Pintura de paisaje - Landscape painting

Joachim Patinir (1480-1524), Paisaje con Caronte cruzando la Estigia , 1515-1524. Patinir fue pionero en el estilo del " paisaje mundial ".
Themistokles von Eckenbrecher (alemán, 1842-1921), Vista de Lærdalsøyri , en el Sognefjord , 1901
Dong Yuan (934 - 962) Salón de la montaña Dongtian ( chino :洞 天山 堂 圖). Siglo X, las Cinco Dinastías (chino). Museo del Palacio Nacional , Taipei.
Paisaje con escena de la Odisea , Roma, c. 60–40 a. C.

La pintura de paisaje , también conocida como arte del paisaje , es la representación de paisajes naturales como montañas , valles , árboles , ríos y bosques , especialmente donde el tema principal es una vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En otras obras, los fondos de paisaje para las figuras todavía pueden formar una parte importante del trabajo. El cielo casi siempre se incluye en la vista y el clima suele ser un elemento de la composición. Los paisajes detallados como un tema distinto no se encuentran en todas las tradiciones artísticas y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representar otros temas.

Dos tradiciones principales surgen de la pintura occidental y el arte chino , que se remontan a más de mil años en ambos casos. El reconocimiento de un elemento espiritual en el arte del paisaje está presente desde sus inicios en el arte de Asia Oriental, basándose en el taoísmo y otras tradiciones filosóficas, pero en Occidente solo se hace explícito con el Romanticismo .

Las vistas del paisaje en el arte pueden ser completamente imaginarias o copiadas de la realidad con diversos grados de precisión. Si el propósito principal de una imagen es representar un lugar real y específico, especialmente si se incluyen edificios de manera prominente, se denomina vista topográfica . Tales puntos de vista, extremadamente comunes como grabados en Occidente, a menudo se consideran inferiores a los paisajes de bellas artes , aunque la distinción no siempre es significativa; prejuicios similares existían en el arte chino, donde la pintura de los literatos generalmente representaba vistas imaginarias, mientras que los artistas profesionales pintaban vistas reales.

La palabra "paisaje" entró en el idioma inglés moderno como landskip (deletreada diversamente), una anglicización del Landschap holandés , a principios del siglo XVII, puramente como un término para obras de arte, con su primer uso como palabra para un pintura en 1598. En unas pocas décadas se utilizó para describir vistas en poesía y, finalmente, como un término para vistas reales. Sin embargo, el término afín landscaef o landskipe para un parche de tierra despejado había existido en inglés antiguo , aunque no se registra en inglés medio .

Historia

Fresco de primavera , pintura minoica de Akrotiri , 1600-1500 a. C.
Zhan Ziqian , Paseando en primavera , un paisaje chino muy temprano, c. 600

Las primeras formas de arte en todo el mundo representan poco que realmente podría llamarse paisaje, aunque se incluyen líneas de fondo y, a veces, indicaciones de montañas, árboles u otras características naturales. Los primeros "paisajes puros" sin figuras humanas son frescos del arte minoico de alrededor del 1500 a. C.

Las escenas de caza, especialmente aquellas ambientadas en la vista cerrada de los cañaverales del Delta del Nilo desde el Antiguo Egipto, pueden dar un fuerte sentido de lugar, pero el énfasis está en las formas de plantas individuales y figuras humanas y animales en lugar del paisaje general. Los frescos de la Tumba de Nebamun , ahora en el Museo Británico (c. 1350 aC), son un ejemplo famoso.

Para una descripción coherente de todo un paisaje, se necesita algún sistema de perspectiva aproximado, o escalar la distancia, y esto parece, según la evidencia literaria, que se desarrolló por primera vez en la Antigua Grecia en el período helenístico , aunque no sobreviven ejemplos a gran escala. Más antiguos romanos paisajes sobreviven, desde el primero siglo BCE en adelante, especialmente los frescos de paisajes habitaciones que han sido conservados en los sitios arqueológicos de la decoración de Pompeya , Herculano y otros lugares, y mosaicos .

Li Cheng ( chino :李成; pinyin : Lǐ Chéng ; Wade-Giles : Li Ch'eng ; 919–967), Bosque exuberante entre picos distantes , detalle, China del siglo X, Museo Provincial de Liaoning .
Hasegawa Tōhaku , Biombo de pino ( Shōrin-zu byōbu ,松林 図 屏風) , uno de un par de biombos , Japón, 1593. 156,8 × 356 cm (61,73 × 140,16 pulg.)

La tradición de la pintura en tinta china de shan shui ("agua de montaña"), o paisaje "puro", en el que el único signo de vida humana suele ser un sabio, o un vistazo de su choza, utiliza sofisticados fondos de paisaje para representar a los sujetos. y el arte del paisaje de este período conserva un estatus clásico y muy imitado dentro de la tradición china.

