John Cromwell (director) - John Cromwell (director)

John Cromwell
John Cromwell (1886-1979).  Director de cine estadounidense.jpg
John Cromwell
Nació
Elwood Dager

( 23/12/1886 )23 de diciembre de 1886
Toledo, Ohio , Estados Unidos
Fallecido 26 de septiembre de 1979 (26 de septiembre de 1979)(92 años)
Ocupación Director, actor
Años activos 1912-1979
Esposos) Alice Lindahl
( m. 19 ??; murió en 1918)
Marie Goff
( m.  1919; div.  1921)

( m.  1928; div.  1946)

( m.  1947;su muerte 1979)
Niños 2, incluido James Cromwell

John Cromwell (nacido Elwood Dager ; 23 de diciembre de 1886-26 de septiembre de 1979) fue un director de cine y teatro y actor estadounidense. Sus películas abarcaron desde los primeros días del sonido hasta el cine negro de la década de 1950 , cuando su carrera como director fue interrumpida por la lista negra de Hollywood .

Temprana edad y educación

Nacido como Elwood Dager en Toledo, Ohio, en el seno de una acomodada familia escocés-inglesa, ejecutivos de la industria del acero y el hierro, Cromwell se graduó de la escuela secundaria privada en la Academia Militar Howe en 1905, pero nunca siguió una educación superior.

Carrera de actor temprano, 1905-1912

Cromwell (sentado) como John Brooke con Alice Brady como Meg en la producción de Broadway de Mujercitas (1912)

Al salir de la escuela, Cromwell inmediatamente comenzó su carrera en el escenario haciendo giras con compañías de acciones en Chicago , luego se dirigió a la ciudad de Nueva York cuando tenía poco más de 20 años. Anunciado como Elwood Dager en su juventud, cambió su nombre a John Cromwell a la edad de 26 años después de una aparición en el escenario de Nueva York en 1912.

Cromwell hizo su debut en Broadway en el papel de John Brooke en Mujercitas (1912), una adaptación de la novela de Louisa May Alcott . La producción fue un éxito inmediato y tuvo 184 funciones.

A lo largo de la carrera teatral de Cromwell, trabajó en estrecha colaboración con uno de los productores de Broadway más destacados de la época, William A. Brady . De hecho, prácticamente todas las producciones teatrales en las que participó Cromwell antes de comenzar su carrera cinematográfica fueron producidas por Brady. The Painted Woman (1913) marcó la primera asignación de Cromwell como director de escena. Escrita por Frederic Arnold Kummer , la obra se cerró en dos días. En 1914, estaba actuando y codirigiendo producciones, incluida "Too Many Cooks" (1914), que tuvo 223 funciones.

En 1915 se unió a la New York Repertory Company y actuó en los estrenos estadounidenses de dos obras de George Bernard Shaw : Major Barbara en 1916, como el personaje de "Charles Lomax", y en una reposición de Conversion del capitán Brassbound . La carrera teatral de Cromwell se vio interrumpida por un breve período en el ejército de los EE. UU. Durante la Primera Guerra Mundial . En la década de 1920 se había convertido en un director de Broadway respetado, a menudo en colaboración con los codirectores Frank Craven o William Brady. Cromwell actuó con frecuencia en el escenario en este período, que incluyó obras de los futuros ganadores del premio Pulitzer Sidney Howard y Robert E. Sherwood . En 1927, Cromwell dirigió e interpretó el papel principal en el drama de gángsters, The Racket , con el recién llegado Edward G. Robinson debutando en el tipo de papel de tipo duro que Robinson se convertiría en sinónimo de su carrera cinematográfica.

En 1928, Cromwell se mudó a Hollywood para trabajar como director de diálogos durante la transición de la industria cinematográfica a los " talkies ". Aunque Cromwell regresaría a Broadway en años posteriores, su ocupación principal después de 1928 fue como director de cine.

Carrera cinematográfica temprana

Paramount famoso Lasky, 1929

El productor de cine de Paramount Famous Lasky , Ben Schulberg, contrató a Cromwell, de 42 años, como actor de pantalla en octubre de 1928, en el momento de la transición de toda la industria de las producciones mudas a la nueva tecnología de sonido . Después de un debut satisfactorio en el talkie temprano de 1929 The Dummy, que contó con algunos de los actores de cine más destacados de la época: Ruth Chatterton , Fredric March , Jack Oakie y ZaSu Pitts , Cromwell fue invitado a compartir deberes como director con Edward Sutherland , un experimentado cineasta.

Aunque Cromwell nunca había trabajado detrás de una cámara, Paramount estaba ansiosa por contratar directores de escena experimentados "debido a su presunto conocimiento en el manejo de diálogos". Por errónea que sea esta suposición, Cromwell y Sutherland disfrutaron de una colaboración productiva para completar dos películas sonoras tempranas, ambas en 1929: Close Harmony , un romance de una banda de jazz, y The Dance of Life , basada en la obra de George Mankers Watters Burlesque (la codirección de Sutherland fue sin acreditar en La danza de la muerte ). Cromwell tuvo un papel de actuación menor en cada una de estas producciones.

En una entrevista de 1973 con Leonard Maltin , Cromwell ofreció una evaluación franca de sus dificultades para adaptarse al nuevo medio como director de cine:

"Nunca me acostumbré al excelente rango de la cámara y lo que la elección de una toma puede hacer en una escena ... [aunque] siempre fui muy consciente de la composición. Tuve que confiar enormemente en mi camarógrafo, especialmente al principio . Nunca pude aprender mucho sobre iluminación porque me parece que cada camarógrafo que tenía era tan diferente al anterior en su técnica que se volvió casi imposible de aprender a menos que se tomara tiempo y se dedicara a ello. tenía que estar completamente a su merced ... Pero tuve mucha suerte. Tenía algunos camarógrafos maravillosos, maravillosos porque nunca me decepcionaron ... hombres como Jimmy Howe , Charlie Lang , Arthur Miller ".

Durante las primeras películas de Cromwell con Paramount, se le encomendó la dirección de la estrella de cine y teatro George Bancroft , la principal propiedad del estudio. Bancroft había actuado en varias películas mudas de éxito con el director en ascenso de Paramount, Josef von Sternberg , que culminó con una nominación al mejor actor por Bancroft en Thunderbolt (1930). The Mighty (1930) fue la primera de cuatro parejas de Cromwell con Bancroft, y su primer debut en solitario como director.

En su siguiente película, The Street of Chance , Cromwell formó un vínculo personal y profesional con el productor David O. Selznick en su primera producción, luego asistente de BP Schulberg. La película, protagonizada por William Powell , Kay Francis y Jean Arthur , fue un éxito de taquilla.

Una coda curiosa de la última película acreditada de Cromwell con Paramount titulada Seven Days Leave (1930) es que niega haber dirigido la película. Según el biógrafo Kingsley Canham: "Cromwell disputa el crédito. Afirmando que fue contratado para trabajar [estrictamente] en el diálogo ... [él] de hecho no contribuyó en nada a la película terminada".

