Historia de la forma sonata - History of sonata form
La forma de la sonata es una de las ideas más influyentes en la historia de la música clásica occidental . Desde el establecimiento de la práctica por compositores como CPE Bach , Haydn , Mozart , Beethoven y Schubert y la codificación de esta práctica en la enseñanza y la teoría , la práctica de escribir obras en forma de sonata ha cambiado considerablemente.
Barroco tardío (ca 1710 - ca 1750)
Propiamente hablando, la forma sonata no existió en el período barroco ; sin embargo, las formas que llevaron a la definición estándar sí lo hicieron. De hecho, hay una mayor variedad de patrones armónicos en las obras barrocas llamadas sonatas que en el período clásico . Las sonatas de Domenico Scarlatti proporcionan ejemplos de la variedad de relaciones de tema y armonía posibles en las décadas de 1730 y 1740.
Al principio, las sonatas se escribieron principalmente para violín. Con el tiempo, evolucionó un tipo formal que predominó hasta finales del siglo XVIII. Este tipo alcanzó su punto máximo en las sonatas de JS Bach , Handel y Tartini , que siguieron modelos italianos más antiguos y emplearon un tipo atribuible a maestros como Corelli y Vivaldi ( Forma musical , Leichtentritt, Hugo, p. 122). En las décadas de 1730 y 1740, la dirección de las obras instrumentales, a menudo consideradas menos importantes que la música vocal, tendía hacia un diseño general de dos partes: la forma binaria . Pero también llegó a incluirse una sección de material contrastante que sirvió de puente entre ellos.
Época clásica (ca 1750 - ca 1825)
La forma de la sonata italiana más antigua difiere considerablemente de la sonata posterior en las obras de los maestros clásicos vieneses . Entre los dos tipos principales, la sonata italiana más antigua y la más "moderna" vienesa, varios tipos de transición se manifiestan a mediados del siglo XVIII, en las obras de los compositores de Mannheim , Johann Stamitz , Franz Xaver Richter , CPE Bach y muchos otros.
La sonata para piano tuvo su inicio con Johann Kuhnau , el predecesor de JS Bach como cantor de la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig. Kuhnau fue el primero en imitar la sonata italiana para violín en la música clave. Las sonatas de clave de Domenico Scarlatti forman una especie separada y distinta, escrita principalmente en un movimiento, en forma de canción y en estilo homofónico . Las sonatas de Scarlatti representan un tipo de transición entre la sonata más antigua y la vienesa. En Italia, en la antigüedad se hacía una distinción entre la sonata da chiesa (sonata de iglesia), escrita en estilo fugal , y la sonata da camera (sonata de cámara), que en realidad era una suite mezclada con elementos de sonata, no derivados de la danza.
Los elementos cruciales que llevaron a la forma sonata fueron el debilitamiento de la diferencia entre forma binaria y ternaria ; el cambio de textura de la polifonía completa (muchas voces en imitación) a la homofonía (una sola voz dominante y armonía de apoyo); y la creciente dependencia de la yuxtaposición de diferentes claves y texturas. A medida que diferentes relaciones clave adquirieron un significado cada vez más específico, los esquemas de las obras se alteraron. Dispositivos como la repetición falsa cayeron en desgracia, mientras que otros patrones aumentaron en importancia.
Probablemente el compositor más influyente en el desarrollo temprano de la forma de sonata fue CPE Bach, un hijo de JS Bach. Tomando las técnicas armónicas y de liderazgo de voz que su padre había desarrollado, las aplicó al estilo homofónico, permitiendo cambios dramáticos en el tono y el estado de ánimo, al tiempo que mantenía una coherencia general. CPE Bach fue una influencia decisiva en Joseph Haydn. Una de las innovaciones más duraderas de CPE Bach fue la reducción del tema a un motivo , que podría moldearse de manera más dramática en pos del desarrollo . En 1765, los temas de CPE Bach, en lugar de ser melodías largas, habían adoptado el estilo de los temas utilizados en forma de sonata: cortos, característicos y flexibles. Al vincular los cambios en el tema a la función armónica de la sección, CPE Bach sentó las bases que aprovecharían compositores como Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.
