Lee Krasner - Lee Krasner

Lee Krasner
Lee Krasner, artista, recortado.jpg
Krasner en 1983
Nació
Lena Krassner

( 27/10/1908 )27 de octubre de 1908
Brooklyn , Nueva York , EE. UU.
Murió 19 de junio de 1984 (19 de junio de 1984)(75 años)
Nueva York , Nueva York, EE. UU.
Educación
Academia Nacional de Diseño Cooper Union
Hans Hofmann
Conocido por Pintura , collage
Movimiento Expresionismo abstracto
Esposos)
( m.  1945; murió 1956)

Lenore " Lee " Krasner (nacida como Lena Krassner el 27 de octubre de 1908 - el 19 de junio de 1984) fue una pintora expresionista abstracta estadounidense , con una fuerte especialidad en el collage . Estaba casada con Jackson Pollock . Aunque hubo mucha polinización cruzada entre sus dos estilos, la relación eclipsó un poco su contribución durante algún tiempo. El entrenamiento de Krasner, influenciado por George Bridgman y Hans Hofmann , fue el más formalizado, especialmente en la representación de la anatomía humana , y esto enriqueció la producción más intuitiva y desestructurada de Pollock.

Krasner es ahora vista como una figura de transición clave dentro de la abstracción, que conectó el arte de principios del siglo XX con las nuevas ideas de la posguerra en Estados Unidos, y su trabajo alcanza altos precios en las subastas. También es una de las pocas artistas femeninas que ha tenido una muestra retrospectiva en el Museo de Arte Moderno .

Vida temprana

Krasner nació como Lena Krassner (fuera de la familia era conocida como Lenore Krasner ) el 27 de octubre de 1908 en Brooklyn, Nueva York . Era hija de Chane (de soltera Weiss) y Joseph Krasner, inmigrantes ruso-judíos de Shpykiv , una comunidad judía en lo que hoy es Ucrania . La pareja huyó a los Estados Unidos para escapar del antisemitismo y la guerra ruso-japonesa , y Chane cambió su nombre a Anna una vez que llegó. Lee fue la cuarta de cinco hijos, incluida su hermana, Ruth, y la única que nació en los Estados Unidos.

Educación

Desde temprana edad, Krasner supo que quería dedicarse al arte como carrera. Su carrera como artista comenzó cuando era adolescente . Ella buscó específicamente la inscripción en Washington Irving High School para chicas, ya que ofrecen un arte importante . Después de graduarse, asistió a la Escuela de Arte para Mujeres de Cooper Union con una beca. Allí, completó el trabajo de curso requerido para un certificado de enseñanza en arte. Krasner continuó con su educación artística en la Academia Nacional de Diseño en 1928, completando su carga de cursos allí en 1932.

Al asistir a una escuela de arte técnico, Krasner pudo obtener una educación artística extensa y completa, como se ilustra a través de su conocimiento de las técnicas de los viejos maestros . También se volvió muy hábil para retratar figuras anatómicamente correctas. Hay relativamente pocas obras que sobreviven de este período de tiempo, aparte de algunos autorretratos y naturalezas muertas, ya que la mayoría de las obras se quemaron en un incendio. Una imagen que aún existe de este período es su "Autorretrato" pintado en 1930, ahora en el Museo Metropolitano de Arte . Ella lo envió a la Academia Nacional para inscribirse en una determinada clase, pero los jueces no podían creer que el joven artista hubiera realizado un autorretrato en plein air . En él, Krasner se representa a sí misma con una expresión desafiante rodeada de naturaleza. También se inscribió brevemente en la Art Students League de Nueva York en 1928. Allí, tomó una clase dirigida por George Bridgman, quien enfatizó la forma humana.