Paramount-Publix, 1930-1931

En 1930, Paramount Famous Lasky Corporation cambió su nombre a Paramount Publix Corporation debido a la creciente importancia de la cadena Publix Theatre.

The Texan (1930) fue la adaptación de Cromwell del cuento del popular escritor O. Henry " A Double-Dyed Deceiver " y protagonizada por la estrella emergente de Paramount, Gary Cooper .

Paramount reclutó nuevamente a los actores Powell y Francis en For the Defense de Cromwell de 1930 , un drama legal que involucra a un abogado y su prometida criminal. Dirigió la segunda versión cinematográfica de Mark Twain 's Tom Sawyer (1930), con Jackie Coogan , protagonizada por Tom como el mismo nombre.

Durante 1931-1932, Cromwell cumplió con sus compromisos de dirigir Bancroft en tres películas más. De hecho, Cromwell había acordado seguir trabajando con Bancroft sólo si Paramount dispuesto a dejarle dirigir Gary Cooper y Helen Hayes en una adaptación de Hemingway 's novela Adiós a las armas , un proyecto que nunca se materializó.

Las películas incluyen Bancroft Scandal Sheet , con la co-estrella Clive Brook , locura de hombre rico (1931), una adaptación de Dickens ' Dombey e hijo y el mundo y la carne (1931), un conjunto romance en la Rusia revolucionaria. La visión profesional de Cromwell de la actuación de Bancroft en Rich Man's Folly provocó estas observaciones:

[El papel] debería haber sido absolutamente espléndido para Bancroft, excepto que requería una conciencia del material, ¡del cual él no tenía ninguno! Para él, siempre era solo una parte más para interpretar de la misma manera de siempre ...

Cromwell terminó 1931 con tres imágenes más para Paramount-Publix: Scandal Sheet , con Bancroft, Unfaithful , con Ruth Chatterton y The Vice Squad con Paul Lukas y Kay Francis .

Durante la preproducción de El mundo y la carne de 1932 , una historia de la revolución bolchevique de 1917, Cromwell se disgustó tanto por la calidad del escenario como por la brusca reducción de la Paramount en el tiempo de ensayo. La perspectiva histórica y la experiencia escénica de Cromwell informaron los siguientes comentarios:

El mundo y la carne fue el punto culminante de la degradación desde mi punto de vista. ¡Era una historia inventada y estúpida! Personalmente me había interesado la Revolución Rusa, y había escuchado mucho de un periodista ... Lincoln Steffens que había estado en Moscú en el momento en que sucedió ... Y así tenía una idea de las posibilidades que había de haz una foto real. Luego, para tener esta ... esta historia casi repugnante, ¡el mismo hash antiguo servido como guión! Decidí que sería lo último, trataría de escapar ".

En las primeras películas sonoras, los estudios, que solo tenían experiencia con imágenes sin diálogos (mudos), se remitían a los directores de escena expertos en diálogos de Broadway, como Cromwell, a quienes reclutaron durante la transición a "talkies". En la producción inicial de For the Defense , Cromwell informa que se le informó sobre un cambio en la política con respecto a los ensayos:

Configuré el calendario de ensayos habitual [de 2 ½ semanas], pero en la reunión de producción, Schulberg dijo: "No podemos tener más ensayos, John". Le pregunté qué quería decir y continuó: 'Es una pérdida de tiempo. Los directores [de cine] no saben qué hacer con los ensayos ... 'Yo también me había dado cuenta de esto, pero había mejorado cada minuto de mi tiempo con los ensayos, así que dije' Bueno, sabes que no tienes que hacerlo haz eso conmigo, sabes que no pierdo mi tiempo '. Schulberg respondió: 'Si te doy el privilegio, todos lo querrán, y eso solo creará una situación ...'

Cromwell negoció con el productor y acordaron intercambiar días de rodaje a cambio de días de ensayo. Cromwell recordó: "Creo que terminé con cuatro días de ensayo [al] recortar dos días del calendario de rodaje. ¡Increíble! No podía creerlo años después".

Radio-Keith-Orpheum (RKO): 1933-1935

El desafecto de Cromwell por Paramount lo llevó a "alejarse del lote" después de The World and the Flesh , y con la ayuda de su agente Myron Selznick , se mudó a los estudios RKO . En ese momento, David O. Selznick dirigía RKO, y Cromwell recordó su experiencia profesional allí con cariño: "RKO siempre fue un lugar entrañable para mí; tenía un sentimiento distinto de independencia e individualidad que nunca perdió".

Cromwell fue asignado inicialmente por RKO para dirigir "una serie de telenovelas y películas sobre conflictos familiares". Entre ellos estaba Sweepings (1933), protagonizada por Lionel Barrymore en una actuación inusualmente "moderada". Cromwell hizo una excelente adaptación de una obra que dirigió en 1926, The Silver Cord . Su adaptación cinematográfica de 1933 trata sobre una joven esposa, Irene Dunne , que lucha con su suegra entrometida, Laura Hope Crews . La imagen, que menospreciaba la "maternidad", fue considerada audaz en su día.

Cromwell remató esta serie con Double Harness (1933), "un drama interior astuto y sofisticado" con Ann Harding y William Powell .

Ann Vickers (1933)

Cromwell terminó el rodaje de 1933 con una entonces controvertida adaptación de la novela Ann Vickers de Sinclair Lewis . Irene Dunne interpreta a la joven reformadora social homónima que expone las degradantes condiciones en las cárceles estadounidenses y tiene una aventura con el jurista Walter Huston . El guión de Jane Murfin refleja las caracterizaciones de la novela de Lewis, donde Vickers es un "defensor del control de la natalidad" que se involucra en una aventura extramarital. El guión provocó la ira de la Administración del Código de Producción y la Iglesia Católica. El presidente del Comité de Relaciones del Estudio (SRC), James Wingate, calificó el guión de "vulgarmente ofensivo". El SRC, que supervisa el MPPDA , exigió una revisión del guión de Murfin. Los gerentes de RKO protestaron y se llegó a un compromiso cuando el personaje de Dunne fue liberado de los cargos de adulterio por un cambio en su estado civil. Aunque obtuvo la aprobación, la producción de RKO estimuló la formación de la Administración del Código de Producción bajo el cruzado moral Joseph Breen.

Katharine Hepburn y Spitfire (1934)

Las dos primeras imágenes de Cromwell de 1934 se denominan "en gran parte olvidables" según el autor Micheal Barson, comenzando con una Katharine Hepburn "mal interpretada" en Spitfire .

Hepburn, de 26 años de edad, de RKO como "Spitfire" (su sobrenombre peyorativo) fue concebida como un "estudio de personajes" en lugar de una narrativa genuina, para mostrar a la joven estrella en ascenso. Basada en la obra de disparo por Lula Vollmer, Hepburn se improbable tarea de retratar un antisocial hillbilly sanador -tomboy y la fe en una comunidad fuera de pista rural. Cromwell admitió que era escéptico en cuanto a la idoneidad de Hepburn para el papel y se opuso a su artificial acento campestre.