Tanto la tradición romana como la china suelen mostrar grandes panoramas de paisajes imaginarios, generalmente respaldados por una serie de montañas espectaculares, en China a menudo con cascadas y en Roma a menudo con mar, lagos o ríos. Estos se utilizaron con frecuencia, como en el ejemplo ilustrado, para cerrar la brecha entre una escena en primer plano con figuras y una vista panorámica distante, un problema persistente para los artistas del paisaje. El estilo chino generalmente mostraba solo una vista lejana, o usaba tierra muerta o niebla para evitar esa dificultad.

Un contraste importante entre la pintura de paisajes en el oeste y el este de Asia ha sido que mientras en Occidente hasta el siglo XIX ocupaba una posición baja en la jerarquía aceptada de géneros , en el este de Asia, la pintura clásica china con tinta de agua de montaña era tradicionalmente la más común. prestigiosa forma de arte visual. Las teorías estéticas en ambas regiones dieron el estatus más alto a las obras consideradas que requieren la mayor imaginación del artista. En Occidente esto era pintura de historia , pero en Asia Oriental era el paisaje imaginario, donde los practicantes famosos eran, al menos en teoría, literatos aficionados , incluidos varios emperadores tanto de China como de Japón. A menudo también eran poetas cuyas líneas e imágenes se ilustraban entre sí.

Sin embargo, en Occidente, la pintura de historia llegó a requerir un extenso fondo de paisaje cuando fuera apropiado, por lo que la teoría no funcionó del todo en contra del desarrollo de la pintura de paisaje; durante varios siglos, los paisajes fueron promovidos regularmente al estado de pintura de historia mediante la adición de pequeños figuras para hacer una escena narrativa, típicamente religiosa o mitológica.

Tradición occidental

Medieval

En el arte medieval occidental temprano, el interés por el paisaje desaparece casi por completo, manteniéndose vivo solo en copias de obras de la Antigüedad tardía como el Salterio de Utrecht ; la última reelaboración de esta fuente, en una versión gótica temprana, reduce los paisajes anteriormente extensos a unos pocos árboles que llenan los huecos en la composición, sin sentido del espacio general. Un resurgimiento del interés por la naturaleza se manifestó inicialmente principalmente en representaciones de pequeños jardines como el Hortus Conclusus o los de tapices millefleur . Los frescos de figuras trabajando o jugando frente a un fondo de árboles densos en el Palacio de los Papas, Aviñón, son probablemente una supervivencia única de lo que era un tema común. Varios frescos de jardines han sobrevivido de casas romanas como la Villa de Livia .

Mano G, Bas-de-page del Bautismo de Cristo , Horas Turín-Milán , Flandes c. 1425

Durante el siglo XIV, Giotto di Bondone y sus seguidores comenzaron a reconocer la naturaleza en su trabajo, introduciendo cada vez más elementos del paisaje como escenario de fondo para la acción de las figuras en sus pinturas. A principios del siglo XV, la pintura de paisaje se estableció como un género en Europa, como escenario de la actividad humana, a menudo expresada en un tema religioso, como los temas del Descanso en la Huida a Egipto , el Viaje de los Magos o San Jerónimo en el desierto . Los manuscritos iluminados de lujo fueron muy importantes en el desarrollo temprano del paisaje, especialmente las series de los Trabajos de los meses como las de Très Riches Heures du Duc de Berry , que mostraban convencionalmente pequeñas figuras de género en escenarios paisajísticos cada vez más grandes. Un avance particular se muestra en las horas menos conocidas de Turín-Milán , ahora destruidas en gran parte por el fuego, cuyos desarrollos se reflejaron en la pintura de los primeros Países Bajos durante el resto del siglo. El artista conocido como "Hand G", probablemente uno de los hermanos Van Eyck , fue especialmente exitoso en la reproducción de efectos de luz y en una progresión de apariencia natural desde el primer plano hasta la vista lejana. Esto fue algo que a otros artistas les resultó difícil durante un siglo o más, a menudo resolviendo el problema mostrando un fondo de paisaje desde la parte superior de un parapeto o alféizar de una ventana, como desde una altura considerable.

Renacimiento

Pieter Brueghel el Viejo , Los cosechadores , 1565: Paz y agricultura en un paisaje ideal prerromántico, sin terrores sublimes

Los fondos de paisajes para varios tipos de pintura se hicieron cada vez más prominentes y hábiles durante el siglo XV. El período alrededor de finales del siglo XV vio dibujos de paisajes puros y acuarelas de Leonardo da Vinci , Albrecht Dürer , Fra Bartolomeo y otros, pero los temas del paisaje puro en pintura y grabado , aún pequeños, fueron producidos por primera vez por Albrecht Altdorfer y otros de la Escuela alemana del Danubio a principios del siglo XVI. Sin embargo, el exterior de las alas de un tríptico de Gerard David , que data de "alrededor de 1510-15", es el más antiguo de los Países Bajos y posiblemente de Europa. Al mismo tiempo, Joachim Patinir en los Países Bajos desarrolló el " paisaje mundial ", un estilo de paisaje panorámico con figuras pequeñas y con un alto mirador aéreo, que siguió siendo influyente durante un siglo, siendo utilizado y perfeccionado por Pieter Brueghel el Viejo . El desarrollo italiano de un completo sistema de perspectiva gráfica se conocía ahora en toda Europa, lo que permitió pintar con gran eficacia vistas grandes y complejas.