La práctica de los grandes maestros clásicos, específicamente Haydn y Mozart, constituye la base para la descripción de la forma de la sonata. Sus obras sirvieron como modelo para la forma y como fuente de nuevas obras concebidas en la forma de la sonata misma. Por lo tanto, los debates sobre la forma de la sonata hacen referencia extensamente a la práctica de Haydn y Mozart.
Joseph Haydn es considerado "el padre de la sinfonía " y "el padre del cuarteto de cuerdas ". También se le puede considerar como el padre de la forma de sonata como medio de estructuración de obras. Sus cuartetos de cuerda y sinfonías en particular muestran no solo la gama de aplicaciones de la forma, sino también la forma de explotar su potencial dramático. Es predominantemente Haydn quien creó la transición al desarrollo y la transición a la recapitulación , como momentos de suprema tensión e interés dramático. También es Haydn quien permitió un contorno más expansivo para las obras, al hacer que todos los aspectos de la armonía de una obra estén implícitos en su tema principal. Esta no es una innovación pequeña, ya que crea un análogo homofónico de la fuga polifónica, una semilla de potencial de la que el compositor podría luego germinar una variedad de efectos diferentes. La variedad de efectos dramáticos y la capacidad de Haydn para crear tensión se destacaron en su propio tiempo: su música se tomó cada vez más como el estándar por el cual otras prácticas podrían ser juzgadas.
El conjunto de cuartetos de cuerda de Haydn , op. 33 da los primeros ejemplos de uso coordinado de los recursos de la forma sonata de manera característica. El propio compositor los enumeró como escritos sobre principios completamente nuevos y marcando el punto de inflexión en su técnica.
Wolfgang Amadeus Mozart aplicó las ideas a gran escala de Haydn a la ópera y al concierto para piano . La fluidez de Mozart en la creación de temas y la densa red de motivos y sus partes dan a su obra un pulido superficial que fue destacado incluso por sus rivales profesionales. Mozart favoreció la forma de sonata y el ciclo de sonata. La mayoría de sus composiciones fueron en ciclo sonata. Exploró todos los géneros de su época y los perfeccionó todos. Al final de su corta vida, Mozart había absorbido la técnica de Haydn y la había aplicado a su propio sentido más extenso del tema, por ejemplo en la Sinfónica de Praga .
Período romántico (ca 1825 - ca 1910)
Ludwig van Beethoven fue el compositor que inspiró más directamente a los teóricos que codificaron la forma de la sonata como una práctica particular. Si bien se basaba en las estructuras de frases fluidas y una variedad más amplia de posibles diseños esquemáticos que provenían de Haydn y Mozart, su innovación más profunda fue trabajar desde ambos extremos de una forma de sonata, concebir la estructura completa y luego pulir los temas que apoyarían ese diseño general. Continuó ampliando la longitud y el peso de las formas de sonata utilizadas por Haydn y Mozart, además de utilizar con frecuencia motivos y modelos armónicos extraídos de los dos compositores mayores. Comparte las épocas clásica y romántica. Debido a su uso de ritmos cada vez más característicos y dispositivos disruptivos, se lo ve como una figura de transición entre los períodos clásico y romántico.
En la era romántica, la forma de la sonata se definió explícitamente por primera vez y se institucionalizó. Eruditos académicos como Adolph Bernhard Marx escribieron descripciones de la forma, a menudo con un objetivo normativo ; es decir, el objetivo de indicar cómo se deben componer las obras en forma de sonata . Si bien la forma del primer movimiento había sido objeto de trabajos teóricos, se la consideraba el pináculo de la técnica musical. Parte de la formación de los compositores del siglo XIX fue escribir en forma de sonata y favorecer la forma de sonata en el primer movimiento de composiciones de múltiples movimientos, como sinfonías, conciertos para piano y cuartetos de cuerda.
