Joy Laville - Joy Laville
Joy Laville (8 de septiembre de 1923-13 de abril de 2018) fue una artista inglesa / mexicana cuya carrera artística comenzó y se desarrolló principalmente en México cuando llegó al país para tomar clases de arte en San Miguel de Allende . Allí conoció al escritor mexicano Jorge Ibargüengoitia , con quien se casó en 1973. Durante este tiempo, su carrera artística se desarrolló principalmente en tonos pasteles con una calidad reflexiva. En 1983, Ibargüengoitia murió en un accidente aéreo en España y la pintura de Laville cambió drásticamente. Desde entonces, su trabajo se ha centrado en la pérdida de su marido, directa o indirectamente con temas de finalidad, eternidad y preguntarse qué más hay. Su trabajo ha sido exhibido en México y en el extranjero, incluido el Palacio de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno . En 2012, recibió la Medalla Bellas Artes por el trabajo de su vida.
La vida
.jpg)
Joy Laville nació el 8 de septiembre de 1923 en Ryde en la Isla de Wight . Su padre era Francis Laville, capitán del Ejército indio del Séptimo Regimiento Rajput. Su madre fue Vera Elizabeth Perren. Mientras Joy fue concebida en India , su madre decidió irse a Inglaterra para dar a luz porque perdió su primer embarazo. Sus padres se divorciaron poco después del nacimiento de su hermana menor, Rosemarie, y Joy tenía cinco años. Su madre se volvió a casar poco después y su padre murió en 1939 de tuberculosis .
Joy se describe a sí misma como una niña tranquila y sensible pero feliz, cerca del océano con su talento para dibujar apareciendo temprano. De niña tomó clases de ballet y piano. Un dibujo frecuente fue el de bailarinas.
Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial , Joy y su hermana tuvieron que dejar la escuela y quedarse en casa. Aburrida, pidió clases de arte y su madre la envió a una escuela de arte en el sur de Inglaterra. Debido a las necesidades de la guerra, Joy pronto se unió al Cuerpo de Observadores en Yorkshire , donde trabajó para detectar y mapear el movimiento de los aviones aliados y del Eje mientras sobrevolaban Inglaterra. La guerra le pasó factura y se enteró de que la vida era frágil. Esto la hizo rebelde y libertina en la adultez joven. A los 17 años se enamoró de un refugiado judío llamado Julius Taussky, pero su madre y su padrastro no la dejaron casarse debido a su edad.
Más tarde, Joy conoció a Kenneth Rowe, un artillero de la Real Fuerza Aérea Canadiense con quien se casó a los 21 años y se fue a vivir a Canadá. Ella dice que el matrimonio fue un error, más para huir de Inglaterra que nada, viviendo en Canadá de 1947 a 1956. En Canadá, su esposo obtuvo un permiso para talar los bosques de Columbia Británica , lo que llevó a la pareja a vivir en muy lugares remotos. Dijo que amaba el vasto bosque pero que era una existencia solitaria, lejos de la civilización. Comenzó a leer todo lo que pudo para pasar el tiempo. Más tarde, en 1951, su único hijo, Trevor, nació en Prince George , ya que trabajaba como secretaria y tomaba clases de pintura. Sin embargo, se sintió cada vez más insatisfecha con el matrimonio, sintiéndose “petrificada” y no solo decidió dejar a su esposo, sino también a Canadá. Como su propia madre, dejó al padre de Trevor cuando Trevor tenía cinco años y decidió mudarse a México para hacer una ruptura limpia.
De México, todo lo que sabía era que era barato vivir allí por libros como Under the Volcano de Malcolm Lowry . Escribió al consulado mexicano en Vancouver pidiendo que viviera con su hijo de cinco años y estudiara arte. Sugirieron San Miguel de Allende . Llegó en 1956, sin saber nada de español y comenzó su vida social con otros extranjeros. Alquiló una casa y comenzó a tomar clases. Vivió en San Miguel de Allende durante doce años. De 1956 a 1958 estudió en el Instituto Allende , que sería su única formación artística formal. Posteriormente, experimentó con varios estilos artísticos del siglo XX, incluidos el cubismo y el expresionismo abstracto . Finalmente, estableció su propio estilo y fue entonces cuando las galerías comenzaron a interesarse por su trabajo. Para vivir, trabajaba en el Instituto por las mañanas y pintaba el resto del día. Sus primeras pinturas en este momento fueron firmadas con su primer nombre de casada HJ Rowe.
En 1959, conoció al pintor Roger von Gunten con quien ha sido amiga y compañera desde entonces. A principios de la década de 1970, Von Gunten se mudó con ella y la ayudó a desarrollarse como artista durante dos años hasta que decidió regresar a la Ciudad de México.
