Les Demoiselles d'Avignon -Les Demoiselles d'Avignon

Les Demoiselles d'Avignon
Inglés: Las damas de Aviñón
Artista	Pablo Picasso
Año	1907
Medio	Óleo sobre lienzo
Movimiento	Proto-cubismo
Dimensiones	243,9 cm × 233,7 cm (96 pulgadas × 92 pulgadas)
Localización	Museo de Arte Moderno . Adquirido a través del legado de Lillie P. Bliss , ciudad de Nueva York

Les Demoiselles d'Avignon ( Las señoritas de Aviñón , originalmente titulado El burdel de Aviñón ) es una gran pintura al óleo creada en 1907 por el artista español Pablo Picasso . La obra, que forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno , retrata a cinco prostitutas desnudasen un burdel de la calle d'Avinyó, una calle de Barcelona . Cada figura está representada de una manera desconcertante y conflictiva y ninguna es convencionalmente femenina . Las mujeres parecen un poco amenazadoras y están representadas con formas corporales angulosas e inconexas. La figura de la izquierda exhibe rasgos faciales y vestimenta de estilo egipcio o del sur de Asia. Las dos figuras adyacentes se muestran en elestilo ibérico de la España natal de Picasso, mientras que las dos de la derecha se muestran concaracterísticas similares a máscaras africanas . El primitivismo étnicoevocado en estas máscaras, según Picasso, lo movió a "liberar un estilo artístico absolutamente original de fuerza irresistible, incluso salvaje".

En esta adaptación del primitivismo y el abandono de la perspectiva en favor de un plano pictórico plano y bidimensional , Picasso se aparta radicalmente de la pintura tradicional europea. Esta obra protocubista se considera fundamentalmente fundamental en el desarrollo temprano tanto del cubismo como del arte moderno .

Les Demoiselles fue revolucionaria y controvertida y provocó una ira y un desacuerdo generalizados, incluso entre los socios y amigos más cercanos del pintor. Matisse consideró la obra como una broma de mal gusto, pero reaccionó indirectamente en su Bañistas con una tortuga de 1908 . A Georges Braque también le disgustó inicialmente la pintura, pero quizás más que a nadie, estudió la obra con gran detalle. Su posterior amistad y colaboración con Picasso condujo a la revolución cubista. Su parecido con Cézanne 's los bañistas , Paul Gauguin ' s estatua Oviri y El Greco 's Apertura del quinto sello ha sido ampliamente discutido por críticos posteriores.

En el momento de su primera exposición en 1916, la pintura se consideró inmoral. La obra, pintada en el estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir de Montmartre , París, fue vista públicamente por primera vez en el Salon d'Antin en julio de 1916, en una exposición organizada por el poeta André Salmon . Fue en esta exposición que Salmon (que anteriormente había titulado la pintura en 1912 Le bordel philosophique ) cambió el nombre de la obra a su título actual, menos escandaloso, Les Demoiselles d'Avignon , en lugar del título elegido originalmente por Picasso, Le Bordel d'Avignon. . A Picasso, que siempre se refirió a él como mon bordel ("mi burdel"), o Le Bordel d'Avignon , nunca le gustó el título de Salmon y en su lugar habría preferido la bowdlerization Las chicas de Avignon ("Las chicas de Avignon").

Antecedentes y desarrollo

Paul Cézanne , bañista, 1885–1887, Museo de Arte Moderno , anteriormente colección Lillie P. Bliss

Picasso se convirtió en un artista importante durante la primera década del siglo XX. Llegó a París desde España a principios de siglo como un pintor joven y ambicioso que quería hacerse un nombre. Durante varios años alternó entre vivir y trabajar en Barcelona, ​​Madrid y el campo español, y realizó frecuentes viajes a París.

En 1904, estaba completamente establecido en París y había establecido varios estudios, relaciones importantes tanto con amigos como con colegas. Entre 1901 y 1904, Picasso comenzó a obtener reconocimiento por sus pinturas del Período Azul . En su mayoría, se trataba de estudios sobre la pobreza y la desesperación basados ​​en escenas que había visto en España y París a principios de siglo. Los sujetos incluyeron familias demacradas, figuras ciegas y encuentros personales; otras pinturas representaban a sus amigos, pero la mayoría reflejaba y expresaba una sensación de azul y desesperación.

El Greco , San Martín y el mendigo , c. 1597-1600, Instituto de Arte de Chicago

Pablo Picasso, niño guiando un caballo 1905-06, Museo de Arte Moderno

La obra maestra del período de las rosas de Picasso, El niño guiando un caballo , recuerda las pinturas de Paul Cézanne y El Greco , quienes influyeron mucho en Les Demoiselles d'Avignon

Siguió su éxito desarrollándose en su Período Rosa de 1904 a 1907, que introdujo un fuerte elemento de sensualidad y sexualidad en su trabajo. Las representaciones del período Rosa de acróbatas, artistas de circo y personajes teatrales se representan en colores más cálidos y brillantes y son mucho más esperanzadoras y alegres en sus representaciones de la vida bohemia en la vanguardia parisina y sus alrededores. El período Rosa produjo dos grandes obras maestras importantes: Familia de Saltimbanques (1905), que recuerda la obra de Gustave Courbet (1819-1877) y Édouard Manet (1832-1883); y El niño con caballo (1905-1906), que recuerda Cézanne 's bañista (1885-1887) y El Greco ' s San Martín y el mendigo (1597 a 1599). Si bien ya tenía muchos seguidores a mediados de 1906, Picasso disfrutó de un mayor éxito con sus pinturas de enormes mujeres desnudas de gran tamaño, figuras escultóricas monumentales que recordaban el trabajo de Paul Gauguin y mostraban su interés por los primitivos (africanos, micronesios , nativos americanos ). Arte. Comenzó a exhibir su trabajo en las galerías de Berthe Weill (1865-1951) y Ambroise Vollard (1866-1939), ganando rápidamente una reputación creciente y un seguimiento entre las comunidades artísticas de Montmartre y Montparnasse .

Picasso se convirtió en el favorito de los coleccionistas de arte estadounidenses Gertrude Stein y su hermano Leo alrededor de 1905. El hermano mayor de los Stein, Michael, y su esposa Sarah también se convirtieron en coleccionistas de su trabajo. Picasso pintó retratos tanto de Gertrude Stein como de su sobrino Allan Stein .

Gertrude Stein comenzó a adquirir los dibujos y pinturas de Picasso y a exhibirlos en su Salón informal en su casa en París. En una de sus reuniones en 1905 conoció a Henri Matisse (1869-1954), quien se convertiría en aquellos días en su principal rival, aunque en años posteriores un amigo cercano. Los Stein presentaron a Picasso a Claribel Cone (1864-1929) ya su hermana Etta Cone (1870-1949), también coleccionistas de arte estadounidenses, que comenzaron a adquirir las pinturas de Picasso y Matisse. Finalmente, Leo Stein se mudó a Italia, y Michael y Sarah Stein se convirtieron en importantes mecenas de Matisse, mientras que Gertrude Stein continuó coleccionando a Picasso.