El procedimiento del siglo XIX para escribir sonatas se apartó de la práctica clásica anterior, ya que se centró más en los temas que en la ubicación de las cadencias . La exposición monotemática (una característica común de los movimientos en forma de sonata de Haydn) desapareció en gran medida, y se esperaba que los temas del primer y segundo grupo contrastaran en carácter. De manera más general, el esquema formal de una sonata llegó a verse más en términos de sus temas o grupos de temas, en lugar de la marcada diferenciación de áreas tonales basada en cadencias. En el período clásico, establecer la expectativa de una cadencia particular y luego retrasarla o evitarla era una forma común de crear tensión. En el siglo XIX, con su vocabulario armónico dramáticamente expandido, evitar una cadencia no tenía el mismo grado de inesperado. En cambio, se establecieron regiones clave más distantes por una variedad de otros medios, incluido el uso de acordes cada vez más disonantes , puntos de pedal , textura y alteración del tema principal en sí.
En el período clásico, el contraste entre grupos temáticos, aunque útil, no era necesario. El primer grupo temático tendió a delinear el acorde tónico, y el segundo tema tendió a ser de carácter más cantable . Pero esto estaba lejos de ser universal, como muestran las exposiciones monotemáticas de Haydn y los primeros temas rítmicos de Beethoven. Debido a que el poder de la oposición armónica, tanto entre tónica y dominante como entre mayor y menor , tenía menos fuerza en el vocabulario romántico, los estereotipos sobre el carácter de los temas se hicieron más fuertes. Los teóricos del siglo XIX describieron el principio de la sonata como uno de oposición entre dos grupos de temas. Por lo tanto, Marx pensó que el primer tema debería ser "masculino" - estridente, rítmico e implicando una disonancia - y el segundo grupo temático debería estar extraído más de la melodía vocal haciéndolo "femenino". Es este contraste entre "rítmico" y "canto" lo que Wagner , en su influyente trabajo On Conducting , argumentó que estaba en el centro mismo de la tensión en la música. Esto llevó a muchos intérpretes y compositores a creer que la textura era el contraste más importante y que el tempo debería usarse para enfatizar este contraste. Por lo tanto, las secciones rápidas se realizaron más rápido y las secciones más lentas se llevaron a cabo o se tocaron más lentamente.
Al exigir que la armonía se moviera con los temas, la forma de la sonata del siglo XIX impuso una especie de disciplina a los compositores y también permitió al público comprender la música siguiendo la aparición de melodías reconocibles. Sin embargo, la forma de la sonata, como molde formal heredado, también creó una tensión para los compositores románticos entre el deseo de combinar la expresión poética y el rigor académico.
Más tarde, los comentaristas y teóricos románticos detectaron una "idea sonata" de creciente formalización. Dibujaron una progresión de obras de Haydn, a través de Mozart y Beethoven, por lo que cada vez más movimientos en una obra de múltiples movimientos se sentían en forma de sonata. Estos teóricos presentan la teoría de que originalmente solo los primeros movimientos tenían esa forma, luego también los últimos movimientos (por ejemplo, la Sinfonía de Praga de Mozart) y, finalmente, el "principio de la sonata" llegó a extenderse a lo largo de toda una obra. Por ejemplo, el Cuarteto de cuerda de Beethoven, Op. 59 Se decía que el número 2 tenía los cuatro movimientos en forma de sonata. Con esto, teóricos como Donald Tovey se referían a la forma de sonata diseñada académicamente. Charles Rosen ha argumentado que, entendido correctamente, este siempre fue el caso: que las formas de sonata reales (plural) siempre estuvieron presentes, aunque esto no está universalmente aceptado.
A medida que avanzaba el siglo XIX, la complejidad de la forma de la sonata creció, ya que Johannes Brahms y Franz Liszt introdujeron nuevas formas de moverse a través de la armonía de una obra . En lugar de centrarse exclusivamente en teclas estrechamente relacionadas en el círculo de quintas, utilizaron el movimiento a lo largo de círculos basados en tríadas menores o mayores . Siguiendo la tendencia establecida por Beethoven, el foco se trasladó cada vez más al apartado de desarrollo. Esto estaba en consonancia con la comparación romántica de la música con la poesía. Términos poéticos, como " rapsodia " y " poema tonal ", entraron en la música y cada vez más los músicos sintieron que no debían repetir las repeticiones en las sinfonías porque no tenía sentido dramático o lírico hacerlo. Esto cambió su interpretación de las formas de sonata anteriores.