Cromwell, luchando por preparar sus tiros y consciente de evitar sobrecostos, disputó con Hepburn la posibilidad de volver a filmar una escena clave. Los contratiempos llevaron al enfático rechazo de Cromwell a sus pedidos y el director, "a quien no le gustó mucho la película", recordó que "creo que esas [disputas] se reflejaron en la imagen". No obstante, las composiciones visuales de Cromwell, junto con el trabajo de su director de fotografía Edward Cronjager, muestran la "exuberante" actuación de Hepburn, en la que "sus celebraciones físicas de los placeres de la vida hacen de esta una película excéntrica y agradable".

Después de completar otra telenovela con Irene Dunne y Ralph Bellamy , This Man is Mine (1934), Cromwell se embarcó en una película que resultó ser muy ofensiva para los censores, pero inmensamente popular entre los espectadores: Of Human Bondage .

De la servidumbre humana (1934)

Aunque el historiador de cine John Baxter considera que la adaptación de Cromwell de la famosa novela Of Human Bondage de W. Somerset Maugham "sobrevalorada", el crítico Jon Hopwood informa que el director "se hizo un nombre" en Hollywood con esta imagen.

La película dramatiza formas de tiranía y obsesión personal, en las que una mesera poco sofisticada y desalmada, Mildred ( Bette Davis ) emplea la astucia baja para ganarse el afecto de un joven estudiante de medicina, modesto y de pies torpes, Philip ( Leslie Howard ). Las escenas están rodadas con gran eficacia y efecto en las que "el movimiento de la cámara parece representar el estado emocional de los personajes". Cromwell se adaptó a las limitaciones del presupuesto del estudio, empleando los decorados interiores espartanos con buenos resultados para enfatizar la "irrealidad" de las rutinas diarias de los estudiantes de medicina.

Mildred, de Bette Davis, marca el surgimiento de la actriz en una actuación "revolucionaria" y "su primer papel verdaderamente grandioso en una película". La interpretación de Davis transmite plenamente "la vulgaridad y la venalidad" del personaje, impresionando a los ejecutivos de los estudios y al público.

Como Ann Vickers de Cromwell de 1933 , Of Human Bondage recibió la desaprobación de la Administración del Código de Producción (PCA), dirigida por Joseph Breen. La PCA exigió una serie de alteraciones al escenario, entre ellas que el diagnóstico de sífilis de Mildred se cambiara a tuberculosis y que se atenuara la tosquedad de la interpretación de Davis de la "camarera descuidada". RKO cumplió fácilmente con esta censura, bajo la amenaza de una multa de $ 25.000 por violación.

A pesar de que los ejecutivos de los estudios se sometieron a la censura, Of Human Bondage fue objeto de piquetes en las principales ciudades del Medio Oeste por la Legión Nacional Católica de la Decencia . Quizás en respuesta a la reputación que la película adquirió con estas demostraciones, la película rompió récords de asistencia en el Hippodrome Theatre de Chicago con cientos de espectadores rechazados. A nivel nacional, la película disfrutó de un tremendo éxito de taquilla.

En cuanto al manejo exitoso de Cromwell del papel de Davis, nunca fue etiquetado como un "director de mujeres" (como lo fueron directores como George Cukor ). No obstante, su dilatada experiencia como actor teatral le dotó de una simpatía que provocó excelentes actuaciones de sus intérpretes, especialmente de las mujeres. La notable actuación de Davis fue una de las primeras manifestaciones de esta saludable influencia.

"Ya sea por suerte o por diseño, la ecléctica carrera de Cromwell ha sido redimida por las contribuciones iconográficas de Irene Dunne, Katharine Hepburn, Bette Davis, Madeleine Carroll , Mary Astor , Carole Lombard ... Afortunadamente, sus deficiencias formales rara vez oscurecen las bellas impulsoras de Cromwell vehículos ". Andrew Sarris (The American Cinema, 1968)

La última película estrenada en 1934 dirigida por Cromwell fue un drama romántico posterior a la Primera Guerra Mundial, The Fountain, sobre una mujer inglesa que debe decirle a su devoto esposo alemán que regresa de la guerra que se ha enamorado de su novia de la infancia.

El historiador de cine Kingsley Canham considera que esta es una película "clave" en la obra de Cromwell, que muestra la "elegancia" y la "seguridad" del director en su manejo de la decoración y su relación con las actuaciones.

La "inquietud y búsqueda del alma" de la esposa expatriada Julie ( Ann Harding ) y su amante, el aviador británico Lewis ( Brian Aherne ), se transmite a través de movimientos de cámara y con un mínimo de diálogo. La naturaleza "metafísica" de este romance se hace explícita por la inserción de Cromwell de un extracto del poema Dejection del poeta inglés Coleridge . Canham elogia a The Fountain como "sin duda uno de los logros más destacados de Cromwell ..."

Después de terminar Of Human Bondage , Cromwell disfrutó de un agradable interludio haciendo Village Tale (1935), "uno de los proyectos favoritos de Cromwell". La película, que comprende una serie de estudios de personajes, presenta a Guinn "Big Boy" Williams y Ann Dvorak . Jalna y I Dream Too Much (ambos de 1935), representan un regreso a las representaciones de las "telenovelas" de Cromwell sobre las relaciones familiares y las luchas maritales. La esposa del director, Kay Johnson , apareció en Jalna y Henry Fonda protagonizó I Dream too Much .

United Artists y 20th Century Fox, 1936-1939

Después de sus recientes colaboraciones con Pandro S. Berman y otros productores, Cromwell se reunió con David O.Selznick, siguiéndolo a United Artists y 20th Century Fox para realizar cinco películas: Little Lord Fauntleroy (1936), To Mary - with Love (1936) , Banjo on My Knee (1936), El prisionero de Zenda (1937) y Argel (1938).

David O.Selznick reclutó a Cromwell para que hiciera una nueva versión de la película de la era muda Little Lord Fauntleroy (1921).

El casting del actor infantil Freddy Bartholomew para el papel principal fue un golpe maestro de Selznick y la dirección de Cromwell muestra la "pura profesionalidad" de las habilidades de actuación de Bartholomew. Cromwell seleccionó sabiamente a su elenco de reparto de la famosa "colonia inglesa" de expatriados británicos de Hollywood. Una película que enfatiza la caracterización sobre el incidente, el manejo de la cámara por parte de Cromwell dota a la imagen de una calidad cinematográfica que evita la impresión de "literatura filmada".

La primera película creada con Selznick's International Pictures , Little Lord Fauntleroy fue su producción más rentable hasta Lo que el viento se llevó (1939).

