L'Orfeo - L'Orfeo

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L'Orfeo
Favola in musica de Claudio Monteverdi
Un joven de cabello largo y suelto, con el torso desnudo, sostiene un instrumento de cuerda en su mano izquierda, mientras mira hacia la izquierda con una expresión conmovedora.
Orfeo , el héroe de la ópera, con un violín, de Cesare Gennari
Libretista Alessandro Striggio
Idioma italiano
Residencia en Leyenda griega de Orfeo
Estreno
1607 Temporada de carnaval

L'Orfeo ( SV 318) ( pronunciación italiana:  [lorˈfɛːo] ), a veces llamado La favola d'Orfeo [la ˈfaːvola dorˈfɛːo] , es una favola in musica u ópera del Renacimiento tardío / barroco temprano , de Claudio Monteverdi , con libreto de Alessandro Striggio . Se basa en la leyenda griega de Orfeo y cuenta la historia de su descenso al Hades y su intento infructuoso de devolver a su esposa muerta Eurídice al mundo de los vivos. Fue escrito en 1607 para una actuación en la corte durante el Carnaval anual de Mantua . Mientras Jacopo Peri 's Dafne es generalmente reconocido como el primer trabajo en el género de la ópera y la ópera temprana de la supervivencia es del Peri Eurídice , Orfeo es el más antiguo que todavía se lleva a cabo con regularidad.

A principios del siglo XVII, el intermedio tradicional —una secuencia musical entre los actos de una obra de teatro directa— estaba evolucionando hacia la forma de un drama musical completo u "ópera". L'Orfeo de Monteverdi sacó este proceso de su era experimental y proporcionó el primer ejemplo completamente desarrollado del nuevo género. Tras su actuación inicial, la obra se volvió a montar en Mantua y posiblemente en otros centros italianos en los próximos años. Su partitura fue publicada por Monteverdi en 1609 y nuevamente en 1615. Después de la muerte del compositor en 1643, la ópera no se representó durante muchos años y fue en gran parte olvidada hasta que un resurgimiento del interés a fines del siglo XIX llevó a una serie de ediciones y representaciones modernas. . Al principio, estas representaciones tendían a ser versiones de conciertos (no escenificadas) dentro de institutos y sociedades musicales, pero después de la primera representación dramatizada moderna en París, en 1911, la obra comenzó a verse en los teatros. Después de la Segunda Guerra Mundial se emitieron muchas grabaciones, y la ópera se representó cada vez más en teatros de ópera, aunque algunos lugares importantes se resistieron. En 2007, el tricentenario del estreno se celebró con actuaciones en todo el mundo.

En su partitura publicada, Monteverdi enumera alrededor de 41 instrumentos que se utilizarán, con distintos grupos de instrumentos utilizados para representar escenas y personajes particulares. Así, cuerdas, clavecines y flautas dulces representan los campos pastorales de Tracia con sus ninfas y pastores, mientras que los metales pesados ​​ilustran el inframundo y sus habitantes. Compuesto en el punto de transición del Renacimiento al Barroco , L'Orfeo emplea todos los recursos conocidos entonces dentro del arte de la música, con un uso particularmente atrevido de la polifonía . El trabajo no está orquestado como tal; en la tradición del Renacimiento, los instrumentistas siguieron las instrucciones generales del compositor, pero se les dio considerable libertad para improvisar.

Antecedentes históricos

Representación artística de un hombre con barba puntiaguda, cuello grueso de gorguera y chaqueta bordada, que sostiene un bastón en la mano derecha y una espada en la izquierda.  Una insignia o escudo de armas se muestra arriba a la izquierda, y una leyenda: "Vincentius Dux Mantua, Mont Ferrat 1600" es visible arriba a la izquierda.
Duque Vincenzo Gonzaga, empleador de Monteverdi en Mantua

Claudio Monteverdi, nacido en Cremona en 1567, fue un prodigio musical que estudió con Marc'Antonio Ingegneri , el maestro di cappella (director de música) en la catedral de Cremona . Después de su formación en canto, interpretación de cuerdas y composición, Monteverdi trabajó como músico en Verona y Milán hasta que, en 1590 o 1591, consiguió un puesto como suonatore di vivuola (viola) en la corte del duque Vincenzo Gonzaga en Mantua . A través de la habilidad y el trabajo duro, Monteverdi se convirtió en el maestro della musica de Gonzaga en 1601.

La pasión particular de Vincenzo Gonzaga por el teatro musical y el espectáculo surgió de sus conexiones familiares con la corte de Florencia . Hacia fines del siglo XVI, innovadores músicos florentinos estaban desarrollando el intermedio —una forma de interludio musical de larga data insertada entre los actos de los dramas hablados— en formas cada vez más elaboradas. Liderados por Jacopo Corsi , estos sucesores de la reconocida Camerata fueron responsables de la primera obra generalmente reconocida como perteneciente al género de la ópera: Dafne , compuesta por Corsi y Jacopo Peri e interpretada en Florencia en 1598. Esta obra combina elementos del canto madrigal y monodia con pasajes bailables e instrumentales para formar un todo dramático. Todavía existen sólo fragmentos de su música, pero varios otros florentina obras del mismo período- Rappresentatione di Anima, et di Corpo por Emilio de 'Cavalieri , de Peri Euridice y Giulio Caccini que está titulado de Euridice -survive completa. Estas dos últimas obras fueron las primeras de muchas representaciones musicales de la Orpheus mito como se relata en Ovid 's Metamorfosis , y como tales fueron los precursores directos de Monteverdi Orfeo .