Rivalidad con Matisse

Henri Matisse , Le bonheur de vivre (1905–06), óleo sobre lienzo, 175 × 241 cm. Fundación Barnes , Merion, PA . Una pintura que se llamaba fauvista y que trajo a Matisse tanto la burla pública como la notoriedad. Hilton Kramer escribió: "debido a su largo secuestro en la colección de la Fundación Barnes, que nunca permitió su reproducción en color, es la menos conocida de las obras maestras modernas. Sin embargo, esta pintura fue la respuesta del propio Matisse a la hostilidad que su obra había encontrado en el Salón de Otoño de 1905 ".

Henri Rousseau , El león hambriento se lanza sobre el antílope , 1905, fue la razón del término fauvismo y la original "Bestia salvaje".

El Salón de Otoño de 1905 trajo notoriedad y atención a las obras de Henri Matisse y el grupo Les Fauves . Este último ganó su nombre después de que el crítico Louis Vauxcelles describiera su trabajo con la frase " Donatello chez les fauves" ("Donatello entre las bestias salvajes"), contrastando las pinturas con una escultura de tipo renacentista que compartía la habitación con ellos. Henri Rousseau (1844-1910), un artista a quien Picasso conocía y admiraba y que no era un fauve, tenía su gran escena de la jungla El león hambriento se arroja sobre el antílope también colgada cerca de las obras de Matisse y que puede haber tenido una influencia en el particular término sarcástico utilizado en la prensa. El comentario de Vauxcelles se publicó el 17 de octubre de 1905 en el diario Gil Blas y pasó a ser de uso popular.

Aunque las imágenes fueron ampliamente ridiculizadas — "Se ha arrojado un bote de pintura a la cara del público", declaró la crítica Camille Mauclair (1872-1945), también atrajeron cierta atención favorable. La pintura que recibió más ataques fue La mujer con sombrero de Matisse ; La compra de esta obra por parte de Gertrude y Leo Stein tuvo un efecto muy positivo en Matisse, quien sufría la desmoralización por la mala recepción de su obra.

Henri Matisse , Desnudo azul (Souvenir de Biskra) , 1907, 92 × 140 cm, Museo de Arte de Baltimore . Una de las pinturas que causaron sensación internacional en el Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York.

La notoriedad y preeminencia de Matisse como líder del nuevo movimiento en la pintura moderna continuó creciendo a lo largo de 1906 y 1907, y Matisse atrajo a muchos artistas como Georges Braque (1880-1963), André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck ( 1876-1958). La obra de Picasso había pasado por su período Azul y su período Rosa y, aunque tenía muchos seguidores, su reputación era dócil en comparación con su rival Matisse. El tema más amplio del influyente Le bonheur de vivre de Matisse , una exploración de "La Edad de Oro", evoca el tema histórico de las "Edades del Hombre" y los potenciales de una nueva era provocadora que ofrecía la era del siglo XX. Una pintura igualmente audaz, con un tema similar, titulada La Edad de Oro , completada por Derain en 1905, muestra la transferencia de las edades humanas de una manera aún más directa.

Matisse y Derain conmocionaron al público francés nuevamente en la Société des Artistes Indépendants de marzo de 1907 cuando Matisse exhibió su pintura Blue Nude y Derain contribuyó con The Bathers . Ambas pinturas evocan ideas sobre los orígenes humanos (orígenes del mundo, evolución), un tema cada vez más importante en París en este momento. The Blue Nude fue una de las pinturas que más tarde crearía una sensación internacional en el Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York.

Desde octubre de 1906, cuando comenzó los trabajos preparatorios de Les Demoiselles d'Avignon , hasta su finalización en marzo de 1907, Picasso competía con Matisse para ser percibido como el líder de la pintura moderna. Tras su finalización, la conmoción y el impacto de la pintura impulsaron a Picasso al centro de la controversia y casi sacaron a Matisse y al fauvismo del mapa, poniendo fin al movimiento prácticamente al año siguiente. En 1907, Picasso se unió a la galería de arte que Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) había abierto recientemente en París . Kahnweiler fue un historiador y coleccionista de arte alemán que se convirtió en uno de los principales marchantes de arte franceses del siglo XX. Se hizo prominente en París a partir de 1907 por estar entre los primeros campeones de Picasso, y especialmente su pintura Les Demoiselles d'Avignon . Antes de 1910, Picasso ya estaba siendo reconocido como uno de los líderes importantes del arte moderno junto a Henri Matisse, que había sido el líder indiscutible del fauvismo y que era más de diez años mayor que él, y sus contemporáneos el fauvista André Derain y el ex fauvista. y su compañero cubista , Georges Braque .

En su ensayo de 1992 Reflexiones sobre Matisse , el crítico de arte Hilton Kramer escribió:

Sin embargo, después del impacto de Les Demoiselles d'Avignon , Matisse nunca más fue confundido con un incendiario de vanguardia. Con la pintura extraña que horrorizó y electrificó a los cognoscenti , que entendieron que Les Demoiselles era a la vez una respuesta a Le bonheur de vivre (1905-1906) de Matisse y un asalto a la tradición de la que derivaba, Picasso se apropió efectivamente del papel de vanguardia. -garde bestia salvaje -un papel que, en lo que a la opinión pública se refiere, nunca renunciaría.

Kramer continúa diciendo:

Mientras que Matisse se había inspirado en una larga tradición de la pintura europea —desde Giorgione , Poussin y Watteau hasta Ingres , Cézanne y Gauguin— para crear una versión moderna de un paraíso pastoral en Le bonheur de vivre , Picasso había recurrido a una tradición extraña de arte primitivo para crear en Les Demoiselles un inframundo de dioses extraños y emociones violentas. En cuanto a las ninfas mitológicas de Le bonheur de vivre y las grotescas efigies de Les Demoiselles, no había duda de cuál era la más impactante o la más espeluznante. Picasso había desatado una vena de sentimiento que iba a tener inmensas consecuencias para el arte y la cultura de la era moderna, mientras que la ambición de Matisse llegaba a parecer, como decía en sus Notas de pintor, más limitada , es decir, limitada al ámbito de lo artístico. placer estético. Se abrió así, en la primera década del siglo y en la obra de sus dos más grandes artistas, el abismo que ha seguido dividiendo el arte de la era moderna hasta nuestros días.

