Hip hop - Hip hop

Dos DJ de hip hop que crean nueva música mezclando pistas de varios tocadiscos. En la foto aparecen DJ Hypnotize (izquierda) y Baby Cee (derecha).

El hip hop o hip-hop es un movimiento artístico y cultural que fue creado por afroamericanos , latinoamericanos y caribeños en el Bronx , Nueva York . El origen del nombre a menudo se disputa. También se discute si el hip hop comenzó en el sur o en el oeste del Bronx . Si bien el término hip hop se usa a menudo para referirse exclusivamente a la música hip hop (incluido el rap), el hip hop se caracteriza por cuatro elementos clave: " rap " (también llamado MCing o presentador de ceremonias), un estilo rítmico de rima vocal ( oralidad ); DJ (y turntablism ), que es la práctica de hacer música con tocadiscos y mezcladores de DJ (creación de música / sonido y aural); b-boying / b-girling / breakdance (movimiento / baile); y graffiti . Otros elementos son: cultura hip hop y conocimiento histórico del movimiento (intelectual / filosófico); beatboxing , un estilo vocal de percusión; emprendimiento callejero ; lenguaje hip hop; y moda y estilo hip hop, entre otros. El quinto elemento, aunque debatido, se considera comúnmente conocimiento de la calle, moda hip hop o beatboxing.

La escena del hip hop del Bronx surgió a mediados de la década de 1970 a partir de las fiestas de barrio organizadas por Black Spades , un grupo afroamericano que ha sido descrito como una pandilla , un club y un grupo de música. El dúo hermano-hermana DJ Kool Herc y Cindy Campbell también organizaron fiestas de DJ en el Bronx y se les atribuye el ascenso en el género. La cultura hip hop se ha extendido a comunidades urbanas y suburbanas en los Estados Unidos y, posteriormente, en el mundo. Estos elementos se adaptaron y desarrollaron considerablemente, particularmente a medida que las formas de arte se extendieron a nuevos continentes y se fusionaron con los estilos locales en la década de 1990 y décadas posteriores. Incluso mientras el movimiento continúa expandiéndose globalmente y explorando innumerables estilos y formas de arte, incluido el teatro hip hop y el cine hip hop, los cuatro elementos fundamentales brindan coherencia y una base sólida para la cultura hip hop. El hip hop es a la vez un fenómeno nuevo y antiguo; La importancia de muestrear pistas, ritmos y líneas de bajo de discos antiguos a la forma de arte significa que gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de actualizar grabaciones clásicas, actitudes y experiencias para el público moderno. Muestrear la cultura más antigua y reutilizarla en un nuevo contexto o en un nuevo formato se llama "voltear" en la cultura hip hop. La música hip hop sigue los pasos de los géneros musicales latinos y de raíces afroamericanas anteriores, como el blues , el jazz , el rag-time , el funk , la salsa y el disco para convertirse en uno de los géneros más practicados en todo el mundo.

En la década de 2000, con el surgimiento de nuevas plataformas de medios como los servicios de transmisión de música en línea, los fanáticos descubrieron y descargaron o transmitieron música hip hop a través de sitios de redes sociales comenzando con Blackplanet y Myspace , así como desde sitios web como YouTube , Worldstarhiphop , SoundCloud y Spotify .

Etimología

Keith "Vaquero" Wiggins , miembro de Grandmaster Flash y los Furious Five , se ha acreditado con acuñar el término en 1978, mientras que molestar a un amigo que acababa de unirse al Ejército de Estados Unidos por el scat cantar las palabras inventadas "hip / hop / cadera / hop "de una manera que imitaba la cadencia rítmica de los soldados en marcha. Más tarde, Cowboy incorporó la cadencia del "hip hop" en su actuación en el escenario. El grupo actuaba frecuentemente con artistas disco que se referían a este nuevo tipo de música llamándolos "hip hoppers". El nombre fue originalmente pensado como una señal de falta de respeto, pero pronto llegó a identificar esta nueva música y cultura.

La canción " Rapper's Delight " de The Sugarhill Gang , lanzada en 1979, comienza con la frase "Dije un hip, hop, el hippie, el hippie al hip hip hop, y no te detienes". Lovebug Starski , un DJ del Bronx que lanzó un sencillo llamado "The Positive Life" en 1981, y DJ Hollywood comenzaron a usar el término para referirse a esta nueva música disco rap . Bill Alder, un consultor independiente, dijo una vez: "Casi nunca hubo un momento en el que la música rap fuera underground, uno de los primeros llamados discos de rap, fue un éxito monstruoso ('Rapper's Delight' de Sugar Hill Gang en Sugarhill Records ). " La pionera del hip hop y líder de la comunidad del sur del Bronx, Afrika Bambaataa, también acredita a Lovebug Starski como la primera en usar el término "hip hop" en relación con la cultura. Bambaataa, ex líder de los Black Spades , también hizo mucho para popularizar aún más el término. El primer uso del término en forma impresa, refiriéndose específicamente a la cultura y sus elementos, fue en una entrevista de enero de 1982 a Afrika Bambaataa por Michael Holman en el East Village Eye . El término ganó más vigencia en septiembre de ese año en The Village Voice , en un perfil de Bambaataa escrito por Steven Hager , quien también publicó la primera historia completa de la cultura con St. Martins 'Press .

Historia

1970

DJ Jazzy Jeff , que también es productor de discos, manipuló un tocadiscos en 2005.

En la década de 1970, un movimiento urbano clandestino conocido como "hip hop" comenzó a formarse en el Bronx, Nueva York . Se centró en ser maestro de ceremonias (o MC) en fiestas en casa y eventos de fiestas en el vecindario, que se llevaban a cabo al aire libre. La música hip hop ha sido un medio poderoso para protestar por el impacto de las instituciones legales en las minorías, particularmente la policía y las prisiones. Históricamente, el hip hop surgió de las ruinas de un sur del Bronx postindustrial y devastado, como una forma de expresión de la juventud urbana negra y latina, a quienes el discurso público y político había descartado como comunidades marginadas. El DJ nacido en Jamaica Clive "Kool Herc" Campbell fue pionero en el uso de "descansos" de percusión de DJ en la música hip hop. Comenzando en la casa de Herc en un apartamento de gran altura en 1520 Sedgwick Avenue, el movimiento luego se extendió por todo el distrito. El 11 de agosto de 1973 DJ Kool Herc fue el DJ en la fiesta de regreso a clases de su hermana. Extendió el ritmo de un disco usando dos tocadiscos, aislando los "cortes" de percusión usando un mezclador para cambiar entre los dos discos. La hermana de Kool Herc, Cindy Campbell, produjo y financió la Fiesta de Regreso a la Escuela que se convirtió en el "Nacimiento del Hip Hop". Según fuentes locales, en una fiesta de Sedgwick Avenue el 11 de agosto de 1973, Herc introdujo un estilo original de turntablist, conocido como " breakbeat ", que luego se convirtió en un elemento esencial del hip hop moderno. Según Peter Shapiro , mientras que la innovación de Herc "sentó las bases para el hip hop ... fue otro DJ, Grandwizard Theodore , quien creó su firma floreciente en 1977 o 1978": " scratching ".

Un segundo elemento musical clave en la música hip hop es ser maestro de ceremonias (también llamado MCing o rap). Emceeing es la entrega rítmica hablada de rimas y juegos de palabras, entregada al principio sin acompañamiento y luego realizada en un tiempo . Este estilo hablado fue influenciado por el estilo afroamericano de "capping", una actuación en la que los hombres intentaron superarse entre sí en la originalidad de su idioma y trataron de ganarse el favor de los oyentes. Los elementos básicos del hip hop (raps con alarde, "poses" (grupos) rivales, "derrotas" en la zona alta y comentarios políticos y sociales, estuvieron presentes durante mucho tiempo en la música afroamericana. Los artistas de MC y rap se movían de un lado a otro entre el predominio de las canciones de brindis llenas de una mezcla de jactancia, 'holgura' e insinuación sexual y un estilo más actual, político y socialmente consciente. El papel del MC originalmente era el de Maestro de Ceremonias para un evento de baile de DJ. El MC presentaría al DJ y trataría de animar a la audiencia. El MC habló entre las canciones del DJ, instando a todos a levantarse y bailar. Los MCs también contaban chistes y usaban su lenguaje enérgico y entusiasmo para animar a la multitud. Con el tiempo, este papel introductorio se convirtió en sesiones más largas de juegos de palabras rítmicos y hablados y rimas, que se convirtieron en rap.