Krasner estuvo muy influenciada por la apertura del Museo de Arte Moderno en 1929. Estaba muy afectada por el posimpresionismo y se volvió crítica de las nociones académicas de estilo que había aprendido en la Academia Nacional. En la década de 1930, comenzó a estudiar arte moderno aprendiendo los componentes de composición , técnica y teoría. Comenzó a tomar clases de Hans Hofmann en 1937, lo que modernizó su enfoque del desnudo y la naturaleza muerta . Enfatizó la naturaleza bidimensional del plano de la imagen y el uso del color para crear una ilusión espacial que no era representativa de la realidad a través de sus lecciones. A lo largo de sus clases con Hofmann, Krasner trabajó en un estilo avanzado de cubismo , también conocido como neo-cubismo. Durante la clase, un desnudo humano o un escenario de naturaleza muerta sería el modelo a partir del cual Krasner y otros estudiantes tendrían que trabajar. Por lo general, creaba dibujos al carboncillo de los modelos humanos y estudios de color al óleo sobre papel de los escenarios de la naturaleza muerta. Ella típicamente ilustraba desnudos femeninos de una manera cubista con tensión lograda a través de la fragmentación de formas y la oposición de colores claros y oscuros. Las naturalezas muertas ilustraron su interés por el fauvismo, ya que suspendió pigmentos de colores brillantes sobre fondos blancos.

Hans Hofmann "fue muy negativo", dijo su antiguo alumno, "pero un día se paró frente a mi caballete y me dio el primer elogio que había recibido como artista de él. Me dijo: 'Esto es tan bueno, nunca lo sabrías fue hecho por una mujer ". También recibió elogios de Piet Mondrian, quien una vez le dijo: "Tienes un ritmo interior muy fuerte; nunca debes perderlo".

Carrera temprana

Estudio de gouache para un mural, encargado por la WPA, 1940

Krasner se mantuvo como camarera durante sus estudios, pero finalmente se volvió demasiado difícil debido a la Gran Depresión . Con el fin de continuar proporcionar por sí misma, se unió a la Works Progress Administration 's Proyecto de Arte Federal en 1935, trabajando en la división mural como asistente de Max Spivak. Su trabajo consistía en ampliar los diseños de otros artistas para murales públicos a gran escala . Como los murales fueron creados para ser fácilmente entendidos y apreciados por el público en general, sin embargo, el arte abstracto que produjo Krasner no era deseable. Aunque estaba feliz de tener un empleo, no estaba satisfecha porque no le gustaba trabajar con imágenes figurativas creadas por otros artistas. A finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, creó bocetos de gouache con la esperanza de algún día crear un mural abstracto . Tan pronto como una de sus propuestas para un mural fue aprobada para la estación de radio WNYC , la Administración de Progreso de Obras se convirtió en Servicios de Guerra y todo el arte tuvo que ser creado para la propaganda de guerra . Krasner continuó trabajando para War Services creando collages para el esfuerzo bélico que se exhibieron en los escaparates de diecinueve grandes almacenes en Brooklyn y Manhattan . Estuvo intensamente involucrada con la Unión de Artistas durante su empleo con la WPA, pero fue una de las primeras en renunciar cuando se dio cuenta de que los comunistas se estaban apoderando de ella. Sin embargo, al ser parte de esta organización, pudo conocer más artistas en la ciudad y ampliar su red.

Después de renunciar, se unió en 1940 a American Abstract Artists . Mientras era miembro, típicamente exhibía naturaleza muerta cubista en un estilo cloisonne de cuadrículas negras que eran muy empastados y gestuales . Conoció a los futuros expresionistas abstractos Willem de Kooning , Arshile Gorky , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Mark Rothko , Barnett Newman , Clyfford Still y Bradley Walker Tomlin a través de esta organización. Ella perdió interés en su uso del estilo geométrico de borde duro después de que comenzó su relación con Jackson Pollock .

Carrera profesional

Krasner se identifica como un expresionista abstracto debido a sus trabajos abstractos, gestuales y expresivos en pintura, pintura de collage, dibujo al carboncillo y ocasionalmente mosaicos. A menudo cortaba sus propios dibujos y pinturas para crear sus pinturas de collage. También comúnmente revisó o destruyó por completo una serie completa de obras debido a su naturaleza crítica; como resultado, su trabajo superviviente es relativamente pequeño. Su catálogo razonado , publicado en 1995 por Abrams , enumera 599 piezas conocidas.