Después de dejar el Instituto Allende, comenzó a trabajar en una librería llamada El Colibrí. Conoció a Jorge Ibargüengoitia en el verano de 1964, pero no empezaron a salir hasta el año siguiente. Se mudó a la Ciudad de México en 1968 después de enviar a su hijo a la universidad en Vancouver. Primero vivieron en un departamento que Jorge construyó en la propiedad de su madre. Se casaron el 10 de noviembre de 1973. Cuando murió su madre, la pareja decidió vivir en Europa, pasando un tiempo en Londres , Grecia y España antes de instalarse en París en 1980. Ibargüengoitia la llamó “la mujer lila” o la “mujer de las azucenas”. ya veces se refería a ella como "Cleo" en sus escritos.
Ibargüengoita murió en un accidente aéreo el 27 de noviembre de 1983, en España, mientras Laville se encontraba en su casa de París. Continuó viviendo en París hasta 1985 cuando regresó a México porque, dijo, se sentía como en casa allí. Luego se fue a vivir cerca de Cuernavaca, trayendo consigo la biblioteca privada de Jorge y sus cenizas. Los guardó durante quince años hasta que la convencieron de internarlos en el Parque Antillón frente a la casa donde nació.
Ahora vive en el pueblo de Jiutepec , cerca de Cuernavaca y todavía pinta varias horas al día, pero menos horas debido a su edad. Fiel a sus raíces inglesas, le gusta el whisky pero también le gusta el tequila. Ella todavía viaja ocasionalmente a Inglaterra por períodos de tiempo. Su casa está llena de libros que cubren mesas y sillas, así como sus cuadros, que se pueden encontrar incluso en los baños. También hay muchas fotos de su hijo Trevor, su nieta Isabella y su esposo Jorge.
Carrera profesional
Después de terminar en el Instituto Allende experimentó, estableciendo su propio estilo. Tuvo su primera exposición en la Ciudad de México en 1964 y dos años después su obra apareció en el evento Confrontación 66 en el Palacio de Bellas Artes, ganando un premio de adquisición. Esa muestra la llevó a una invitación para exponer con Inés Amor en la Galería de Arte Mexicano, en la que posteriormente expuso regularmente.
Jorge Ibargüengoita luego instó a Laville a llevar un registro de sus pinturas y fotografió cada una. También llamó la atención de Inés Amor , la dueña de la galería más grande y prestigiosa de la Ciudad de México. Para su primera exposición individual en este museo, Ibargüengoitia escribió sobre una de las imágenes del catálogo. Desde entonces ha expuesto su trabajo en diversas ciudades de México además de Nueva York, Nueva Orleans , Dallas , Washington, Toronto , París, Londres y Barcelona . Sus principales exposiciones incluyen las de 1966, 1968 y 1985 en el Palacio de Bellas Artes , así como dos en 1974 y 2004 en el Museo de Arte Moderno . La exposición de 2004 en el Museo de Arte Moderno fue una gran retrospectiva de su trabajo en 2004 con 94 piezas.
Su trabajo ha aparecido en las portadas de libros escritos por su esposo y ha sido artista residente de la Universidad de las Américas. Su obra se puede encontrar en las colecciones del Museo de Dallas, el Museo Nacional de la Mujer en las Artes en Washington, el Museo de Arte Moderno y las colecciones del Banco Nacional de México, BBVA Bancomer y Esso Oil de Canadá.
Su trabajo individual y colectivamente le ha valido varios reconocimientos. En 1966 recibió el Premio Adquisición del Palacio de Bellas Artes durante el evento Confrontación 66. Fue recibida por el Senado mexicano en 2011 como candidata al Premio Nacional de Ciencias y Artes . En 2012, recibió la Medalla de Bellas Artes en 2012 por el trabajo de su vida. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de México.
Arte
Aunque es más conocido por la pintura (óleos y acrílicos), Laville ha realizado una serie de proyectos que incluyen gráficos, pasteles y escultura. Creó grabados con el Instituto Tamarind en Los Ángeles. Una de sus esculturas de bronce llamada Libertad de bronce se dio a conocer en el Paseo de la Reforma en 2000.
Laville ha sido clasificada como parte de la Generación de la Ruptura en México. (Historia del arte) Generacionalmente, se encuentra entre la escuela mexicana de muralismo y la Ruptura. Si bien nunca siguió los principios del movimiento del muralismo, no trabajó para desafiarlo, como lo hizo la Generación de la Ruptura. Ha dicho que no forma parte de ningún movimiento artístico o idealismo; simplemente pinta a su manera. Sin embargo, siempre se ha calificado de pintora mexicana, ya que inició su carrera artística en el país y realizó la mayor parte de su trabajo artístico, negando que su infancia en Inglaterra o su estadía en Canadá hayan tenido alguna influencia en su obra. El crítico de arte Santiago Espinosa de los Monteros ha dicho que su trabajo sería inexplicable sin México como contexto.