En 1979, la música hip hop se había convertido en un género corriente. Se extendió por todo el mundo en la década de 1990 con un controvertido rap "gangsta". Herc también se desarrolló a partir de la creación de DJ con break-beat , donde los cortes de las canciones funk , la parte más adecuada para bailar, generalmente basada en percusión, se aislaron y repitieron con el propósito de fiestas de baile que duraban toda la noche. Esta forma de reproducción de música, que utiliza hard funk y rock, formó la base de la música hip hop. Los anuncios y exhortaciones de Campbell a los bailarines llevarían al acompañamiento hablado sincopado y rimado que ahora se conoce como rap. Él apodó a sus bailarines "break-boys" y "break-girls", o simplemente b-boys y b-girls. Según Herc, "romper" también era una jerga callejera para "emocionarse" y "actuar con energía".

DJ Kool Herc es un pionero en el desarrollo de la música hip hop.

DJs como Grand Wizzard Theodore , Grandmaster Flash y Jazzy Jay refinaron y desarrollaron el uso de breakbeats , incluido el corte y el scratching . El enfoque utilizado por Herc pronto fue copiado ampliamente y, a fines de la década de 1970, los DJ lanzaban discos de 12 pulgadas en los que rapeaban al ritmo. Las melodías influyentes incluyeron " King Tim III (Personality Jock) " de Fatback Band , " Rapper's Delight " de The Sugarhill Gang y " Christmas Rappin ' " de Kurtis Blow , todas lanzadas en 1979. Herc y otros DJs conectarían sus equipo a las líneas eléctricas y actuar en lugares como canchas públicas de baloncesto y en 1520 Sedgwick Avenue, Bronx, Nueva York, ahora oficialmente un edificio histórico. El equipo constaba de numerosos altavoces, tocadiscos y uno o más micrófonos. Al utilizar esta técnica, los DJ podían crear una variedad de música, pero según Rap Attack de David Toop "En el peor de los casos, la técnica podría convertir la noche en una canción interminable e inevitablemente aburrida". A KC The Prince of Soul , un rapero y letrista de Pete DJ Jones, a menudo se le atribuye el mérito de ser el primer letrista de rap en llamarse a sí mismo un "MC".

Las pandillas callejeras prevalecían en la pobreza del sur del Bronx , y gran parte de los grafitis, los rapeos y los b-boying en estas fiestas eran todas variaciones artísticas de la competencia y la superación de las pandillas callejeras. Sintiendo que los impulsos a menudo violentos de los pandilleros podían convertirse en creativos, Afrika Bambaataa fundó Zulu Nation , una confederación informal de equipos de baile callejero, artistas de graffiti y músicos de rap. A fines de la década de 1970, la cultura había ganado la atención de los medios, con la revista Billboard publicando un artículo titulado "B Beats Bombarding Bronx ", comentando sobre el fenómeno local y mencionando figuras influyentes como Kool Herc . El apagón de la ciudad de Nueva York de 1977 vio saqueos, incendios y otros desórdenes en toda la ciudad, especialmente en el Bronx, donde varios saqueadores robaron equipos de DJ de tiendas de electrónica. Como resultado, el género hip hop, apenas conocido fuera del Bronx en ese momento, creció a un ritmo asombroso desde 1977 en adelante.

Las fiestas en casa de DJ Kool Herc ganaron popularidad y luego se trasladaron a lugares al aire libre para acomodar a más personas. Organizadas en parques, estas fiestas al aire libre se convirtieron en un medio de expresión y una salida para los adolescentes, donde "en lugar de meterse en problemas en las calles, los adolescentes ahora tenían un lugar para gastar su energía reprimida". Tony Tone, miembro de Cold Crush Brothers , afirmó que "el hip hop salvó muchas vidas". Para los jóvenes del centro de la ciudad, participar en la cultura hip hop se convirtió en una forma de lidiar con las dificultades de la vida como minorías dentro de Estados Unidos, y una salida para lidiar con el riesgo de violencia y el surgimiento de la cultura de las pandillas. MC Kid Lucky menciona que "la gente solía bailar break dance entre sí en lugar de pelear". Inspirada por DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa creó una organización callejera llamada Universal Zulu Nation , centrada en el hip hop, como un medio para sacar a los adolescentes de la vida de las pandillas, las drogas y la violencia.

El contenido lírico de muchos de los primeros grupos de rap se centró en cuestiones sociales, sobre todo en la pista seminal "The Message" (1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five , que discutía las realidades de la vida en los proyectos de vivienda. "Los jóvenes afroamericanos que salen del movimiento por los derechos civiles han utilizado la cultura hip hop en las décadas de 1980 y 1990 para mostrar las limitaciones del movimiento". El hip hop les dio a los jóvenes afroamericanos una voz para que sus problemas fueran escuchados; "Al igual que el rock-and-roll, los conservadores se oponen enérgicamente al hip hop porque romantiza la violencia, la infracción de la ley y las pandillas". También dio a las personas la oportunidad de obtener beneficios económicos al "reducir el resto del mundo a los consumidores de sus preocupaciones sociales".

A finales de 1979, Debbie Harry de Blondie llevó a Nile Rodgers de Chic a tal evento, ya que la principal pista de acompañamiento utilizada fue el descanso de " Good Times " de Chic . El nuevo estilo influenciado Harry, y Blondie tarde bateado sencillo de 1981 " rapto " se convirtieron en los primeros elementos principales que contiene el hip hop individuales por un grupo blanco o artista a número de golpe uno en los EE.UU. Billboard Hot 100 -la canción en sí generalmente se considera nueva ola y fusiona elementos de música pop pesada , pero hay un rap extendido de Harry cerca del final.

Decenio de 1980

En 1980, Kurtis Blow lanzó su álbum debut homónimo con el sencillo " The Breaks ", que se convirtió en la primera canción de rap de oro certificada. En 1982, Afrika Bambaataa y Soulsonic Force lanzaron la pista de electro-funk " Planet Rock ". En lugar de simplemente rapear sobre ritmos disco, Bambaataa y el productor Arthur Baker crearon un sonido electrónico utilizando la caja de ritmos Roland TR-808 y samples de Kraftwerk . "Planet Rock" es ampliamente considerado como un punto de inflexión; fusionando electro con hip hop, fue "como una luz encendida", resultando en un nuevo género. La pista también ayudó a popularizar el 808, que se convirtió en la piedra angular de la música hip hop; Wired y Slate describieron la máquina como el equivalente del hip hop a la Fender Stratocaster , que había influido drásticamente en el desarrollo de la música rock . Lanzado en 1986, Licensed to Ill por Beastie Boys se convirtió en el primer LP de rap en encabezar la lista de álbumes de Billboard.

Otros discos innovadores publicados en 1982 incluyen " The Message " de Grandmaster Flash and the Furious Five , " Nunk " de Warp 9 , "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" de Man Parrish , "Magic Wand" de Whodini , y " Buffalo Gals " de Malcolm McLaren . En 1983, Hashim creó el electro influyente Funk sintonía " Al-Naafiysh (alma) ", mientras que de Warp 9 " a años luz " (1983), "una piedra angular de principios de los 80 Beat Box afrofuturism ", introducido temas de conciencia social de una ciencia -Perspectiva Fi , rindiendo homenaje al pionero de la música Sun Ra .

Gran maestro Melle Mel

Abarcando el arte del graffiti, MCing / rap, DJing y b-boying, el hip hop se convirtió en el movimiento cultural dominante de las comunidades urbanas pobladas por minorías en la década de 1980. La década de 1980 también vio a muchos artistas hacer declaraciones sociales a través del hip hop. En 1982, Melle Mel y Duke Bootee grabaron " The Message " (oficialmente acreditado a Grandmaster Flash y The Furious Five), una canción que presagiaba las declaraciones de conciencia social de " It's like That " de Run-DMC y Public Enemy " Acero negro en la hora del caos ". Durante la década de 1980, el hip hop también adoptó la creación de ritmo utilizando el cuerpo humano, a través de la técnica de percusión vocal del beatboxing . Pioneros como Doug E. Fresh , Biz Markie y Buffy de los Fat Boys hicieron ritmos, ritmos y sonidos musicales usando su boca, labios, lengua, voz y otras partes del cuerpo. Los artistas de "Human Beatbox" también cantaban o imitaban el scratching con turntablism u otros sonidos de instrumentos.