La corte de Gonzaga tenía una larga trayectoria en la promoción del entretenimiento dramático. Un siglo antes de la época del duque Vincenzo, la corte había representado el drama lírico de Angelo Poliziano La favola di Orfeo , al menos la mitad del cual se cantaba en lugar de hablar. Más recientemente, en 1598, Monteverdi había ayudado al establecimiento musical de la corte a producir la obra Il pastor fido de Giovanni Battista Guarini , descrita por el historiador del teatro Mark Ringer como una "obra teatral decisiva" que inspiró la locura italiana por el drama pastoral. El 6 de octubre de 1600, mientras visitaba Florencia para la boda de María de Médicis con el rey Enrique IV de Francia , el duque Vincenzo asistió al estreno de Eurídice de Peri . Es probable que sus principales músicos, incluido Monteverdi, también estuvieran presentes en esta actuación. El duque reconoció rápidamente la novedad de esta nueva forma de entretenimiento dramático y su potencial para brindar prestigio a quienes estaban dispuestos a patrocinarlo.

Creación

Libreto

Entre los presentes en la actuación de Euridice en octubre de 1600 se encontraba un joven abogado y diplomático de carrera de la corte de Gonzaga, Alessandro Striggio , hijo de un conocido compositor del mismo nombre . El Striggio más joven era él mismo un músico talentoso; cuando tenía 16 años, había tocado el violín en las festividades de la boda del duque Fernando de Toscana en 1589. Junto con los dos hijos pequeños del duque Vincent, Francesco y Fernandino , era miembro de la exclusiva sociedad intelectual de Mantua, la Accademia degli. Invaghiti  [ it ] , que proporcionó la salida principal para las obras teatrales de la ciudad. No está claro en qué momento Striggio comenzó su libreto para L'Orfeo , pero evidentemente el trabajo estaba en marcha en enero de 1607. En una carta escrita el 5 de enero, Francesco Gonzago pide a su hermano, entonces adjunto a la corte florentina, que obtenga el servicios de un castrato de alta calidad del establecimiento del Gran Duque, para un "juego de música" que se está preparando para el Carnaval de Mantua.

Principales fuentes de Striggio para su libreto eran libros 10 y 11 de Ovid 's Metamorfosis y el libro cuarto del Virgilio ' s Geórgicas . Estos le proporcionaron el material básico, pero no la estructura para un drama en escena; los eventos de los actos 1 y 2 del libreto están cubiertos por tan solo 13 líneas en las Metamorfosis . Para ayudar a crear una forma dramática, Striggio recurrió a otras fuentes: la obra de Poliziano de 1480, Il pastor fido de Guarini y el libreto de Ottavio Rinuccini para Euridice de Peri . El musicólogo Gary Tomlinson comenta las muchas similitudes entre los textos de Striggio y Rinuccini, señalando que algunos de los discursos en L'Orfeo "se corresponden estrechamente en contenido e incluso en locución con sus contrapartes en L'Euridice ". La crítica Barbara Russano Hanning escribe que los versos de Striggio son menos sutiles que los de Rinuccini, aunque la estructura del libreto de Striggio es más interesante. Rinuccini, cuyo trabajo había sido escrito para las festividades que acompañan a la boda de los Medici , se vio obligado a alterar el mito para proporcionar un "final feliz" adecuado para la ocasión. Por el contrario, como Striggio no escribía para una celebración formal de la corte, podría ser más fiel al espíritu de la conclusión del mito, en el que Orfeo es asesinado y desmembrado por ménades desquiciadas o "bacantes". Eligió, de hecho, escribir una versión algo apagada de este sangriento final, en el que las Bacantes amenazan con la destrucción de Orfeo pero su destino real queda en duda.

El libreto se publicó en Mantua en 1607 para coincidir con el estreno e incorporó el final ambiguo de Striggio. Sin embargo, la partitura de Monteverdi publicada en Venecia en 1609 por Ricciardo Amadino muestra una resolución completamente diferente, con Orfeo transportado a los cielos a través de la intervención de Apolo. Según Ringer, es casi seguro que el final original de Striggio se usó en el estreno de la ópera, pero no hay duda de que Monteverdi creía que el final revisado era estéticamente correcto. El musicólogo Nino Pirrotta sostiene que el final de Apolo formaba parte del plan original de la obra, pero no se escenificó en el estreno porque la pequeña sala que acogió el evento no podía contener la maquinaria teatral que requería este final. La escena de las Bacantes fue una sustitución; Las intenciones de Monteverdi se restablecieron cuando se eliminó esta restricción.

Composición

una hoja decorada con el título "L'Orfeo: favola in musica da Claudio Monteverdi".  La dedicatoria es al "Serenissimo Dignor D. Francesco Gonzaga" y la fecha que se muestra es MDIX (1609)
Portada de la partitura de L'Orfeo , publicada en Venecia en 1609

Cuando Monteverdi compuso L'Orfeo tenía una sólida base en la música teatral. Había trabajado en la corte de Gonzaga durante 16 años, gran parte de él como intérprete o arreglista de música escénica, y en 1604 había escrito el Ballo Gli amori di Diane ed Endimone para el Carnaval de Mantua de 1604-05. Los elementos a partir de los cuales Monteverdi construyó su primera partitura de ópera —el aria , la canción estrófica , el recitativo , los coros, los bailes, los interludios musicales dramáticos— no fueron, como ha señalado el director Nikolaus Harnoncourt , creados por él, sino que "mezcló todo el material de posibilidades más nuevas y más antiguas en una unidad que era realmente nueva ". El musicólogo Robert Donington escribe de manera similar: "[La partitura] no contiene ningún elemento que no esté basado en un precedente, pero alcanza la madurez completa en esa forma recientemente desarrollada ... Aquí hay palabras tan directamente expresadas en la música como [los pioneros de la ópera] querían expresados; aquí está la música expresándolos ... con la plena inspiración del genio ".