Tiziano , La Vierge au Lapin à la Loupe (La Virgen del Conejo), 1530, Louvre , París . Fondo de paisaje de estilo italiano idealizado.

Los paisajes se idealizaron, en su mayoría reflejando un ideal pastoral extraído de la poesía clásica que fue expresado por primera vez por Giorgione y el joven Tiziano , y que permaneció asociado sobre todo con el paisaje montañoso y boscoso de Italia, que fue representado por artistas del norte de Europa que nunca habían visitado Italia. al igual que los literatos de China y Japón pintaban montañas vertiginosas. Aunque a menudo se animaba a los artistas jóvenes a visitar Italia para experimentar la luz italiana , muchos artistas del norte de Europa podían ganarse la vida vendiendo paisajes italianos sin siquiera molestarse en hacer el viaje. De hecho, ciertos estilos fueron tan populares que se convirtieron en fórmulas que podían copiarse una y otra vez.

La publicación en Amberes en 1559 y 1561 de dos series de un total de 48 grabados (los Pequeños Paisajes ) a partir de dibujos de un artista anónimo conocido como el Maestro de los Pequeños Paisajes marcó un alejamiento de los imaginarios paisajes lejanos con contenido religioso. del paisaje mundial hacia representaciones en primer plano a la altura de los ojos de fincas de campo identificables y aldeas pobladas con figuras dedicadas a las actividades diarias. Al abandonar el punto de vista panorámico del paisaje mundial y centrarse en lo humilde, rural e incluso topográfico, los Pequeños Paisajes prepararon el escenario para la pintura de paisajes holandeses en el siglo XVII. Después de la publicación de Small Landscapes, los paisajistas de los Países Bajos continuaron con el paisaje mundial o siguieron el nuevo modo presentado por Small Landscapes.

Rembrandt , Los tres árboles , 1643 Aguafuerte

Siglos XVII y XVIII

Jan van Goyen , paisaje de dunas , c. 1630-1635, un ejemplo del estilo "tonal" en la pintura holandesa del Siglo de Oro

La popularidad de las escenas de paisajes exóticos se puede ver en el éxito del pintor Frans Post , quien pasó el resto de su vida pintando paisajes brasileños después de un viaje allí en 1636-1644. Otros pintores que nunca cruzaron los Alpes pudieron ganar dinero vendiendo paisajes de Renania , y otros más por construir escenas de fantasía para un encargo en particular, como la vista de Cornelis de Man sobre Smeerenburg en 1639.

Se desarrollaron fórmulas composicionales utilizando elementos como el repositorio que siguen siendo influyentes en la fotografía y la pintura modernas, en particular por Poussin y Claude Lorrain , ambos artistas franceses que vivieron en la Roma del siglo XVII y que pintaron temas en gran parte clásicos, o escenas bíblicas ambientadas en los mismos paisajes. A diferencia de sus contemporáneos holandeses, los paisajistas italianos y franceses todavía querían mantener su clasificación dentro de la jerarquía de géneros como pintura de historia al incluir pequeñas figuras para representar una escena de la mitología clásica o la Biblia. Salvator Rosa dio una emoción pintoresca a sus paisajes al mostrar el país más salvaje del sur de Italia, a menudo poblado por bandidos .

La pintura holandesa de la Edad de Oro del siglo XVII vio el crecimiento dramático de la pintura de paisajes, en la que se especializaron muchos artistas, y el desarrollo de técnicas realistas extremadamente sutiles para representar la luz y el clima. Hay diferentes estilos y períodos, y subgéneros de pintura marina y animal, así como un estilo distintivo de paisaje italiano. La mayoría de los paisajes holandeses eran relativamente pequeños, pero los paisajes de la pintura barroca flamenca , todavía habitualmente poblados, eran a menudo muy grandes, sobre todo en la serie de obras que Peter Paul Rubens pintó para sus propias casas. Los grabados de paisajes también fueron populares, siendo los de Rembrandt y los trabajos experimentales de Hercules Seghers considerados los más finos.

Los holandeses tendían a hacer pinturas más pequeñas para casas más pequeñas. Algunas especialidades del paisaje holandesas nombradas en los inventarios de la época incluyen el Batalje , o escena de batalla; el Maneschijntje , o escena de la luz de la luna; los Bosjes , o escena del bosque; el Boederijtje , o escena de la granja, y el Dorpje o escena del pueblo. Aunque no se nombró en ese momento como un género específico, la popularidad de las ruinas romanas inspiró a muchos pintores paisajistas holandeses de la época a pintar las ruinas de su propia región, como monasterios e iglesias en ruinas después de la Beeldenstorm .