Su naturaleza cambiante se refleja a lo largo de su obra, lo que ha llevado a críticos y estudiosos a sacar diferentes conclusiones sobre ella y su obra. El estilo de Krasner a menudo alterna entre estructura clásica y acción barroca , forma abierta y forma de borde duro, y colores brillantes y paleta monocromática . A lo largo de su carrera, se negó a adoptar un estilo singular y reconocible y, en cambio, aceptó el cambio variando el estado de ánimo, el tema, la textura, los materiales y las composiciones de su trabajo a menudo. Al cambiar su estilo de trabajo a menudo, se diferenciaba de otros expresionistas abstractos, ya que muchos de ellos adoptaban identidades y modos de representación inmutables. A pesar de estas intensas variaciones, sus obras se pueden reconocer típicamente a través de su estilo gestual, textura, ritmo y representación de imágenes orgánicas. El interés de Krasner por el yo, la naturaleza y la vida moderna son temas que comúnmente surgen en sus obras. A menudo se mostraba reacia a hablar de la iconografía de su trabajo y, en cambio, enfatizaba la importancia de su biografía, ya que afirmaba que su arte se formó a través de su personalidad individual y su estado emocional.

Principios de la década de 1940

A lo largo de la primera mitad de la década de 1940, Krasner luchó por crear un arte que satisficiera su naturaleza crítica. Se sintió muy afectada al ver el trabajo de Pollock por primera vez en 1942, lo que la hizo rechazar el estilo cubista de Hofmann que requería trabajar a partir de un modelo humano o de naturaleza muerta. Ella llamó al trabajo producido durante este tiempo frustrante sus "pinturas de losas grises". Ella creaba estas pinturas trabajando en un lienzo durante meses, sobrepintando, raspando o frotando la pintura y agregando más pigmento hasta que el lienzo era casi monocromático debido a tanta acumulación de pintura. Eventualmente destruiría estas obras, razón por la cual solo existe una pintura de este período de tiempo. El amplio conocimiento de Krasner sobre el cubismo fue la fuente de su problema creativo, ya que necesitaba que su trabajo fuera más expresivo y gestual para ser considerado contemporáneo y relevante. En el otoño de 1945, Krasner destruyó muchas de sus obras cubistas que creó durante sus estudios con Hofmann, aunque la mayoría de las pinturas creadas entre 1938 y 1943 sobrevivieron a esta reevaluación.

Pequeñas imágenes: 1946-1949

A partir de 1946, Krasner comenzó a trabajar en su serie Little Image . Comúnmente categorizados como mosaicos, palmeados o jeroglíficos según el estilo de la imagen, este tipo de pinturas, en total alrededor de 40, las creó hasta 1949. Las imágenes en mosaico se crearon a través de la espesa acumulación de pintura, mientras que sus cuadros palmeados se hicieron a través de un técnica de goteo en la que el pincel siempre estaba cerca de la superficie del lienzo. Dado que Krasner usó una técnica de goteo, muchos críticos creyeron al ver este trabajo por primera vez que estaba reinterpretando las caóticas salpicaduras de pintura de Pollock. Sus pinturas de jeroglíficos están cuadriculadas y parecen un guión personal e ilegible de la creación de Krasner. Estas obras demuestran sus inquietudes anti-figurativas, su acercamiento general al lienzo, su pincelada gestual y su desprecio por el color naturalista. Tienen poca variación de tono, pero son muy ricas en textura debido a la acumulación de empaste y también sugieren que el espacio continúa más allá del lienzo. Estas se consideran sus primeras imágenes exitosas que creó mientras trabajaba con su propia imaginación en lugar de un modelo. La escala relativamente pequeña de las imágenes se puede atribuir al hecho de que las pintó en un caballete en su pequeño espacio de estudio en una habitación de arriba en The Springs.

Muchos eruditos interpretan estas imágenes como la reelaboración de Krasner de la escritura hebrea . En una entrevista más adelante en su carrera, Krasner admitió haber trabajado inconscientemente de derecha a izquierda en sus lienzos, lo que llevó a los académicos a creer que su origen étnico y cultural afectaba la interpretación de su trabajo. Algunos estudiosos han interpretado que estas pinturas representan la reacción del artista a la tragedia del Holocausto . Otros han afirmado que el trabajo de Krasner con el proyecto War Services hizo que se interesara por el texto y los códigos, ya que el criptoanálisis era una de las principales preocupaciones para ganar la guerra.