La forma de la sonata romántica fue un molde especialmente agradable para Brahms, quien sintió una fuerte afinidad con los compositores de la era clásica. Brahms adoptó y extendió la práctica de Beethoven de modular a tonos más remotos en la exposición, combinándolo con el uso del contrapunto en las voces internas. Por ejemplo, su quinteto de piano tiene el primer tema en fa menor, pero el segundo tema está en do sostenido menor, una quinta más alta aumentada . En el mismo trabajo, el esquema clave de la recapitulación también se altera: el segundo tema de la recapitulación está en fa sostenido menor, en lugar del fa menor del primer sujeto.
Otra fuerza que actuó en forma de sonata fue la escuela de compositores centrada en Franz Liszt y Richard Wagner. Buscaron integrar más armonías errantes y acordes no preparados en la estructura musical para lograr tanto la coherencia formal como una gama de tonalidades expresiva y completa. Cada vez más, los temas comenzaron a tener notas que estaban lejos de la clave original, un procedimiento que luego se denominó " tonalidad extendida ". Esta tendencia influyó fuertemente en la próxima generación de compositores, por ejemplo Gustav Mahler . Los primeros movimientos de varias de sus sinfonías se describen como en forma de sonata, aunque divergen del esquema estándar de manera bastante dramática. Algunos incluso han argumentado que la totalidad de su primera sinfonía (en la que el material del primer movimiento regresa en el cuarto movimiento) está destinada a ser una forma masiva de sonata-allegro.
Como resultado de estas innovaciones, las obras se volvieron más seccionales. Compositores como Liszt y Anton Bruckner incluso comenzaron a incluir pausas explícitas en las obras entre secciones. La duración de los movimientos de sonata creció a partir de la década de 1830. La Sinfonía del premio de Franz Lachner , una obra que rara vez se toca hoy, tuvo un primer movimiento más largo que cualquier primer movimiento sinfónico de Beethoven. La longitud de las obras completas también aumentó en consecuencia. Los poemas tonales, que a menudo estaban en forma de sonata, ampliaron enormemente su longitud en comparación con las oberturas tradicionales. Por ejemplo, la Obertura Waverley de Berlioz es tan larga como algunas sinfonías de Haydn de período medio.
Un debate en el siglo XIX fue sobre si era aceptable utilizar el diseño de un poema u otra obra literaria para estructurar una obra de música instrumental. La escuela compositiva centrada en Liszt y Wagner (la llamada Nueva Escuela Alemana ) argumentó a favor de la inspiración literaria (ver Programa de música ), mientras que otro campo, centrado en Schumann , Brahms y Eduard Hanslick argumentó que la música pura debe seguir las formas presentado por Haydn, Mozart y Beethoven. Este conflicto finalmente se internalizó y, para 1900, aunque el debate aún se prolongó, compositores como Richard Strauss combinarían libremente la estructura programática y sinfónica, como en la obra Ein Heldenleben .
Era moderna
En el período moderno , la forma de la sonata se separó de su base armónica tradicional. Las obras de Schoenberg , Debussy , Sibelius y Richard Strauss enfatizaron diferentes escalas distintas de la escala mayor-menor tradicional y utilizaron acordes que no establecían claramente la tonalidad . Se podría argumentar que en la década de 1930, la forma de sonata era simplemente un término retórico para cualquier movimiento que estableciera temas, los separara y los volviera a unir. Sin embargo, incluso los compositores de música atonal , como Roger Sessions y Karl Hartmann , continuaron usando esquemas que claramente apuntaban a la práctica de Beethoven y Haydn, incluso si el método y el estilo eran bastante diferentes. Al mismo tiempo, compositores como Sergei Prokofiev , Benjamin Britten y Dmitri Shostakovich revivieron la idea de una forma de sonata mediante un uso más complejo y extendido de la tonalidad.
En tiempos más recientes, el minimalismo ha buscado nuevas formas de desarrollar la forma, y nuevos contornos que, de nuevo, aunque no se basan en el mismo plan armónico que la sonata clásica, están claramente relacionados con ella. Un ejemplo es la Sinfonía en ondas de Aaron Jay Kernis de principios de los noventa.