval (Mujer con un caballo) y Danseuse au Café ( Bailarina en un café ) . Albert Gleizes pintó y expuso sus Les Baigneuses (Los bañistas) y su monumental Le Dépiquage des Moissons ( Trilla de la cosecha ) . Esta obra, junto con La Ville de Paris ( Ciudad de París ) de Robert Delaunay , fue la pintura cubista más grande y ambiciosa realizada durante el período cubista anterior a la guerra.

En 1905, un grupo de cuatro artistas alemanes, dirigido por Ernst Ludwig Kirchner , formó Die Brücke (el Puente) en la ciudad de Dresde . Esta fue posiblemente la organización fundadora del movimiento expresionista alemán , aunque no usaron la palabra en sí. Unos años más tarde, en 1911, un grupo de jóvenes artistas de ideas afines formó Der Blaue Reiter (El jinete azul) en Munich. El nombre vino de Wassily Kandinsky 's Der Blaue Reiter pintura de 1903. Entre sus miembros eran Kandinsky, Franz Marc , Paul Klee y August Macke . Sin embargo, el término "expresionismo" no se estableció firmemente hasta 1913. Aunque inicialmente fue principalmente un movimiento artístico alemán, más predominante en pintura, poesía y teatro entre 1910 y 1930, la mayoría de los precursores del movimiento no fueron alemanes. Además, ha habido escritores expresionistas de ficción en prosa, así como escritores expresionistas de habla no alemana y, aunque el movimiento había declinado en Alemania con el ascenso de Adolf Hitler en la década de 1930, hubo obras expresionistas posteriores.

Retrato de Eduard Kosmack (1910) de Egon Schiele

El expresionismo es notoriamente difícil de definir, en parte porque "se superpuso con otros 'ismos' importantes del período modernista: con el futurismo , el vorticismo , el cubismo , el surrealismo y el dadaísmo ". Richard Murphy también comenta: "la búsqueda de una definición integral es problemática en la medida en que los expresionistas más desafiantes" como el novelista Franz Kafka , el poeta Gottfried Benn y el novelista Alfred Döblin fueron simultáneamente los antiexpresionistas más vociferantes. Lo que, sin embargo, se puede decir es que fue un movimiento que se desarrolló a principios del siglo XX principalmente en Alemania como reacción al efecto deshumanizador de la industrialización y el crecimiento de las ciudades, y que "uno de los medios centrales por los cuales el expresionismo identifica en sí mismo como un movimiento de vanguardia , y por lo que marca su distancia con las tradiciones y la institución cultural en su conjunto es a través de su relación con el realismo y las convenciones dominantes de representación ". Más explícitamente: que los expresionistas rechazaron la ideología del realismo. Hubo un movimiento expresionista concentrado en el teatro alemán de principios del siglo XX, del cual Georg Kaiser y Ernst Toller fueron los dramaturgos más famosos. Otros dramaturgos expresionistas notables fueron Reinhard Sorge , Walter Hasenclever , Hans Henny Jahnn y Arnolt Bronnen . Miraron hacia atrás al dramaturgo sueco August Strindberg y al actor y dramaturgo alemán Frank Wedekind como precursores de sus experimentos dramatúrgicos . El asesino de Oskar Kokoschka , la esperanza de las mujeres fue la primera obra totalmente expresionista para el teatro, que se inauguró el 4 de julio de 1909 en Viena . La extrema simplificación de los personajes a tipos míticos , los efectos corales, el diálogo declamatorio y la mayor intensidad se convertirían en características de las obras expresionistas posteriores. La primera obra expresionista de larga duración fue The Son de Walter Hasenclever, que se publicó en 1914 y se representó por primera vez en 1916.

El futurismo es otro movimiento modernista. En 1909, el periódico parisino Le Figaro publicó el primer manifiesto de FT Marinetti . Poco después, un grupo de pintores ( Giacomo Balla , Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo y Gino Severini ) co-firmaron el Manifiesto Futurista . Siguiendo el modelo del famoso " Manifiesto comunista " de Marx y Engels (1848), dichos manifiestos presentaban ideas destinadas a provocar y atraer seguidores. Sin embargo, los argumentos a favor de la pintura geométrica o puramente abstracta estaban, en este momento, en gran parte confinados a "pequeñas revistas" que tenían sólo pequeñas circulaciones. El primitivismo y el pesimismo modernistas fueron controvertidos, y la corriente principal en la primera década del siglo XX todavía se inclinaba hacia la fe en el progreso y el optimismo liberal.

Jean Metzinger , 1913, En Canot (Im Boot) , óleo sobre lienzo, 146 x 114 cm (57,5 x 44,9 in), expuesto en Moderni Umeni, SVU Mánes , Praga, 1914, adquirido en 1916 por Georg Muche en la Galerie Der Sturm , confiscado por los nazis alrededor de 1936-1937, exhibido en la muestra de Arte Degenerado en Munich y desaparecido desde entonces.

Los artistas abstractos , tomando como ejemplo a los impresionistas , así como a Paul Cézanne (1839-1906) y Edvard Munch (1863-1944), partieron del supuesto de que el color y la forma , no la representación del mundo natural, constituían las características esenciales. de arte. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, apuntalado por la lógica de la perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. Las artes de culturas distintas de la europea se habían vuelto accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual al artista. A finales del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que se estaban produciendo en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en ese momento. Wassily Kandinsky , Piet Mondrian y Kazimir Malevich creían en la redefinición del arte como la disposición del color puro. El uso de la fotografía, que había dejado obsoleta gran parte de la función de representación del arte visual, afectó fuertemente este aspecto del modernismo.

Los arquitectos y diseñadores modernistas , como Frank Lloyd Wright y Le Corbusier , creían que la nueva tecnología hacía obsoletos los viejos estilos de construcción. Le Corbusier pensaba que los edificios deberían funcionar como "máquinas para vivir", análogas a los coches, que para él eran máquinas para viajar. Así como los coches habían sustituido al caballo, el diseño modernista debería rechazar los estilos y estructuras antiguos heredados de la antigua Grecia. o de la Edad Media . Siguiendo esta estética de máquina, los diseñadores modernistas normalmente rechazaban los motivos decorativos en el diseño, prefiriendo enfatizar los materiales utilizados y las formas geométricas puras. El rascacielos es el arquetipo del edificio modernista, y el edificio Wainwright, un edificio de oficinas de 10 pisos construido entre 1890 y 1891, en St. Louis, Missouri , Estados Unidos, se encuentra entre los primeros rascacielos del mundo. El edificio Seagram de Ludwig Mies van der Rohe en Nueva York (1956-1958) a menudo se considera el pináculo de esta arquitectura modernista de gran altura. Muchos aspectos del diseño modernista aún persisten dentro de la corriente principal de la arquitectura contemporánea , aunque el dogmatismo anterior ha dado paso a un uso más lúdico de la decoración, las citas históricas y el drama espacial.