Monteverdi establece los requisitos orquestales al comienzo de su partitura publicada, pero de acuerdo con la práctica del día, no especifica su uso exacto. En ese momento era habitual permitir a cada intérprete de la obra la libertad de tomar decisiones locales, en función de las fuerzas orquestales a su disposición. Estos pueden diferir considerablemente de un lugar a otro. Además, como señala Harnoncourt, todos los instrumentistas habrían sido compositores y habrían esperado colaborar creativamente en cada actuación, en lugar de tocar un texto establecido. Otra práctica de la época era permitir que los cantantes embellecieran sus arias. Monteverdi escribió versiones sencillas y embellecidas de algunas arias, como " Possente spirto " de Orfeo , pero según Harnoncourt "es obvio que donde no escribió ningún adorno no quiso cantar ninguno".

Cada acto de la ópera trata de un solo elemento de la historia y cada uno termina con un coro. A pesar de la estructura de cinco actos, con dos conjuntos de cambios de escena, es probable que L'Orfeo se ajustara a la práctica estándar para los entretenimientos de la corte de esa época y se interpretara como una entidad continua, sin intervalos ni descensos de telón entre actos. Era costumbre contemporánea que los cambios de escena tuvieran lugar a la vista del público, y estos cambios se reflejaban musicalmente en cambios en la instrumentación, el tono y el estilo.

Instrumentación

Una página decorada que muestra dos listas, tituladas respectivamente "Personaggi" (una lista de personajes) y "Stromenti"
Partitura de 1609: la lista de instrumentos de Monteverdi se muestra a la derecha.

A los efectos del análisis, la académica musical Jane Glover ha dividido la lista de instrumentos de Monteverdi en tres grupos principales: cuerdas, metales y continuo , con algunos elementos adicionales que no son fácilmente clasificables. La agrupación de cuerdas está formada por diez miembros de la familia del violín ( viole da brazzo ), dos contrabajos ( contrabassi de viola ) y dos violines de kit ( violini piccoli alla francese ). Los viole da brazzo están en dos conjuntos de cinco partes, cada uno compuesto por dos violines, dos violas y un violonchelo. El grupo de metales contiene cuatro o cinco trombones ( sackbuts ), tres trompetas y dos cornetas . Las fuerzas del continuo incluyen dos clavecines ( duoi gravicembani ), un arpa doble ( arpa doppia ), dos o tres chitarroni , dos órganos de tubos ( organi di legno ), tres bajo viola da gamba y un órgano de lengüeta real o pequeño. Fuera de estas agrupaciones hay dos flautini alla vigesima secunda , y posiblemente una o más cítaras , no incluidas en la lista de Monteverdi, pero incluidas en las instrucciones relativas al final del cuarto acto.

Instrumentalmente, los dos mundos representados dentro de la ópera están representados de manera distintiva. El mundo pastoral de los campos de Tracia está representado por las cuerdas, clavecines, arpa, órganos, flautas dulces y chitarroni. Los instrumentos restantes, principalmente de metal, están asociados con el inframundo, aunque no hay una distinción absoluta; Las cadenas aparecen en varias ocasiones en las escenas de Hades . Dentro de este orden general, se utilizan instrumentos o combinaciones específicas para acompañar a algunos de los personajes principales: Orfeo con el arpa y el órgano, los pastores con el clavicémbalo y el chitarrón, los dioses del inframundo con los trombones y la realeza. Todas estas distinciones y caracterizaciones musicales estaban de acuerdo con las antiguas tradiciones de la orquesta renacentista, de la que es típico el gran conjunto de L'Orfeo .

Monteverdi instruye a sus jugadores en general a "[tocar] la obra de la manera más simple y correcta posible, y no con muchos pasajes o carreras floridas". A los que tocan instrumentos de ornamentación como cuerdas y flautas se les aconseja "tocar noblemente, con mucha invención y variedad", pero se les advierte que no se excedan, ya que "no se oye nada más que caos y confusión, ofensivos para el oyente". Dado que en ningún momento se tocan todos los instrumentos juntos, el número de jugadores necesarios es menor que el número de instrumentos. Harnoncourt indica que en la época de Monteverdi el número de intérpretes y cantantes juntos, y las pequeñas salas en las que se realizaban las actuaciones, a menudo significaba que la audiencia apenas superaba a los intérpretes.

De todos los instrumentos utilizados en la interpretación original de L'Orfeo, tres instrumentos ya no se utilizan en la sociedad moderna: el arpa doble, el cornetto y el regio. El Cornetto era un viento de madera comparable a una trompeta. El arpa doble era un instrumento de cuerda similar al arpa actual. El regio era un teclado similar a un armonio moderno y suena como los tubos de lengüeta de los órganos de tubos . Estos instrumentos se utilizaron casi como personajes de la obra. Particularmente, el regio se usó en muchas escenas que representan al Hades para simbolizar la muerte y reflejar la música de una procesión fúnebre moderna.