Banjo en mi rodilla (1936)

"Para Cromwell, el trabajo del director no era lanzar chispas individuales de creatividad, sino fusionar los esfuerzos de todo el equipo creativo por los mejores intereses del trabajo terminado. Tal desinterés siempre ha sido poco común en la realización de películas y Cromwell ha sido pasado por alto durante mucho tiempo por críticos e historiadores por igual.
Pero las evaluaciones recientes de su trabajo, en particular películas tardías tan amargas como Caged y The Goddess , lo han establecido como un director de sustancia y estilo, no simplemente el literato contratado de Paramount. RKO o Selznick ". - Biógrafo Richard Koszarski de Hollywood Directors: 1914-1940

Selznick encargó a Cromwell la filmación de "otro drama marital" lanzado por los estudios 20th Century Fox con Claire Trevor la intrusa y Myrna Loy y Warner Baxter como la feliz pareja. Banjo on My Knee (1936), ambientada en Nueva Orleans y una comedia de errores entremezclada con producciones musicales, incluyó una completa interpretación de " St. Louis Blues " de WC Handy . La película tiene similitudes en el escenario y la puesta en escena con Show Boat del director James Whale , estrenada el mismo año.

Cromwell, según Canham, no logra desarrollar cinematográficamente los personajes de los coprotagonistas Barbara Stanwyck y Joel McCrea y reduce a caricaturas a los habitantes plebeyos del delta del río Mississippi .

Walter Brennan , fue elegido como el patriarca rural Newt Holley, quien emerge como un grato alivio de la comedia en una película que escribe Canham donde "nada llega fácilmente a la gente en las películas de Cromwell y la ambición a menudo oculta el fracaso o la muerte de los plebeyos o incluso de la realeza ruritana ".

El prisionero de Zenda (1937)

Al revivir el espadachín del novelista Anthony Hope El prisionero de Zenda , David O. Selznick asumió un riesgo calculado en cuanto al gusto popular. El protagonista que Ronald Colman tenía bajo contrato con Selznick fue el factor clave para continuar con el proyecto. La decisión de elegir a John Cromwell como director se basó en su demostrada habilidad para manejar actores y en su disciplinada observancia de las restricciones presupuestarias.

A pesar de la habilidad de Cromwell con actores masculinos y femeninos, surgieron contratiempos divertidos durante el desarrollo del guión y el guión gráfico. Ronald Colman (como el actor de pantalla John Barrymore ) prefirió presentar un solo perfil facial a la cámara para ocultar su "lado malo". La coprotagonista Madeleine Carroll pronto se acercó a Cromwell, alegando un defecto facial en el mismo lado que Colman, lo que significa que cualquier primer plano cara a cara en la pantalla pondría a un actor en desventaja.

Como recordó el director Cromwell:

Llamé a Jimmy Howe [el camarógrafo] y le pregunté si [Carroll] tenía un lado malo, y él dijo: '¡No podrías culparla si la pusieras de cabeza!' Así que volví con ella, señalándole lo ridículo que era y que no podríamos tomar la foto si ella tuviera el mismo lado [malo] que Colman. Después de eso, no me habló durante el resto de la imagen.

A pesar del "estilo fluido de la obra terminada", la autoría de varias de las escenas de acción sigue siendo cuestionada. Selznick se mantuvo firme en contratar a los directores George Cukor y Woody van Dyke para inculcar un elemento expresivo más agudo en la actuación o para proporcionar una presentación más gráfica de los episodios de acción. La "elegancia visual" ampliamente reconocida de Cromwell puede haber influido en la "mala opinión de Selznick de él como director de acción". Tanto Cukor como Van Dyke no fueron acreditados como era habitual según las reglas del Gremio de Directores.

El crítico de cine Michael Barson considera El prisionero de Zenda de Cromwell como el comienzo de su "edad de oro" entre los directores de Hollywood, y una producción que merece ser calificada de "clásica".

Argel (1938)

Argel (1938), la nueva versión de Cromwell del thriller francés Pepe Le Moko (1936) del director Julien Duvivier , lanzó las carreras en Hollywood de dos actores europeos: Charles Boyer y Hedy Lamarr . Cromwell obtuvo una excelente actuación de Boyer como un ladrón internacional que iguala el ingenio al inspector de policía local interpretado por Joseph Calleia , tratando de atraer al fugitivo francés de su refugio en la "Casbah", el barrio natal de Argel. El diálogo, "estricto y lógico", fue elaborado por John Howard Lawson , con contribuciones del novelista y guionista James M. Cain . Cromwell y su director de fotografía James Wong Howe fabricaron con éxito un facsímil "pulido" del original de Duvivier para el productor Walter Wanger .

Cromwell se esforzó por extraer un impresionante debut como actor estadounidense del austriaco Lamarr, a quien Wanger deseaba moldear en un "segundo Garbo ". Cromwell recordó:

Podía sentir su insuficiencia [como actriz], Wanger podía sentirlo, y podía ver a Boyer preocuparse ... A veces la palabra personalidad es intercambiable con presencia, aunque no son lo mismo. Pero el principio se aplica, y Hedy tampoco tenía personalidad. ¿Cómo podían pensar que podría convertirse en una segunda Garbo? ... Bueno, logramos la imagen y lo hicimos bien. Los críticos vieron que no podía actuar, pero se las arregló y vendieron la imagen diciendo lo hermosa que era. Me atribuiré algo de crédito por hacer que su actuación sea aceptable, pero solo puedo compartir el crédito con Boyer cincuenta y cincuenta.

Cromwell hizo un intento abortado de productor directo Sam Goldwyn 's Las aventuras de Marco Polo (en última instancia, completado por el director Archie Mayo y John Ford en 1938), seguido brevemente por un retorno a la etapa de dirigir Fredric March y Florence Eldridge .

Hecho el uno para el otro y solo de nombre : Carole Lombard, 1939

John Cromwell y Sabu Dastagir en el set de Made for Each Other . Foto publicitaria (Dastagir no aparece en la película).

Si bien Selznick estaba profundamente inmerso en la preproducción de Lo que el viento se llevó (1939), contrató a Cromwell para que dirigiera a Carole Lombard y James Stewart en la comedia romántica Made for Each Other (1939). La narrativa simple de los jóvenes recién casados ​​que luchan con "lo trivial y lo traumático" proporcionó una plataforma para mostrar el hábil manejo del elenco de Cromwell.

Lombard estaba ansiosa por un papel con potencial dramático (había sido designada como "La reina de la comedia Screwball " en sus papeles anteriores). Se benefició del guión sencillo "que permitió una gran comprensión de los personajes y una cantidad inusual de flexibilidad en la interpretación del elenco". La interpretación dramática de Lombard de la esposa Jane Mason surge como "casual y muy humana". Stewart encaja perfectamente en el papel del joven marido inseguro pero entrañable que necesita la guía discreta de su cónyuge más maduro.

Cromwell, que tuvo un claro éxito de crítica, pero no se distinguió en la taquilla, estaba encantado de tener la oportunidad de dirigir a Lombard en su próximo largometraje: In Name Only (1939). Otra producción de un género que Cromwell estaba bien equipado para presentar —el melodrama matrimonial— Lombard interpreta a "la otra mujer" para la rica Cary Grant , atrapada en un matrimonio infeliz con la posesiva Kay Francis .