Cuando completó la serie Little Image en 1949, Krasner pasó nuevamente por una fase crítica con su trabajo. Probó y rechazó muchos estilos nuevos y finalmente destruyó la mayor parte del trabajo que hizo a principios de la década de 1950. Hay evidencia de que comenzó a experimentar con la pintura automática y creó figuras monstruosas en blanco y negro, híbridas y en grandes lienzos en 1950. Estas fueron las pinturas que Betty Parsons vio cuando visitó The Springs ese verano, lo que hizo que el galerista le ofreciera a Krasner un espectáculo en el otoño. Entre el verano y el otoño, Krasner volvió a cambiar su estilo a la pintura de campo de color y destruyó las pinturas figurativas automáticas que hacía. La muestra de Betty Parsons fue la primera exposición individual de Krasner desde 1945. Después de la exposición, Krasner utilizó las pinturas de campo de color para hacer sus pinturas de collage.

Imágenes de collage temprano: 1951-1955

En 1951, Krasner había comenzado su primera serie de pinturas de collage. Para crearlos, Krasner pegó formas cortadas y rasgadas en todas menos dos de las pinturas de campo de color a gran escala que creó para la exposición de Betty Parsons en 1951. Este período marca el momento en que la artista dejó de trabajar en un caballete desde que creó estas obras colocando el soporte en el suelo. Para hacer estas imágenes, fijaba las piezas separadas en un lienzo y modificaba la composición hasta quedar satisfecha. Luego pegaría los fragmentos en el lienzo y agregaría color con un pincel cuando lo deseara. La mayoría de las pinturas de collage que creó recuerdan formas vegetales u orgánicas, pero no se parecen por completo a un organismo vivo. Al usar muchos materiales diferentes, pudo crear textura y evitar que la imagen fuera completamente plana. El acto de rasgar y cortar elementos para el collage encarna la expresión de Krasner ya que estos actos son agresivos. Ella exploró contrastes de colores claros y oscuros, líneas duras y suaves, formas orgánicas y geométricas, y estructura e improvisación a través de este trabajo. Estas pinturas de collage representan el alejamiento de Krasner de la abstracción no objetiva . A partir de este período, creó un arte metafórico y cargado de contenido que alude a figuras o paisajes orgánicos.

De 1951 a 1953, la mayoría de sus obras se realizaron a partir de dibujos rasgados completados con tinta negra o aguada de manera figurativa. Al rasgar el papel en lugar de cortarlo, los bordes de las figuras son mucho más suaves en comparación con las formas geométricas y de bordes duros de sus trabajos anteriores. De 1953 a 1954, creó pinturas de collage de menor tamaño que estaban compuestas por fragmentos de obras no deseadas. Algunas de las obras desechadas que usó fueron pinturas de salpicaduras completadas por Pollock. Muchos estudiosos han expresado diferentes interpretaciones sobre por qué usó los lienzos no deseados de su pareja. Algunos afirman que ella simultáneamente demostró su admiración por su arte y al mismo tiempo recontextualizó su agresividad física mediante la manipulación de sus imágenes en forma de collage. Otros creen que ella estaba creando una sensación de intimidad entre ellos, que faltaba en su relación real en este período de tiempo, al combinar sus obras. En 1955, hizo pinturas de collage a mayor escala y varió el material que usó para el soporte, utilizando masonita , madera o lienzo. Estas obras fueron exhibidas por primera vez por Eleanor Ward en la Stable Gallery en 1955 en la ciudad de Nueva York, pero recibieron poca aclamación pública aparte de una buena crítica de Clement Greenberg .

Serie Earth Green: 1956-1959

Durante el verano de 1956, Krasner comenzó su Serie Earth Green. Si bien comenzó a hacer este trabajo antes de la muerte de Pollock, se considera que reflejan sus sentimientos de ira, culpa, dolor y pérdida que experimentó sobre su relación antes y después de su muerte. La intensa emoción que sintió durante este tiempo hizo que su arte se desarrollara a lo largo de líneas más liberadas de su autoexpresión y empujó los límites de los conceptos de arte convencionales y desarrollados. A través de estas pinturas de acción a gran escala, Krasner representa figuras híbridas que se componen de formas orgánicas parecidas a plantas y partes anatómicas, que a menudo aluden a partes del cuerpo tanto masculinas como femeninas. Estas formas dominan el lienzo, lo que hace que esté abarrotado y densamente lleno de formas explosivas y abultadas. El dolor que experimentó durante este período se ilustra mediante el uso principal de tonos de piel con acentos rojo sangre en las figuras que sugieren heridas. Las gotas de pintura en su lienzo muestran su velocidad y voluntad de renunciar al control absoluto, ambos necesarios para retratar sus emociones.