Roles

En su personaggi que figura en la partitura de 1609, Monteverdi omite inexplicablemente La messaggera (el Mensajero) e indica que el coro final de pastores que interpretan la moresca (danza morisca) al final de la ópera son un grupo separado ( che fecero la moresca nel fine ). Hay poca información disponible sobre quién cantó los distintos roles en la primera actuación. Una carta publicada en Mantua en 1612 registra que participó el distinguido tenor y compositor Francesco Rasi , y generalmente se supone que interpretó el papel principal. Rasi podía cantar tanto en tenor como en bajo "con un estilo exquisito ... y un sentimiento extraordinario". La participación en el estreno de un castrato florentino, Giovanni Gualberto Magli , está confirmada por la correspondencia entre los príncipes Gonzaga. Magli cantó el prólogo, Proserpina y posiblemente otro papel más, La messaggera o Speranza. El musicólogo e historiador Hans Redlich asigna erróneamente a Magli al papel de Orfeo.

Una pista sobre quién interpretó a Euridice está contenida en una carta de 1608 al duque Vincenzo. Se refiere a "ese pequeño sacerdote que hizo el papel de Euridice en el Orfeo del Príncipe Sereno ". Este sacerdote era posiblemente el padre Girolamo Bacchini , un castrato conocido por haber tenido conexiones con la corte de Mantua a principios del siglo XVII. El erudito de Monteverdi Tim Carter especula que dos prominentes tenores de Mantua, Pandolfo Grande y Francesco Campagnola pueden haber cantado papeles menores en el estreno.

Hay partes individuales para cuatro pastores y tres espíritus. Carter calcula que a través de la duplicación de roles que permite el texto, se requiere un total de diez cantantes —tres sopranos, dos altos, tres tenores y dos bajos— para una actuación, con los solistas (excepto Orfeo) también formando el coro. Los duplicados de roles sugeridos por Carter incluyen La musica con Euridice, Ninfa con Proserpina y La messaggera con Speranza.

Papel Tipo de voz Apariciones Notas
La Musica (Música) mezzo-soprano castrato ( en travesti ) Prólogo
Orfeo (Orfeo) tenor o barítono alto Acto 1, 2, 3, 4, 5
Euridice (Eurídice) mezzo-soprano castrato (en travesti) Acto 1, 4
La messaggera (El mensajero) mezzo-soprano castrato (en travesti) Acto 2 Nombrada en el libreto como "Silvia"
La Speranza (Esperanza) mezzo-soprano castrato (en travesti) Acto 3
Caronte (Caronte) bajo Acto 3
Proserpina (Proserpina) mezzo-soprano castrato (en travesti) Acto 4
Plutone (Plutón) bajo Acto 4
Apolo tenor Acto 5
Ninfa (ninfa) mezzo-soprano castrato (en travesti) acto 1
Eco (eco) tenor Acto 5
Ninfe e pastori (ninfas y pastores) mezzosoprano castratos (en travesti), alto castratos (en travesti), tenores, bajos Acto 1, 2, 5 Solistas: alto castrato (en travesti), dos tenores
Spiriti infernali (espíritus infernales) tenores, bajos Acto 3, 4 Solistas: dos tenores, un bajo

Sinopsis

La acción tiene lugar en dos lugares contrastantes: los campos de Tracia (actos 1, 2 y 5) y el Inframundo (actos 3 y 4). Una toccata instrumental (en inglés: "tucket", que significa una floritura de trompetas) precede a la entrada de La musica, que representa el "espíritu de la música", que canta un prólogo de cinco estrofas de verso. Después de una amable bienvenida a la audiencia, ella anuncia que puede, a través de dulces sonidos, "calmar todo corazón atribulado". Ella canta un himno más al poder de la música, antes de presentar al protagonista principal del drama, Orfeo, quien "cautivó a las bestias salvajes con su canción".

acto 1

Tras la última petición de silencio de La musica, se levanta el telón del primer acto para revelar una escena pastoral. Entran Orfeo y Euridice junto a un coro de ninfas y pastores, que actúan a la manera de un coro griego , comentando la acción tanto en grupo como individualmente. Un pastor anuncia que es el día de la boda de los novios; el coro responde, primero con una invocación majestuosa ("Ven, himen , oh ven") y luego con una danza alegre ("Deja los montes, deja las fuentes"). Orfeo y Euridice cantan su amor el uno por el otro antes de irse con la mayoría del grupo a la ceremonia de la boda en el templo. Los que quedan en el escenario cantan un breve coro, comentando cómo Orfeo solía ser uno "para quien los suspiros eran comida y el llanto era bebida" antes de que el amor lo llevara a un estado de sublime felicidad.

Acto 2

Orfeo vuelve con el coro principal y canta con ellos las bellezas de la naturaleza. Orfeo entonces reflexiona sobre su antigua infelicidad, pero proclama: "Después del dolor uno está más contento, después del dolor uno es más feliz". El ánimo de alegría termina abruptamente cuando entra La messaggera, trayendo la noticia de que, mientras recogía flores, Euridice ha recibido una mordedura de serpiente fatal. El coro expresa su angustia: "¡Ah, amargo suceso, ah, destino impío y cruel!", Mientras que la Messaggera se castiga a sí misma como portadora de malas nuevas ("Por siempre huiré, y en una caverna solitaria llevaré una vida en con mi dolor "). Orfeo, después de desahogar su dolor e incredulidad ("¿Estás muerta, vida mía, y yo respiro?"), Declara su intención de descender al Inframundo y persuadir a su gobernante para que permita que Euridice vuelva a la vida. De lo contrario, dice: "Me quedaré contigo en compañía de la muerte". Se marcha y el coro reanuda su lamento.