Jacob van Ruisdael es considerado el más versátil de todos los paisajistas holandeses del Siglo de Oro. La popularidad de los paisajes en los Países Bajos fue en parte un reflejo de la virtual desaparición de la pintura religiosa en una sociedad calvinista , y el declive de la pintura religiosa en los siglos XVIII y XIX en toda Europa combinada con el Romanticismo para dar a los paisajes un aspecto mucho mayor y más intenso. prestigioso lugar en el arte del siglo XIX de lo que habían asumido antes.

En Inglaterra, los paisajes inicialmente habían sido en su mayoría fondos de retratos, por lo general sugiriendo los parques o propiedades de un terrateniente, aunque en su mayoría pintados en Londres por un artista que nunca había visitado los acres ondulados de su modelo. La tradición inglesa fue fundada por Anthony van Dyck y otros artistas en su mayoría flamencos que trabajaban en Inglaterra, pero en el siglo XVIII las obras de Claude Lorrain se recopilaron con entusiasmo e influyeron no solo en las pinturas de paisajes, sino también en los jardines paisajistas ingleses de Capability Brown y otros.

Acuarela en la tradición inglesa, John Robert Cozens , Lago de Vico entre Roma y Florencia , c. 1783

En el siglo XVIII, la pintura de acuarela , principalmente de paisajes, se convirtió en una especialidad inglesa, con un mercado boyante de obras profesionales y un gran número de pintores aficionados, muchos siguiendo los sistemas populares que se encuentran en los libros de Alexander Cozens y otros. A principios del siglo XIX, los artistas ingleses con la más alta reputación moderna eran en su mayoría paisajistas dedicados, que mostraban la amplia gama de interpretaciones románticas del paisaje inglés que se encuentran en las obras de John Constable , JMW Turner y Samuel Palmer . Sin embargo, todos ellos tuvieron dificultades para establecerse en el mercado del arte contemporáneo, que todavía prefería pinturas y retratos de historia.

En Europa, como dijo John Ruskin y Sir Kenneth Clark confirmó, la pintura de paisajes fue la "principal creación artística del siglo XIX" y "el arte dominante", con el resultado de que en el período siguiente la gente "era propensa a asumir que la apreciación de la belleza natural y la pintura del paisaje es una parte normal y duradera de nuestra actividad espiritual "En el análisis de Clark, las formas europeas subyacentes de convertir la complejidad del paisaje en una idea eran cuatro enfoques fundamentales: la aceptación de símbolos descriptivos, una curiosidad sobre los hechos de la naturaleza, la creación de la fantasía para disipar los temores profundamente arraigados de la naturaleza y la creencia en una Edad de Oro de armonía y orden, que podría recuperarse.

El siglo XVIII también fue una gran época para la impresión topográfica, que representa con más o menos precisión una vista real de una manera que rara vez lo hacía la pintura de paisajes. Inicialmente, estos se centraban principalmente en un edificio, pero a lo largo del siglo, con el crecimiento del movimiento romántico, los paisajes puros se hicieron más comunes. La impresión topográfica, a menudo destinada a ser enmarcada y colgada en una pared, siguió siendo un medio muy popular en el siglo XX, pero a menudo se clasificó como una forma de arte inferior a un paisaje imaginado.

Los paisajes en acuarela sobre papel se convirtieron en una especialidad distinta, sobre todo en Inglaterra, donde se desarrolló una tradición particular de artistas talentosos que solo, o casi en su totalidad, pintaron acuarelas de paisajes, como no sucedió en otros países. A menudo se trataba de vistas reales, aunque a veces las composiciones se ajustaban para lograr un efecto artístico. Las pinturas se vendieron a un precio relativamente bajo, pero fueron mucho más rápidas de producir. Estos profesionales podían aumentar sus ingresos formando a los "ejércitos de aficionados" que también pintaban.

Los artistas principales incluyeron a John Robert Cozens , Francis Towne , Thomas Girtin , Michael Angelo Rooker , William Pars , Thomas Hearne y John Warwick Smith , todos a finales del siglo XVIII, y John Glover , Joseph Mallord William Turner , John Varley , John Sell Cotman. , Anthony Copley Fielding , Samuel Palmer a principios del siglo XIX.

Siglos XIX y XX

Caspar David Friedrich , Vagabundo sobre el mar de niebla , 1818. Una imagen clásica del romanticismo alemán .