Julie de Lombard, una viuda, que sufre de "ilusiones rotas" de poseer a Grant, debe primero abandonar toda esperanza antes de que Fate intervenga en su nombre. Grant conserva su "ligereza natural" para ofrecer una serie de escenas cómicas que evitan socavar la credibilidad de su personaje, y la matrona obsesiva de Kay Francis acepta darle el divorcio a Grant con esta invectiva maligna: "¡Espero que ambos seáis miserables!" La comprensión general de Cromwell de la atmósfera dramática sirve para combinar las actuaciones y "casi lo logra".

El historiador Kingley Canham ofrece una visión del manejo de Cromwell de las "ilusiones románticas" inherentes a las narrativas melodramáticas:

"La realidad está siempre presente en el trabajo de Cromwell, emergiendo incluso en sus propuestas más ligeras ... la actitud del director hacia su material de 'telenovela' difiere de la de otros artistas [como] Cukor , Borzage y Stahl ... en que básicamente es anti -romántico, minimizando el sentimentalismo y optando por el realismo y la practicidad ".

Abe Lincoln en Illinois (1940)

Ejecutivos RKO tarea Cromwell con la adaptación del dramaturgo Robert Sherwood juego 's Abe Lincoln en Illinois , que había sido producida con gran éxito en Broadway en 1938. El premio Pulitzer -winning producción de la etapa en cuestión el principio de la carrera del presidente estadounidense Abraham Lincoln , quien dirigió la Unión fuerzas a la victoria en la Guerra Civil Estadounidense . La guerra que se desarrollaba en Europa y el Lejano Oriente dio una resonancia especial al tema.

A pesar del hecho de que 20th Century Fox estaba muy avanzada en la producción de una película de John Ford protagonizada por Henry Fonda que dramatizaba los mismos eventos en la vida de Lincoln, esto no disuadió las ofertas por los derechos cinematográficos del drama histórico de Sherwood y el productor independiente Max Gordon financió su película. compra por $ 250,000, para ser filmada por los estudios RKO. El actor de teatro Raymond Massey , que interpretó el papel de Lincoln en la producción de Broadway, fue seleccionado, con la total aprobación de Sherwood, para interpretar el papel de Abe Lincoln en la pantalla de Illinois .

La caracterización de Cromwell de Lincoln es distinta de la de Ford en Young Mr. Lincoln (1939). Mientras que Ford presenta una figura mitológica que asciende de un humilde abogado rural a la posición más exaltada de la nación, Cromwell se basa menos en la iconografía y enfatiza los detalles históricos que revelan al personaje temprano de Lincoln como menos exaltado: "Raymond Massey [emerge] como mucho menos Lincoln confiado que Henry Fonda ".

Cromwell utiliza la presentación de la relación histórica de Lincoln con Ann Rutledge (interpretada por May Howard) para establecer aspectos del carácter esencial de Lincoln y evita la romantización de Ford de Rutledge en Young Abe Lincoln , que presenta un elogio sentimental junto a la tumba.

La actriz Ruth Gordon , en su aparición en la pantalla de debut como la futura Sra. Lincoln, proporciona un antídoto clave para el inmaduro Lincoln de Cromwell, que es perezoso, escéptico y falto de ambición. La Mary Todd de Gordon se propone con franqueza preparar a Lincoln para afrontar su destino antes de casarse con él, proporcionando "una interpretación cinematográfica notablemente astuta". El trabajo de iluminación y cámara del director de fotografía James Wong Howe documenta de manera efectiva la transformación en Lincoln que le valió a Howe una nominación al Oscar.

Victoria (1940)

Ya en 1919, Cromwell se había interesado mucho en el drama psicológico Victory: An Island Tale (1915) del novelista Joseph Conrad , sobre un expatriado inglés que intenta retirarse como un recluso a una pequeña isla indonesia . Su solitaria existencia se deshace cuando rescata a una joven, lo que lleva a la infiltración de su santuario por una banda de sociópatas, con trágicos resultados. Cromwell contactó personalmente a Conrad poco después de la publicación de Victory para obtener los derechos de producción y dramatización de la obra, solo para descubrir que se había otorgado permiso al productor Laurence Irving y McDonald Hastings, respectivamente. Cromwell dirigió una versión de su adaptación en los Estados Unidos en la década de 1920 que fracasó rápidamente.

Veinte años después, Cromwell filmó su versión cinematográfica, Victory (1940), para Paramount con Fredrick March como el recluso Hendrik Heyst y Betty Field como Alma, y Cedric Hardwicke como el patológico Mr. Jones (que también actúa como narrador). (La relación profesional de Cromwell con March había comenzado en Broadway en 1925 cuando dirigió March en La cosecha de Kay Horton).

Cromwell no estaba satisfecho con parte del elenco de Victory, particularmente con el del actor británico Cedric Hardwicke:

"Luego [estaba] el Sr. Hardwicke, a quien conocía, o creía que conocía, bastante bien. No sé qué diablos le pasó. Simplemente se burló de mí por completo, y sentí que no dio ninguna indicación de qué la parte se trataba de ... no parecía haber ningún esfuerzo de su parte ".

Cromwell consideró su próximo proyecto más satisfactorio. En la adaptación cinematográfica de Cromwell, So Ends Our Night (1941), una adaptación de la novela Flotsam (1939) de Erich Maria Remarque , Fredrick March interpreta a un fugitivo antinazi perseguido por las autoridades fascistas austríacas. En su huida se encuentra con otros exiliados, interpretados por Glenn Ford y Margaret Sullavan , y su libertad solo se logra mediante un sacrificio supremo. Erich von Stroheim aparece en un papel secundario como el oficial de las SS nazi Brenner.

Cromwell estaba particularmente satisfecho con el guión de Talbot Jennings , y aunque la película no fue un éxito comercial, Cromwell consideró So Ends the Night "uno de mis mejores".

Hijo de furia (1942)

Cromwell ha menospreciado su siguiente asignación, Son of Fury , como estrictamente "un proyecto de estudio". Financiado generosamente por 20th Century Fox pero controlado en todas las fases para asegurar su éxito comercial, Cromwell se limitó a utilizar sus "lujosos decorados" de Darryl F. Zanuck para fabricar "un traje de época de 20th Century Fox".

El protagonista, Benjamin Blake, heredero de una baronetcy , es interpretado por el actor infantil Roddy McDowell en su juventud, y luego por Tyrone Power en la edad adulta. Curiosamente, aunque un lapso de tiempo muestra la transformación del joven Blake de niño a hombre, su tío Sir Arthur Blake George Sanders no muestra signos perceptibles de envejecimiento.

Cromwell recordó haber disfrutado de su trabajo con el protagonista Tyrone Power "y particularmente con [el coprotagonista] Gene Tierney " ya que "nunca la había visto en una película que me gustó hasta Son or Fury y creo que fue porque trabajé muy duro para conseguirlo. que deje de actuar y sea simple ".