En 1957, Krasner continuó creando formas abstractas figurativas en su trabajo, pero sugieren más elementos florales que anatómicos. Usó colores más brillantes que eran más vibrantes y comúnmente contrastaban con otros colores en la composición. También diluía la pintura o usaba un pincel seco para hacer que los colores fueran más transparentes.

En 1958, Krasner recibió el encargo de crear dos murales abstractos para un edificio de oficinas en Broadway . Creó dos maquetas de collage que representaban motivos florales para dos entradas del edificio. Estos murales fueron luego destruidos en un incendio.

Serie Umber: 1959-1961

Las pinturas de la serie Umber de Krasner se crearon durante una época en la que el artista sufría de insomnio . Como trabajaba durante la noche, tuvo que pintar con luz artificial en lugar de con luz diurna , lo que provocó que su paleta cambiara de tonos brillantes y vibrantes a colores apagados y monocromáticos. También seguía lidiando con la muerte de Pollock y la reciente muerte de su madre, lo que la llevó a usar un estilo agresivo a la hora de crear estas imágenes. Estas pinturas de acción del tamaño de un mural contrastan severamente la oscuridad y la luz, ya que el blanco, los grises, el negro y el marrón son los colores predominantes utilizados. La evidencia de su pincelada animada se puede ver a través de las gotas y salpicaduras de pintura en el lienzo. No hay un lugar central en el que el espectador se concentre en estas obras, lo que hace que la composición sea altamente dinámica y rítmica. Para pintar a una escala tan grande, Krasner clavaba el lienzo en una pared. Estas imágenes ya no implican formas orgánicas, sino que a menudo se interpretan como paisajes violentos y turbulentos.

Serie primaria: 1960

En 1962, comienza a usar colores brillantes y alude a formas florales y vegetales. Estas obras son compositivamente similares a sus imágenes monocromas debido a su gran tamaño y naturaleza rítmica sin un punto focal central. Sus paletas a menudo contrastan entre sí y aluden a paisajes o plantas tropicales. Continuó trabajando en este estilo hasta que sufrió un aneurisma , se cayó y se rompió la muñeca derecha en 1963. Como todavía quería trabajar, comenzó a pintar con la mano izquierda. Para superar el trabajo con su mano no dominante, a menudo aplicaba pintura directamente desde un tubo al lienzo en lugar de usar un pincel, lo que provocaba que aparecieran grandes parches de lienzo blanco en las superficies de las imágenes. El gesto y la fisicalidad de estas obras es más comedido.

Después de recuperarse de su brazo roto, Krasner comenzó a trabajar en pinturas brillantes y decorativas que son menos agresivas que sus pinturas Earth Green y Umber Series. A menudo, estas imágenes recuerdan la caligrafía o la ornamentación floral que no está abiertamente relacionada con el estado emocional conocido de Krasner. Las formas florales o caligráficas dominan el lienzo, conectando pinceladas variables en un solo patrón.

En la segunda mitad de la década de 1960, los críticos comenzaron a reevaluar el papel de Krasner en la Escuela de Nueva York como pintor y crítico que influyó mucho en Pollock y Greenberg. Antes de esto, los críticos y académicos generalmente pasaban por alto su condición de artista debido a su relación con Pollock. Dado que se desempeñó como una figura tan importante en el movimiento expresionista abstracto, a menudo es difícil para los académicos discutir su trabajo sin mencionar a Pollock de alguna manera. Esta reevaluación se refleja en su primera exposición retrospectiva de sus pinturas que se llevó a cabo en Londres en la Whitechapel Gallery en 1965. Esta exposición fue mejor recibida por la crítica en comparación con sus exposiciones anteriores en Nueva York.

En 1969, Krasner se concentró principalmente en crear obras en papel con gouache . Estos trabajos se llamaron Tierra, Agua, Semilla o Jeroglíficos y, a menudo, se parecían a una prueba de Rorschach . Algunos estudiosos afirman que estas imágenes fueron una crítica de la teoría de Greenberg sobre la importancia de la naturaleza bidimensional del lienzo.