El movimiento romántico intensificó el interés existente en el arte del paisaje, y los paisajes remotos y salvajes, que habían sido un elemento recurrente en el arte del paisaje anterior, ahora se vuelven más prominentes. El alemán Caspar David Friedrich tenía un estilo distintivo, influenciado por su formación danesa , donde se había desarrollado un estilo nacional distinto, inspirado en el ejemplo holandés del siglo XVII. A esto añadió un romanticismo cuasi místico. Los pintores franceses tardaron más en desarrollar la pintura de paisajes, pero a partir de la década de 1830, Jean-Baptiste-Camille Corot y otros pintores de la Escuela de Barbizon establecieron una tradición paisajística francesa que se convertiría en la más influyente en Europa durante un siglo, con los impresionistas y post- Los impresionistas por primera vez hacen de la pintura de paisajes la principal fuente de innovación estilística general en todos los tipos de pintura.

El nacionalismo de las nuevas Provincias Unidas había sido un factor en la popularidad de la pintura de paisajes holandesa del siglo XVII y en el siglo XIX, cuando otras naciones intentaron desarrollar escuelas nacionales distintivas de pintura, el intento de expresar la naturaleza especial del paisaje de la patria se convirtió en una tendencia generalizada. En Rusia, como en Estados Unidos, el tamaño gigantesco de las pinturas era en sí mismo una declaración nacionalista.

En España , el principal impulsor del género fue el pintor belga Carlos de Haes , uno de los profesores de paisaje más activos de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid desde 1857. Tras estudiar con los grandes maestros del paisaje flamencos, desarrolló su técnica para pintar al aire libre. De regreso a España, Haes se llevó a sus alumnos a pintar en el campo; bajo su enseñanza los "pintores proliferaron y aprovecharon el nuevo sistema ferroviario para explorar los rincones más lejanos de la topografía de la nación".

Carlos de Haes , Los Picos de Europa , 1876

En los Estados Unidos , la escuela del río Hudson , prominente entre mediados y finales del siglo XIX, es probablemente el desarrollo nativo más conocido en el arte del paisaje. Estos pintores crearon obras de enorme escala que intentaron capturar el alcance épico de los paisajes que los inspiraron. El trabajo de Thomas Cole , el fundador generalmente reconocido de la escuela, tiene mucho en común con los ideales filosóficos de las pinturas de paisajes europeos: una especie de fe secular en los beneficios espirituales que se obtienen de la contemplación de la belleza natural. Algunos de los artistas posteriores de la Escuela del Río Hudson, como Albert Bierstadt , crearon obras menos reconfortantes que pusieron un mayor énfasis (con una gran exageración romántica) en el poder crudo, incluso aterrador, de la naturaleza. Frederic Edwin Church , alumno de Cole, sintetizó las ideas de sus contemporáneos con las de los viejos maestros europeos y los escritos de John Ruskin y Alexander von Humboldt para convertirse en el principal pintor paisajista estadounidense del siglo. Los mejores ejemplos del arte paisajístico canadiense se pueden encontrar en las obras del Grupo de los Siete , prominente en la década de 1920.

Aunque ciertamente menos dominante en el período posterior a la Primera Guerra Mundial, muchos artistas importantes todavía pintaron paisajes en la amplia variedad de estilos ejemplificados por Edvard Munch , Georgia O'Keeffe , Charles E. Burchfield , Neil Welliver , Alex Katz , Milton Avery , Peter Doig , Andrew Wyeth , David Hockney y Sidney Nolan .

Galería

Tradición de Asia Oriental

porcelana

Panorama estilo corte a lo largo del río Durante el Festival Qingming , una copia del siglo XVIII del original de la dinastía Song del siglo XII por el artista chino Zhang Zeduan . La pintura original de Zhang es venerada por los estudiosos como "una de las mayores obras maestras de la civilización china". El pergamino comienza en el extremo derecho y culmina arriba cuando el Emperador sube a su yate para unirse a los barcos festivos en el río. Tenga en cuenta las piedras de observación excepcionalmente grandes colocadas en el borde más alejado de la ensenada.
Kuo Hsi , Despejando cielos otoñales sobre montañas y valles , dinastía Song del Norte c. 1070, detalle de un desplazamiento horizontal.
Ma Yuan ( chino :馬 遠, 1160-1225), danza y canto ( campesinos que regresan del trabajo , chino :踏歌 圖), siglo XIII, canción del sur (chino), coleccionado en el Museo del Palacio .
Dong Qichang , Paisaje 1597. Dong Qichang era un funcionario Ming de alto rango pero cascarrabias , que valoraba la expresividad sobre la delicadeza, con sellos de colección y poemas.

La pintura de paisaje ha sido llamada "la mayor contribución de China al arte del mundo" y debe su carácter especial a la tradición taoísta (taoísta) en la cultura china. William Watson señala que "se ha dicho que el papel del arte del paisaje en la pintura china corresponde al del desnudo en occidente, como un tema invariable en sí mismo, pero convertido en vehículo de infinitos matices de visión y sentimiento".