Acto 3

Orfeo es guiado por Speranza hasta las puertas del Hades. Tras señalar las palabras inscritas en la puerta ("Abandona la esperanza, todos los que aquí entras"), Speranza se marcha. Orfeo ahora se enfrenta al barquero Caronte , quien se dirige a Orfeo con dureza y se niega a llevarlo al otro lado del río Estigia . Orfeo intenta persuadir a Caronte cantándole una canción halagadora ("Espíritu poderoso y divinidad poderosa"), pero el barquero no se inmuta. Sin embargo, cuando Orfeo toma su lira y toca, Caronte se tranquiliza y se queda dormida. Aprovechando su oportunidad, Orfeo roba el bote del barquero y cruza el río, entrando en el Inframundo mientras un coro de espíritus refleja que la naturaleza no puede defenderse del hombre: "Ha domesticado el mar con frágiles maderas y desdeñado la furia de los vientos".

Acto 4

En el inframundo, Proserpina , la reina de Hades, que se ha visto profundamente afectada por el canto de Orfeo, pide al rey Plutone , su marido, la liberación de Euridice. Conmovido por sus súplicas, Plutone acepta con la condición de que, mientras conduce a Euridice hacia el mundo, Orfeo no debe mirar atrás. Si lo hace, "una sola mirada lo condenará a la pérdida eterna". Entra Orfeo, conduciendo a Euridice y cantando confiado que ese día descansará sobre el pecho blanco de su mujer. Pero mientras canta, una nota de duda se cuela: "¿Quién me va a asegurar que me está siguiendo?". ¿Quizás, piensa, Plutone, impulsado por la envidia, ha impuesto la condición por despecho? De repente, distraído por una conmoción fuera del escenario, Orfeo mira a su alrededor; de inmediato, la imagen de Euridice comienza a desvanecerse. Canta desesperada: "¿Me pierdes por demasiado amor?" y desaparece. Orfeo intenta seguirla, pero es arrastrado por una fuerza invisible. El coro de espíritus canta que Orfeo, habiendo vencido al Hades, fue a su vez vencido por sus pasiones.

Acto 5

De vuelta en los campos de Tracia, Orfeo tiene un largo soliloquio en el que lamenta su pérdida, elogia la belleza de Euridice y resuelve que su corazón nunca más será atravesado por la flecha de Cupido. Un eco fuera del escenario repite sus últimas frases. De repente, en una nube, Apolo desciende de los cielos y lo castiga: "¿Por qué te entregas presa de la ira y el dolor?" Invita a Orfeo a dejar el mundo y unirse a él en los cielos, donde reconocerá la semejanza de Euridice en las estrellas. Orfeo responde que sería indigno no seguir el consejo de un padre tan sabio, y juntos ascienden. Un coro de pastores concluye que "el que siembra en el sufrimiento cosechará el fruto de toda gracia", antes de que la ópera termine con una vigorosa moresca .

Final del libreto original

En el libreto de Striggio de 1607, el soliloquio del quinto acto de Orfeo es interrumpido, no por la aparición de Apolo, sino por un coro de ménades o bacantes —mujeres salvajes y borrachas— que cantan la "furia divina" de su maestro, el dios Baco . La causa de su ira es Orfeo y su renuncia a las mujeres; no escapará de su ira celestial, y cuanto más los evade, más severo será su destino. Orfeo abandona la escena y su destino queda incierto, ya que las Bacantes se dedican el resto de la ópera al canto y al baile salvaje en alabanza a Baco. La autoridad de la música antigua Claude Palisca cree que los dos finales no son incompatibles; Orfeo podría evadir la furia de las Bacantes y ser rescatado por Apolo. Sin embargo, esta alternativa termina en cualquier caso más cerca del mito clásico original, donde también aparecen las Bacantes, pero se hace explícito que lo torturan hasta la muerte, seguido del reencuentro como una sombra con Euridice pero sin apoteosis ni interacción con Apolo.

Historial de recepción y actuación

Estreno y primeras actuaciones

Un edificio largo de piedra gris con una línea de arcos a nivel del suelo, por encima del cual hay una fila de pequeñas ventanas intercaladas con balcones.  Sobre esta fila hay una línea de ventanas más grandes debajo de una línea de techo almenado.
El Palacio Ducal de Mantua , donde se estrenó L'Orfeo en 1607

La fecha de la primera representación de L'Orfeo , el 24 de febrero de 1607, se evidencia en dos cartas, ambas fechadas el 23 de febrero. En el primero, Francesco Gonzaga informa a su hermano que mañana se representará la "obra musical"; De la correspondencia anterior se desprende claramente que esto se refiere a L'Orfeo . La segunda carta es de un funcionario de la corte de Gonzaga, Carlo Magno, y da más detalles: "Mañana por la noche, el Señor Serenísimo el Príncipe patrocinará una [obra de teatro] en una habitación en los apartamentos que la Señora Serena tenía para usar. ... debería ser de lo más inusual, ya que todos los actores deben cantar sus partes ". La "Señora Serena" es la hermana viuda del duque Vincenzo, Margherita Gonzaga d'Este, que vivía dentro del Palacio Ducal . La sala del estreno no se puede identificar con certeza; según Ringer, pudo haber sido la Galleria dei Fiumi, que tiene las dimensiones para acomodar un escenario y una orquesta con espacio para una pequeña audiencia.