El historiador Kingsley Canham emitió este juicio sobre la dirección de Cromwell de la imagen:

" Son of Fury contiene los dos extremos de la carrera de Cromwell, [y] desafortunadamente, en la confrontación entre el buen gusto, un presupuesto generoso y la caracterización atmosférica por un lado y la servidumbre a la influencia del estudio por el otro, este último demuestra ser el más fuerte factor."

Desde que te fuiste (1944)

Como parte de la promoción de su protegida, Jennifer Jones , de 25 años , Selznick reclutó a Cromwell para que dirigiera un himno a la familia estadounidense durante la guerra, Since You Went Away (1944).

El historiador de cine Kingley Canham describe Since You Went Away como "sin duda una de las obras de propaganda bélica más superiores, pulidas y efectivas que surgieron del cine durante la Segunda Guerra Mundial". Selznick, descontento con el guión escrito por la autora Margaret Buell Wilder, lo modificó para crear una celebración del frente interno estadounidense como una "fortaleza inexpugnable" que sostiene el esfuerzo bélico de Estados Unidos.

El elenco establecido incluye a Claudette Colbert , Shirley Temple , Joseph Cotton , Lionel Barrymore , Robert Walker y Agnes Moorehead . El manejo de Cromwell de las escenas establece, escribe Canham, "una calidez y convicción" que sobrepasa las actuaciones superficiales. A pesar de la fuerte participación habitual de Selznick en la producción, el despliegue de Cromwell del elenco y los técnicos fue tal que "su reputación como un profesional de Hollywood podría haber sobrevivido por completo con la fuerza de Since You Went Away ".

Un éxito comercial y de crítica, la película recibió nueve nominaciones al Oscar, incluida la mejor película, prácticamente todo el elenco y todos los créditos técnicos, pero ganó solo una, para la banda sonora de Max Steiner.

La cabaña encantada (1945) y Anna y el rey de Siam (1946)

Cromwell regresó a RKO para hacer una de sus películas más gratificantes, The Enchanted Cottage (1945), una nueva versión de la producción de cine mudo de 1924 del director John S. Robertson , ambas basadas en la famosa obra de Arthur Wing Pinero de 1921 de la misma. nombre.

Los actores John Cromwell (izq.) Merle Oberon y Dana Andrews en el set de Night Song (1948).

Una fantasía romántica, "manejada con percepción y sentimiento" por Cromwell, cuenta la historia (presentada en flashbacks) de un veterano de combate desfigurado Robert Young que regresa de la Primera Guerra Mundial y una doncella "patito feo" Dorothy McGuire , quienes se casan y juntos descubren el poder transformador del amor. El pianista y compositor Herbert Marshall , cegado por la guerra, contribuye a su triunfo personal.

Volviendo a 20th Century Fox, Cromwell se embarcó en otro proyecto satisfactorio, Anna and the King of Siam , "una demostración de la destreza de Cromwell" filmada en blanco y negro y obteniendo premios Oscar por dirección de arte y cinematografía. La historia de 1944 de la autora Margaret Landon se basa en las memorias de la angloindia Anna Leonowens , quien se desempeñó como institutriz del rey Mongkut de Siam (ahora Tailandia) en la década de 1860. El Rey es interpretado por Rex Harrison y la institutriz por Irene Dunne . Su tarea es la de instruir a sus numerosos hijos engendrados con su harén, y "guiar al rey en asuntos de estado y hogar" informado por sus sensibilidades pequeñoburguesas. Cromwell evita tanto el alivio de la comedia como el espectáculo, concentrándose en el desarrollo del personaje del Rey y Anna.

Un éxito de taquilla y premios de la Academia, el cuento de Leonowens apareció como un musical de Broadway de Rodgers y Hammerstein en 1951 y en una película en la versión del director Walter Lang de 1956, The King and I , protagonizada por Yul Brynner y Deborah Kerr .

En 1947, RKO asignó a Cromwell el drama Night Song protagonizado por Dana Andrews y Merle Oberon sobre una mujer de sociedad rica que se esfuerza por avanzar en la carrera de una pianista ciega. Denominada “un desastre [y] una película increíble”, la única gracia salvadora de la película es un cameo de Arthur Rubinstein tocando el piano.

Durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, Cromwell creó una serie de películas que se consideran cine negro y reflejan la trampa del director como un compañero de viaje acusado de simpatías comunistas por los investigadores del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara y los ejecutivos de Hollywood durante el la era macartista emergente . Cromwell afirmó que "nunca fui nada que sugiriera un rojo , y nunca hubo la más mínima evidencia para acusarme de serlo". Sin embargo, Cromwell estaría en la lista negra de la industria cinematográfica de Hollywood desde 1952 hasta 1958.

Dead Reckoning (1947): Columbia Pictures

Cromwell (abajo a la izquierda) en el set de Dead Reckoning, Lizbeth Scott y Humphrey Bogart, a la derecha.

Los estudios Warner Bros., con la estrella de cine Humphrey Bogart bajo contrato, accedieron a regañadientes a un intercambio de actores con Columbia Pictures de Harry Cohn , poniendo a Bogart a disposición del estudio rival durante un período de tiempo limitado. Bogart tuvo la opción de elegir a su director y guión, y se decidió por Cromwell. Cromwell recordó su primer encuentro con Bogart en la producción de Broadway de 1922 de Drifting (Bogart en los papeles de Ernie Crockett y The Third Husband):

"Puse a Humphrey Bogart en el escenario cuando era un niño; solía merodear por el Playhouse Theatre [y] se sentaba en los ensayos ... [una vez cuando un actor destacado no se presentó] alguien pensó en Bogart, que estaba en ese momento el más responsable, el más encantador [de los jóvenes jugadores en perspectiva]. Por supuesto, tenía los ojos desorbitados para hacerlo, y creo que una vez me dijo: 'Sr. Cromwell ... ¿Me enfrento a la audiencia cuando ¿Hablo mis líneas o hablo con los personajes? Pasé por todas estas cosas con él, pero la jugada fue un fracaso terrible ".

En Dead Reckoning , Bogart interpreta a un curtido veterano de la Segunda Guerra Mundial que se embarca en una persecución mortal para localizar al asesino de un compañero de armas. La sensual Lizabeth Scott hace de noir femme-fatale . La narrativa, a menudo incoherente, refleja la lucha de Cromwell por dar sentido al desconcertante guión. Cromwell recordó:

"No teníamos ninguna historia. [Los guionistas] proporcionaron la pila habitual de cosas que siempre tenían a mano para ver a quién se las podían transmitir ... Finalmente obtuve esta, una especie de cosa nociva, pero sentí que tal vez [ Bogart y yo] podríamos hacer algo ".

A pesar de estas limitaciones conceptuales, Cromwell logra un nivel de coherencia que ofrece una película vigorosa al estilo noir .