Influencias

Picasso creó cientos de bocetos y estudios en preparación para el trabajo final. Reconoció durante mucho tiempo la importancia del arte español y la escultura ibérica como influencias en la pintura. Los críticos creen que la obra está influenciada por las máscaras tribales africanas y el arte de Oceanía , aunque Picasso negó la conexión; muchos historiadores del arte siguen siendo escépticos sobre sus negaciones. Picasso pasó una noche de octubre de 1906 estudiando de cerca una figura de Teke del Congo que entonces era propiedad de Matisse. Fue más tarde esa noche cuando se crearon los primeros estudios de Picasso para lo que se convertiría en Les Demoiselles d'Avignon . Varios expertos sostienen que, como mínimo, Picasso visitó el Musée d'Ethnographie du Trocadéro (más tarde conocido como Musée de l'Homme ) en la primavera de 1907, donde vio y buscó inspiración en las artes africanas y otras poco antes de completar Les Demoiselles. Había venido a este museo originalmente para estudiar moldes de yeso de esculturas medievales, luego también consideró ejemplos de arte "primitivo".

El Greco

El Greco , La apertura del quinto sello , 1608-1614

Pablo Picasso, Nus ( Desnudos ), 1905, grafito sobre papel

Las pinturas de El Greco, como esta Visión apocalíptica de San Juan, se han sugerido como fuente de inspiración para Picasso que conduce a Les Demoiselles d 'Avignon .

En 1907, cuando Picasso comenzó a trabajar en Les Demoiselles , uno de los viejos maestros pintores que admiraba mucho era El Greco (1541-1614), que en ese momento era en gran parte oscuro y poco apreciado. El amigo de Picasso, Ignacio Zuloaga (1870-1945), adquirió la obra maestra de El Greco, La apertura del quinto sello , en 1897 por 1000 pesetas . La relación entre Les Demoiselles d'Avignon y la Apertura del Quinto Sello se concretó a principios de la década de 1980, cuando se analizaron las similitudes estilísticas y la relación entre los motivos y las cualidades de identificación visual de ambas obras.

La pintura de El Greco, que Picasso estudió repetidamente en la casa de Zuloaga, inspiró no solo el tamaño, el formato y la composición de Les Demoiselles d'Avignon , sino también su poder apocalíptico. Más tarde, hablando de la obra a Dor de la Souchère en Antibes, Picasso dijo: "En cualquier caso, sólo cuenta la ejecución. Desde este punto de vista, es correcto decir que el cubismo tiene origen español y que yo inventé el cubismo. Hay que buscar la influencia española en Cézanne. Las cosas mismas lo necesitan, la influencia de El Greco, un pintor veneciano, en él. Pero su estructura es cubista ".

También se ha discutido la relación del cuadro con otros retratos colectivos de tradición occidental, como Diana y Calisto de Tiziano (1488-1576), y el mismo tema de Rubens (1577-1640), en el Prado .

Cézanne y el cubismo

Paul Cézanne 's Les Grandes Baigneuses (1906, óleo sobre lienzo, 210,5 x 250,8 cm., 82 7 / 8 × 98 3 / 4 pulgadas, Philadelphia Museum of Art ) generalmente se cree ser una inspiración probable para Les Demoiselles .

Tanto Paul Gauguin (1848-1903) como Paul Cézanne (1839-1906) recibieron importantes exposiciones retrospectivas póstumas en el Salon d'Automne de París entre 1903 y 1907, y ambos fueron importantes influencias en Picasso y fueron fundamentales para la creación de Les Demoiselles. . Según el historiador de arte inglés, coleccionista y autor de The Cubist Epoch , Douglas Cooper , ambos artistas fueron particularmente influyentes en la formación del cubismo y especialmente importantes para las pinturas de Picasso durante 1906 y 1907. Cooper continúa diciendo, sin embargo, Les A las Demoiselles se las suele denominar erróneamente la primera pintura cubista. El explica,

Las Demoiselles se conocen generalmente como el primer cuadro cubista. Esto es una exageración, porque aunque fue un primer paso importante hacia el cubismo, todavía no es cubista. El elemento disruptivo y expresionista en él es incluso contrario al espíritu del cubismo, que miraba el mundo con un espíritu realista y distante. Sin embargo, las Demoiselles es el cuadro lógico para tomar como punto de partida del cubismo, porque marca el nacimiento de un nuevo lenguaje pictórico, porque en él Picasso volcó violentamente las convenciones establecidas y porque todo lo que siguió surgió de él.

Aunque no era muy conocida por el público en general antes de 1906, la reputación de Cézanne fue muy apreciada en los círculos de vanguardia , como lo demuestra el interés de Ambroise Vollard por mostrar y coleccionar su obra, y el interés de Leo Stein . Picasso estaba familiarizado con gran parte del trabajo de Cézanne que vio en la galería de Vollard y en la de Stein. Después de la muerte de Cézanne en 1906, sus pinturas se exhibieron en París en una retrospectiva de museo a gran escala en septiembre de 1907. La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salon d'Automne tuvo un gran impacto en la dirección que tomó la vanguardia en París, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y hasta el advenimiento del cubismo. La exposición de Cézanne de 1907 fue enormemente influyente en el establecimiento de Cézanne como un pintor importante cuyas ideas fueron particularmente resonantes, especialmente para los artistas jóvenes de París.

Tanto Picasso como Braque encontraron la inspiración para sus obras proto-cubistas en Paul Cézanne, quien dijo observar y aprender a ver y tratar la naturaleza como si estuviera compuesta de formas básicas como cubos, esferas, cilindros y conos. Las exploraciones de Cézanne de la simplificación geométrica y los fenómenos ópticos inspiraron a Picasso , Braque , Metzinger , Gleizes , Robert Delaunay , Le Fauconnier , Gris y otros a experimentar con múltiples visiones cada vez más complejas del mismo tema y, finalmente, a la fractura de la forma. Cézanne desencadenó así una de las áreas de investigación artística más revolucionarias del siglo XX, que afectaría profundamente el desarrollo del arte moderno .

Gauguin y primitivismo

Paul Gauguin , La luna y la tierra (Hina tefatou) , (1893), Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York

Gauguin, 1894, Oviri (Sauvage), gres parcialmente vidriado, 75 × 19 × 27 cm, Musée d'Orsay , París

Las pinturas de Pablo Picasso de figuras monumentales de 1906 fueron influenciadas directamente por Gauguin. El poder salvaje evocado por la obra de Gauguin condujo directamente a Les Demoiselles en 1907.

Durante finales del siglo XIX y principios del XX, la élite cultural europea descubrió el arte africano , oceánico y nativo americano . Artistas como Paul Gauguin , Henri Matisse y Picasso se sintieron intrigados e inspirados por el poder absoluto y la simplicidad de los estilos de esas culturas. Alrededor de 1906, Picasso, Matisse, Derain y otros artistas de París se habían interesado por el primitivismo, la escultura ibérica , el arte africano y las máscaras tribales , en parte debido a las convincentes obras de Paul Gauguin que repentinamente habían alcanzado el centro del escenario en la vanguardia. círculos de París. Las poderosas exposiciones retrospectivas póstumas de Gauguin en el Salon d'Automne de París en 1903 y una aún más grande en 1906 tuvieron una influencia impresionante y poderosa en las pinturas de Picasso.