Carrera tardía

A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, la obra del pintor estuvo significativamente influenciada por el arte posmoderno y enfatizó los problemas inherentes al arte como forma de comunicación.

A partir de 1970, Krasner comenzó a realizar grandes pinturas horizontales compuestas por líneas de bordes duros y una paleta de algunos colores brillantes que contrastaban entre sí. Pintó con este estilo hasta aproximadamente 1973. Tres años después, comenzó a trabajar en su segunda serie de imágenes de collage. Comenzó a trabajar en estos después de limpiar su estudio y descubrió algunos dibujos al carboncillo, en su mayoría de estudios de figuras, que completó entre 1937 y 1940. Después de guardar algunos, Krasner decidió usar el resto en una nueva serie de collages. En esta obra, las formas negras y grises de los estudios de figuras se yuxtaponen contra el lienzo en blanco o la adición de pintura de colores brillantes. Las formas de bordes duros de los dibujos cortados se reconstruyen en formas curvilíneas que recuerdan patrones florales. La textura se induce a través del contraste del papel liso y el lienzo rugoso. Dado que los estudios de figuras se recortan y reorganizan sin tener en cuenta su intención o mensaje original, las diferencias entre los dibujos antiguos y las nuevas estructuras son muy exageradas. Todos los títulos de los collages de esta serie son diferentes tiempos verbales interpretados como una crítica a la insistencia de Greenberg y Michael Fried en la actualidad del arte moderno. Esta serie fue muy bien recibida por una gran audiencia cuando se exhibieron en 1977 en la Pace Gallery . También se considera una declaración sobre cómo los artistas deben reexaminar y reelaborar su estilo para seguir siendo relevantes a medida que envejecen.

La mutua influencia de Krasner y Pollock

Aunque mucha gente cree que Krasner dejó de trabajar en la década de 1940 para nutrir la vida familiar y la carrera de Pollock, nunca dejó de crear arte. Mientras su relación se desarrollaba, ella cambió su enfoque del suyo al arte de Pollock para ayudarlo a ganar más reconocimiento debido al hecho de que ella creía que él tenía "mucho más que dar con su arte que ella con el de ella".

A lo largo de su carrera, Krasner atravesó períodos de lucha en los que experimentaba con nuevos estilos que satisfacían sus medios de expresión y criticaban, revisaban o destruían con dureza el trabajo que producía. Debido a esta autocrítica, hay períodos de tiempo en los que poco o nada de su trabajo existe, específicamente a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950.

Krasner y Pollock tuvieron un inmenso efecto en los estilos artísticos y las carreras de cada uno. Dado que Krasner había aprendido de Hans Hofmann mientras Pollock recibía entrenamiento de Thomas Hart Benton , cada uno adoptó diferentes enfoques para su trabajo. Krasner aprendió de Hofmann la importancia de abstraerse de la naturaleza y enfatizar la naturaleza plana del lienzo, mientras que la formación de Pollock destacó la importancia del diseño complejo a partir del dibujo automático. El amplio conocimiento de Krasner del arte moderno ayudó a Pollock, ya que ella lo puso al día con lo que debería ser el arte contemporáneo. Por lo tanto, pudo realizar obras más organizadas y cosmopolitas. Además, Krasner fue responsable de presentar Pollock a muchos artistas, coleccionistas y críticos que apreciaban el arte abstracto como Willem de Kooning , Peggy Guggenheim y Clement Greenberg . Pollock ayudó a Krasner a ser menos comedida al hacer su trabajo. Él la inspiró a dejar de pintar a partir de modelos humanos y de naturaleza muerta para liberar sus emociones interiores y volverse más espontánea y gestual a través de su trabajo.