Comité de Actividades Antiamericanas de Hollywood y la Cámara (HUAC)

Durante las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara (HUAC) de 1947 sobre la industria cinematográfica, John Cromwell fue identificado como una persona de interés vinculada a la supuesta subversión comunista en Hollywood. Cromwell se describió a sí mismo como "un demócrata 'liberal'" y afirma que no se volvió políticamente activo hasta la campaña de reelección para la tercera candidatura del presidente estadounidense Franklin Delano Roosevelt a la Casa Blanca en 1940. La mayor parte, según Cromwell, se limitó a cobrar las cuotas de membresía del Comité Demócrata de Hollywood, que constaba de "3000 miembros". En una entrevista de 1973 con el historiador de cine Leonard Maltin para la revista Action , Cromwell relató los esfuerzos del estudio para socavar su trabajo durante las cazas de brujas anticomunistas :

"Empecé a sentir bien la presión ... Le había pedido a mi agente que averiguara si estaba en una lista de 200 nombres [de presuntos comunistas] que se suponía que circularían universalmente en todos los grandes estudios, e hizo lo que pudo averiguarlo, y dijo: "¡Absolutamente no!" Y sentí que esto era prácticamente una autorización porque mi nombre estaba en la lista local del estado [de California] y había aparecido muy a menudo. Así que obtuve el contrato de RKO ".

El agente de Cromwell había negociado un excelente contrato cinematográfico, pero en unas semanas RKO fue comprado por el productor cinematográfico e ideólogo anticomunista Howard Hughes . Como recordó Cromwell, "la total libertad de la política entre estudios se esfumó". Dijo que el cambio de propiedad provocó un éxodo de guionistas y técnicos de los estudios cuyas "reputaciones" fueron percibidas por los ejecutivos de Hollywood como "teñidas" de simpatías por el comunismo: los escritores "sabían que era inútil quedarse allí".

Permaneciendo bajo contrato, Cromwell decidió perseverar en RKO, convencido de que "no me podrían hacer mucho daño". Por el contrario, Cromwell percibió un esfuerzo consciente por expulsarlo cuando los ejecutivos de RKO le presentaron un ultimátum: aceptar guiones y guiones dictados por el estudio, o violar su contrato. Cromwell estaba convencido de que un guionista se había acercado a Hughes, instándolo a comprar los derechos de una historia que sería tan repugnante para Cromwell que el director se vería obligado a rechazarla, proporcionando a RKO motivos para rescindir su lucrativo acuerdo. Cromwell describe su dilema:

"Simplemente me enviaron un guión y dijeron 'esta será tu próxima tarea. Miré el guión y el nombre era Me casé con un comunista y pensé que esto era un poco divertido ... Nunca leí un guión tan malo en mi vida; cuanto más lo pensaba, más me convencía de que nunca se podría hacer ... [pero] decidí seguir adelante ".

Cromwell informa que el estudio asignó inmediatamente un guionista al equipo de preproducción que era "uno de los peores ' cazadores de brujas ' [anticomunistas] de Hollywood, y vi que esto fue bastante deliberado". A varios guionistas se les asignó la tarea de desarrollar un guión viable a partir de la historia defectuosa. Llegaron a enfrentarse a Cromwell y finalmente convencieron a la dirección de RKO de que era "lógicamente" imposible hacer la imagen. Cuando los retrasos en la producción amenazaron con activar la disposición del "triple salario" en el contrato de Cromwell, RKO prestó Cromwell a Warner Bros. para hacer Caged .

Enjaulado (1950)

El cuadro negro de Cromwell , Caged (1950), es una acusación de una jerarquía social y sexual estadounidense ubicada en el microcosmos de la prisión de una mujer. Entre las "películas más amargas" de Cromwell, el historiador Kingsley Canham describe su formulación:

"Se acumula en una progresión de acusaciones estructuradas en términos de su importancia. Los hombres son vistos como la ruina de la mujer; el trato severo en la prisión las embrutece; la indiferencia oficial y las argucias impiden la ayuda liberal; y su corrupción se completa con su contacto con los criminales empedernidos. que son ellos mismos víctimas ".

Una producción de Warner Brothers, Cromwell adoptó los efectos visuales, el tema y la música dramática característicos de las imágenes del estudio, incluido su diálogo "duro".

En el centro del trabajo de Cromwell, y del "casting contra tipo", se encuentran las sólidas actuaciones de Eleanor Parker , Agnes Moorehead , Hope Emerson , Betty Garde y Lee Patrick , a través de quienes "expone su caso".

Cromwell regresó a RKO (con John Houseman como productor) en el intento de los estudios de duplicar el éxito de Caged, nuevamente un drama criminal, donde Dennis O'Keefe es el objeto de amor de Jane Greer y Lizabeth Scott : The Company She Keeps (1951) . Cromwell no pudo hacer un uso completo del talentoso elenco y dramatizar de manera efectiva el guión confuso.

La raqueta (1951)

La última película de Cromwell antes de su expulsión por los estudios de Hollywood bajo la lista negra anticomunista fue The Racket (1951). La obra de Bartlett Cormack había sido producida en Broadway en 1927, con Cromwell en el papel principal del Capitán McQuigg (con la futura estrella de cine Edward G. Robinson en un papel secundario ). En la adaptación cinematográfica muda de 1928 de la obra dirigida por Lewis Milestone y producida por Howard Hughes, de 22 años, Robinson es elevado al papel del gángster Nick Scanlon para esta versión cinematográfica muda. Robert Mitchum retoma el papel del honesto capitán de policía Thomas McQuigg, el mismo director de personajes que Cromwell había actuado en Broadway en 1927.

La versión cinematográfica de Cromwell es un negro oscuro y pesimista que exhibe el gángsterismo de "la estructura de la corporación empresarial ... los matones sin cerebro ... los fiadores de fianzas corruptos y policías y jueces corruptos hasta el 'Hombre' invisible en la cima". La película, que incluye escenas de lucha efectivas y de suspenso, ofrece un "entretenimiento capaz".

Tan familiarizado con el material como lo estaba Cromwell, Howard Hughes de RKO rechazó su corte final y reclutó al director Nicholas Ray para filmar escenas adicionales. Se informa que Cromwell se marchó del set disgustado. Debido a su inclusión en la lista negra de los estudios de Hollywood, Cromwell no sería rehabilitado para la industria cinematográfica hasta 1958.

La diosa (1958)

John Cromwell (como el general Daniel A. Grimshaw) y Kirk Douglas (como el general Melville A. Goodwin) en el set de Top Secret Affair (1957)

Durante los años de inactividad forzada en el estudio a partir de 1952, el único compromiso de Cromwell en Hollywood fue un pequeño papel como actor en Top Secret Affair (1957), dirigida por HC Potter y protagonizada por Kirk Douglas y Susan Hayward . El historiador Kingsley Canham informa que el antiguo director estuvo "activo en el teatro" durante estos años intermedios. Cromwell se sintió tentado a volver a la dirección cinematográfica cuando Columbia Pictures le prometió la opción de hacer el "primer corte" en la película propuesta. La Diosa (1958) sería su última gran obra cinematográfica y "en muchos aspectos una de sus mejores películas".