En el otoño de 1906, Picasso siguió sus éxitos anteriores con pinturas de mujeres desnudas de gran tamaño y figuras escultóricas monumentales que recordaban la obra de Paul Gauguin y mostraban su interés por el arte primitivo. Las pinturas de grandes figuras de Pablo Picasso de 1906 fueron influenciadas directamente por la escultura, la pintura y también su escritura de Gauguin. El poder salvaje evocado por la obra de Gauguin condujo directamente a Les Demoiselles en 1907.

Según el biógrafo de Gauguin, David Sweetman , Pablo Picasso ya en 1902 se convirtió en un aficionado del trabajo de Gauguin cuando conoció y se hizo amigo del escultor y ceramista español expatriado Paco Durrio , en París. Durrio tenía a mano varias de las obras de Gauguin porque era amigo de Gauguin y un agente no remunerado de su trabajo. Durrio trató de ayudar a su amigo pobre en Tahití promocionando su obra en París. Después de que se conocieron, Durrio presentó a Picasso el gres de Gauguin, ayudó a Picasso a hacer algunas piezas de cerámica y le dio a Picasso una primera edición La Plume de Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin.

Con respecto al impacto de Gauguin en Picasso, el historiador del arte John Richardson escribió:

La exposición de 1906 de la obra de Gauguin dejó a Picasso más que nunca esclavizado por este artista. Gauguin demostró que los tipos de arte más dispares —por no hablar de elementos de la metafísica, la etnología, el simbolismo, la Biblia, los mitos clásicos y mucho más— podían combinarse en una síntesis que era de su tiempo pero atemporal. Un artista también podría confundir las nociones convencionales de belleza, demostró, al conectar sus demonios con los dioses oscuros (no necesariamente los de Tahití) y aprovechar una nueva fuente de energía divina. Si en años posteriores Picasso restó importancia a su deuda con Gauguin, no hay duda de que entre 1905 y 1907 sintió un parentesco muy estrecho con este otro Paul, que se enorgullecía de los genes españoles heredados de su abuela peruana. ¿No se había firmado Picasso a sí mismo como 'Paul' en honor a Gauguin?

Tanto David Sweetman como John Richardson señalan al Oviri de Gauguin (que literalmente significa "salvaje"), una espantosa representación fálica de la diosa tahitiana de la vida y la muerte destinada a la tumba de Gauguin. Exhibido por primera vez en la retrospectiva de 1906, probablemente fue una influencia directa en Les Demoiselles. Sweetman escribe,

La estatua Oviri de Gauguin , que se exhibió de manera prominente en 1906, debía estimular el interés de Picasso por la escultura y la cerámica, mientras que las xilografías reforzarían su interés por la impresión, aunque fue el elemento primitivo en todos ellos lo que más condicionó la dirección que tomaría el arte de Picasso. Este interés culminaría en el seminal Les Demoiselles d'Avignon .

Según Richardson,

El interés de Picasso por el gres se vio estimulado aún más por los ejemplos que vio en la retrospectiva de Gauguin de 1906 en el Salon d'Automne. La más inquietante de esas cerámicas (una que Picasso ya podría haber visto en Vollard's) fue la espantosa Oviri. Hasta 1987, cuando el Musée d'Orsay adquirió esta obra poco conocida (expuesta una sola vez desde 1906) nunca había sido reconocida como la obra maestra que es, y mucho menos reconocida por su relevancia para las obras previas a las Demoiselles. Aunque tiene poco menos de 30 pulgadas de alto, Oviri tiene una presencia impresionante, como corresponde a un monumento destinado a la tumba de Gauguin. Picasso quedó muy impresionado por Oviri. 50 años después, se alegró mucho cuando [Douglas] Cooper y yo le dijimos que habíamos encontrado esta escultura en una colección que también incluía el yeso original de su cabeza cubista. ¿Ha sido una revelación, como la escultura ibérica? El encogimiento de hombros de Picasso fue afirmativo a regañadientes. Siempre fue reacio a admitir el papel de Gauguin en ponerlo en el camino del primitivismo.

Arte africano e ibérico

Músico femenino del "Relieve de Osuna ", Ibérico, ca. 200 aC

Escultura femenina ibérica del siglo III o II a.C.

Este estilo influyó en Les Demoiselles d'Avignon .

Durante los siglos XIX y XX, la colonización europea de África dio lugar a muchos encuentros económicos, sociales, políticos e incluso artísticos. A partir de estos encuentros, los artistas visuales occidentales se interesaron cada vez más en las formas únicas del arte africano, en particular las máscaras de la región de Níger-Congo. En un ensayo de Dennis Duerden, autor de African Art (1968), The Invisible Present (1972) y ex director del BBC World Service , la máscara se define como "muy a menudo un tocado completo y no solo esa parte que oculta el rostro ". Esta forma de arte visual e imagen atrajo a los artistas visuales occidentales, lo que llevó a lo que Duerden llama el "descubrimiento" del arte africano por parte de los practicantes occidentales, incluido Picasso.

Máscara de colmillo africano similar en estilo a las que vio Picasso en París justo antes de pintar Les Demoiselles d'Avignon

Las fuentes estilísticas de las cabezas de las mujeres y su grado de influencia han sido muy discutidas y debatidas, en particular la influencia de las máscaras tribales africanas , el arte de Oceanía y las esculturas ibéricas prerromanas . Los contornos redondeados de los rasgos de las tres mujeres de la izquierda pueden relacionarse con la escultura ibérica, pero no obviamente los planos fragmentados de las dos de la derecha, que sí parecen influenciados por máscaras africanas. Lawrence Weschler dice que,

En muchos sentidos, gran parte del fermento cultural e incluso científico en descomposición que caracterizó la primera década y media del siglo XX y que sentó las bases de gran parte de lo que hoy consideramos moderno se remonta a las formas en que Europa ya estaba luchando. con su conocimiento de mala fe, a menudo enérgicamente reprimido, de lo que había estado haciendo en África. El ejemplo de Picasso lanzando virtualmente el cubismo con sus Desmoiselles d'Avignon de 1907 , en respuesta al tipo de máscaras africanas y otros botines coloniales que encontró en el Musée de l'Homme de París, es obvio.