Krasner luchó con la recepción de su identidad por parte del público, tanto como mujer como como esposa de Pollock. Cuando ambos exhibieron en un espectáculo llamado "Artistas: hombre y esposa" en 1949, un crítico de ARTnews declaró: "Hay una tendencia entre algunas de estas esposas a 'arreglar' los estilos de sus esposos. Lee Krasner (Sra. Jackson Pollock) toma la pintura y los esmaltes de su esposo y cambia sus líneas amplias y desenfrenadas en pequeños cuadrados y triángulos ". Incluso después del auge del feminismo en las décadas de 1960 y 1970, la carrera artística de Krasner siempre se relacionó con Pollock, ya que los comentarios sobre su trabajo a menudo comentaban cómo se había convertido en una artista exitosa al salir de la sombra de Pollock. En los artículos sobre su trabajo, se hace referencia a Pollock continuamente. Krasner todavía se conoce a veces como "Action Widow", un término acuñado en 1972 por el crítico de arte BH Friedman, quien acusó a las parejas sobrevivientes de artistas expresionistas abstractos de dependencia artística de sus parejas masculinas. Por lo general, en las décadas de 1940 y 1950, Krasner tampoco firmaba obras en absoluto, firmaba con las iniciales sin género "LK", o mezclaba su firma en la pintura para no enfatizar su condición de mujer y esposa de otro pintor.

Legado

Casa Pollock-Krasner en Springs, Nueva York

Mary Beth Edelson 's Algunos American Living Mujeres Artistas / última cena (1972) consignó Leonardo da Vinci ‘s La última cena , con los jefes de las artistas notables, incluyendo Krasner de collage, sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles. La imagen, que aborda el papel de la iconografía histórica religiosa y del arte en la subordinación de la mujer, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ".

Krasner murió en 1984, a los 75 años, por causas naturales. Ella había estado sufriendo de artritis .

Seis meses después de su muerte, el Museo de Arte Moderno ( MoMA ) de la ciudad de Nueva York realizó una exposición retrospectiva de su trabajo. Una revisión en el New York Times señaló que "define claramente el lugar de Krasner en la Escuela de Nueva York" y que ella "es una artista importante e independiente de la generación pionera del Expresionismo Abstracto, cuyo trabajo conmovedor ocupa un lugar destacado entre los producidos aquí en la última medio siglo." A partir de 2008, Krasner es una de las cuatro únicas mujeres artistas que han tenido una muestra retrospectiva en esta institución. Las otras tres mujeres son Louise Bourgeois (1982), Helen Frankenthaler (1989) y Elizabeth Murray (2004).

Sus trabajos fueron donados a Archives of American Art en 1985; fueron digitalizados y publicados en la web para investigadores.

Vista de la instalación de la exposición individual de la obra de Krasner en el Museo de Brooklyn en 1984

Después de su muerte, su propiedad en East Hampton se convirtió en Pollock-Krasner House and Studio , y está abierta al público para visitas guiadas. Una organización separada, la Fundación Pollock-Krasner , fue establecida en 1985. La Fundación funciona como el patrimonio oficial tanto de Krasner como de Pollock, y también, según los términos de su testamento, sirve "para ayudar a artistas individuales de mérito con necesidades financieras. . " El representante de derechos de autor en EE. UU. De la Fundación Pollock-Krasner es la Artists Rights Society .

El 11 de noviembre de 2003, Celebration, una gran pintura de 1960 se vendió al Museo de Arte de Cleveland por $ 1,9 millones y en mayo de 2008, Polar Stampede se vendió por $ 3,2 millones. "Nadie hoy podría persistir en llamarla un talento periférico", dijo el crítico Robert Hughes .

La tumba de Lee Krasner al frente, con la tumba de Jackson Pollock en la parte trasera, Green River Cemetery

En la cultura popular

Krasner fue interpretada por Marcia Gay Harden en la película Pollock (2000), que trata sobre la vida de su esposo Jackson Pollock . Harden ganó un Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por su actuación en la película.

En la novela Seek My Face (2002) de John Updike , una parte importante de la vida del personaje principal se basa en la de Krasner.

Vida personal

Relación con Jackson Pollock

Krasner y Jackson Pollock establecieron una relación en 1942 después de que ambos exhibieran en la Galería McMillen. Estaba intrigada por su trabajo y por el hecho de que no sabía quién era a pesar de que conocía a muchos pintores abstractos en Nueva York. Ella fue a su apartamento para encontrarse con él. En 1945, se mudaron a The Springs en las afueras de East Hampton . En el verano de ese año se casaron en una iglesia con dos testigos.

Mientras los dos vivían en la casa de campo en The Springs, continuaron creando arte. Trabajaron en espacios de estudio separados con Krasner en un dormitorio de arriba en la casa mientras Pollock trabajaba en el granero en su patio trasero . Cuando no estaban trabajando, los dos pasaban su tiempo cocinando, horneando, haciendo jardinería, manteniendo la casa organizada y entreteniendo a sus amigos.