La historia y el guión del dramaturgo Paddy Chayefsky detallan el trágico ascenso y caída de una actriz ficticia de Hollywood, Emily Ann Faulkner / Rita Shawn. Cromwell decidió presentar la saga en tres episodios cronológicos y dramáticos: "Retrato de una niña, Maryland 1930" (Faulkner interpretado por Patty Duke , de 9 años ), "Retrato de una mujer joven" y "Retrato de una mujer joven". Goddess ”(las dos últimas interpretadas por Kim Stanley ).

Cromwell utiliza la película como una plataforma para "parodiar amargamente el emocionalismo de sus películas anteriores", uniendo los episodios mediante la repetición de fragmentos de diálogo de los personajes que "hacen eco" a lo largo de la película.

La Diosa surge como el ajuste de cuentas de Cromwell con la industria cinematográfica de Hollywood. La caracterización de Emily Ann Faulkner y Rita Shawn surge como una acusación al sistema de Hollywood. El historiador de cine Kingsley Canham observa:

"La heroína de Cromwell es a la vez víctima y monstruo; a ella se le permite una ambigüedad de carácter que comparten muchas de sus villanas, pero él no muestra piedad ni piedad por la mecánica de la industria cinematográfica a la que acusa de su caída. La película le ofrece una oportunidad para dar rienda suelta a su relación de amor / odio de por vida en la industria cinematográfica ".

Cromwell descubrió que sus derechos de "primer corte" eran inadecuados para preservar su trabajo, y en la edición posterior efectuada gracias a los esfuerzos del escritor Chayefsky, The Goddess se redujo a la mitad de su longitud original. Cromwell finalmente abandonó el proyecto.

La carrera cinematográfica de Cromwell se cerró con dos películas mediocres: The Scavengers (1959), protagonizada por Vince Edwards y Carol Ohmart , realizada en Filipinas, y un drama de bajo presupuesto, A Matter of Morals, realizado en Suecia en 1961, con Maj-Britt Nilsson y Patrick. O'Neal .

La vida después de Hollywood

Cromwell dedicó el resto de su carrera principalmente al teatro donde lo había comenzado. Escribió tres obras de teatro, todas representadas en Nueva York; actuó junto a Helen Hayes en una reposición de What Every Woman Knows , dirigió la compañía original de Broadway de Desk Set y finalmente encontró satisfacción artística en cuatro temporadas en el teatro Tyrone Guthrie en Minneapolis, fundado por el director británico expatriado en 1963 cuando él, como Cromwell, se había desencantado con el creciente comercialismo de Broadway.

Cromwell fue elegido por Robert Altman para el papel de Mr. Rose para la película 3 Women (1977) protagonizada por Shelley Duvall y Sissy Spacek , y como Bishop Martin en A Wedding (1978) protagonizada por Desi Arnaz, Jr. , Carol Burnett , Geraldine Chaplin. , Mia Farrow , Vittorio Gassman y Lillian Gish . Su esposa Ruth Nelson también apareció en ambas películas de Altman.

Vida personal

Cromwell se casó cuatro veces. Su primera esposa, la actriz de teatro Alice Lindahl murió de influenza en 1918. Él y la actriz de teatro Marie Goff se divorciaron. Cromwell se casó luego con la actriz Kay Johnson en 1928 y se divorció en 1946). Su matrimonio definitivo con la actriz Ruth Nelson (1947-1979) duró hasta su muerte. Cromwell y Johnson tuvieron dos hijos; uno es el actor James Cromwell .

Muerte

Murió a los 92 años en Santa Bárbara, California de una embolia pulmonar .

Filmografia

Año Título Acreditado como
Director Actor Papel
1929 El maniquí Walter Babbing (debut cinematográfico)
Cerrar armonía
La danza de la vida Portero
El poderoso Sr. Jamieson
1930 Calle de la Oportunidad Imbrie
El tejano
Por la Defensa Segundo reportero en el juicio
Tom Sawyer
1931 Hoja de escándalo
Infiel
El escuadrón antivicio
La locura del hombre rico
1932 El mundo y la carne
Carretera del infierno
1933 Barreduras
El cordón de plata
Arnés doble
Ann Vickers Doughboy de rostro triste
1934 Volcán
Este hombre es mío
De la esclavitud humana
La fuente
1935 Cuento del pueblo
Jalna
Yo sueño demasiado
1936 Pequeño Lord Fauntleroy
A María - con amor
Banjo en mi rodilla
1937 El prisionero de Zenda
1938 Argel
1939 Hechos el uno para el otro
Solo de nombre
1940 Abe Lincoln en Illinois John Brown
Victoria
1941 Así termina nuestra noche
1942 Hijo de furia: la historia de Benjamin Blake
1944 Desde que te fuiste
1945 La cabaña encantada
1946 Anna y el rey de Siam
1947 Dead Reckoning
1948 Canción nocturna
1950 Enjaulado
1951 La compañía que mantiene Policía
La raqueta
1954 Vitrina de productores Jim Conover
1955 Teatro de estanques Sr. Lattimer
1956 Studio One en Hollywood Senador Harvey Rogers
1957 Asunto ultrasecreto General Daniel A. Grimshaw
1958 La diosa
1959 Los carroñeros
1961 Una cuestión de moral
1977 3 mujeres Sr. Rose
1978 Una boda Bishop Martin (película final)

Carrera escénica: actor, director, productor, 1912-1928

Año Título Acreditado como
Director Actor Papel
1912 Pequeña mujer John Brooke (debut en Broadway)
1913 La mujer pintada
1914 Demasiados cocineros Sí con Frank Craven Sr. Jamieson
La vida Sí, con William A. Brady
1915 Pecadores
La idea de Nueva York William Ludley
Mayor Barbara Charles Lomax
1916 La tierra
Conversión del Capitán Brassbound Capitán Kearney, USN
1917 La tierra de la libertad Sí con Frank Craven
1919 A las 9:45
Ella lo haría y lo hizo Frank Groward
1920 Violeta inmodesta Sr. Tackaberry
Visitantes jóvenes
1921 El teaser Ruddy Caswell
Personalidad Simpson
Maria Antonieta Sí, con Grace George Maillard
Comprado y pagado
1922 A la deriva
El infractor de la ley Walter Homer
Manhattan Unk
El mundo en el que vivimos
1923 Deslustre
1924 Embrujado Solo productor
1925 Ella tenía que saber
Todo depende Productor con William A. Brady
Cosecha
Sam McCarver Productor con William A. Brady Sam McCarver
1926 Pequeño Eyolf Ingeniero Borgheim
Diablos Matthew Dibble
Besos de gatito
Coño Gyp Gradyear
El cordón de plata
1927 Las mujeres continúan para siempre Productor con William A. Brady
La raqueta Capitán McQuigg
1928 El marido de la reina
Gentelmen of the Press Wick Snell

Notas al pie

Referencias

enlaces externos