André Masson , Pedestal Table in the Studio 1922, ejemplo temprano de surrealismo

En 1913, que fue el año de las Ideas del filósofo Edmund Husserl , el átomo cuantificado del físico Niels Bohr , la fundación del imagismo por Ezra Pound , el Armory Show en Nueva York y en San Petersburgo la "primera ópera futurista", Mikhail Matyushin 's Victoria sobre el sol -otra compositor ruso, Igor Stravinsky , compuesta la consagración de la primavera , un ballet que representa el sacrificio humano , y tiene una banda sonora completa de la disonancia y ritmo primitivo. Esto causó revuelo en su primera actuación en París. En ese momento, aunque el modernismo todavía era "progresista", cada vez más veía las formas tradicionales y los arreglos sociales tradicionales como un obstáculo al progreso, y estaba reformulando al artista como un revolucionario, comprometido en derrocar más que en iluminar la sociedad. También en 1913 ocurrió un hecho menos violento en Francia con la publicación del primer volumen de la importante secuencia de la novela de Marcel Proust À la recherche du temps perdu (1913-1927) ( En busca del tiempo perdido ). Esto se presenta a menudo como un ejemplo temprano de un escritor que utiliza la técnica de la corriente de la conciencia , pero Robert Humphrey comenta que Proust "sólo se preocupa por el aspecto evocador de la conciencia" y que "estaba recapturando deliberadamente el pasado con el propósito de comunicarse; por lo tanto, no escribió una novela sobre el flujo de la conciencia ".

La corriente de conciencia fue una importante innovación literaria modernista, y se ha sugerido que Arthur Schnitzler (1862-1931) fue el primero en hacer un uso completo de ella en su cuento "Leutnant Gustl" ("Ninguno excepto los valientes") (1900 ). Dorothy Richardson fue la primera escritora inglesa en usarlo, en los primeros volúmenes de su secuencia novela Pilgrimage (1915-1967). Los otros novelistas modernistas que están asociados con el uso de esta técnica narrativa incluyen a James Joyce en Ulysses (1922) e Italo Svevo en La coscienza di Zeno (1923).

Sin embargo, con la llegada de la Gran Guerra de 1914-1918 y la Revolución Rusa de 1917, el mundo cambió drásticamente y se pusieron en duda las creencias e instituciones del pasado. El fracaso del status quo anterior parecía evidente para una generación que había visto morir a millones peleando por trozos de tierra: antes de 1914 se había argumentado que nadie pelearía en una guerra así, ya que el costo era demasiado alto. El nacimiento de una era de las máquinas que había realizado cambios importantes en las condiciones de la vida diaria en el siglo XIX ahora había cambiado radicalmente la naturaleza de la guerra. La naturaleza traumática de la experiencia reciente alteró los supuestos básicos, y la descripción realista de la vida en las artes parecía inadecuada cuando se enfrentaba a la naturaleza fantásticamente surrealista de la guerra de trincheras . La opinión de que la humanidad estaba haciendo un progreso moral constante ahora parecía ridícula frente a la matanza sin sentido, descrita en obras como la novela de Erich Maria Remarque All Quiet on the Western Front (1929). Por lo tanto, la visión de la realidad del modernismo, que había sido un gusto minoritario antes de la guerra, se volvió más aceptada en la década de 1920.

En la literatura y el arte visual, algunos modernistas buscaron desafiar las expectativas principalmente para hacer su arte más vívido, o para obligar al público a tomarse la molestia de cuestionar sus propias ideas preconcebidas. Este aspecto del modernismo a menudo ha parecido una reacción a la cultura de consumo , que se desarrolló en Europa y América del Norte a finales del siglo XIX. Mientras que la mayoría de los fabricantes intentan fabricar productos que serán comercializables apelando a preferencias y prejuicios, los altos modernistas rechazaron tales actitudes consumistas para socavar el pensamiento convencional. El crítico de arte Clement Greenberg expuso esta teoría del modernismo en su ensayo Avant-Garde and Kitsch . Greenberg etiquetó los productos de la cultura del consumidor como " kitsch ", porque su diseño apuntaba simplemente a tener el máximo atractivo, sin las características difíciles. Para Greenberg, el modernismo constituyó así una reacción contra el desarrollo de ejemplos de la cultura de consumo moderna como la música popular comercial , Hollywood y la publicidad. Greenberg asoció esto con el rechazo revolucionario del capitalismo.

Algunos modernistas se vieron a sí mismos como parte de una cultura revolucionaria que incluía la revolución política. En Rusia, después de la Revolución de 1917 , hubo inicialmente un florecimiento de la actividad cultural de vanguardia, que incluyó el futurismo ruso . Sin embargo, otros rechazaron la política convencional así como las convenciones artísticas, creyendo que una revolución de la conciencia política tenía más importancia que un cambio en las estructuras políticas. Pero muchos modernistas se vieron a sí mismos como apolíticos. Otros, como TS Eliot , rechazaron la cultura popular de masas desde una posición conservadora. Algunos incluso argumentan que el modernismo en la literatura y el arte funcionó para sostener una cultura de élite que excluía a la mayoría de la población.

El surrealismo , que se originó a principios de la década de 1920, llegó a ser considerado por el público como la forma más extrema de modernismo, o "la vanguardia del modernismo". La palabra "surrealista" fue acuñada por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias , escrita en 1903 y representada por primera vez en 1917. Entre los principales surrealistas se encuentran Paul Éluard , Robert Desnos , Max Ernst , Hans Arp , Antonin Artaud , Raymond Queneau , Joan Miró y Marcel Duchamp .

En 1930, el modernismo se había ganado un lugar en el establecimiento, incluido el establecimiento político y artístico, aunque en ese momento el modernismo mismo había cambiado.

El modernismo continúa: 1930-1945

El modernismo siguió evolucionando durante la década de 1930. Entre 1930 y 1932, el compositor Arnold Schoenberg trabajó en Moses und Aron , una de las primeras óperas en hacer uso de la técnica de doce tonos , Pablo Picasso pintó en 1937 Guernica , su condena cubista del fascismo , mientras que en 1939 James Joyce traspasó los límites del la novela moderna más adelante con Finnegans Wake . También en 1930 el Modernismo comenzó a influir en la cultura dominante, de modo que, por ejemplo, la revista The New Yorker comenzó a publicar trabajos, influenciados por el Modernismo, de jóvenes escritores y humoristas como Dorothy Parker , Robert Benchley , EB White , SJ Perelman y James Thurber . Entre otros. Perelman es muy apreciado por sus cuentos humorísticos que publicó en revistas en las décadas de 1930 y 1940, con mayor frecuencia en The New Yorker , que se consideran los primeros ejemplos de humor surrealista en Estados Unidos. Las ideas modernas en el arte también comenzaron a aparecer con mayor frecuencia en comerciales y logotipos, uno de los primeros ejemplos, a partir de 1916, es el famoso logotipo del metro de Londres diseñado por Edward Johnston .

Uno de los cambios más visibles de este período fue la adopción de nuevas tecnologías en la vida diaria de la gente común en Europa Occidental y América del Norte. La electricidad, el teléfono, la radio, el automóvil, y la necesidad de trabajar con ellos, repararlos y vivir con ellos, crearon un cambio social. El tipo de momento perturbador que solo unos pocos conocieron en la década de 1880 se convirtió en algo común. Por ejemplo, la velocidad de comunicación reservada a los corredores de bolsa de 1890 pasó a formar parte de la vida familiar, al menos en la clase media de América del Norte. Asociadas con la urbanización y las cambiantes costumbres sociales también surgieron familias más pequeñas y cambiaron las relaciones entre padres e hijos.