Máscaras del Congo publicadas por Leo Frobenius en su libro de 1898 Die Masken und Geheimbunde Afrika

También fueron importantes las colecciones privadas y los libros ilustrados que presentaban arte africano en este período. Mientras que Picasso negó enfáticamente la influencia de las máscaras africanas en la pintura: "¿Arte africano? ¡Nunca he oído hablar de él!" ( L'art nègre? Connais pas! ), Esto se contradice con su profundo interés en las esculturas africanas propiedad de Matisse y su amigo íntimo Guiliaume Apollinaire . Dado que ninguna de las máscaras africanas que alguna vez se pensó que habían influido en Picasso en esta pintura estaba disponible en París en el momento en que se pintó la obra, ahora se cree que estudió las formas de las máscaras africanas en un volumen ilustrado por el antropólogo Leo Frobenius . El primitivismo continúa en su obra durante, antes y después de la pintura de Les Demoiselles d'Avignon, desde la primavera de 1906 hasta la primavera de 1907. También son importantes las influencias de la escultura antigua ibérica. Algunos relieves ibéricos de Osuna , entonces recién excavados, se exhibieron en el Louvre desde 1904. También se ha reivindicado como influencia la escultura griega arcaica .

La influencia de la escultura africana se convirtió en un problema en 1939, cuando Alfred Barr afirmó que el primitivismo de las Demoiselles derivaba del arte de Côte d'Ivoire y el Congo francés. Picasso insistió en que el editor de su catálogo raissonne , Christian Zervos , publicara un descargo de responsabilidad: las Demoiselles , dijo, no le debían nada al arte africano , todo a los relieves de Osuna que había visto en el Louvre un año antes. No obstante, se sabe que vio máscaras tribales africanas mientras trabajaba en la pintura, durante una visita al Museo Etnográfico del Trocadero con André Malraux en marzo de 1907, sobre lo que luego dijo: "Cuando fui al Trocadero, fue repugnante". . El mercadillo, el olor. Estaba solo. Quería irme, pero no me fui. Me quedé, me quedé. Comprendí que era muy importante. Algo me estaba pasando, verdad. Las máscaras no eran como ninguna otra escultura, en absoluto. Eran cosas mágicas ". A Maurice de Vlaminck se le atribuye a menudo la introducción de Picasso a la escultura africana de origen Fang en 1904.

El biógrafo de Picasso, John Richardson, relata en A Life of Picasso, The Cubist Rebel 1907-1916, el recuerdo del marchante de arte Daniel-Henry Kahnweiler de su primera visita al estudio de Picasso en julio de 1907. Kahnweiler recuerda haber visto "pilas de lienzos polvorientos" en el estudio de Picasso y "Esculturas africanas de majestuosa severidad". Richardson comenta: "tanto para la historia de Picasso que aún no conocía el arte tribal ". En la página 27 de ese mismo volumen se encuentra una fotografía de Picasso en su estudio rodeado de esculturas africanas hacia 1908.

Suzanne Preston Blier dice que, al igual que Gauguin y varios otros artistas de esta época, Picasso utilizó libros ilustrados para muchos de sus estudios preliminares para esta pintura. Además del libro de Frobenius, sus fuentes incluyeron una publicación en 1906 de un manuscrito de arte medieval del siglo XII sobre escultura arquitectónica de Villiard de Honnecourt y un libro de Carl Heinrich Stratz de pseudopornografía que muestra fotos y dibujos de mujeres de todo el mundo organizados. para evocar ideas sobre los orígenes y la evolución humanos. Blier sugiere que esto ayuda a explicar la diversidad de estilos que Picasso empleó en sus cuadernos de bocetos llenos de imágenes para esta pintura. Estos libros, y otras fuentes como dibujos animados, escribe Blier, también ofrecen pistas sobre el significado más amplio de esta pintura.

Matemáticas

Una ilustración de Traité élémentaire de géométrie à quatre dimension de Jouffret . El libro, que influyó en Picasso, le fue regalado por Princet.

Maurice Princet , matemático y actuario francés , jugó un papel en el nacimiento del cubismo como socio de Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire , Max Jacob , Jean Metzinger , Robert Delaunay , Juan Gris y más tarde Marcel Duchamp . Princet se hizo conocido como "le mathématicien du cubisme" ("el matemático del cubismo").

A Princet se le atribuye la introducción de la obra de Henri Poincaré y el concepto de la " cuarta dimensión " a los artistas del Bateau-Lavoir . Princet llamó la atención de Picasso, Metzinger y otros, un libro de Esprit Jouffret , Traité élémentaire de géométrie à quatre Dimensions ( Tratado elemental sobre la geometría de cuatro dimensiones , 1903), una popularización de la ciencia y la hipótesis de Poincaré en la que Jouffret describía los hipercubos y otros poliedros complejos en cuatro dimensiones y los proyectaron sobre la superficie bidimensional. Los cuadernos de bocetos de Picasso para Les Demoiselles d'Avignon ilustran la influencia de Jouffret en la obra del artista.

Impacto

Aunque Les Demoiselles tuvo una enorme y profunda influencia en el arte moderno , su impacto no fue inmediato y la pintura permaneció en el estudio de Picasso durante muchos años. Al principio, solo el círculo íntimo de artistas, marchantes, coleccionistas y amigos de Picasso conocía la obra. Poco después de finales del verano de 1907, Picasso y su antigua amante Fernande Olivier (1881-1966) se separaron. La nueva pintura de las dos cabezas en el extremo derecho de Les Demoiselles alimentó la especulación de que era una indicación de la división entre Picasso y Olivier. Aunque más tarde se reunieron por un período, la relación terminó en 1912.

Una fotografía de Les Demoiselles se publicó por primera vez en un artículo de Gelett Burgess titulado "Los hombres salvajes de París, Matisse, Picasso y Les Fauves", The Architectural Record , mayo de 1910.

Les Demoiselles no se exhibiría hasta 1916 y no se reconoció ampliamente como un logro revolucionario hasta principios de la década de 1920, cuando André Breton (1896-1966) publicó la obra. El cuadro fue reproducido nuevamente en Cahiers d'art (1927), dentro de un artículo dedicado al arte africano.

Richardson continúa diciendo que Matisse estaba peleando como loco al ver a las Demoiselles en el estudio de Picasso. Hizo saber que consideraba la pintura como un intento de ridiculizar el movimiento moderno; se indignó al encontrar su sensacional Desnudo Azul , por no hablar de Bonheur de vivre , superado por las "horribles" putas de Picasso. Prometió vengarse y hacer que Picasso suplicara clemencia. Así como el Bonheur de vivre había impulsado la competitividad de Picasso, Les Demoiselles ahora impulsaba la de Matisse.

Entre el círculo cerrado de amigos y colegas de Picasso había una mezcla de opiniones sobre Les Demoiselles . Georges Braque y André Derain estaban inicialmente preocupados por esto, aunque apoyaban a Picasso. Según William Rubin , dos de los amigos de Picasso, el crítico de arte André Salmon y el pintor Ardengo Soffici (1879-1964), estaban entusiasmados con ella, mientras que Guillaume Apollinaire (1880-1918) no. Sin embargo, tanto el comerciante y coleccionista de arte Wilhelm Uhde (1874-1947) como Kahnweiler estaban más entusiasmados con la pintura.