Hay fondos de paisajes cada vez más sofisticados para representar sujetos que muestran la caza, la agricultura o los animales desde la dinastía Han en adelante, con ejemplos sobrevivientes principalmente en relieves de piedra o arcilla de tumbas, que se presume que siguen los estilos predominantes en la pintura, sin duda sin capturar la totalidad efecto de las pinturas originales. El estado exacto de las copias posteriores de obras de renombre de pintores famosos (muchos de los cuales están registrados en la literatura) antes del siglo X no está claro. Un ejemplo es una famosa pintura del siglo VIII de la colección imperial, titulada El emperador Ming Huang viajando en Shu . Esto muestra al séquito cabalgando por montañas vertiginosas del tipo típico de pinturas posteriores, pero está a todo color "produciendo un patrón general que es casi persa", en lo que evidentemente era un estilo de corte popular y de moda.

El cambio decisivo hacia un estilo de paisaje monocromático, casi desprovisto de figuras, se atribuye a Wang Wei (699-759), también famoso como poeta; en su mayoría sólo sobreviven copias de sus obras. Desde el siglo X en adelante, sobrevive un número creciente de pinturas originales, y las mejores obras de la escuela del sur de la dinastía Song (960-1279) permanecen entre las más apreciadas en lo que ha sido una tradición ininterrumpida hasta el día de hoy. La convención china valoraba las pinturas del erudito-caballero aficionado , a menudo también un poeta, sobre las producidas por profesionales, aunque la situación era más compleja que eso. Si incluyen alguna figura, muy a menudo se trata de personas o sabios que contemplan las montañas. Las obras famosas han acumulado una gran cantidad de "sellos de reconocimiento" rojos y, a menudo, poemas agregados por propietarios posteriores: el emperador Qianlong (1711-1799) fue un prolífico sumador de sus propios poemas, siguiendo a emperadores anteriores.

La tradición shan shui nunca tuvo la intención de representar ubicaciones reales, incluso cuando se les dio su nombre, como en la convención de las Ocho Vistas . Un estilo diferente, producido por talleres de artistas profesionales de la corte, pintó vistas oficiales de giras y ceremonias imperiales, con el énfasis principal en escenas muy detalladas de ciudades abarrotadas y grandes ceremonias desde un punto de vista elevado. Estos fueron pintados en rollos de enorme longitud en colores brillantes (ejemplo a continuación).

La escultura china también logra la difícil hazaña de crear paisajes efectivos en tres dimensiones. Existe una larga tradición de apreciación de las " piedras de observación" : rocas formadas naturalmente, típicamente piedra caliza de las orillas de los ríos de montaña que ha sido erosionada en formas fantásticas, fueron transportadas a los patios y jardines de los literatos. Probablemente asociada con estos es la tradición de tallar rocas mucho más pequeñas de jade o alguna otra piedra semipreciosa en forma de montaña, incluidas pequeñas figuras de monjes o sabios. Los jardines chinos también desarrollaron una estética muy sofisticada mucho antes que los de Occidente; el karensansui o jardín seco japonés del budismo zen acerca el jardín aún más a ser una obra de escultura, representando un paisaje sumamente abstracto.

Japón

Cuatro de un conjunto de dieciséis tabiques corredizos hechos para un abad japonés del siglo XVI. Por lo general, para los paisajes japoneses posteriores, el enfoque principal está en una característica en primer plano.

El arte japonés inicialmente adaptó los estilos chinos para reflejar su interés en los temas narrativos en el arte, con escenas ambientadas en paisajes que se mezclan con aquellas que muestran escenas de palacios o ciudades usando el mismo punto de vista alto, cortando techos según sea necesario. Estos aparecieron en los rollos yamato-e muy largos de escenas que ilustran el cuento de Genji y otros temas, principalmente de los siglos XII y XIII. El concepto del pintor caballero-aficionado tuvo poca resonancia en el Japón feudal , donde los artistas eran generalmente profesionales con un fuerte vínculo con su maestro y su escuela, más que los artistas clásicos del pasado lejano, de los que los pintores chinos tendían a inspirarse. . Inicialmente, la pintura estaba completamente coloreada, a menudo de manera brillante, y el paisaje nunca abruma a las figuras, que a menudo son bastante grandes.

La escena de la Biografía del sacerdote Ippen que se ilustra a continuación es de un rollo que en su totalidad mide 37,8 cm × 802,0 cm, para solo uno de los doce rollos que ilustran la vida de un monje budista ; al igual que sus homólogos occidentales, los monasterios y templos encargaron muchas de estas obras, y estas han tenido más posibilidades de sobrevivir que sus equivalentes cortesanos. Aún más raros son supervivencias de paisaje Byobu biombos y colgando pergaminos , que parecen tener común en los círculos de la corte - la historia de Genji tiene un episodio donde los miembros de la corte producen las mejores pinturas de sus colecciones para una competición. Estos estaban más cerca del shan shui chino, pero aún estaban completamente coloreados.