Logotipo del
metro de Londres diseñado por Edward Johnston . Esta es la versión moderna (con modificaciones menores) de una que se utilizó por primera vez en 1916.

Otra fuerte influencia en este momento fue el marxismo . Después del aspecto generalmente primitivista / irracionalista del modernismo anterior a la Primera Guerra Mundial (que para muchos modernistas excluía cualquier apego a soluciones meramente políticas) y el neoclasicismo de la década de 1920 (como lo representaron de manera más famosa TS Eliot e Igor Stravinsky, quienes rechazaron las soluciones populares a problemas modernos), el auge del fascismo , la Gran Depresión y la marcha a la guerra ayudaron a radicalizar una generación. Bertolt Brecht , WH Auden , André Breton , Louis Aragon y los filósofos Antonio Gramsci y Walter Benjamin son quizás los ejemplos más famosos de esta forma modernista de marxismo. Sin embargo, también hubo modernistas explícitamente de "derecha", incluidos Salvador Dalí , Wyndham Lewis , TS Eliot, Ezra Pound , el autor holandés Menno ter Braak y otros.

Se siguieron creando importantes obras literarias modernistas en las décadas de 1920 y 1930, incluidas otras novelas de Marcel Proust , Virginia Woolf , Robert Musil y Dorothy Richardson . La carrera del dramaturgo modernista estadounidense Eugene O'Neill comenzó en 1914, pero sus principales obras aparecieron en las décadas de 1920, 1930 y principios de la de 1940. Otros dos dramaturgos modernistas importantes que escribieron en las décadas de 1920 y 1930 fueron Bertolt Brecht y Federico García Lorca . DH Lawrence 's amante de Lady Chatterley fue publicado privadamente en 1928, mientras que otro hito importante para la historia de la novela moderna llegó con la publicación de William Faulkner ' s El sonido y la furia en 1929. En la década de 1930, además de la más importante obras de Faulkner, Samuel Beckett publicó su primera obra importante, la novela Murphy (1938). Luego, en 1939, apareció Finnegans Wake de James Joyce . Esto está escrito en una gran medida lenguaje idiosincrásico , que consiste en una mezcla de inglés estándar elementos léxicos y neologístico multilingües juegos de palabras y valija palabras, que intenta recrear la experiencia del sueño y de los sueños. En poesía, TS Eliot, EE Cummings y Wallace Stevens escribieron desde la década de 1920 hasta la de 1950. Si bien la poesía modernista en inglés a menudo se considera un fenómeno estadounidense, con destacados exponentes como Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore , William Carlos Williams , HD y Louis Zukofsky , hubo importantes poetas modernistas británicos, incluidos David Jones , Hugh MacDiarmid , Basil Bunting y WH Auden . Los poetas modernistas europeos incluyen a Federico García Lorca , Anna Akhmatova , Constantine Cavafy y Paul Valéry .

Estatua de James Joyce en North Earl Street , Dublín , por Marjorie FitzGibbon

El movimiento modernista continuó durante este período en la Rusia soviética . En 1930 se estrenó la ópera The Nose del compositor Dimitri Shostakovich (1906-1975) , en la que utiliza un montaje de diferentes estilos, entre los que se encuentran la música folclórica , la canción popular y la atonalidad . Entre sus influencias se encontraba la ópera Wozzeck (1925) de Alban Berg (1985-1935) , que "había causado una tremenda impresión en Shostakovich cuando se representó en Leningrado". Sin embargo, a partir de 1932 el realismo socialista comenzó a derrocar al Modernismo en la Unión Soviética, y en 1936 Shostakovich fue atacado y obligado a retirar su 4ª Sinfonía. Alban Berg escribió otra ópera modernista significativa, aunque incompleta, Lulu , que se estrenó en 1937. El Concierto para violín de Berg se interpretó por primera vez en 1935. Como Shostakovich, otros compositores enfrentaron dificultades en este período.

En Alemania, Arnold Schoenberg (1874-1951) se vio obligado a huir a los Estados Unidos cuando Hitler llegó al poder en 1933, debido a su estilo atonal modernista y a su ascendencia judía. Sus principales obras de este período son un Concierto para violín , Op. 36 (1934/36) y un Concierto para piano , op. 42 (1942). Schoenberg también escribió la música tonal en este periodo con la suite para cuerdas en sol mayor (1935) y la Cámara Sinfonía nº 2 en Mi menor, op. 38 (comenzada en 1906, terminada en 1939). Durante este tiempo, el modernista húngaro Béla Bartók (1881-1945) produjo una serie de obras importantes, entre ellas Música para cuerdas, percusión y celesta (1936) y el Divertimento para orquesta de cuerdas (1939), Cuarteto de cuerda n. ° 5 (1934) y No. 6 (su último, 1939). Pero él también se fue a Estados Unidos en 1940, debido al auge del fascismo en Hungría. Igor Stravinsky (1882-1971) continuó escribiendo en su estilo neoclásico durante las décadas de 1930 y 1940, escribiendo obras como la Sinfonía de los salmos (1930), Sinfonía en C (1940) y Sinfonía en tres movimientos (1945). También emigró a los Estados Unidos debido a la Segunda Guerra Mundial. Olivier Messiaen (1908-1992), sin embargo, sirvió en el ejército francés durante la guerra y fue encarcelado en el Stalag VIII-A por los alemanes, donde compuso su famoso Quatuor pour la fin du temps ("Cuarteto para el fin de los tiempos" ). El cuarteto se presentó por primera vez en enero de 1941 ante una audiencia de prisioneros y guardias de la prisión.

En pintura, durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión , el modernismo se definió por el surrealismo , el cubismo tardío , la Bauhaus , De Stijl , Dada , el expresionismo alemán y pintores de color modernistas y magistrales como Henri Matisse y Pierre Bonnard , así como las abstracciones. de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky que caracterizaron la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz y otros politizan sus pinturas, anunciando la llegada de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en América, el modernismo se ve en la forma de American Scene pintura y los realismo social y regionalismo movimientos que contenían tanto política y el comentario social dominaba el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes. El modernismo está definido en América Latina por los pintores Joaquín Torres-García de Uruguay y Rufino Tamayo de México, mientras que el movimiento muralista con Diego Rivera , David Siqueiros , José Clemente Orozco , Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado , y pinturas simbolistas de Frida Kahlo , inició un renacimiento de las artes en la región, caracterizado por un uso más libre del color y un énfasis en los mensajes políticos.

Diego Rivera es quizás más conocido por el mundo público por su mural de 1933, Man at the Crossroads , en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center . Cuando su mecenas Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera, y el personal de Rockefeller finalmente destruyó la obra inacabada. Las obras de Frida Kahlo a menudo se caracterizan por sus duras representaciones del dolor. Kahlo estuvo profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo cual es evidente en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. Los temas cristianos y judíos también se representan a menudo en su trabajo; combinó elementos de la clásica tradición religiosa mexicana, que a menudo eran sangrientos y violentos. Las obras simbolistas de Frida Kahlo se relacionan fuertemente con el surrealismo y el movimiento del realismo mágico en la literatura.