Según Kahnweiler, Les Demoiselles fue el comienzo del cubismo. El escribe:

A principios de 1907, Picasso comenzó una extraña pintura de gran tamaño que representaba mujeres, frutas y cortinas, que dejó sin terminar. No se puede llamar más que inacabado, aunque representa un largo período de trabajo. Iniciado en el espíritu de las obras de 1906, contiene en una sección los esfuerzos de 1907 y, por lo tanto, nunca constituye un todo unificado.

Los desnudos, de ojos grandes y tranquilos, permanecen rígidos, como maniquíes. Sus cuerpos rígidos y redondos son de color carne, blanco y negro. Ese es el estilo de 1906.

En primer plano, sin embargo, ajeno al estilo del resto del cuadro, aparece una figura agachada y un cuenco de frutas. Estas formas están dibujadas angularmente, no modeladas de forma redonda en claroscuro. Los colores son un azul delicioso, un amarillo estridente, junto al blanco y negro puro. Este es el comienzo del cubismo, el primer auge, un desesperado choque titánico con todos los problemas a la vez.

-  Kahnweiler, 1920

Título y vista pública

Del 16 al 31 de julio de 1916 Les Demoiselles se exhibió al público por primera vez en el Salon d'Antin , una exposición organizada por André Salmon titulada L'Art moderne en France . El espacio expositivo en el número 26 de la rue d'Antin fue prestado por el famoso modisto y coleccionista de arte Paul Poiret . Los grandes Salon d'Automne y Salon des Indépendants habían sido cerrados debido a la Primera Guerra Mundial, lo que la convierte en la única exposición cubista en Francia desde 1914. El 23 de julio de 1916 se publicó una reseña en Le Cri de Paris :

Los cubistas no esperan que termine la guerra para reiniciar las hostilidades contra la sensatez. En la Galerie Poiret exponen mujeres desnudas cuyas partes dispersas están representadas en las cuatro esquinas del lienzo: aquí un ojo, allá una oreja, allá una mano, un pie arriba, una boca abajo. M. Picasso, su líder, es posiblemente el menos desaliñado de todos. Ha pintado, o más bien embadurnado, a cinco mujeres que, a decir verdad, están todas destrozadas y, sin embargo, sus extremidades de alguna manera logran mantenerse unidas. Tienen, además, rostros de cerdo con ojos que se pasean negligentemente por encima de las orejas. Un entusiasta amante del arte ofreció al artista 20.000 francos por esta obra maestra. M. Picasso quería más. El amante del arte no insistió.

Picasso se refirió a su única entrada en el Salon d'Antin como su pintura Burdel llamándola Le Bordel d'Avignon, pero André Salmon, que originalmente había etiquetado la obra, Le Bordel Philosophique, la retituló Les Demoiselles d'Avignon para atenuar su escandaloso impacto en el público. A Picasso nunca le gustó el título, sin embargo, prefirió "las chicas de Avignon", pero el título de Salmon se mantuvo. Leo Steinberg etiqueta sus ensayos sobre la pintura después de su título original. Según Suzanne Preston Blier, la palabra bordel en el título de la pintura, en lugar de evocar una casa de prostitución ( une maison close ), hace referencia con mayor precisión en francés a una situación compleja o desorden.Esta pintura, dice Blier, no explora la prostitución per se. sino el sexo y la maternidad en general, junto con las complejidades de la evolución en el mundo colonial multirracial. El nombre Aviñón, argumentan los eruditos, no solo hace referencia a la calle donde Picasso una vez compró sus suministros de pintura (que tenía algunos burdeles), sino también a la casa de la abuela de Max Jacob, a quien Picasso identifica jocosamente como uno de los diversos temas modernos de la pintura.

La única otra vez que la pintura pudo haber sido exhibida al público antes de una exhibición en 1937 en Nueva York fue en 1918, en una exhibición dedicada a Picasso y Matisse en la Galerie Paul Guillaume en París, aunque existe muy poca información sobre esta exhibición o el presencia (si es que hay) de Les Demoiselles .

Posteriormente, el cuadro fue enrollado y permaneció con Picasso hasta 1924 cuando, con la insistencia y la ayuda de Breton y Louis Aragon (1897-1982), lo vendió al diseñador Jacques Doucet (1853-1929), por 25.000 francos.

Interpretación

Pablo Picasso, Cabeza de mujer dormida (Estudio para desnudo con cortinas) , 1907, óleo sobre lienzo, 61,4 × 47,6 cm, Museo de Arte Moderno de Nueva York

Picasso dibujó cada una de las figuras de Les Demoiselles de manera diferente. La mujer que tira de la cortina en la parte superior derecha está pintada con pintura espesa. Compuesto por formas geométricas nítidas , su cabeza es la más estrictamente cubista de las cinco. La cortina parece fundirse parcialmente con su cuerpo. La cabeza cubista de la figura agachada (abajo a la derecha) sufrió al menos dos revisiones de una figura ibérica a su estado actual. También parece haber sido dibujada desde dos perspectivas diferentes a la vez, creando una figura confusa y retorcida. La mujer que está encima de ella es bastante varonil, de rostro oscuro y pecho cuadrado. Toda la imagen tiene un estilo bidimensional, con una perspectiva abandonada.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon , detalle de la figura de la parte superior derecha

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon , detalle de la figura de la parte inferior derecha

Pablo Picasso, Nu aux bras levés (Desnudo), 1907

Pablo Picasso, 1907, Nu à la serviette , óleo sobre lienzo, 116 x 89 cm

Pablo Picasso, 1907, Femme nue , óleo sobre lienzo, 92 x 43 cm, Museo delle Culture, Milán

Gran parte del debate crítico que ha tenido lugar a lo largo de los años se centra en intentar dar cuenta de esta multiplicidad de estilos dentro de la obra. El entendimiento dominante durante más de cinco décadas, adoptado sobre todo por Alfred Barr , el primer director del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York y organizador de las principales retrospectivas de la carrera del artista, ha sido que se puede interpretar como evidencia de una transición. período en el arte de Picasso, un esfuerzo por conectar su obra anterior con el cubismo, el estilo que ayudaría a inventar y desarrollar durante los próximos cinco o seis años. Suzanne Preston Blier dice que los estilos divergentes de la pintura se agregaron intencionalmente para transmitir a cada mujer los atributos de "estilo" artístico de las cinco áreas geográficas que cada mujer representa.

El crítico de arte John Berger , en su controvertida biografía de 1965 El éxito y el fracaso de Picasso , interpreta Les Demoiselles d'Avignon como la provocación que condujo al cubismo:

Embotado por la insolencia de tanto arte reciente, probablemente tendemos a subestimar la brutalidad de Les Demoiselles d'Avignon. Todos sus amigos que lo vieron en su estudio se sorprendieron al principio. Y estaba destinado a sorprender ...