La aparición de videos musicales cambió el entretenimiento: a menudo glorificaban los vecindarios urbanos. El video musical de "Planet Rock" mostró la subcultura de músicos de hip hop, artistas de graffiti y b-boys / b-girls. Muchas películas relacionadas con el hip hop se estrenaron entre 1982 y 1985, entre ellas Wild Style , Beat Street , Krush Groove , Breakin y el documental Style Wars . Estas películas expandieron el atractivo del hip hop más allá de los límites de Nueva York. En 1984, los jóvenes de todo el mundo estaban adoptando la cultura hip hop. El arte del hip hop y la "jerga" de las comunidades urbanas de EE. UU. Rápidamente se abrieron camino en Europa, a medida que se arraigaba el atractivo global de la cultura. Los cuatro bailes tradicionales del hip hop son rock, b-boying / b-girling, lock y popping, todos cuyos orígenes se remontan a finales de la década de 1960 o principios de la de 1970.

Las mujeres artistas también han estado a la vanguardia del movimiento hip hop desde sus inicios en el Bronx. Sin embargo, a medida que el gangsta rap se convirtió en la fuerza dominante en la música hip hop, hubo muchas canciones con letras misóginas (anti-mujeres) y muchos videos musicales mostraban a las mujeres de una manera sexualizada. La negación de la voz y la perspectiva femeninas es un tema que ha llegado a definir la música hip hop convencional. La industria discográfica está menos dispuesta a respaldar a las artistas femeninas que a sus homólogos masculinos, y cuando lo hace, a menudo hace hincapié en su sexualidad sobre su sustancia musical y sus habilidades artísticas. Desde el cambio de siglo, las artistas femeninas de hip hop han luchado por llamar la atención de la corriente principal, y solo unas pocas, como las artistas más antiguas como el dúo femenino Salt N 'Pepa hasta las más contemporáneas como Lil' Kim y Nicki Minaj , alcanzaron el estado de platino. .

Decenio de 1990

Con el éxito comercial del gangsta rap a principios de la década de 1990, el énfasis en las letras pasó a las drogas, la violencia y la misoginia . Los primeros defensores del gangsta rap incluyeron grupos y artistas como Ice-T , que grabó lo que algunos consideran el primer sencillo de gangster rap, " 6 in the Mornin ' ", y NWA, cuyo segundo álbum, Niggaz4Life, se convirtió en el primer álbum de gangsta rap en participar. las listas en el número uno. El rap gangsta también jugó un papel importante en que el hip hop se convirtiera en un producto básico. Álbumes considerando como NWA 's Straight Outta Compton , Eazy-E ' s Eazy-Duz-It , y del cubo de hielo de Amerikkka más buscados estaban vendiendo en números tan altos significaban que los adolescentes negros eran audiencia de compra única sin la cadera del salto más largo. Como resultado, el gangsta rap se convirtió en una plataforma para los artistas que eligieron usar su música para difundir mensajes políticos y sociales en partes del país que antes desconocían las condiciones de los guetos . Si bien la música hip hop ahora atrae a un grupo demográfico más amplio, los críticos de los medios argumentan que el hip hop social y políticamente consciente ha sido ignorado en gran medida por la corriente principal de Estados Unidos.

Innovaciones globales

La artista y poeta británica de hip hop Kate Tempest interpreta su pieza característica "Let Them Eat Chaos" en el Festival de Música Treefort 2017 en Boise, Idaho .

Según el Departamento de Estado de Estados Unidos, el hip hop es "ahora el centro de una mega industria de la música y la moda en todo el mundo" que cruza las barreras sociales y trasciende las fronteras raciales. National Geographic reconoce al hip hop como "la cultura juvenil favorita del mundo" en la que "casi todos los países del planeta parecen haber desarrollado su propia escena de rap local". A través de sus viajes internacionales, el hip hop se considera ahora una "epidemia musical mundial". Según The Village Voice , el hip hop está "hecho a medida para combatir la anomia que acecha a los adolescentes donde nadie sabe su nombre".

Los sonidos y estilos del hip hop difieren de una región a otra, pero también hay casos de géneros de fusión. La cultura hip hop ha pasado del género evitado a un género que es seguido por millones de fanáticos en todo el mundo. Esto fue posible gracias a la adaptación de la música en diferentes lugares y la influencia en el estilo de comportamiento y vestimenta. No todos los países han abrazado el hip hop, donde "como se puede esperar en países con una fuerte cultura local, el estilo salvaje entrelazado del hip hop no siempre es bienvenido". Este es en cierto modo el caso de Jamaica, la patria del padre de la cultura, DJ Kool Herc. Sin embargo, a pesar de que la música hip hop producida en la isla carece de un reconocimiento local e internacional generalizado, artistas como Five Steez han desafiado las probabilidades al impresionar a los creadores del gusto del hip hop en línea e incluso a los críticos del reggae.

Hartwig Vens sostiene que el hip hop también puede verse como una experiencia de aprendizaje global. El autor Jeff Chang sostiene que "la esencia del hip hop es el cifrado , nacido en el Bronx, donde la competencia y la comunidad se alimentan mutuamente". También agrega: "Miles de organizadores desde Ciudad del Cabo hasta París usan el hip hop en sus comunidades para abordar la justicia ambiental, la vigilancia policial y las prisiones, la justicia mediática y la educación". Si bien la música hip hop ha sido criticada como una música que crea una división entre la música occidental y la música del resto del mundo, se ha producido una "polinización cruzada" musical, que fortalece el poder del hip hop para influir en diferentes comunidades. Los mensajes del hip hop permiten escuchar a los desfavorecidos y maltratados. Estas traducciones culturales traspasan fronteras. Si bien la música puede ser de un país extranjero, el mensaje es algo con lo que muchas personas pueden identificarse, algo que no es "extranjero" en absoluto.

Incluso cuando el hip hop se trasplanta a otros países, a menudo conserva su "agenda progresista vital que desafía el status quo". En Gotemburgo , Suecia, las organizaciones no gubernamentales (ONG) incorporan el graffiti y la danza para involucrar a los jóvenes inmigrantes y de clase trabajadora descontentos. El hip hop ha jugado un papel pequeño pero distinto como la cara musical de la revolución en la Primavera Árabe , un ejemplo es un músico libio anónimo , Ibn Thabit , cuyas canciones antigubernamentales alimentaron la rebelión.

Comercialización

El rapero, empresario y ejecutivo Jay-Z enfatiza su riqueza.

A principios y mediados de la década de 1980, no había una industria de la música hip hop establecida, como la que existe en la década de 2020, con sellos discográficos, productores de discos , gerentes y personal de artistas y repertorio . Los políticos y empresarios difamaron e ignoraron el movimiento hip hop. La mayoría de los artistas de hip hop actuaron en sus comunidades locales y grabaron en escenas clandestinas. Sin embargo, a finales de la década de 1980, los ejecutivos de la industria musical se dieron cuenta de que podían capitalizar el éxito del "gangsta rap". Hicieron una fórmula que creó "un excitante buffet de hipermasculinidad y violencia glorificada". Este tipo de rap se comercializó para la nueva base de fans: los hombres blancos. Ignoraron las descripciones de una dura realidad para centrarse en el sexo y la violencia involucrados.

En un artículo para The Village Voice , Greg Tate sostiene que la comercialización del hip hop es un fenómeno negativo y generalizado, y escribe que "lo que llamamos hiphop ahora es inseparable de lo que llamamos la industria del hip hop, en la que los nuevos ricos y los los empleadores súper ricos se hacen más ricos ". Irónicamente, esta comercialización coincide con una caída en las ventas de rap y la presión de los críticos del género. Incluso otros músicos, como Nas y KRS-ONE, han afirmado que "el hip hop está muerto " en el sentido de que ha cambiado tanto a lo largo de los años para atender al consumidor que ha perdido la esencia para la que se creó originalmente.

Sin embargo, en su libro In Search Of Africa , Manthia Diawara afirma que el hip hop es realmente una voz de personas que están marginadas en la sociedad moderna. Argumenta que la "difusión mundial del hip hop como revolución de mercado" es en realidad una "expresión global del deseo de la gente pobre por una buena vida", y que esta lucha se alinea con "la lucha nacionalista por la ciudadanía y la pertenencia, pero también revela la necesidad para ir más allá de tales luchas y celebrar la redención del individuo negro a través de la tradición ". Puede que el problema no sea que las raperas no tengan las mismas oportunidades y reconocimiento que sus homólogos masculinos; puede ser que la industria de la música esté tan definida por prejuicios de género. Los ejecutivos de la industria parecen apostar por la idea de que los hombres no querrán escuchar a las raperas, por lo que tienen menos oportunidades.