El activismo político fue una parte importante de la vida de David Siqueiros y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estaba profundamente arraigado en la Revolución Mexicana . El período comprendido entre la década de 1920 y la de 1950 se conoce como el Renacimiento mexicano, y Siqueiros estuvo activo en el intento de crear un arte que fuera a la vez mexicano y universal. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile.

Durante la década de 1930, la política radical de izquierda caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo, incluido Pablo Picasso . El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española , la ciudad vasca de Gernika fue bombardeada por la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco para derrocar al gobierno vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su Guernica del tamaño de un mural para conmemorar los horrores del bombardeo.

Pablo Picasso 's Guernica de 1937, la protesta contra el fascismo

Durante la Gran Depresión de la década de 1930 y durante los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escena estadounidense , en la obra de Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton y varios otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No solo es la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocidas en el arte estadounidense. La escena se inspiró en un restaurante de Greenwich Village . Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor . Después de este evento hubo un gran sentimiento de tristeza en el país, sentimiento que se refleja en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y en el interior ninguno de los tres clientes aparentemente mira o habla con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta descripción de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en todo el trabajo de Hopper.

American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Representa a un granjero que sostiene una horquilla y una mujer más joven frente a una casa de estilo Carpenter Gothic . Es una de las imágenes más familiares del arte estadounidense del siglo XX . Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura; como Gertrude Stein y Christopher Morley , asumieron que la pintura estaba destinada a ser una sátira de la vida rural de un pueblo pequeño. Así pues, se considera como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticos de la América rural, a lo largo de las líneas de Sherwood Anderson 's 1919 Winesburg, Ohio , Sinclair Lewis ' 1920 s Main Street , y Carl Van Vechten 's El tatuado condesa en la literatura. Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura pasó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.

La situación de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que aumentaba el poder de los nazis en Alemania y en toda Europa del Este. Arte degenerado fue un término adoptado por el régimen nazi en Alemania para prácticamente todo el arte moderno . Ese arte fue prohibido con el argumento de que era de naturaleza no alemana o bolchevique judío , y aquellos identificados como artistas degenerados fueron sujetos a sanciones. Estos incluían ser despedidos de puestos de enseñanza, tener prohibido exhibir o vender su arte y, en algunos casos, estar prohibido producir arte por completo. Arte degenerado fue también el título de una exposición, montada por los nazis en Munich en 1937. El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociado con el modernismo y la abstracción que muchos se fueron a las Américas. El artista alemán Max Beckmann y muchos otros huyeron de Europa a Nueva York. En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de pintores modernistas jóvenes y emocionantes encabezados por Arshile Gorky , Willem de Kooning y otros estaban comenzando a alcanzar la mayoría de edad.

El retrato de Arshile Gorky de alguien que podría ser Willem de Kooning es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham , Gorky creó composiciones figurativas abstractas y de formas biomórficas que en la década de 1940 evolucionaron hacia pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.

Después de la Segunda Guerra Mundial (principalmente las artes visuales y escénicas)

Introducción

Mientras que The Oxford Encyclopedia of British Literature afirma que el modernismo terminó en c. 1939 con respecto a la literatura británica y estadounidense, "Cuando (si) el modernismo se extinguió y comenzó el posmodernismo ha sido cuestionado casi tan acaloradamente como cuando ocurrió la transición del victoriano al modernismo". Clement Greenberg ve el fin del modernismo en la década de 1930, con la excepción de las artes visuales y escénicas, pero con respecto a la música, Paul Griffiths señala que, mientras que el modernismo "parecía ser una fuerza gastada" a fines de la década de 1920, después de la Segunda Guerra Mundial , "una nueva generación de compositores: Boulez , Barraqué , Babbitt , Nono , Stockhausen , Xenakis " revivió el modernismo ". De hecho, muchos modernistas literarios vivieron en las décadas de 1950 y 1960, aunque en general ya no producían obras importantes. El término" modernismo tardío "también se aplica a veces a obras modernistas publicadas después de 1930. Entre los modernistas (o modernistas tardíos) que todavía publicaron después de 1945 se encontraban Wallace Stevens , Gottfried Benn , TS Eliot , Anna Akhmatova , William Faulkner , Dorothy Richardson , John Cowper Powys y Ezra Pound . basil Bunting , nacido en 1901, publicó sus modernistas más importantes poema Briggflatts en 1965. Además, Hermann Broch es La muerte de Virgilio fue publicado en 1945 y Thomas Mann 's doctor Fausto en 1947. Samuel Beckett , que murió en 1989, ha sido descrito como un "modernista posterior". Beckett es un escritor con raíces en la tradición expresionista del Modernismo, que produjo obras desde la década de 1930 hasta la de 1980, entre ellas Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) y Rockaby (1981). Los términos " minimalista " y " posmodernista " también se han aplicado a sus obras posteriores. Los poetas Charles Olson (1910-1970) y JH Prynne (nacido en 1936) se encuentran entre los escritores de la segunda mitad del siglo XX que han sido descritos como modernistas tardíos.

Más recientemente, el término "modernismo tardío" ha sido redefinido por al menos un crítico y se utiliza para referirse a obras escritas después de 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue significativamente remodelada por los eventos de Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y el lanzamiento de la bomba atómica.

El período de posguerra dejó a las capitales de Europa en convulsión con la urgencia de reconstruirse económica y físicamente y de reagruparse políticamente. En París (el antiguo centro de la cultura europea y la antigua capital del mundo del arte) el clima para el arte era un desastre. Importantes coleccionistas, marchantes y artistas, escritores y poetas modernistas habían huido de Europa hacia Nueva York y América. Los surrealistas y artistas modernos de todos los centros culturales de Europa habían huido de la embestida de los nazis en busca de un refugio seguro en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron murieron. Algunos artistas, en particular Pablo Picasso , Henri Matisse y Pierre Bonnard , permanecieron en Francia y sobrevivieron.

La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense , un movimiento modernista que combinó las lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró , el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John. D. Graham . Artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst y André Breton grupo, Pierre Matisse 's galería, y Peggy Guggenheim ' s galería El arte de este siglo , así como otros factores.

París, además, recuperó gran parte de su brillo en las décadas de 1950 y 1960 como el centro de un florecimiento del arte de la máquina, con los principales escultores del arte de la máquina, Jean Tinguely y Nicolas Schöffer, que se mudaron allí para iniciar sus carreras, y ese florecimiento, en luz del carácter tecnocéntrico de la vida moderna, bien puede tener una influencia particularmente duradera.

Teatro del Absurdo

En attendant Godot de Samuel Beckett , ( Esperando a Godot ) Festival d'Avignon, 1978

El término " Teatro del Absurdo " se aplica a las obras, escritas principalmente por europeos, que expresan la creencia de que la existencia humana no tiene significado ni propósito y, por lo tanto, toda comunicación se rompe. La construcción lógica y la argumentación dan paso a un discurso irracional e ilógico y a su conclusión última, el silencio. Si bien hay precursores importantes, incluido Alfred Jarry (1873-1907), se considera que el Teatro del Absurdo comenzó en la década de 1950 con las obras de Samuel Beckett .