Muchos más temas paisajísticos puros sobreviven desde el siglo XV en adelante; varios artistas clave son el clero budista zen y trabajaron en un estilo monocromático con mayor énfasis en las pinceladas a la manera china. Algunas escuelas adoptaron un estilo menos refinado, con vistas más pequeñas que daban mayor énfasis al primer plano. Un tipo de imagen que tuvo un atractivo duradero para los artistas japoneses, y que llegó a llamarse el "estilo japonés", de hecho se encuentra por primera vez en China. Esto combina uno o más pájaros, animales o árboles grandes en primer plano, típicamente a un lado en una composición horizontal, con un paisaje más amplio más allá, que a menudo solo cubre partes del fondo. Las versiones posteriores de este estilo a menudo prescindieron por completo de un fondo de paisaje.

El estilo ukiyo-e que se desarrolló a partir del siglo XVI, primero en pintura y luego en grabados en madera de colores, baratos y ampliamente disponibles, inicialmente se concentró en la figura humana, individualmente y en grupos. Pero a partir del paisaje de finales del siglo XVIII, el ukiyo-e se desarrolló bajo Hokusai e Hiroshige para convertirse en el tipo más conocido de arte paisajístico japonés.

Persia e India

Un raro paisaje puro en miniatura persa , con un río, Tabriz (?), Primer cuarto del siglo XIV.

Aunque hay algunos elementos del paisaje en el arte anterior, la tradición del paisaje de la miniatura persa realmente comienza en el período Ilkhanid , en gran parte bajo la influencia china. Se prefiere el país montañoso rocoso, que se muestra lleno de animales y plantas que se representan de manera cuidadosa e individual, al igual que las formaciones rocosas. La convención particular del punto de vista elevado que se desarrolló en la tradición llena la mayoría de los espacios de imagen de formato vertical con el paisaje, aunque las nubes también se muestran típicamente en el cielo, que se muestran en una convención ondulada extraída del arte chino. Por lo general, todo lo que se ve está bastante cerca del espectador y hay pocas vistas distantes. Normalmente, todas las imágenes de paisajes muestran escenas narrativas con figuras, pero hay algunas escenas de paisajes puros dibujados en álbumes.

La pintura hindú llevaba mucho tiempo ambientada en medio de una exuberante vegetación, como exigían muchas de las historias representadas. La pintura mogol combinaba esto y el estilo persa, y en miniaturas de cacerías reales a menudo representaba amplios paisajes. Las escenas ambientadas durante las lluvias monzónicas , con nubes oscuras y relámpagos, son populares. Posteriormente, la influencia de los grabados europeos es evidente.

Técnicas

Una versión coreana del siglo XVIII del estilo literario chino de Jeong Seon, que era inusual al pintar paisajes de la vida.

La mayoría de los paisajes tempranos son claramente imaginarios, aunque desde muy temprano las vistas de paisajes urbanos están claramente destinadas a representar ciudades reales, con diversos grados de precisión. Se utilizaron varias técnicas para simular la aleatoriedad de las formas naturales en las composiciones inventadas: el consejo medieval de Cennino Cennini de copiar peñascos irregulares de pequeñas rocas rugosas fue aparentemente seguido tanto por Poussin como por Thomas Gainsborough , mientras que Degas copió las formas de las nubes de un pañuelo arrugado sostenido en alto. contra la luz. El sistema de Alexander Cozens utilizó manchas de tinta al azar para dar la forma básica de un paisaje inventado, para ser elaborado por el artista.

La vista de fondo distintiva a través del lago de Ginebra hasta el pico Le Môle en The Miraculous Draft of Fishes de Konrad Witz (1444) se cita a menudo como el primer paisaje rural occidental que muestra una escena específica. Los estudios de paisaje de Durero representan claramente escenas reales, que pueden identificarse en muchos casos, y fueron al menos en parte realizadas sobre el terreno; los dibujos de Fra Bartolomeo también parecen claramente extraídos de la naturaleza. En general, las obras terminadas de Durero parecen utilizar paisajes inventados, aunque la espectacular vista de pájaro en su grabado Némesis muestra una vista real de los Alpes , con elementos adicionales. Se sabe que varios paisajistas hicieron dibujos y bocetos en acuarela de la naturaleza, pero la evidencia de que las primeras pinturas al óleo se hicieron en el exterior son limitadas. La Hermandad Prerrafaelita hizo esfuerzos especiales en esta dirección, pero no fue hasta la introducción de pinturas al óleo premezcladas en tubos en la década de 1870, seguidas del " caballete de caja" portátil , que la pintura al aire libre se volvió una práctica generalizada.