No hay un relato detallado del estreno, aunque Francesco escribió el 1 de marzo que el trabajo había "sido de gran satisfacción para todos los que lo escucharon", y había complacido especialmente al duque. El teólogo y poeta de la corte de Mantua, Cherubino Ferrari, escribió que: "Tanto el poeta como el músico han representado las inclinaciones del corazón con tanta habilidad que no podría haberse hecho mejor ... La música, observando la debida propiedad, sirve a la poesía tan bien que nada más bello se escuchará en ninguna parte ". Después del estreno, el duque Vincenzo ordenó una segunda función para el 1 de marzo; se planeó una tercera actuación para que coincidiera con una visita de estado propuesta a Mantua por parte del duque de Saboya . Francesco escribió al duque de Toscana el 8 de marzo, preguntándole si podía contratar los servicios del castrato Magli por un tiempo más. Sin embargo, la visita fue cancelada, al igual que la actuación de celebración.

Hay sugerencias de que en los años posteriores al estreno, L'Orfeo pudo haberse representado en Florencia, Cremona, Milán y Turín, aunque una evidencia más firme sugiere que la obra atrajo un interés limitado más allá de la corte de Mantua. Francesco pudo haber montado una producción en Casale Monferrato , donde fue gobernador, para el Carnaval de 1609-10, y hay indicios de que la obra se realizó en varias ocasiones en Salzburgo entre 1614 y 1619, bajo la dirección de Francesco Rasi. Años más tarde, durante el primer florecimiento de la ópera veneciana en 1637–43, Monteverdi decidió revivir allí su segunda ópera, L'Arianna , pero no L'Orfeo . Hay alguna evidencia de actuaciones poco después de la muerte de Monteverdi: en Ginebra en 1643, y en París, en el Louvre , en 1647. Aunque, según Carter, la obra todavía era admirada en toda Italia en la década de 1650, posteriormente fue olvidada, como en gran parte fue Monteverdi, hasta el resurgimiento del interés por sus obras a finales del siglo XIX.

Avivamientos del siglo XX

Retrato de cabeza y parte superior del cuerpo de un hombre de mediana edad con cabello oscuro y bigote pesado, sosteniendo un cigarrillo en su mano derecha
Vincent d'Indy, quien supervisó el primer renacimiento de L'Orfeo en 1904 en el siglo XX.

Después de años de abandono, la música de Monteverdi comenzó a atraer el interés de los historiadores de la música pioneros a finales del siglo XVIII y principios del XIX, y desde el segundo cuarto del siglo XIX en adelante se habla de él cada vez más en las obras académicas. En 1881, Robert Eitner publicó en Berlín una versión truncada de la partitura de L'Orfeo , destinada al estudio más que a la interpretación . En 1904, el compositor Vincent d'Indy produjo una edición en francés, que comprendía solo el acto 2, un acto 3 abreviado y el acto 4. Esta edición fue la base de la primera representación pública de la obra en dos siglos y medio. , un concierto en la Schola Cantorum de d'Indy el 25 de febrero de 1904. El distinguido escritor Romain Rolland , que estuvo presente, elogió a d'Indy por darle vida a la ópera y devolverla "a la belleza que alguna vez tuvo, liberándola de la torpes restauraciones que lo han desfigurado ", presumiblemente una referencia a la edición de Eitner. La edición d'Indy fue también la base de la primera representación escénica moderna de la obra, en el Théâtre Réjane , París, el 2 de mayo de 1911.

Una edición de la partitura del compositor italiano menor Giacomo Orefice (Milán, 1909) recibió varios conciertos en Italia y en otros lugares antes y después de la Primera Guerra Mundial. Esta edición fue la base del debut de la ópera en los Estados Unidos, otro concierto en el New York Met en abril de 1912. La ópera se introdujo en Londres, en la edición de d'Indy, cuando se cantó con acompañamiento de piano en el Institut Français el 8 Marzo de 1924. El 7 de diciembre de 1925, la Sociedad Operativa de la Universidad de Oxford realizó la primera representación británica, con solo pequeños cortes, utilizando una edición preparada para el evento por Jack Westrup . En el London Saturday Review , el crítico musical Dyneley Hussey calificó la ocasión como "uno de los acontecimientos más importantes de los últimos años"; la producción había "indicado de inmediato la pretensión de Monteverdi de figurar entre los grandes genios que han escrito música dramática". La edición de Westrup se revivió en Londres en el Scala Theatre en diciembre de 1929, el mismo año en que la ópera recibió su primera representación en escena en Estados Unidos, en Smith College , Northampton, Massachusetts. Las tres representaciones de Scala resultaron en un desastre financiero y la ópera no se volvió a ver en Gran Bretaña durante 35 años.

Entre una oleada de avivamientos después de 1945 se encontraba la edición de Paul Hindemith , una reconstrucción de época completa de la obra preparada en 1943, que fue puesta en escena y grabada en el Festival de Viena en 1954. Esta actuación tuvo un gran impacto en el joven Nikolaus Harnoncourt , y fue aclamado como una obra maestra de erudición e integridad. La primera representación en Nueva York, realizada por la New York City Opera bajo la dirección de Leopold Stokowski el 29 de septiembre de 1960, vio el debut operístico estadounidense de Gérard Souzay , uno de los varios barítonos que han interpretado el papel de Orfeo. El teatro fue criticada por el New York Times el crítico Harold C. Schonberg porque, para dar cabida a una representación de Luigi Dallapiccola ópera contemporánea 's Il prigioniero , aproximadamente un tercio de L'Orfeo fue cortada. Schonberg escribió: "Incluso el aria más grande de la ópera, 'Possente spirito', tiene una barra oblicua de buen tamaño en el medio ... [ L'Orfeo ] es lo suficientemente larga e importante, por no mencionar lo suficientemente hermosa, para tener ha sido la ópera de toda la noche ".