El crítico Martin Esslin acuñó el término en su ensayo de 1960 "Teatro del absurdo". Relató estas obras basándose en un tema amplio del Absurdo, similar a la forma en que Albert Camus usa el término en su ensayo de 1942, El mito de Sísifo . Lo Absurdo en estas obras toma la forma de la reacción del hombre a un mundo aparentemente sin significado, y / o al hombre como un títere controlado o amenazado por fuerzas externas invisibles. Aunque el término se aplica a una amplia gama de obras, algunas características coinciden en muchas de las obras: comedia amplia, a menudo similar al vodevil , mezclada con imágenes horribles o trágicas; personajes atrapados en situaciones desesperadas obligados a realizar acciones repetitivas o sin sentido; diálogo lleno de clichés, juegos de palabras y tonterías; tramas cíclicas o absurdamente expansivas; ya sea una parodia o un rechazo del realismo y el concepto de "obra bien hecha ".

Los dramaturgos comúnmente asociados con el Teatro del Absurdo incluyen a Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (nacido en 1937), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (nacido en 1929), Fernando Arrabal (nacido en 1932), Václav Havel (1936–2011) y Edward Albee (1928– 2016).

Pollock e influencias abstractas

A fines de la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock hacia la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el viaje hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la propia obra de arte. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida , Pollock redefinió la forma en que se hace el arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y la convencionalidad fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta del proceso de Jackson Pollock: colocar lienzos en bruto sin estirar en el piso donde podría ser atacado por los cuatro lados utilizando materiales artísticos e industriales; gotear y lanzar madejas lineales de pintura; dibujar, teñir y cepillar; el uso de imágenes y no imágenes, esencialmente una creación de arte destruida más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto generalmente amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para la creación de nuevas obras de arte. Los otros expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Robert Motherwell , Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que les siguió. Sin embargo, las relecturas al arte abstracto de historiadoras del arte como Linda Nochlin , Griselda Pollock y Catherine de Zegher muestran críticamente que las mujeres artistas pioneras que produjeron importantes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia.

Figuras internacionales del arte británico

Henry Moore (1898-1986) emergió después de la Segunda Guerra Mundial como el escultor más importante de Gran Bretaña . Fue mejor conocido por sus monumentales esculturas de bronce semi- abstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Sus formas suelen ser abstracciones de la figura humana, típicamente representando figuras de madre e hijo o reclinadas, por lo general sugestivas del cuerpo femenino, aparte de una fase en la década de 1950 cuando esculpió grupos familiares. Sus formas generalmente están perforadas o contienen espacios huecos.

En la década de 1950, Moore comenzó a recibir encargos cada vez más importantes, incluida una figura reclinada para el edificio de la UNESCO en París en 1958. Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente. Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron en una línea similar, con varias retrospectivas importantes que tuvieron lugar en todo el mundo, en particular una destacada exposición en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere con vistas a Florencia . A finales de la década de 1970, había unas 40 exposiciones al año con su obra. En el campus de la Universidad de Chicago en diciembre de 1967, 25 años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción en cadena nuclear controlada y autosuficiente, se dio a conocer la Energía Nuclear de Moore . También en Chicago, Moore conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente Man Entra al Cosmos (1980), que recibió el encargo de reconocer el programa de exploración espacial .

La "Escuela de Londres" de pintores figurativos, incluidos Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (nacido en 1931), Leon Kossoff (nacido en 1926) y Michael Andrews (1928-1995), han recibió un amplio reconocimiento internacional.

Francis Bacon fue un pintor figurativo británico nacido en Irlanda conocido por sus imágenes audaces, gráficas y emocionalmente crudas. Sus figuras pictóricas pero abstractas suelen aparecer aisladas en jaulas geométricas de vidrio o acero colocadas sobre fondos planos y anodinos. Bacon comenzó a pintar a los 20 años, pero trabajó solo esporádicamente hasta mediados de los 30. Su avance se produjo con el tríptico de 1944 Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión, que selló su reputación como un cronista singularmente sombrío de la condición humana. Su salida puede describirse crudamente como consistente en secuencias o variaciones en un solo motivo; comenzando con las cabezas masculinas de los años 40 aisladas en habitaciones, los primeros años de los 50 gritando papas, y desde mediados hasta finales de los 50 con animales y figuras solitarias suspendidas en estructuras geométricas. Estos fueron seguidos por sus variaciones modernas de principios de la década de 1960 de la crucifixión en el formato de tríptico. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, Bacon produjo principalmente retratos de amigos sorprendentemente compasivos. Tras el suicidio de su amante George Dyer en 1971, su arte se volvió más personal, introspectivo y preocupado por los temas y motivos de la muerte. Durante su vida, Bacon fue igualmente vilipendiado y aclamado.

Lucian Freud fue un pintor británico nacido en Alemania, conocido principalmente por sus pinturas de figuras y retratos densamente empastados , que fue ampliamente considerado el artista británico preeminente de su tiempo. Sus obras se destacan por su penetración psicológica y por su examen a menudo incómodo de la relación entre artista y modelo. Según William Grimes de The New York Times , "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo XX. En pinturas como Chica con un perro blanco (1951-1952), Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura tradicional europea al servicio de de un estilo de retrato antirromántico y confrontativo que desnudó la fachada social de la modelo. La gente común, muchos de ellos sus amigos, miraban con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerables a la despiadada inspección del artista ".

En la década de 1960 después del expresionismo abstracto

En la pintura abstracta durante las décadas de 1950 y 1960, varias direcciones nuevas, como la pintura de borde duro y otras formas de abstracción geométrica, comenzaron a aparecer en los estudios de artistas y en los círculos de vanguardia radical como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción post-pictórica cuando comisarió una influyente exposición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte en los Estados Unidos en 1964. La pintura de campo de color, la pintura de borde duro y la abstracción lírica emergieron como nuevas direcciones radicales.

Sin embargo, a fines de la década de 1960, el posminimalismo , el arte de proceso y el Arte Povera también surgieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaron tanto la pintura como la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento posminimalista, y en el arte conceptual temprano . El arte de proceso inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo y espacio plástico y real. Nancy Graves , Ronald Davis , Howard Hodgkin , Larry Poons , Jannis Kounellis , Brice Marden , Colin McCahon , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Alan Saret , Walter Darby Bannard , Lynda Benglis , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra , Sam Gilliam , Mario Merz y Peter Reginato fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que generó el apogeo del arte de finales de la década de 1960.

Arte pop

Eduardo Paolozzi . I was a Rich Man's Plaything (1947) se considera el abanderado inicial del "arte pop" y el primero en mostrar la palabra "pop".