Como el género del hip hop ha cambiado desde la década de 1980, la "tradición" cultural afroamericana que describe Diawara tiene poco lugar en la música de los artistas principales del hip hop. El impulso hacia el materialismo y el éxito en el mercado por parte de raperos contemporáneos como Rick Ross , Lil Wayne y Jay Z ha irritado a los fanáticos y artistas mayores del hip hop. Ven que el género pierde su sentimiento basado en la comunidad que se centró más en el empoderamiento de los negros que en la riqueza. La comercialización del género lo despojó de su naturaleza política anterior y las políticas y los planes de marketing de los principales sellos discográficos han obligado a los raperos a crear su música e imágenes para atraer al público blanco, acomodado y suburbano.

Después de darse cuenta de que sus amigos estaban haciendo música pero que no tenían más exposición televisiva que la que se vio en Video Music Box, Darlene Lewis (modelo / letrista), junto con Darryl Washington y Dean Carroll, llevaron la música hip hop al programa de cable First Exposure en Paragon. cable, y luego creó el programa de televisión On Broadway . Allí, los raperos tuvieron la oportunidad de ser entrevistados y reproducir sus videos musicales. Este MTV o Video Soul anterior a BET. La comercialización ha hecho que el hip hop sea menos vanguardista y auténtico, pero también ha permitido que los artistas de hip hop tengan éxito.

A medida que los mejores raperos se hacen más ricos y comienzan más negocios externos, esto puede indicar un sentido más fuerte de aspiración negra. A medida que raperos como Jay-Z y Kanye West se establecen como artistas y emprendedores, más jóvenes negros tienen esperanzas de lograr sus objetivos. La lente a través de la cual se ve la comercialización del género puede hacer que parezca positiva o negativa.

Raperos de pop blancos y latinos como Macklemore , Iggy Azalea , Machine Gun Kelly , Eminem , Miley Cyrus , G-Eazy , Pitbull , Lil Pump y Post Malone a menudo han sido criticados por comercializar el hip hop y la apropiación cultural. Miley Cyrus y Katy Perry , aunque no son raperas, han sido acusadas de apropiación cultural y comercialización del hip hop. Katy Perry, una mujer blanca, fue criticada por su canción de hip hop " Dark Horse ". Taylor Swift también fue acusado de apropiación cultural.

Cultura

DJ y turntablism , MCing / rap , breakdance , graffiti art y beatboxing son las salidas creativas que componen colectivamente la cultura hip hop y su estética revolucionaria. Al igual que el blues , estas artes fueron desarrolladas por comunidades afroamericanas para permitir a las personas hacer una declaración, ya sea política o emocional, y participar en actividades comunitarias. Estas prácticas se extendieron a nivel mundial alrededor de la década de 1980, ya que los fanáticos pudieron "hacerlo suyo" y expresarse de maneras nuevas y creativas en la música, la danza y otras artes.

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DJ Qbert manipulando un tocadiscos en una competencia de turntablism en Francia en 2006
DJ Qbert en Rainbow Warehouse en Birmingham (Video con fotografía de primer plano en el mezclador de DJ, aunque sin sonido)

El DJ y el turntablism son las técnicas de manipulación de sonidos y creación de música y ritmos utilizando dos o más tocadiscos de fonógrafo (u otras fuentes de sonido, como cintas, CD o archivos de audio digital ) y un mezclador de DJ que se conecta a un sistema de megafonía . Uno de los primeros DJ de hip hop fue Kool DJ Herc , quien creó el hip hop en la década de 1970 mediante el aislamiento y la extensión de los "descansos" (las partes de los álbumes que se centraban únicamente en el ritmo percusivo). Además de desarrollar las técnicas de Herc, los DJs Grandmaster Flowers , Grandmaster Flash , Grand Wizzard Theodore y Grandmaster Caz hicieron más innovaciones con la introducción del " scratching ", que se ha convertido en uno de los sonidos clave asociados con la música hip hop.

Tradicionalmente, un DJ usa dos tocadiscos simultáneamente y mezcla entre los dos. Estos están conectados a un mezclador de DJ, un amplificador , altavoces y varios equipos de música electrónica, como un micrófono y unidades de efectos . El DJ mezcla los dos álbumes actualmente en rotación y / o hace " scratching " moviendo uno de los platos de discos mientras manipula el crossfader en el mezclador. El resultado de mezclar dos discos es un sonido único creado por el sonido aparentemente combinado de dos canciones separadas en una sola canción. Aunque existe una superposición considerable entre los dos roles, un DJ no es lo mismo que un productor discográfico de una pista musical. El desarrollo de la función de DJ también se vio influenciado por nuevas técnicas de turntablism , como el beatmatching , un proceso facilitado por la introducción de nuevas tecnologías de tocadiscos como el Technics SL-1200 MK 2 , vendido por primera vez en 1978, que tenía un control de tono variable preciso y un motor de accionamiento directo . Los DJ eran a menudo ávidos coleccionistas de discos, que buscaban en las tiendas de discos usados ​​discos de soul oscuros y grabaciones de funk vintage . Los DJ ayudaron a presentar discos raros y nuevos artistas al público de los clubes.

DJ Pete Rock mezclando con dos tocadiscos

En los primeros años del hip hop, los DJ eran las estrellas, ya que creaban nueva música y ritmos con sus tocadiscos. Si bien el DJ y el turntablism se siguen utilizando en la música hip hop en la década de 2010, los MCs han tomado cada vez más el papel de estrella desde finales de la década de 1970, debido a MC innovadores y creativos como Kurtis Blow y Melle Mel del equipo de Grandmaster Flash . los Furious Five , que desarrollaron fuertes habilidades de rap. Sin embargo, varios DJs han ganado el estrellato en los últimos años. Entre los famosos DJs se encuentran Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, Mr. Magic , DJ Jazzy Jeff , DJ Charlie Chase , DJ Disco Wiz , DJ Scratch de EPMD , DJ Premier de Gang Starr , DJ Scott La Rock de Boogie Down Productions , DJ Pete Rock de Pete Rock & CL Smooth , DJ Muggs de Cypress Hill , Jam Master Jay de Run-DMC , Eric B. , DJ Screw de Screwed Up Click y el inventor del estilo de mezcla de música Chopped & Screwed , Funkmaster Flex , Tony Touch , DJ Clue , Mix Master Mike , Touch-Chill-Out, DJ Red Alert y DJ Q-Bert . El movimiento clandestino del turntablism también ha surgido para centrarse en las habilidades del DJ. En la década de 2010, hay competiciones de turntablism, donde los turntablistas demuestran habilidades avanzadas de malabarismo y scratching.

MCing

El rapero Busta Rhymes se presenta en Las Vegas para una fiesta BET

Rapear (también conocido como presentador de ceremonias, MC, escupir (compases) o simplemente rimar) se refiere a "letras que riman habladas o cantadas con un fuerte acompañamiento rítmico". El rap presenta típicamente juegos de palabras complejos, entrega rápida y una variedad de "jerga callejera", algunas de las cuales son exclusivas de la subcultura del hip hop. Si bien el rapeo a menudo se hace sobre ritmos, ya sea por un DJ o un beatboxer , también se puede hacer sin acompañamiento. Se puede dividir en diferentes componentes, como "contenido", "flujo" (ritmo y rima ) y "entrega". El rap se distingue de la poesía hablada en que se realiza al compás de la música. El uso de la palabra "rap" para describir un discurso rápido y sarcástico o una réplica ingeniosa es muy anterior a la forma musical. MCing es una forma de expresión que está incrustada en la cultura y la tradición oral africanas e indígenas antiguas, ya que a lo largo de la historia las acrobacias verbales o las justas con rimas eran comunes dentro de la comunidad afroamericana y latinoamericana.

Pintada

Una lata de pintura en aerosol , una herramienta común utilizada en el graffiti moderno

El graffiti es el elemento más controvertido del hip hop, ya que varios de los pioneros del graffiti más notables dicen que no consideran que el graffiti sea un elemento del hip hop, incluidos Lady Pink , Seen , Blade, Fargo, Cholly Rock, Fuzz One, y Coco 144. Lady Pink dice: "No creo que el graffiti sea hip hop. Francamente, crecí con música disco. Hay un largo historial de graffiti como una entidad en sí misma", y Fargo dice: "No hay correlación entre hip hop y graffiti, uno no tiene nada que ver con el otro ". El pionero del hip hop, Grandmaster Flash, también ha cuestionado la conexión entre el hip hop y el graffiti, diciendo: "Sabes lo que me molesta, ponen hip hop con graffiti. ¿Cómo se entrelazan?"