Dice que su primera influencia en su arte fue James Pinto pero la más importante es la de Roger von Gunten. Ha admirado el trabajo de Lilia Carrillo y Francisco Corzas . Su trabajo muestra influencias bien integradas de artistas como Matisse (composición con flores), Marie Laurencin (uso de figuras femeninas sin rostro) y David Hockney (uso de superficies planas para poner orden en una composición). Su trabajo se ha comparado con el de Milton Avery, ya que ambos utilizan espacios amplios y monocromáticos para transmitir una sensación de tiempo suspendido, así como colores pastel y figuras con límites difusos. Sin embargo, el trabajo de Laville es más reflexivo y sensual.
Hay dos fases principales en el trabajo de Laville, separadas por la prematura muerte de su esposo en 1983. La primera cubre su desarrollo como artista a través de su matrimonio. Hasta la muerte de su esposo, el arte de Laville reflejaba principalmente lo cotidiano de la vida con una calidad contemplativa, con autorretratos y paisajes dominantes. Sin embargo, durante este tiempo hay un cambio significativo. En la década de 1960 usó generalmente colores más oscuros. A partir de la década de 1970, comenzó a usar pasteles, centrándose en azules, rosas y púrpuras claros. Sus obras más evolucionadas fueron leitmotivs y autorretratos. Antes de su matrimonio, se pintó a sí misma y pequeña, oscura y tímida, pero durante su matrimonio, su imagen de sí misma se hizo más grande y definida. Ibargüengoitia describió sus pinturas como ni simbólicas, alegóricas ni realistas, sino que “son una ventana a un mundo misteriosamente familiar. Son enigmas que no es necesario resolver, pero es interesante percibirlos ”. Curiosamente, justo antes del accidente de 1982, pintó una escena similar a las que haría después: una mujer sin ojos sentada en un desierto de rosas y otros colores. Ahora llama a esa pintura "Anualización".
Después de la muerte de Ibargüengoitia en un accidente aéreo en noviembre de 1983, Laville dejó de pintar por completo hasta marzo de 1984. En ese momento se fue a la Ciudad de México para asentar la finca de su esposo y visitar los lugares donde ella e Ibargüengoitia vivían y pasaban tiempo. Nada parecía igual, pero la experiencia la empujó a pintar de nuevo. Desde entonces, ha sido un diario en evolución de su dolor y cómo su pérdida cambió la forma en que ve el mundo. La mayoría de estas obras no muestran placer sino dolor y, a menudo, con ira y depresión. Los colores de su trabajo se volvieron más nítidos y rígidos. Las grietas y cuñas en las paredes se volvieron comunes como símbolo de frustración reprimida. Sus primeras obras de esta época son cuatro pinturas gouache que marcan la transición de su obra. Una de estas pinturas muestra a una mujer con un ojo con un avión al fondo cayendo y rompiéndose. También se refiere al lugar donde Laville tiene que identificar el cuerpo de Ibargüengoitia. Estas pinturas fueron seguidas por una serie llamada Landfalls and Departures que exploró la inevitable pérdida después de formar vínculos basados en los sueños que tiene después de la muerte de su esposo. Elementos como aviones y partes faltantes del cuerpo todavía aparecen en su trabajo.
Su dolor se convirtió en aceptación de su pérdida hasta cierto punto y en un asombro por lo que sucede después de la muerte. Las primeras de este tipo de pinturas son El hombre saltando de una roca (1986) y El hombre dejando un barco (1986). A partir de ellos, el mar y el horizonte se convierten en metáforas de la muerte pero la imagen es tranquila. Su obra enfatiza los azules, verdes y blancos por motivos similares, símbolos del agua y de la paz. Sigue interesada en el fin, el infinito, la muerte, el apocalipsis, el paraíso, la eternidad y la inmortalidad, con la idea de intentar nombrar lo innombrable. Las figuras suelen ser pequeñas frente a grandes extensiones de espacio. El horizonte aparece como un límite al conocimiento, como una llegada pero no un destino y una unión entre el cielo y la tierra. En gran parte de su trabajo, el horizonte pretende simbolizar otro reino. Sus pinturas evocan tranquilidad y consuelo, pero también soledad.
Otras lecturas
- "Joy Laville =". Resumen: Pintores y Pintura Mexicana . 6 (52): 16-29. Julio-agosto de 2001.
Referencias
enlaces externos
-
Medios relacionados con Joy Laville en Wikimedia Commons