En 1962, la Sidney Janis Gallery montó The New Realists , la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la parte alta de la ciudad de Nueva York. Janis montó la exposición en un escaparate de la calle 57 cerca de su galería. El espectáculo envió ondas de choque a través de la Escuela de Nueva York y resonó en todo el mundo. Anteriormente en Inglaterra, en 1958, Lawrence Alloway utilizó el término "Arte pop" para describir pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico en favor del arte que representaba y a menudo celebraba la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi (quien creó el innovador I was a Rich Man's Plaything , 1947) se consideran ejemplos seminales en el movimiento. Mientras tanto, en la escena del centro de las galerías de East Village 10th Street de Nueva York , los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tenía su escaparate y la Green Gallery en la calle 57 comenzó a mostrar las obras de Tom Wesselmann y James Rosenquist . Más tarde, Leo Castelli expuso las obras de otros artistas estadounidenses, incluidos los de Andy Warhol y Roy Lichtenstein durante la mayor parte de sus carreras. Existe una conexión entre las obras radicales de Marcel Duchamp y Man Ray , los dadaístas rebeldes con sentido del humor, y artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein, cuyas pinturas reproducen el aspecto de los puntos de Ben-Day , un técnica utilizada en la reproducción comercial.

Minimalismo

El minimalismo describe movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente el arte visual y la música , en los que los artistas intentan exponer la esencia o identidad de un tema mediante la eliminación de todas las formas, características o conceptos no esenciales. El minimalismo es cualquier diseño o estilo en el que se utilizan los elementos más simples y mínimos para crear el máximo efecto.

Como movimiento específico en las artes, se identifica con los desarrollos del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en los años sesenta y principios de los setenta. Entre los artistas destacados asociados con este movimiento se incluyen Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Ronald Bladen , Anne Truitt y Frank Stella . Se deriva de los aspectos reductivos del modernismo y, a menudo, se interpreta como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas artísticas posminimales . A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica de Kazimir Malevich , la Bauhaus y Piet Mondrian ) que rechazaba la idea de pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el zeitgeist emocional. y polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción . El minimalismo argumentó que la extrema simplicidad podría capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. El minimalismo se interpreta de diversas maneras como un precursor del posmodernismo o como un movimiento posmoderno en sí mismo. En esta última perspectiva, el minimalismo temprano produjo obras modernistas avanzadas, pero el movimiento abandonó parcialmente esta dirección cuando algunos artistas como Robert Morris cambiaron de dirección a favor del movimiento anti-forma .

Hal Foster, en su ensayo The Crux of Minimalism , examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el Modernismo Greenbergiano en sus definiciones publicadas de minimalismo. Sostiene que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del Modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que se siguen elaborando hoy".

Música mínima

Los términos se han expandido para abarcar un movimiento en la música que presenta una repetición e iteración como las de las composiciones de La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass y John Adams . Las composiciones minimalistas a veces se conocen como música de sistemas . El término "música mínima" se utiliza generalmente para describir un estilo de música que se desarrolló en Estados Unidos a finales de los sesenta y setenta; y que inicialmente estaba relacionado con los compositores. El movimiento minimalista involucró originalmente a algunos compositores, y otros pioneros menos conocidos incluyeron a Pauline Oliveros , Phill Niblock y Richard Maxfield . En Europa, la música de Louis Andriessen , Karel Goeyvaerts , Michael Nyman , Howard Skempton , Eliane Radigue , Gavin Bryars , Steve Martland , Henryk Górecki , Arvo Pärt y John Tavener .

Posminimalismo

Smithson Spiral Jetty desde lo alto de Rozel Point, Utah, EE. UU., A mediados de abril de 2005. Creado en 1970, todavía existe, aunque a menudo ha estado sumergido por el nivel fluctuante del lago. Consiste en unas 6500 toneladas de basalto , tierra y sal.

A finales de la década de 1960, Robert Pincus-Witten acuñó el término " posminimalismo " para describir el arte derivado del minimalismo que tenía un contenido y matices contextuales que el minimalismo rechazaba. El término fue aplicado por Pincus-Whitten al trabajo de Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra y al nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt , Barry Le Va y otros. Otros minimalistas como Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken y otros continuaron produciendo pinturas y esculturas modernistas tardías durante el resto de sus carreras.

Desde entonces, muchos artistas han adoptado estilos mínimos o posminimales, y se les ha asignado la etiqueta "Postmodern".

Collage, ensamblaje, instalaciones

Relacionado con el expresionismo abstracto estuvo el surgimiento de combinar elementos manufacturados con materiales de artista, alejándose de las convenciones anteriores de la pintura y la escultura. El trabajo de Robert Rauschenberg ejemplifica esta tendencia. Sus "cosechadoras" de la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y del arte de instalación , y utilizaban ensamblajes de grandes objetos físicos, incluidos animales de peluche, pájaros y fotografías comerciales. Rauschenberg, Jasper Johns , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine y Edward Kienholz fueron algunos de los pioneros importantes tanto de la abstracción como del arte pop. Al crear nuevas convenciones de creación artística, hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical en sus obras de materiales inverosímiles. Otro pionero del collage fue Joseph Cornell , cuyas obras de escala más íntima fueron vistas como radicales tanto por su iconografía personal como por su uso de objetos encontrados .

Neo-Dada

A principios del siglo XX, Marcel Duchamp presentó para exhibición un urinario como escultura. Él profesó su intención de que la gente mire el urinario como si fuera una obra de arte porque dijo que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como " readymades ". Fountain era un urinario firmado con el seudónimo de "R. Mutt", cuya exposición conmocionó al mundo del arte en 1917. Esta y las otras obras de Duchamp son generalmente etiquetadas como Dada. Duchamp puede ser visto como un precursor de arte conceptual, otros ejemplos famosos son John Cage 's 4'33 " , que es de cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, y Rauschenberg de borrar por de Kooning Drawing . Muchas obras conceptuales adoptan la posición de que el arte es el resultado de que el espectador ve un objeto o actúa como arte, no de las cualidades intrínsecas de la obra en sí. Al elegir "un artículo ordinario de la vida" y crear "un nuevo pensamiento para ese objeto", Duchamp invitó a los espectadores a ver a Fountain como una escultura.

Marcel Duchamp abandonó el "arte" en favor del ajedrez . El compositor de vanguardia David Tudor creó una pieza, Reunion (1968), escrita en conjunto con Lowell Cross, que presenta un juego de ajedrez en el que cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección. Duchamp y Cage jugaron el juego en el estreno de la obra.

Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Duchamp, entre el modernismo y el posmodernismo. Ambos utilizaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su trabajo, conservando la abstracción y los gestos pictóricos del alto Modernismo.

Actuación y acontecimientos

Carolee Schneemann, interpretando su pieza Interior Scroll, 1975.
Yves Klein en Francia , y Carolee Schneemann (en la foto), Yayoi Kusama , Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York fueron pioneros de las obras de arte basadas en la interpretación, que a menudo implicaban desnudez.