En Estados Unidos, a fines de la década de 1960, antes del hip hop, los activistas políticos usaban el graffiti como una forma de expresión. Además, bandas como Savage Skulls , La Familia Michoacana y Savage Nomads utilizaron grafitis para marcar el territorio. JULIO 204 fue un grafitero puertorriqueño, uno de los primeros grafiteros en la ciudad de Nueva York. Era miembro de la pandilla "Savage Skulls" y comenzó a escribir su apodo en su vecindario ya en 1968. En 1971, el New York Times publicó un artículo ("'Taki 183' Spawns Pen Pals") sobre otro escritor de graffiti, TAKI 183 . Según el artículo que Julio había estado escribiendo durante un par de años cuando Taki comenzó a etiquetar su propio nombre por toda la ciudad. Taki también afirma en el artículo que Julio "fue arrestado y detenido". Los escritores que siguieron a Taki y Tracy 168 agregarían el número de la calle a su apodo, "bombardearon" (cubrieron) un tren con su trabajo y dejarían que el metro lo tomara, y su fama, si era impresionante o simplemente omnipresente. , suficiente— "toda la ciudad". Julio 204 nunca alcanzó la fama de Taki porque Julio mantuvo sus etiquetas localizadas en su propio vecindario.

PHASE 2 es un artista de graffiti influyente que comenzó a pintar en la década de 1970.

Una de las formas más comunes de graffiti es el etiquetado o el acto de estilizar su nombre o logotipo único. El etiquetado comenzó en Filadelfia y la ciudad de Nueva York y se ha expandido por todo el mundo. Pintar con aerosol propiedad pública o la propiedad de otros sin su consentimiento puede considerarse vandalismo, y el "etiquetador" puede estar sujeto a arresto y enjuiciamiento por el acto criminal. Ya sea legal o no, la cultura hip hop considera etiquetar edificios, trenes, puentes y otras estructuras como arte visual, y considera las etiquetas como parte de un complejo sistema de símbolos con sus propios códigos sociales y reglas de subcultura. En algunos casos, este tipo de arte está ahora sujeto a protección federal en los EE. UU., Por lo que su eliminación es ilegal.

Las letras de burbujas dominaron inicialmente entre los escritores del Bronx , aunque el elaborado estilo de Brooklyn que Tracy 168 apodó " wildstyle " vendría a definir el arte. A los primeros creadores de tendencias se unieron en la década de 1970 artistas como Dondi , Futura 2000 , Daze, Blade, Lee Quiñones , Fab Five Freddy , Zephyr , Rammellzee , Crash , Kel, NOC 167 y Lady Pink .

La relación entre el graffiti y la cultura hip hop surge de los primeros artistas del graffiti que se involucran en otros aspectos de la cultura hip hop. El graffiti se entiende como una expresión visual de la música rap, al igual que el rompimiento se ve como una expresión física. La película de 1983 Wild Style es ampliamente considerada como la primera película de hip hop, que contó con figuras prominentes dentro de la escena del graffiti de Nueva York durante ese período. El libro Subway Art y el documental Style Wars también fueron algunas de las primeras formas en que el público en general conoció el graffiti de hip hop. El grafiti sigue siendo parte del hip hop, mientras se adentra en el mundo del arte convencional con exhibiciones en galerías de todo el mundo.

Breakdance

B Boy ejecutando una congelación
Breaking , una forma temprana de baile hip hop , a menudo implica batallas de baile , mostrar habilidades técnicas, tratar de superar a un bailarín rival y mostrar bravuconería irónica.

Breaking, también llamado B-boying / B-girling o breakdance, es un estilo de baile dinámico y rítmico que se desarrolló como uno de los elementos principales de la cultura hip hop. Al igual que muchos aspectos de la cultura hip hop, el breakdance se basa en gran medida en muchas culturas, incluido el baile callejero de la década de 1930, las artes marciales brasileñas y asiáticas , la danza folclórica rusa y los pasos de baile de James Brown , Michael Jackson y el funk de California . El rompimiento tomó forma en el sur del Bronx en la década de 1970 junto con otros elementos del hip hop. El breakdance se realiza típicamente con el acompañamiento de música hip hop que se reproduce en un equipo de sonido o sistema de megafonía .

Una silueta muestra a un hombre bailando break. Uno de los 4 elementos del hip hop.

Según el documental de 2002 The Freshest Kids: A History of the B-Boy , DJ Kool Herc describe la "B" en B-boy como la abreviatura de break, que en ese momento era la jerga para "salir", también uno de los los nombres originales del baile. Sin embargo, al principio el baile se conocía como el "boing" (el sonido que hace un resorte). Los bailarines de las fiestas de DJ Kool Herc guardaron sus mejores movimientos de baile para la sección de pausa de percusión de la canción, poniéndose frente a la audiencia para bailar con un estilo distintivo y frenético. La "B" en B-boy o B-girl también significa simplemente descanso, como en break-boy o -girl. Antes de la década de 1990, la presencia de las B-girls estaba limitada por su condición de minoría de género, navegando por la política sexual de una escena dominada por los hombres y la falta de representación o estímulo para que las mujeres participaran en la forma. Las pocas B-girls que participaron a pesar de enfrentar discriminación de género crearon un espacio para las mujeres como líderes dentro de la comunidad de ruptura, y el número de B-girls que participaron ha aumentado. Breaking se documentó en Style Wars , y luego se le dio más enfoque en películas de ficción como Wild Style y Beat Street . Los primeros actos compuestos por "principalmente latinoamericanos" incluyen a Rock Steady Crew y New York City Breakers .

Beatboxing

Biz Markie es conocido por sus habilidades en el beatboxing. Mantiene el micrófono cerca de la boca, una técnica que usan los beatboxers para imitar las líneas de bajo y los bombos profundos, aprovechando el efecto de proximidad .

Beatboxing es la técnica de percusión vocal , en la que un cantante imita la batería y otros instrumentos de percusión con su voz. Se ocupa principalmente del arte de crear golpes o ritmos utilizando la boca humana. El término beatboxing se deriva del mimetismo de la primera generación de cajas de ritmos , entonces conocidas como beatboxes. Fue popularizado por primera vez por Doug E. Fresh . Como es una forma de crear música hip hop, puede clasificarse bajo el elemento de producción del hip hop, aunque a veces incluye un tipo de rap que se cruza con el ritmo creado por humanos. Por lo general, se considera parte del mismo "pilar" del hip hop que el DJ; en otras palabras, proporciona un telón de fondo musical o una base para que los MC hagan rap.

Los beatboxers pueden crear sus ritmos de forma natural, pero muchos de los efectos de beatboxing se mejoran mediante el uso de un micrófono conectado a un sistema de megafonía . Esto ayuda al beatboxer a hacer su beatboxing lo suficientemente fuerte como para ser escuchado junto a un rapero, MC, tocadiscos y otros artistas de hip hop. El beatboxing fue popular en la década de 1980 con artistas prominentes como Darren "Buffy, the Human Beat Box" Robinson de los Fat Boys y Biz Markie mostrando sus habilidades dentro de los medios. Su popularidad disminuyó junto con el b-boying a finales de los 80, pero ha experimentado un resurgimiento desde finales de los 90, marcado por el lanzamiento de "Make the Music 2000" de Rahzel de The Roots .

Beatmaking / producción

Un ritmo de tambor típico de rap, escrito en notación de batería.

Aunque no se describe como uno de los cuatro elementos centrales que componen el hip hop, la producción musical es otro elemento importante. En música, los productores de discos juegan un papel similar en la grabación de sonido que los directores de cine al hacer una película. El productor discográfico recluta y selecciona artistas (raperos, MC, DJ, beatboxers, etc.), planifica la visión de la sesión de grabación, instruye a los intérpretes en sus canciones, elige ingenieros de audio , establece un presupuesto para la contratación de artistas y técnicos. expertos y supervisa todo el proyecto. Los roles exactos de un productor dependen de cada individuo, pero algunos productores trabajan con DJ y programadores de caja de ritmos para crear ritmos, entrenar a los DJ en la selección de líneas de bajo muestreadas , riffs y frases clave , dar consejos a raperos, vocalistas, MC y otros. artistas, dar sugerencias a los artistas intérpretes o ejecutantes sobre cómo mejorar su fluidez y desarrollar un estilo personal único. Algunos productores trabajan en estrecha colaboración con el ingeniero de audio para proporcionar ideas sobre mezclas, unidades de efectos (por ejemplo, efectos vocales Autotuned como los popularizados por T-Pain ), micrófonos de artistas, etc. El productor puede desarrollar de forma independiente el "concepto" o la visión de un proyecto o álbum, o desarrollar la visión en colaboración con los artistas e intérpretes.