A finales del siglo XX, la ópera se proyectaba en todo el mundo. En 1965, Sadler's Wells , precursor de la English National Opera (ENO), organizó la primera de muchas presentaciones de ENO que continuarían en el siglo XXI. Entre las diversas celebraciones que marcaron el 400 aniversario de la ópera en 2007 se encontraban una actuación semi-escenificada en el Teatro Bibiena de Mantua , una producción a gran escala del English Bach Festival (EBF) en el Whitehall Banqueting House de Londres el 7 de febrero, y un poco convencional producción de Glimmerglass Opera en Cooperstown, Nueva York , dirigida por Antony Walker y dirigida por Christopher Alden . El 6 de mayo de 2010, la BBC transmitió una representación de la ópera desde La Scala de Milán. A pesar de la renuencia de algunos grandes teatros de ópera a poner en escena L'Orfeo , es una obra popular entre los principales conjuntos barrocos. Durante el período 2008-2010, Les Arts Florissants , con sede en Francia , bajo la dirección de William Christie , presentó la trilogía de óperas Monteverdi ( L'Orfeo , Il ritorno d'Ulisse y L'incoronazione di Poppea ) en una serie de representaciones en el Teatro Real de Madrid .

Música

Cuatro pentagramas de manuscrito musical, titulados "Prologo. La musica", con una firma de clave decorativa "D"
Una página de la partitura de 1609 de L'Orfeo

L'Orfeo es, en el análisis de Redlich, el producto de dos épocas musicales. Combina elementos del estilo madrigal tradicional del siglo XVI con los del modo florentino emergente, en particular el uso del canto recitativo y monódico desarrollado por la Camerata y sus sucesores. En este nuevo estilo, el texto domina la música; mientras que las sinfonias y los ritornelli instrumentales ilustran la acción, la atención del público siempre se dirige principalmente a las palabras. Los cantantes deben hacer más que producir sonidos vocales agradables; deben representar a sus personajes en profundidad y transmitir emociones adecuadas.

El estilo recitativo de Monterverdi fue influenciado por Peri, en Euridice , aunque en L'Orfeo el recitativo es menos preponderante de lo que era habitual en la música dramática de esta época. Representa menos de una cuarta parte de la música del primer acto, alrededor de un tercio del segundo y tercer actos, y un poco menos de la mitad en los dos últimos actos.

La importancia de L'Orfeo no es que fuera la primera obra de este tipo, sino que fue el primer intento de aplicar todos los recursos del arte de la música, tal como evolucionó entonces, al naciente género de la ópera. En particular, Monteverdi realizó atrevidas innovaciones en el uso de la polifonía , de la que Palestrina había sido el principal exponente. En L'Orfeo , Monteverdi extiende las reglas, más allá de las convenciones que los compositores polifónicos, fieles a Palestrina, habían considerado anteriormente sacrosantas. Monteverdi no era un orquestador en el sentido generalmente entendido; Ringer encuentra que es el elemento de improvisación instrumental lo que hace de cada interpretación de una ópera de Monteverdi una "experiencia única, y separa su obra del canon operístico posterior".

La ópera comienza con una toccata de sonido marcial para trompetas que se repite dos veces. Cuando se toca con instrumentos de viento de época, el sonido puede sorprender al público moderno; Redlich lo llama "demoledor". Tales florituras eran la señal estándar para el comienzo de las actuaciones en la corte de Mantua; el coro de apertura de las Vísperas de Monteverdi de 1610 , también compuesto para la corte de Gonzaga, emplea la misma fanfarria. La toccata actuó como un saludo al duque; según Donington, si no se hubiera escrito, el precedente habría requerido que se improvisara. A medida que el sonido metálico de la toccata se desvanece, es reemplazado por el tono más suave del ritornello de cuerdas que introduce el prólogo de La musica. El ritornello se repite en forma abreviada entre cada uno de los cinco versos del prólogo, y en su totalidad después del verso final. Su función dentro de la ópera en su conjunto es representar el "poder de la música"; como tal, se escucha al final del segundo acto, y nuevamente al comienzo del quinto acto, uno de los primeros ejemplos de un leitmotiv operístico . Está estructurado temporalmente como un palíndromo y su forma de variaciones estróficas permite a Monteverdi modelar cuidadosamente el tiempo musical con fines expresivos y estructurales en el contexto de la seconda prattica .

Después del prólogo, el acto 1 sigue en forma de idilio pastoral. Dos estribillos, uno solemne y otro jovial, se repiten en orden inverso alrededor del canto de amor central "Rosa del ciel", seguidos de los cantos de alabanza de los pastores. El ánimo optimista continúa en el segundo acto, con canciones y música de baile influenciadas, según Harnoncourt, por la experiencia de Monteverdi con la música francesa. La súbita entrada de La messaggera con la triste noticia de la muerte de Euridice, y la confusión y el dolor que la siguen, se reflejan musicalmente en duras disonancias y en la yuxtaposición de tonalidades. La música permanece en esta línea hasta que el acto termina con el ritornello de La musica, un indicio de que el "poder de la música" aún puede lograr un triunfo sobre la muerte. Las instrucciones de Monteverdi al concluir el acto son que los violines, el órgano y el clavicémbalo se silencian y que la música es retomada por los trombones, las cornetas y el regio , a medida que la escena cambia al Inframundo.