A finales de los años cincuenta y sesenta, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a traspasar los límites del arte contemporáneo. Yves Klein en Francia, Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York, y Joseph Beuys , Wolf Vostell y Nam June Paik en Alemania fueron pioneros de las obras de arte basadas en la interpretación. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando ambientes, cambiando radicalmente la relación entre público e intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now . El Judson Dance Theatre , ubicado en Judson Memorial Church , Nueva York; y los bailarines de Judson, en particular Yvonne Rainer , Trisha Brown , Elaine Summers , Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay , Lucinda Childs , Steve Paxton y otros; colaboró ​​con los artistas Robert Morris , Robert Whitman , John Cage , Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver . Park Place Gallery fue un centro de actuaciones musicales de los compositores electrónicos Steve Reich , Philip Glass y otros artistas notables como Joan Jonas .

Estas representaciones estaban pensadas como obras de una nueva forma de arte que combinaba escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Se caracterizaron por las filosofías reductivas del minimalismo y la improvisación espontánea y la expresividad del expresionismo abstracto. Las imágenes de las actuaciones de Schneeman de piezas destinadas a impactar se utilizan ocasionalmente para ilustrar este tipo de arte, y a menudo se la ve fotografiada mientras interpreta su pieza Interior Scroll . Sin embargo, de acuerdo con la filosofía modernista que rodea al arte de la performance, es contradictorio publicar imágenes de ella interpretando esta pieza, ya que los artistas de la performance rechazan la publicación por completo: la performance en sí misma es el medio. Por tanto, otros medios no pueden ilustrar el arte escénico; la actuación es momentánea, evanescente y personal, no para capturar; Las representaciones de artes escénicas en otros medios, ya sea por imagen, video, narrativa o de otro tipo, seleccionan ciertos puntos de vista en el espacio o el tiempo o involucran las limitaciones inherentes de cada medio. Los artistas niegan que las grabaciones ilustren el medio de actuación como arte.

Durante el mismo período, varios artistas de vanguardia crearon Happenings , reuniones misteriosas y, a menudo, espontáneas y sin guión de artistas y sus amigos y parientes en varios lugares específicos, a menudo incorporando ejercicios de absurdo, fisicalidad, vestuario, desnudez espontánea y varios eventos aleatorios o aparentemente. actos desconectados. Entre los creadores notables de los acontecimientos se encuentran Allan Kaprow, quien utilizó el término por primera vez en 1958, Claes Oldenburg , Jim Dine , Red Grooms y Robert Whitman .

Intermedia, multimedia

Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia es un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte en la línea de Fluxus , poesía concreta , objetos encontrados , artes escénicas y arte por computadora . Higgins era el editor de Something Else Press , un poeta concreto casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp . Ihab Hassan incluye "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos", en su lista de las características del arte posmoderno . Una de las formas más comunes de "arte multimedia" es el uso de cintas de video y monitores CRT, denominado videoarte . Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el arte de performance, donde se elimina el subtexto dramático y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en pregunta o el enunciado conceptual de su acción.

Fluxus

Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-1978), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus se remonta a las clases de composición experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la New School for Social Research de la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia musical. Los estudiantes de Cage incluyeron a los miembros fundadores de Fluxus Jackson Mac Low , Al Hansen , George Brecht y Dick Higgins .

Fluxus fomentó una estética de bricolaje y valoraba la simplicidad por encima de la complejidad. Como Dada antes, Fluxus incluyó una fuerte corriente de anti-comercialismo y una sensibilidad anti-arte , menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.

Andreas Huyssen critica los intentos de reclamar Fluxus para el posmodernismo como "el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico en última instancia irrepresentable, por así decirlo, el posmodernismo sublime". En cambio, ve a Fluxus como un importante fenómeno neo-dadaísta dentro de la tradición de vanguardia. No representó un avance importante en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque expresó una rebelión contra "la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió de apoyo ideológico a la Guerra Fría ".

Música popular de vanguardia

Durante las décadas de 1960 y 1970, el cantautor de The Beatles , John Lennon, se desarrolló en líneas similares, creando varios efectos musicales modernistas en varios álbumes, y músicos de rock de vanguardia como Frank Zappa , Syd Barrett , The Residents y Captain Beefheart demostraron ser aún más experimentales. . En Gran Bretaña, surgió una subcultura juvenil autodenominada "Modernista", influenciada por el estadounidense Bob Dylan , el canadiense Neil Young , el estadounidense Lou Reed , la banda de rock estadounidense The Doors , los británicos The Rolling Stones y la cantautora estadounidense Patti Smith , quienes combinaron tradiciones musicales populares con verso modernista, adoptando recursos literarios derivados de William Blake , Allen Ginsberg y otros.

Periodo tardío

Brice Marden , Vine , 1992–93, óleo sobre lienzo, 240 por 260 cm (8 por 8 + 1 2  pies), Museo de Arte Moderno de Nueva York

La continuación del expresionismo abstracto , la pintura de campos de color , abstracción lírica , la abstracción geométrica , el minimalismo , ilusionismo abstracto , arte proceso , pop art , postminimalismo , y otros movimientos modernistas de finales del siglo 20, tanto en la pintura y la escultura continuó a través de la primera década del 21 siglo y constituyen nuevas direcciones radicales en esos medios.

A principios del siglo XXI, artistas consagrados como Sir Anthony Caro , Lucian Freud , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Agnes Martin , Al Held , Ellsworth Kelly , Helen Frankenthaler , Frank Stella , Kenneth Noland , Jules Olitski , Claes Oldenburg , Jim Dine , James Rosenquist , Alex Katz , Philip Pearlstein y artistas más jóvenes como Brice Marden , Chuck Close , Sam Gilliam , Isaac Witkin , Sean Scully , Mahirwan Mamtani , Joseph Nechvatal , Elizabeth Murray , Larry Poons , Richard Serra , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Joel Shapiro , Tom Otterness , Joan Snyder , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile y otros continuaron produciendo pinturas y esculturas vitales e influyentes.

Modernismo en África y Asia

Peter Kalliney sugiere que "los conceptos modernistas, especialmente la autonomía estética, fueron fundamentales para la literatura de la descolonización en el África anglófona". En su opinión, Rajat Neogy , Christopher Okigbo y Wole Soyinka , estuvieron entre los escritores que "reutilizaron las versiones modernistas de la autonomía estética para declarar su libertad de la esclavitud colonial, de los sistemas de discriminación racial e incluso del nuevo estado poscolonial".

Los términos "modernismo" y "modernista", según el académico William J. Tyler, "sólo recientemente se han convertido en parte del discurso estándar en inglés sobre la literatura japonesa moderna y siguen existiendo dudas sobre su autenticidad frente al modernismo europeo occidental". Tyler encuentra esto extraño, dada "la prosa decididamente moderna" de "escritores japoneses tan conocidos como Kawabata Yasunari , Nagai Kafu y Jun'ichirō Tanizaki ". Sin embargo, "los estudiosos de las artes plásticas y visuales, la arquitectura y la poesía adoptaron" modanizumu "como un concepto clave para describir y analizar la cultura japonesa en las décadas de 1920 y 1930". En 1924, varios jóvenes escritores japoneses, incluidos Kawabata y Riichi Yokomitsu, iniciaron una revista literaria Bungei Jidai ("La era artística"). Esta revista fue "parte de un movimiento de ' arte por el arte ', influenciado por el cubismo europeo, el expresionismo, el dadaísmo y otros estilos modernistas".