El productor de hip hop Chilly Chill detrás de una gran consola de audio en un estudio de grabación

En el hip hop, desde el comienzo de MCing, ha habido productores que trabajan en el estudio, detrás de escena, para crear los ritmos para que los MCs rapeen. Los productores pueden encontrar un ritmo que les guste en un viejo disco de funk, soul o disco. Luego aíslan el ritmo y lo convierten en un bucle. Alternativamente, los productores pueden crear un ritmo con una caja de ritmos o contratando a un percusionista de batería para tocar la batería acústica. El productor podría incluso mezclar y superponer diferentes métodos, como combinar un break de batería disco muestreado con una pista de caja de ritmos y algunas partes de percusión en vivo recién grabadas o un bajista eléctrico en vivo. Un ritmo creado por un productor de hip hop puede incluir otras partes además de un ritmo de batería, como una línea de bajo muestreada de una canción de funk o disco, un diálogo de un disco de palabra hablada o una película, o "scratching" y "puñetazos" rítmicos realizados por un tocadiscos o DJ.

Uno de los primeros creadores de ritmos fue el productor Kurtis Blow , quien ganó los créditos de productor del año en 1983, 1984 y 1985. Conocido por la creación de muestras y loops de muestras, Blow fue considerado el Quincy Jones de los primeros tiempos del hip hop, una referencia al prolífico Productor, director, arreglista, compositor, músico y director de orquesta afroamericano. Uno de los creadores de ritmos más influyentes fue J. Dilla, un productor de Detroit que cortaba samples por ritmos específicos y los combinaba para crear su sonido único. Aquellos que crean estos ritmos son conocidos como creadores de ritmos o productores, sin embargo, se sabe que los productores tienen más información y dirección en general en la creación de una canción o proyecto, mientras que un creador de ritmos solo proporciona o crea el ritmo. Como dijo el Dr. Dre antes, "Una vez que terminas el ritmo, tienes que producir el disco". El proceso de creación de ritmos incluye muestreo, "picado", bucle, secuenciación de ritmos, grabación, mezcla y masterización.

La mayoría de los ritmos del hip hop se extraen de un disco preexistente. Esto significa que un productor tomará una porción o una "muestra" de una canción y la reutilizará como sección instrumental, ritmo o porción de su canción. Algunos ejemplos de esto son "Paso a Paso en la Oscuridad Ptos. 1 y 2" de The Isley Brothers que están siendo muestreados para hacer " Today Was a Good Day " de Ice Cube . Otro ejemplo son las muestras de " Try a Little Tenderness " de Otis Redding para crear la canción " Otis ", lanzada en 2011, por Kanye West y Jay-Z .

"Cortar" es diseccionar la canción que está muestreando para que "corte" la parte o partes de la canción, ya sea la línea de bajo, la parte de guitarra rítmica, la pausa de batería u otra música que desee utilizar en el tiempo. El bucle se conoce como secuencia melódica o de percusión que se repite durante un período de tiempo, por lo que básicamente un productor hará que un número par de compases de un tiempo (p. Ej., Cuatro u ocho compases) se repita o "bucle" de un tiempo completo. duración de la canción. Este bucle proporciona un acompañamiento para que un MC rapee.

Mientras que la música hip hop hace un uso significativo del muestreo de discos antiguos, usando tocadiscos y cajas de ritmos para crear ritmos, los productores usan instrumentos eléctricos y acústicos en algunas canciones. En la foto aparece un bajista eléctrico en un espectáculo de hip hop.

Las herramientas necesarias para hacer ritmos a fines de la década de 1970 eran discos de funk, soul y otros géneros musicales , tocadiscos , mezcladores de DJ , consolas de audio y dispositivos de grabación multipista de estilo Portastudio relativamente económicos . En las décadas de 1980 y 1990, los fabricantes de ritmos y los productores utilizaron los nuevos instrumentos electrónicos y digitales que se desarrollaron, como samplers, secuenciadores, cajas de ritmos y sintetizadores. Desde la década de 1970 hasta la de 2010, varios creadores de ritmos y productores han utilizado instrumentos en vivo, como la batería o el bajo eléctrico en algunas pistas. Para grabar los ritmos terminados o las pistas de ritmos, los creadores de ritmos y los productores utilizan una variedad de equipos de grabación de sonido , generalmente grabadoras multipista . Las estaciones de trabajo de audio digital , también conocidas como DAW, se volvieron más comunes en la década de 2010 para los productores. Algunos de los DAW más utilizados son FL Studio , Ableton Live y Pro Tools .

Los DAW han hecho posible que más personas puedan crear ritmos en su propio estudio en casa, sin tener que ir a un estudio de grabación . Los creadores de ritmos que poseen DAW no tienen que comprar todo el hardware que un estudio de grabación necesitaba en la década de 1980 (enormes consolas de audio de 72 canales, grabadoras multipista, racks de unidades de efectos de montaje en rack), porque los DAW de la era de 2010 tienen todo lo que necesitan para hacer ritmos. en una computadora portátil rápida y de buena calidad.

Los ritmos son una parte tan integral de la música rap que muchos productores han podido hacer mixtapes o álbumes instrumentales. A pesar de que estos instrumentales no tienen rap, los oyentes aún disfrutan de las formas ingeniosas en que el productor mezcla diferentes ritmos, muestras y melodías instrumentales. Ejemplos de estos son "Tutenkhamen" de 9th Wonder y "Donuts" de J Dilla . Algunos discos de hip hop vienen en dos versiones: un ritmo con rapeo y un instrumental con solo el ritmo. El instrumental en este caso se proporciona para que los DJ y los turntablistas puedan aislar descansos, ritmos y otra música para crear nuevas canciones.

Idioma

El desarrollo de la lingüística del hip hop es complejo. El material original incluye la espiritualidad de los esclavos que llegan al nuevo mundo, la música dub jamaicana, los lamentos de los cantantes de jazz y blues, la jerga cockney con patrones y los DJ de radio que exaltan a su audiencia usando rimas. El hip hop tiene una jerga asociada distintiva. También se le conoce por nombres alternativos, como "Black English" o " Ebonics ". Los académicos sugieren que su desarrollo se debe al rechazo de la jerarquía racial del lenguaje, que sostenía al "inglés blanco" como la forma superior de habla educada. Debido al éxito comercial del hip hop a fines de la década de 1990 y principios de la de 2000, muchas de estas palabras se han asimilado al discurso cultural de varios dialectos diferentes en Estados Unidos y el mundo, e incluso entre los fanáticos que no son del hip hop. La palabra diss, por ejemplo, es particularmente prolífica. También hay una serie de palabras que son anteriores al hip hop, pero a menudo se asocian con la cultura, siendo homie un ejemplo notable. A veces, términos como what the dilly, yo se popularizan con una sola canción (en este caso, " Put Your Hands Where My Eyes Could See " de Busta Rhymes ) y solo se usan brevemente. Un ejemplo particular es la jerga basada en reglas de Snoop Dogg y E-40 , que agregan -izzle o -izz al final o al medio de las palabras.

Las letras de hip hop también han sido conocidas por contener malas palabras. En particular, la palabra "perra" se ve en innumerables canciones, desde "A Bitch Iz a bitch" de NWA hasta "She is a Bitch" de Missy Elliot. A menudo se utiliza en la connotación negativa de una mujer que es una superficial "avaro de dinero". Algunas artistas femeninas han intentado recuperar la palabra y usarla como un término de empoderamiento. Independientemente, la comunidad del hip hop se ha interesado recientemente en discutir el uso de la palabra "perra" y si es necesaria en el rap. No solo las palabras en particular, sino también la elección del idioma en el que el rap es un tema ampliamente debatido en el hip hop internacional. En Canadá, el uso de variantes no estándar del francés, como Franglais , una mezcla de francés e inglés, por grupos como Dead Obies o Chiac (como Radio Radio ) tiene poderosas implicaciones simbólicas para la política del idioma canadiense y los debates sobre Canadá. identidad . En los Estados Unidos, los raperos eligen rapear en inglés, español o spanglish , según sus propios orígenes y la audiencia a la que se dirigen.

Impacto social

Efectos

Un b-boy actuando en San Francisco.