Puede que un burdel no sea en sí mismo impactante. Pero las mujeres pintaban sin encanto ni tristeza, sin ironía ni comentario social, las mujeres pintaban como empalizadas a través de ojos que miran como a la muerte, eso es chocante. E igualmente el método de pintar. El propio Picasso ha dicho que fue influenciado en ese momento por la escultura arcaica española (ibérica). También estuvo influenciado, sobre todo en las dos cabezas de la derecha, por las máscaras africanas ... aquí parece que las citas de Picasso son sencillas, directas y emotivas. No le preocupan en lo más mínimo los problemas formales. Las dislocaciones en esta imagen son el resultado de la agresión, no de la estética; es lo más parecido a un escándalo en un cuadro ...

Destaco el aspecto violento e iconoclasta de esta pintura porque suele consagrarse como el gran ejercicio formal que fue el punto de partida del cubismo. Fue el punto de partida del cubismo, en la medida en que impulsó a Braque a comenzar a pintar a finales de año su propia respuesta mucho más formal a Les Demoiselles d'Avignon ... sin embargo, si lo hubieran dejado solo, esta imagen nunca lo haría. han llevado a Picasso al cubismo oa cualquier forma de pintar que se le parezca remotamente… No tiene nada que ver con esa visión del futuro del siglo XX que era la esencia del cubismo.

Sin embargo, provocó el comienzo del gran período de excepción en la vida de Picasso. Nadie puede saber exactamente cómo comenzó el cambio dentro de Picasso. Solo podemos anotar los resultados. Les Demoiselles d'Avignon, a diferencia de cualquier pintura anterior de Picasso, no ofrece evidencia de habilidad. Al contrario, es torpe, con exceso de trabajo, inacabado. Es como si su furia al pintarla fuera tan grande que destruyera sus dones ...

Al pintar Les Demoiselles d'Avignon, Picasso provocó el cubismo. Fue la insurrección espontánea y, como siempre, primitiva a partir de la cual, por buenas razones históricas, se desarrolló la revolución del cubismo.

En 1972, el crítico de arte Leo Steinberg en su ensayo The Philosophical Brothel postuló una explicación completamente diferente para la amplia gama de atributos estilísticos. Utilizando los bocetos anteriores, que habían sido ignorados por la mayoría de los críticos, argumentó que lejos de la evidencia de un artista que atraviesa una rápida metamorfosis estilística, la variedad de estilos puede leerse como un intento deliberado, un plan cuidadoso, para capturar la mirada del artista. espectador. Señala que las cinco mujeres parecen inquietantemente desconectadas, de hecho, totalmente inconscientes entre sí. Más bien, se enfocan únicamente en el espectador, sus estilos divergentes solo fomentan la intensidad de su deslumbramiento.

Los primeros bocetos muestran a dos hombres dentro del burdel; un marinero y un estudiante de medicina (que a menudo se representaba sosteniendo un libro o una calavera, lo que hizo que Barr y otros leyeran la pintura como un memento mori , un recordatorio de la muerte). Queda un rastro de su presencia en una mesa en el centro: el borde sobresaliente de una mesa cerca de la parte inferior del lienzo. El espectador, dice Steinberg, ha venido a reemplazar a los hombres sentados, obligados a enfrentarse de frente a la mirada de las prostitutas, invocando lecturas mucho más complejas que una simple alegoría o la lectura autobiográfica que intenta comprender la obra en relación con la propia historia de Picasso con mujeres. Se hace posible entonces un mundo de significados que sugiere la obra como una meditación sobre el peligro del sexo, el "trauma de la mirada" (para usar una frase de la invención de Rosalind Krauss ) y la amenaza de violencia inherente a la escena y relaciones sexuales en general.

Según Steinberg, la mirada invertida, es decir, el hecho de que las figuras miran directamente al espectador, así como la idea de la mujer dueña de sí misma, que ya no existe únicamente para el placer de la mirada masculina, se remonta a la Olimpia de Manet de 1863. William Rubin (1927-2006), ex director del Departamento de Pintura y Escultura del MoMA, escribió que "Steinberg fue el primer escritor en abordar el tema sexual de las Demoiselles".

Unos años después de escribir The Philosophical Brothel , Steinberg escribió más sobre la naturaleza revolucionaria de Les Demoiselles :

Picasso estaba decidido a deshacer las continuidades de forma y campo que el arte occidental había dado por sentado durante tanto tiempo. La famosa ruptura estilística de la derecha resultó ser una mera consumación. De la noche a la mañana, las coherencias artificiales del arte representativo (las unidades fingidas de tiempo y lugar, las consistencias estilísticas) fueron declaradas ficticias. Las Demoiselles se confesaron un cuadro concebido en duración y entregado en espasmos. En esta única obra, Picasso descubrió que las exigencias de la discontinuidad se podían satisfacer en múltiples niveles: escindiendo la carne representada; por elisión de miembros y abreviatura; cortando la red del espacio de conexión; por cambios abruptos de posición ventajosa; y por un cambio estilístico repentino en el clímax. Finalmente, se encontró que el staccato insistente de la presentación intensificaba la dirección de la imagen y la carga simbólica: el espectador, en lugar de observar una sala llena de putas holgazaneadas, es atacado por todos lados. Lejos de suprimir al sujeto, el modo de organización realza su flagrante erotismo.

Al final del primer volumen de su (hasta ahora) biografía de Picasso en tres volúmenes: Una vida de Picasso. The Prodigy, 1881-1906, John Richardson comenta sobre Les Demoiselles. Richardson dice:

Es en este punto, a principios de 1907, que propongo poner fin a este primer volumen. Picasso, de 25 años, está a punto de conjurar un quinteto de Demoiselles dionisíacas en su enorme lienzo nuevo. La ejecución de esta pintura sería un clímax dramático para estas páginas. Sin embargo, implicaría que la gran obra revolucionaria de Picasso constituye una conclusión a todo lo anterior. No es asi. A pesar de que las Demoiselles tienen sus raíces en el pasado de Picasso, por no hablar de precursores como los íberos de la Edad del Hierro , El Greco , Gauguin y Cézanne , es esencialmente un comienzo: la pintura más innovadora desde Giotto . Como veremos en el próximo volumen, estableció una nueva sintaxis pictórica; permitió a las personas percibir las cosas con nuevos ojos, nuevas mentes, nueva conciencia. Les Demoiselles d'Avignon es la primera obra maestra inequívoca del siglo XX, un detonador principal del movimiento moderno, la piedra angular del arte del siglo XX . Para Picasso también sería un rito de iniciación: lo que llamó un exorcismo ». Abrió el camino al cubismo. Asimismo, desterró los demonios del artista. Más tarde, estos demonios regresarían y requerirían más exorcismo. Sin embargo, durante la próxima década, Picasso se sentiría tan libre y creativo y "tan agotado" como Dios.