El arquitecto modernista japonés Kenzō Tange (1913-2005) fue uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, combinó los estilos tradicionales japoneses con el modernismo y diseñó edificios importantes en los cinco continentes. Tange también fue un mecenas influyente del movimiento metabolista . Dijo: "Fue, creo, alrededor de 1959 o principios de los años sesenta que comencé a pensar en lo que luego llamaría estructuralismo ". Desde muy temprana edad fue influenciado por el modernista suizo, Le Corbusier , Tange. ganó reconocimiento internacional en 1949 cuando ganó el concurso para el diseño del Parque Conmemorativo de la Paz de Hiroshima .

En China, los " nuevos sensacionistas " (新 感觉 派, Xīn Gǎnjué Pài) eran un grupo de escritores afincados en Shanghai que en las décadas de 1930 y 1940 fueron influenciados, en diversos grados, por el modernismo occidental y japonés. Escribieron ficción más preocupada por el inconsciente y la estética que por la política o los problemas sociales. Entre estos escritores estaban Mu Shiying , Liu Na'ou y Shi Zhecun .

En India, el Progressive Artists 'Group era un grupo de artistas modernos , principalmente con sede en Mumbai , India , formado en 1947. Aunque carecía de un estilo particular, sintetizaba el arte indio con influencias europeas y norteamericanas de la primera mitad del siglo XX. , incluido el posimpresionismo, el cubismo y el expresionismo.

Diferencias entre modernismo y posmodernismo

A principios de la década de 1980, el movimiento posmoderno en el arte y la arquitectura comenzó a afianzarse a través de varios formatos conceptuales e intermedios . El posmodernismo en la música y la literatura comenzó a afianzarse antes. En música, el posmodernismo se describe en una obra de referencia como un "término introducido en la década de 1970", mientras que en la literatura británica, The Oxford Encyclopedia of British Literature ve el modernismo "cediendo su predominio al posmodernismo" ya en 1939. Sin embargo, las fechas son muy discutible, especialmente según Andreas Huyssen : "el posmodernismo de un crítico es el modernismo de otro crítico". Esto incluye a aquellos que son críticos con la división entre los dos y los ven como dos aspectos del mismo movimiento, y creen que el Modernismo tardío continúa.

El modernismo es una etiqueta que abarca una amplia variedad de movimientos culturales. El posmodernismo es esencialmente un movimiento centralizado que se nombró a sí mismo, basado en la teoría sociopolítica, aunque el término ahora se usa en un sentido más amplio para referirse a actividades desde el siglo XX en adelante que exhiben conciencia y reinterpretan lo moderno.

La teoría posmoderna afirma que el intento de canonizar el modernismo "a posteriori" está condenado a contradicciones indiscutibles.

En un sentido más estricto, lo que era modernista no era necesariamente también posmoderno. Aquellos elementos del Modernismo que acentuaron los beneficios de la racionalidad y el progreso socio-tecnológico fueron solo modernistas.

Ataque y crítica al modernismo

Franz Marc , El destino de los animales , 1913, óleo sobre lienzo. La obra se exhibió en la exposición de "Entartete Kunst" ("arte degenerado") en Munich , Alemania nazi , 1937.

El énfasis del modernismo en la libertad de expresión , experimentación, radicalismo y primitivismo ignora las expectativas convencionales. En muchas formas de arte, esto a menudo significaba audiencias asombrosas y alienantes con efectos extraños e impredecibles, como en las extrañas y perturbadoras combinaciones de motivos del surrealismo o el uso de la disonancia y atonalidad extremas en la música modernista. En literatura, esto a menudo implicaba el rechazo de tramas inteligibles o la caracterización en novelas, o la creación de poesía que desafiaba una interpretación clara.

A partir de 1932, el realismo socialista comenzó a derrocar al Modernismo en la Unión Soviética; anteriormente había respaldado el futurismo y el constructivismo . El gobierno nazi de Alemania consideró al modernismo narcisista y sin sentido, así como "judío" (ver Antisemitismo ) y "negro". Los nazis exhibieron pinturas modernistas junto con obras de enfermos mentales en una exposición titulada " Arte degenerado ". Las acusaciones de "formalismo" podrían llevar al final de una carrera, o algo peor. Por eso muchos modernistas de la generación de posguerra se sentían como el baluarte más importante contra el totalitarismo, el " canario en la mina de carbón ", cuya represión por parte de un gobierno u otro grupo con supuesta autoridad representaba una advertencia de que las libertades individuales estaban siendo amenazadas. Louis A. Sass comparó la locura, específicamente la esquizofrenia , y el modernismo de una manera menos fascista al señalar sus narrativas disyuntivas, imágenes surrealistas e incoherencia compartidas.

De hecho, el modernismo floreció principalmente en las sociedades consumistas / capitalistas, a pesar de que sus defensores a menudo rechazaban el consumismo mismo. Sin embargo, el alto modernismo comenzó a fusionarse con la cultura de consumo después de la Segunda Guerra Mundial, especialmente durante la década de 1960. Los dispositivos modernistas también comenzaron a aparecer en el cine popular y más tarde en los videos musicales. El diseño modernista también comenzó a ingresar a la corriente principal de la cultura popular, a medida que las formas simplificadas y estilizadas se hicieron populares, a menudo asociadas con los sueños de un futuro de alta tecnología en la era espacial .

Janet Bennett publicó Modernity and Its Critics de The Oxford Handooks. La fusión de versiones de consumo y altas de la cultura modernista condujo a una transformación radical del significado del "modernismo". Primero, implicaba que un movimiento basado en el rechazo de la tradición se había convertido en una tradición propia. En segundo lugar, demostró que la distinción entre cultura modernista de élite y cultura consumista de masas había perdido su precisión. El modernismo se había institucionalizado tanto que ahora era "post-vanguardista", lo que indica que había perdido su poder como movimiento revolucionario. Muchos han interpretado esta transformación como el inicio de la fase que se conoció como posmodernismo . Para otros, como el crítico de arte Robert Hughes , el posmodernismo representa una extensión del modernismo.

Los movimientos "antimodernos" o "contramodernos" buscan enfatizar el holismo , la conexión y la espiritualidad como remedios o antídotos para el modernismo. Tales movimientos ven el modernismo como reduccionista y, por lo tanto, sujeto a la incapacidad de ver efectos sistémicos y emergentes .

Algunos artistas tradicionalistas como Alexander Stoddart rechazan el modernismo en general como el producto de "una época de dinero falso aliado con cultura falsa".

En algunos campos, los efectos del modernismo se han mantenido más fuertes y persistentes que en otros. El arte visual ha hecho la ruptura más completa con su pasado. La mayoría de las capitales importantes tienen museos dedicados al arte moderno a diferencia del arte posterior al Renacimiento (c. 1400 a c. 1900). Los ejemplos incluyen el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Tate Modern de Londres y el Centro Pompidou de París. Estas galerías no hacen distinción entre las fases modernista y posmodernista, considerando ambas como desarrollos dentro del arte moderno.

Ver también

Notas al pie

Referencias

Fuentes

Otras lecturas

enlaces externos