El hip hop ha tenido un impacto social considerable desde sus inicios en la década de 1970. "El hip hop también se ha vuelto relevante en el campo de la educación debido a sus implicaciones para la comprensión del lenguaje, el aprendizaje, la identidad y el plan de estudios". Orlando Patterson , profesor de sociología en la Universidad de Harvard , ayuda a describir el fenómeno de cómo el hip hop se ha extendido rápidamente por todo el mundo. Patterson sostiene que la comunicación de masas está controlada por los ricos, el gobierno y las principales empresas de las naciones y países del Tercer Mundo . También le da crédito a la comunicación masiva con la creación de una escena cultural global del hip hop. Como resultado, los jóvenes están influenciados por la escena del hip hop estadounidense y comienzan sus propias formas de hip hop. Patterson cree que la revitalización de la música hip hop ocurrirá en todo el mundo a medida que los valores tradicionales se mezclen con la música hip hop estadounidense y, en última instancia, se desarrollará un proceso de intercambio global que llevará a los jóvenes de todo el mundo a escuchar una forma musical común de hip hop.

El Blockfest anual en Tampere , Finlandia , es el evento de música hip hop más grande de los países nórdicos y también uno de los festivales más vendidos por adelantado. Imagen de Blockfest en 2017.

También se ha argumentado que la música rap se formó como una "respuesta cultural a la opresión histórica y el racismo, un sistema de comunicación entre las comunidades negras en todo Estados Unidos". Esto se debe al hecho de que la cultura reflejaba las realidades sociales, económicas y políticas de los jóvenes marginados. En la década de 2010, las letras de hip hop están comenzando a reflejar temas originales de conciencia social. Los raperos comienzan a cuestionar el poder del gobierno y su papel opresivo en algunas sociedades. La música rap ha sido una herramienta para el empoderamiento político, social y cultural fuera de los EE. UU. Los miembros de las comunidades minoritarias, como los argelinos en Francia y los turcos en Alemania, utilizan el rap como plataforma para protestar contra el racismo, la pobreza y las estructuras sociales.

Lingüística

El lirismo del hip hop ha ganado cierta legitimidad en los círculos académicos y literarios. Los estudios de lingüística del hip hop ahora se ofrecen en instituciones como la Universidad de Toronto , donde el poeta y autor George Eliot Clarke ha enseñado el poder potencial de la música hip hop para promover el cambio social. Greg Thomas de la Universidad de Miami ofrece cursos a nivel de pregrado y posgrado que estudian la naturaleza feminista y asertiva de las letras de Lil 'Kim . Algunos académicos, incluidos Ernest Morrell y Jeffrey Duncan-Andrade, comparan el hip hop con las obras satíricas de los grandes poetas del " canon occidental " de la era moderna, que utilizan imágenes y crean un estado de ánimo para criticar a la sociedad. Como se cita en su trabajo "Promoción de la alfabetización académica con la juventud urbana mediante la participación de la cultura hip hop":

Los textos de hip hop son ricos en imágenes y metáforas y pueden usarse para enseñar ironía, tono, dicción y punto de vista. Los textos de hip hop se pueden analizar para determinar el tema, el motivo, la trama y el desarrollo del personaje. Tanto el Gran Maestro Flash como TS Eliot observaron sus sociedades en rápido deterioro y vieron un "páramo". Ambos poetas eran de naturaleza esencialmente apocalíptica, ya que fueron testigos de la muerte, la enfermedad y la decadencia.

Censura

Un artista de graffiti usa su obra de arte para hacer una declaración social satírica sobre la censura: "No se culpe a sí mismo ... ¡culpe al hip hop!"

La música hip hop ha sido censurada en radio y televisión debido a las letras explícitas de ciertos géneros. Muchas canciones han sido criticadas por mensajes antisistema y, a veces, violentos. El uso de blasfemias y representaciones gráficas de violencia y sexo en videos musicales y canciones de hip hop dificulta la transmisión en estaciones de televisión como MTV, en forma de videos musicales y en la radio. Como resultado, muchas grabaciones de hip hop se transmiten en forma censurada, con el lenguaje ofensivo "pitado" o borrado de la banda sonora, o reemplazado por letras "limpias". El resultado, que a veces hace que las letras restantes sean ininteligibles o contradictorias con la grabación original, se ha identificado casi tan ampliamente con el género como cualquier otro aspecto de la música, y se ha parodiado en películas como Austin Powers en Goldmember , en la que Mike El personaje de Myers , Dr. Evil, actuando en una parodia de un video musical de hip hop (" Hard Knock Life (Ghetto Anthem) " de Jay-Z ), interpreta un verso completo que está en blanco. En 1995, Roger Ebert escribió:

El rap tiene mala reputación en los círculos blancos, donde mucha gente cree que consiste en guturales anti-blancos y anti-femeninos obscenos y violentos . Algo de eso lo hace. La mayoría no lo hace. A la mayoría de los oyentes blancos no les importa; escuchan voces negras en una letanía de descontento y se desconectan. Sin embargo, el rap juega hoy el mismo papel que Bob Dylan en 1960, dando voz a las esperanzas y la ira de una generación, y mucho rap es una escritura poderosa.

En 1990, Luther Campbell y su grupo 2 Live Crew presentaron una demanda contra el alguacil del condado de Broward, Nick Navarro, porque Navarro quería procesar a las tiendas que vendieron el álbum del grupo As Nasty As They Wanna Be debido a sus letras obscenas y vulgares. En junio de 1990, un juez de un tribunal de distrito de Estados Unidos calificó el álbum de obsceno e ilegal de vender. Sin embargo, en 1992, la Corte de Apelaciones del Undécimo Circuito de los Estados Unidos revocó el fallo de obscenidad del juez González y la Corte Suprema de los Estados Unidos se negó a escuchar la apelación del condado de Broward. El profesor Louis Gates testificó en nombre de The 2 Live Crew, argumentando que el material que el condado alegaba era profano en realidad tenía raíces importantes en la lengua vernácula, los juegos y las tradiciones literarias afroamericanas y debería ser protegido.

Muchos raperos negros, incluidos Ice-T y Sister Souljah, afirman que están siendo señalados injustamente porque su música refleja cambios profundos en la sociedad que no se abordan en ningún otro lugar del foro público. Los políticos blancos, los artistas se quejan, no entienden la música ni desean escuchar lo que sucede en las comunidades devastadas que dieron origen a la forma de arte.

- Chuck Philips , Los Angeles Times , 1992

Gangsta rap es un subgénero del hip hop que refleja la cultura violenta de los jóvenes negros estadounidenses de los barrios marginales. El género fue iniciado a mediados de la década de 1980 por raperos como Schoolly D y Ice-T , y fue popularizado en la última parte de la década de 1980 por grupos como NWA . Ice-T lanzó " 6 in the Mornin ' ", que a menudo se considera la primera canción de gangsta rap, en 1986. Después de la atención nacional que crearon Ice-T y NWA a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, el gangsta rap se convirtió en la más popular. subgénero comercialmente lucrativo del hip hop.

NWA es el grupo más frecuentemente asociado con la fundación del gangsta rap. Sus letras eran más violentas, abiertamente confrontativas e impactantes que las de los actos de rap establecidos, con incesantes blasfemias y, de manera controvertida, el uso de la palabra " nigga ". Estas letras se colocaron sobre ritmos rudos y de rock impulsados ​​por la guitarra, lo que contribuyó a la sensación de dureza de la música. El primer álbum de gangsta rap exitoso fue Straight Outta Compton de NWA , lanzado en 1988. Straight Outta Compton establecería el hip hop de la costa oeste como un género vital y establecería a Los Ángeles como un rival legítimo de la capital del hip hop, la ciudad de Nueva York. Straight Outta Compton desató la primera gran controversia con respecto a las letras de hip hop cuando su canción " Fuck tha Police " obtuvo una carta del subdirector del FBI Milt Ahlerich, expresando fuertemente el resentimiento de las fuerzas del orden por la canción.

La controversia rodeó la canción de Ice-T " Cop Killer " del álbum Body Count . La canción tenía la intención de hablar desde el punto de vista de un criminal que se venga de policías racistas y brutales. La canción rock de Ice-T enfureció a los funcionarios del gobierno, la Asociación Nacional del Rifle y varios grupos de defensa de la policía. En consecuencia, Time Warner Music se negó a lanzar el próximo álbum de Ice-T, Home Invasion, debido a la controversia en torno a "Cop Killer". Ice-T sugirió que el furor por la canción fue una reacción exagerada, y le dijo al periodista Chuck Philips "... han hecho películas sobre asesinos de enfermeras y asesinos de maestros y asesinos de estudiantes. [El actor] Arnold Schwarzenegger sorprendió a docenas de policías como Terminator . Pero no escucho a nadie quejarse de eso ". Ice-T sugirió a Philips que el malentendido de "Cop Killer" y los intentos de censurarlo tenían connotaciones raciales: "La Corte Suprema dice que está bien que un hombre blanco queme una cruz en público. Pero nadie quiere que un hombre negro escriba un registro sobre un asesino de policías ".