Suzanne Preston Blier aborda la historia y el significado de Les Demoiselles d'Avignon en un libro de 2019 de una manera diferente, que se basa en su experiencia en arte africano y una variedad de fuentes recién descubiertas que desenterró. Blier aborda la pintura no como una simple escena de burdel, sino como la interpretación de Picasso de la diversidad de mujeres de todo el mundo que Picasso encontró en parte a través de fotografías y esculturas vistas en libros ilustrados. Estas representaciones, argumenta Blier, son fundamentales para comprender la creación de la pintura y ayudan a identificar a las señoritas como figuras globales: madres, abuelas, amantes y hermanas, que viven el mundo colonial que habitó Picasso. Ella dice que Picasso ha reunido a estas diversas mujeres en este extraño escenario parecido a una cueva (y parecido a un útero) como una especie de "máquina del tiempo" global: cada mujer hace referencia a una era, un lugar de origen y un estilo artístico concomitantes diferentes, como forman parte de las edades más amplias del hombre y son importantes para el nuevo siglo, en el que los temas centrales de la evolución adquirieron un papel cada vez más importante. Los dos hombres (un marinero y un médico) representados en algunos de los primeros dibujos preparatorios de la pintura, sugiere Blier, probablemente representan a los autores masculinos de dos de los libros ilustrados que empleó Picasso: el antropólogo Leo Frobenius como marinero, uno viaja por el mundo a . explore varios puertos de escala y el médico de Viena, Karl Heinrich Stratz, que sostiene un cráneo humano o un libro en consonancia con los estudios anatómicos detallados que proporciona.

Blier es capaz de fechar la pintura a finales de marzo de 1907, inmediatamente después de la inauguración del Salon des Independents, donde Matisse y Derain habían exhibido sus propios cuadros audaces y cargados de emociones con el tema de los "orígenes". La gran escala del lienzo, dice Blier, complementa el importante tema científico e histórico. La reunión de las madres de cada "raza" dentro de este marco evolutivo humano, sostiene Blier, también constituye la "filosofía" más amplia detrás del título original de le bordel philosophique de la pintura, que evoca el potente "desorden" y la "situación compleja" ( le bordel ). que Picasso estaba explorando en esta obra. En contraste con Leo Steinberg y William Rubin, quienes argumentaron que Picasso había borrado a las dos señoritas de la mano derecha para volver a pintar sus rostros con máscaras africanas en respuesta a una crisis derivada de temores más grandes a la muerte o las mujeres, una fotografía temprana de la pintura en el estudio de Picasso, Blier muestra, indica que el artista había retratado máscaras africanas a estas mujeres desde el principio en consonancia con sus identidades como progenitoras de estas razas. Blier sostiene que la pintura se completó en gran parte en una sola noche luego de un debate sobre filosofía con amigos en una brasserie local de París.

Compra

Hôtel particulier de Jacques Doucet , 33 rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, 1929 fotografía Pierre Legrain

Jacques Doucet había visto el cuadro en el Salon d'Antin, pero sorprendentemente parece haber comprado Les Demoiselles sin pedirle a Picasso que lo desenrollara en su estudio para poder volver a verlo. André Breton luego describió la transacción:

Recuerdo el día que le compró el cuadro a Picasso, quien por extraño que parezca, parecía intimidado por Doucet e incluso no ofreció resistencia cuando el precio se fijó en 25.000 francos: "Bueno, pues está de acuerdo, señor Picasso". Doucet dijo entonces: "Recibirás 2.000 francos al mes, a partir del mes próximo, hasta que se alcance la suma de 25.000 francos.

John Richardson cita a Breton en una carta a Doucet sobre la escritura de Les Demoiselles :

a través de él se penetra directamente en el núcleo del laboratorio de Picasso y porque es el meollo del drama, el centro de todos los conflictos que ha suscitado Picasso y que perdurarán para siempre ... Es una obra que a mi modo de ver trasciende la pintura; es el teatro de todo lo ocurrido en los últimos 50 años.

Al final, parece que Doucet pagó 30.000 francos en lugar del precio acordado. Unos meses después de la compra, Doucet hizo tasar el cuadro entre 250.000 y 300.000 francos. Richardson especula que Picasso, que en 1924 estaba en la cima del mundo del arte y no necesitaba vender la pintura a Doucet, lo hizo y a ese bajo precio porque Doucet prometió que Les Demoiselles iría al Louvre en su testamento. Sin embargo, después de la muerte de Doucet en 1929, no dejó la pintura al Louvre en su testamento, y se vendió como la mayor parte de la colección de Doucet a través de distribuidores privados.

En noviembre de 1937, la galería de arte Jacques Seligman & Co. en la ciudad de Nueva York celebró una exposición titulada "20 años en la evolución de Picasso, 1903-1923" que incluía Les Demoiselles. El Museo de Arte Moderno adquirió la pintura por $ 24,000. El museo recaudó $ 18,000 para el precio de compra vendiendo una pintura de Degas y el resto provino de donaciones de los copropietarios de la galería Germain Seligman y Cesar de Hauke.

El Museo de Arte Moderno de Nueva York montó una importante exposición de Picasso el 15 de noviembre de 1939 que permaneció abierta hasta el 7 de enero de 1940. La exposición, titulada Picasso: 40 años de su arte , fue organizada por Alfred H. Barr (1902-1981 ), en colaboración con el Art Institute of Chicago . La exposición contenía 344 obras, incluido el Guernica mayor y luego recién pintado y sus estudios, así como Les Demoiselles.

Legado

En julio de 2007, Newsweek publicó un artículo de dos páginas sobre Les Demoiselles d'Avignon describiéndola como "la obra de arte más influyente de los últimos 100 años". El crítico de arte Holland Cotter argumentó que Picasso "cambió la historia con esta obra. Reemplazó el ideal benigno del desnudo clásico con una nueva raza de seres peligrosos y sexualmente armados".

La pintura ocupa un lugar destacado en la temporada 2018 de la serie de televisión Genius, que se centra en la vida y la obra de Picasso.

Materiales de pintura

En 2003, un examen de la pintura por espectroscopia de fluorescencia de rayos X realizado por conservadores en el Museo de Arte Moderno confirmó la presencia de los siguientes pigmentos: blanco plomo , negro hueso , bermellón , amarillo cadmio , azul cobalto , verde esmeralda y nativo. pigmentos de la tierra (como el ocre marrón ) que contienen hierro.

Notas

Referencias

enlaces externos

• Les Demoiselles d'Avignon en la colección online del MoMA
• Les Demoiselles d'Avignon conservando una obra maestra moderna
• Julia Frey, Anatomía de una obra maestra, Revisión del New York Times de Les Demoiselles d'Avignon Por William Rubin, Helene Seckel y Judith Cousins
• Gelett Burgess, Los hombres salvajes de París, Matisse, Picasso y Les Fauves, 1910 (PDF)
• Pablo Picasso, 1907, Five Nudes (Estudio para "Les Demoiselles d'Avignon") , acuarela sobre papel avitelado, 17,5 x 22,5 cm, Museo de Arte de Filadelfia