En 1956, su relación se volvió tensa al enfrentarse a ciertos problemas. Pollock había comenzado a luchar con su alcoholismo y estaba teniendo una aventura extramatrimonial con Ruth Kligman . Krasner se fue en verano para visitar a amigos en Europa, pero tuvo que regresar rápidamente cuando Pollock murió en un accidente automovilístico mientras ella no estaba.

Religión

Krasner se crió en un hogar judío ortodoxo durante su infancia y adolescencia. Su familia vivía en Brownsville, Brooklyn, que tenía una gran población de inmigrantes judíos pobres. Su padre pasaba la mayor parte de su tiempo practicando el judaísmo mientras que su madre se ocupaba del hogar y del negocio familiar. Krasner apreció aspectos del judaísmo como la escritura hebrea , las oraciones y las historias religiosas.

Cuando era adolescente, se volvió crítica de lo que percibía como misoginia en el judaísmo ortodoxo. En una entrevista más adelante en su vida, Krasner recuerda haber leído la traducción de una oración y pensar que era "de hecho una oración hermosa en todos los sentidos, excepto por el cierre ... si eres hombre, dices: 'Gracias, oh Señor, por crearme a Tu imagen '; y si eres mujer dices:' Gracias, Señor, por crearme como quisiste '". También comenzó a leer filosofías existencialistas durante este período de tiempo, lo que hizo que se alejara del judaísmo aún más lejos.

Mientras se casaba con Pollock en una iglesia, Krasner continuó identificándose como judía, pero decidió no practicar la religión. Su identidad como mujer judía ha afectado la forma en que los estudiosos interpretan el significado de su arte.

Algunas participaciones institucionales

Museo Metropolitano de Arte , Nueva York

  • Autorretrato, 1929
  • Gansevoort, número 1, 1934
  • Criaturas nocturnas , 1965
  • Verde en ascenso , 1972

Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York

  • Naturaleza muerta , 1938
  • Desnudo sentado , 1940
  • Sin título, 1949
  • Número 3 (sin título), 1951
  • Sin título, 1964
  • Gea, 1966

Otras instituciones:

Mercado del arte

En una subasta de Christie's en 2003 en Nueva York, la composición horizontal de Lee Krasner en óleo sobre lienzo, Celebration (1960), multiplicó su estimación de preventa en más de cuatro veces, ya que terminó su curso ascendente en $ 1.9 millones. En 2019, Sotheby's estableció un nuevo récord de subasta para Krasner cuando The Eye is the First Circle (1960) se vendió por $ 10 millones a Robert Mnuchin .

Ver también

Referencias

Otras lecturas

  • Cheim, John. Lee Krasner: pinturas de 1965 a 1970 . Nueva York: Robert Miller, 1991.
  • Gabriel, María. Mujeres de la Novena Calle: Lee Krasner, Elaine de Kooning, Grace Hartigan, Joan Mitchell y Helen Frankenthaler: cinco pintores y el movimiento que cambió el arte moderno . Nueva York: Little, Brown and Company, 2018
  • Haxall, Daniel. "El collage y la naturaleza del orden: la visión pastoral de Lee Krasner", Woman's Art Journal , vol. 28, No. 2 (Otoño-Invierno 2008): 20-27. JSTOR. Web.
  • Herskovic, Marika. El estilo del expresionismo figurativo y abstracto estadounidense es oportuno El arte es atemporal (New York School Press, 2009). ISBN  978-0-9677994-2-1 . pag. 144-147
  • Herskovic, Marika. Expresionismo abstracto americano de la década de 1950 Una encuesta ilustrada, (New York School Press, 2003). ISBN  0-9677994-1-4 . pag. 194-197
  • Herskovic, Marika. Elección de artistas expresionistas abstractos de la escuela de Nueva York por artistas, (New York School Press, 2000.) ISBN  0-9677994-0-6 . pag. dieciséis; pag. 37; pag. 210-213
  • Hobbs, Robert. Lee Krasner . Nueva York: Abbeville Press, 1993.
  • Hobbs, Robert. "El escepticismo de Lee Krasner y su posmodernismo emergente", Woman's Art Journal , vol. 28, No.2, (Otoño-Invierno 2008): 3 - 10. JSTOR. Web.
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