La pieza central del tercer acto, quizás de toda la ópera, es el aria ampliada de Orfeo "Possente spirto e formidabil nume" ("Espíritu poderoso y divinidad poderosa"), mediante la cual intenta persuadir a Caronte para que le permita entrar en el Hades. Los adornos vocales y el acompañamiento virtuoso de Monteverdi proporcionan lo que Carter describe como "una de las representaciones visuales y auditivas más convincentes" en la ópera temprana. El color instrumental lo proporcionan un chitarrone , un órgano de tubos, dos violines, dos cornetas y un arpa doble. Este conjunto, según el historiador y analista de la música John Whenham , pretende sugerir que Orfeo está aprovechando todas las fuerzas disponibles de la música para apoyar su súplica. En el acto 4 la frialdad impersonal del Inframundo se rompe con la calidez del canto de Proserpina en nombre de Orfeo, una calidez que se conserva hasta el momento dramático en el que Orfeo "mira hacia atrás". Los sonidos fríos de la sinfonia desde el comienzo del acto 3 nos recuerdan que el inframundo, después de todo, está completamente desprovisto de sentimiento humano. El breve acto final, que ve el rescate y la metamorfosis de Orfeo, está enmarcado por la aparición final del ritornello de La musica y la animada moresca que pone fin a la ópera. Esta danza, dice Ringer, recuerda las jigs bailadas al final de las tragedias de Shakespeare y proporciona un medio para devolver al público a su mundo cotidiano, "tal como la toccata los había llevado a otro reino unas dos horas antes. la toccata y la moresca unen la realidad cortesana con la ilusión operística ".

Historial de grabaciones

La primera grabación de L'Orfeo se publicó en 1939, una versión adaptada libremente de la música de Monteverdi por Giacomo Benvenuti , a cargo de la orquesta de La Scala de Milán dirigida por Ferrucio Calusio . En 1949, para la grabación de la ópera completa de la Berlin Radio Orchestra dirigida por Helmut Koch , se utilizó el nuevo medio de discos de larga duración (LP). El advenimiento de las grabaciones en LP fue, como Harold C. Schonberg escribió más tarde, un factor importante en el resurgimiento de la posguerra del interés por la música renacentista y barroca, y desde mediados de la década de 1950 las grabaciones de L'Orfeo se han publicado en muchos sellos. La grabación de 1969 de Nikolaus Harnoncourt y el Vienna Concentus Musicus, utilizando la edición de Harnoncourt basada en instrumentos de época, fue elogiada por "hacer que la música de Monteverdi sonara como él imaginaba". En 1981 Siegfried Heinrich, con el Estudio de Música Antigua de la Orquesta de Cámara de Hesse, grabó una versión que recreaba el final del libreto original de Striggio, agregando música del ballet Tirsi e Clori de Monteverdi de 1616 para las escenas de bacante. Entre las grabaciones más recientes, la de Emmanuelle Haïm en 2004 ha sido elogiada por su efecto dramático.

Ediciones

Tras la publicación de la partitura de L'Orfeo en 1609, el mismo editor ( Ricciardo Amadino de Venecia) la volvió a publicar en 1615. Se imprimieron facsímiles de estas ediciones en 1927 y 1972 respectivamente. Desde la primera edición "moderna" de L'Orfeo de Eitner en 1884, y la edición escénica de d'Indy 20 años después, ambas versiones abreviadas y adaptadas de la partitura de 1609, ha habido muchos intentos de editar y presentar la obra, no todos ellos publicados. La mayoría de las ediciones que siguieron a d'Indy hasta la época de la Segunda Guerra Mundial fueron arreglos, generalmente muy truncados, que proporcionaron una base para las representaciones en el idioma de la ópera moderna. Muchos de ellos fueron obra de compositores, incluidos Carl Orff (1923 y 1939) y Ottorino Respighi en 1935. La partitura de Orff de 1923, utilizando un texto alemán, incluía algunos instrumentos de época, un experimento que abandonó cuando produjo su versión posterior.

En el período de la posguerra, las ediciones se han movido cada vez más para reflejar las convenciones de rendimiento de la época de Monteverdi. Esta tendencia fue iniciada por dos ediciones anteriores, la de Jack Westrup utilizada en las representaciones de Oxford de 1925, y la edición completa de 1930 de Gian Francesco Malipiero , que se apega al original de Monteverdi de 1609. Después de la guerra, el intento de reconstrucción de la obra por parte de Hindemith fue seguido en 1955 por una edición de August Wenzinger que se mantuvo en uso durante muchos años. Los siguientes 30 años vieron numerosas ediciones, en su mayoría preparadas por artistas intérpretes o ejecutantes más que por compositores, generalmente apuntando hacia la autenticidad, si no siempre la recreación completa de la instrumentación original. Estos incluyeron versiones de Raymond Leppard (1965), Denis Stevens (1967), Nikolaus Harnoncourt (1969), Jane Glover (1975), Roger Norrington (1976) y John Eliot Gardiner . Solo los compositores Valentino Bucchi (1967), Bruno Maderna (1967) y Luciano Berio (1984) produjeron ediciones basadas en la convención de una gran orquesta moderna. En el siglo XXI se siguen produciendo ediciones, a menudo para su uso junto con una interpretación o grabación en particular.

notas y referencias

Notas

Referencias

Fuentes

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Otras lecturas

enlaces externos