Una cortina de montañas en la parte posterior del paisaje es estándar en las amplias vistas romanas y más aún en los paisajes chinos. Se le da relativamente poco espacio al cielo en las primeras obras de cualquiera de las dos tradiciones; los chinos a menudo usaban niebla o nubes entre montañas, y también a veces muestran nubes en el cielo mucho antes que los artistas occidentales, quienes inicialmente usan principalmente nubes como soportes o cubiertas para figuras divinas o el cielo. Tanto las pinturas de panel como las miniaturas en los manuscritos generalmente tenían un "cielo" estampado o dorado o un fondo sobre el horizonte hasta alrededor de 1400, pero los frescos de Giotto y otros artistas italianos habían mostrado durante mucho tiempo cielos azules. El único retablo superviviente de Melchior Broederlam , terminado para Champmol en 1399, tiene un cielo dorado poblado no solo por Dios y ángeles, sino también por un pájaro volador. Una escena costera en las Horas de Turín-Milán tiene un cielo nublado con nubes cuidadosamente observadas. En los grabados en madera, un gran espacio en blanco puede hacer que el papel se combe durante la impresión, por lo que Durero y otros artistas a menudo incluyen nubes o garabatos que representan aves para evitar esto.

La tradición china monocromática ha utilizado tinta sobre seda o papel desde sus inicios, con un gran énfasis en la pincelada individual para definir los ts'un o "arrugas" en las laderas de las montañas y las demás características del paisaje. La acuarela occidental es un medio más tonal, incluso con dibujos inferiores visibles.

Paisajes relacionados

El Greco , Vista de Toledo , c.  1596-1600, óleo sobre lienzo, 47,75 × 42,75 cm , Museo Metropolitano de Arte , Nueva York , es uno de los dos paisajes de Toledo que ha sobrevivido. El manejo agresivo de la pintura en el cielo prefigura el expresionismo del siglo XX .
Archip Kuindshi , Noche en el río Dnieper , 1882
Czeslaw Znamierowski , The Green Lakes , 1955, URSS (Lituania), Realismo socialista.

Tradicionalmente, el arte del paisaje representa la superficie de la Tierra , pero existen otros tipos de paisajes, como los paisajes lunares .

  • Skyscapes o Cloudscapes son representaciones de nubes, fenómenos meteorológicos y condiciones atmosféricas.
  • Los paisajes lunares muestran el paisaje de una luna.
  • Los paisajes marinos representan océanos o playas.
  • Los paisajes fluviales representan ríos o arroyos.
  • Los paisajes urbanos o urbanos representan ciudades (paisajes urbanos).
  • Las escenas de batalla son una subdivisión de la pintura militar que, cuando se representa una batalla desde lejos, se desarrolla dentro de un paisaje, un paisaje marino o incluso un paisaje urbano.
  • Los terrenos duros están pavimentados sobre áreas como calles y aceras, grandes complejos comerciales y desarrollos de viviendas y áreas industriales.
  • Los paisajes aéreos representan una superficie o suelo desde arriba, especialmente visto desde un avión o una nave espacial. (Cuando el punto de vista está directamente arriba, mirando hacia abajo, por supuesto no hay representación de un horizonte o cielo). Este género se puede combinar con otros, como en los paisajes nubosos aéreos de Georgia O'Keeffe , los paisajes lunares aéreos de Nancy Graves , o los paisajes urbanos aéreos de Yvonne Jacquette .
  • Inscapes son obras de arte parecidas a paisajes (generalmente surrealistas o abstractos ) que buscan transmitir la visión psicoanalítica de la mente como un espacio tridimensional. [Para conocer las fuentes de esta declaración, consulte el artículo de Inscape (arte visual) .]
  • Vedute es el término italiano para vista , y generalmente se usa para el paisaje pintado, a menudo paisajes urbanos que eran una temática de pintura común del siglo XVIII.
  • Fotografía de paisaje

Paisaje y modernismo

Movimientos de arte del paisaje

Albrecht Altdorfer (c. 1480-1538), paisaje del Danubio cerca de Ratisbona c.  1528 , uno de los primeros paisajes puros occidentales. Fue el líder de la Escuela del Danubio en el sur de Alemania.
Pintura de paisaje pastel en plein air

asiático del este

porcelana
Japón, a menudo dinástico

occidental

Antes del siglo XIX
Siglo XIX y XX

Ver también

Notas

Referencias

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  • Dreikausen, Margret, "Percepción aérea: la Tierra vista desde aviones y naves espaciales y su influencia en el arte contemporáneo" (Associated University Press: Cranbury, Nueva Jersey; Londres; Mississauga, Ontario: 1985) ISBN  0-87982-040-3
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  • Watson, William, The Great Japan Exhibition: Art of the Edo Period 1600-1868 , 1981, Royal Academy of Arts / Weidenfeld & Nicolson
  • Andrew Wilton y Anne Lyles, La gran época de las acuarelas británicas, 1750–1880 , 1993, Prestel, ISBN  3791312545
  • Christopher S Wood , Albrecht Altdorfer y los orígenes del paisaje, 1993, Reaktion Books, Londres, ISBN  0-948462-46-9

Otras lecturas

enlaces externos

Medios relacionados con pinturas de paisajes famosos en Wikimedia Commons Medios relacionados con pinturas de paisajes en Wikimedia Commons