Las administraciones de la Casa Blanca tanto de George Bush padre como de Bill Clinton criticaron el género. "La razón por la que el rap está siendo atacado es porque expone todas las contradicciones de la cultura estadounidense ... Lo que comenzó como una forma de arte clandestina se ha convertido en un vehículo para exponer una gran cantidad de cuestiones críticas que generalmente no se discuten en la política estadounidense. El problema aquí es que la Casa Blanca y los aspirantes a ser como Bill Clinton representan un sistema político que nunca tiene la intención de lidiar con el caos urbano del centro de la ciudad ", dijo la hermana Souljah a The Times. Hasta su interrupción el 8 de julio de 2006, BET emitió un segmento nocturno titulado BET: Uncut para transmitir videos casi sin censura. El programa fue ejemplificado por videos musicales como " Tip Drill " de Nelly , que fue criticado por lo que muchos vieron como una representación explotadora de mujeres, particularmente imágenes de un hombre deslizando una tarjeta de crédito entre las nalgas de una stripper.

"Tengo que dar a los píos lo que necesitan" de Public Enemy fue censurada en MTV , eliminando las palabras "libre Mumia ". Después del ataque al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, el grupo de Oakland, California The Coup fue criticado por la portada de su álbum Party Music , que presentaba a los dos miembros del grupo sosteniendo un afinador de guitarra y dos baquetas como las Torres Gemelas. explotó detrás de ellos a pesar de que fue creado meses antes del evento real. El grupo, que tiene un contenido lírico políticamente radical y marxista , dijo que la portada pretendía simbolizar la destrucción del capitalismo. Su sello discográfico retiró el álbum hasta que se pudo diseñar una nueva portada.

Colocación de productos y respaldos

Paquetes de papas fritas con imágenes de diseño hip hop (que muestran a Lil Romeo y se basan en la película Honey )

Críticos como Businessweek ' s David Kiley argumentan que la discusión de los productos dentro de la cultura hip hop en realidad puede ser el resultado de ofertas de colocación de productos no revelados. Tales críticos alegan que el chelín o la colocación de productos tiene lugar en la música rap comercial, y que las referencias líricas a los productos son en realidad patrocinios pagados. En 2005, se filtró a la prensa un plan propuesto por McDonald's para pagar a los raperos para que publiciten los productos de McDonald's en su música. Después de que Russell Simmons hiciera un trato con Courvoisier para promover la marca entre los fanáticos del hip hop, Busta Rhymes grabó la canción "Pass the Courvoisier". Simmons insiste en que ningún dinero cambió de manos en el trato.

LL Cool J frente a una valla publicitaria de Coca-Cola en un festival patrocinado por la compañía de refrescos

La relación simbiótica también se ha extendido para incluir fabricantes de automóviles, diseñadores de ropa y empresas de zapatillas, y muchas otras empresas han utilizado la comunidad del hip hop para hacerse un nombre o darles credibilidad. Uno de esos beneficiarios fue Jacob the Jeweler , un comerciante de diamantes de Nueva York. La clientela de Jacob Arabo incluía a Sean Combs , Lil 'Kim y Nas . Creó piezas de joyería a partir de metales preciosos que estaban muy cargados de diamantes y piedras preciosas. Como su nombre fue mencionado en la letra de las canciones de sus clientes de hip hop, su perfil rápidamente se elevó. Arabo expandió su marca para incluir relojes con gemas incrustadas que se venden al por menor por cientos de miles de dólares, ganando tanta atención que Cartier presentó una demanda por infracción de marca registrada en su contra por poner diamantes en las caras de sus relojes y revenderlos sin permiso. El perfil de Arabo aumentó de manera constante hasta su arresto en junio de 2006 por parte del FBI por cargos de lavado de dinero .

El rapero Dr. Dre ha respaldado una línea de auriculares y otros equipos de audio llamados "beats", que llevan su nombre.

Si bien algunas marcas agradecen el apoyo de la comunidad hip hop, una marca que no lo hizo fue el fabricante de champán Cristal Louis Roederer . Un artículo de 2006 de la revista The Economist incluía comentarios del director gerente Frederic Rouzaud sobre si la identificación de la marca con las estrellas del rap podría afectar negativamente a su empresa. Su respuesta fue despectiva: "Esa es una buena pregunta, pero ¿qué podemos hacer? No podemos prohibir que la gente lo compre. Estoy seguro de que Dom Pérignon o Krug [champán] estarían encantados de tener su negocio". En represalia, muchos íconos del hip hop como Jay-Z y Sean Combs , que anteriormente incluían referencias a "Cris", cesaron todas las menciones y compras del champán. 50 Cent 's acuerdo con Vitamin Water , Dr. Dre ' promoción de sus s Beats by Dr. Dre línea de auriculares y Dr. Pepper , y Drake 's comercial con Sprite son ofertas exitosas. Aunque los acuerdos de colocación de productos no eran populares en la década de 1980, MC Hammer fue uno de los primeros innovadores en este tipo de estrategia. Con mercadería como muñecas, comerciales de refrescos y numerosas apariciones en programas de televisión, Hammer comenzó la tendencia de que los artistas de rap fueran aceptados como representantes de las marcas.

Medios de comunicación

La cultura hip hop ha tenido una amplia cobertura en los medios, especialmente en relación con la televisión; Ha habido varios programas de televisión dedicados al hip hop o sobre él, incluso en Europa (" HIPHOP " en 1984). Durante muchos años, BET fue el único canal de televisión con probabilidades de reproducir hip hop, pero en los últimos años los canales VH1 y MTV han agregado una cantidad significativa de hip hop a su lista de reproducción. Run DMC se convirtió en el primer grupo afroamericano en aparecer en MTV. Con la aparición de Internet, varios sitios en línea comenzaron a ofrecer contenido de video relacionado con el hip hop.

Revistas

Las revistas de hip hop describen la cultura del hip hop, incluida información sobre raperos y MC, nueva música hip hop, conciertos, eventos, moda e historia. La primera publicación de hip hop, The Hip Hop Hit List se publicó en la década de 1980. Contenía la primera lista de discos de música rap. Fue lanzado por dos hermanos de Newark, Nueva Jersey, Vincent y Charles Carroll (quien también estaba en un grupo de hip hop conocido como The Nastee Boyz ). Conocían muy bien la forma de arte y notaron la necesidad de una revista de hip hop. Los DJ y raperos no tenían forma de aprender sobre los estilos y etiquetas de la música rap. La publicación comenzó como la primera tabla de registros de rap y hoja de consejos para DJ y se distribuyó a través de grupos de discos nacionales y tiendas de discos en toda el área de los tres estados de la ciudad de Nueva York. Uno de los editores fundadores, Charles Carroll, señaló: "En aquel entonces, todos los DJ llegaban a la ciudad de Nueva York para comprar sus discos, pero la mayoría de ellos no sabía en qué era lo suficientemente atractivo como para gastar dinero, así que lo trazamos". Jae Burnett se convirtió en socio de Vincent Carroll y jugó un papel fundamental en su desarrollo posterior.

La revista alemana de hip hop Juice

Otra revista de hip hop popular que surgió en la década de 1980 fue la revista Word Up , una revista estadounidense dirigida a los jóvenes con énfasis en el hip hop. Presentó artículos sobre cómo es ser parte de la comunidad hip hop, promovió los próximos álbumes, dando a conocer los proyectos en los que participó el artista, y también incluyó carteles de celebridades de moda dentro del mundo del Hip Hop. La revista se publicaba mensualmente y se refería principalmente a la música rap, Hip Hop y R&B. La revista Word Up fue muy popular, incluso fue mencionada en la popular canción de The Notorious BIG - Juicy "todo fue un sueño, utilícelo para leer la revista WordUp". La revista Word Up era parte de la cultura pop.

Los turistas neoyorquinos del extranjero se llevaron la publicación a casa a otros países para compartirla, lo que generó un interés mundial en la cultura y la nueva forma de arte. Tuvo una distribución impresa de 50.000, una tasa de circulación de 200.000 con más de 25.000 suscriptores. La "Lista de éxitos de Hip Hop" también fue la primera en definir el hip hop como una cultura que presenta los muchos aspectos de la forma de arte, como la moda, la música, la danza, las artes y, lo más importante, el idioma. Por ejemplo, en la portada, el titular incluía la etiqueta "¡Toda la literatura se produjo para satisfacer la comprensión de la calle!" lo que demostró su lealtad no solo a la cultura sino también a las calles. La mayoría de las entrevistas fueron escritas textualmente, lo que incluyó su innovador estilo de escritura roto en inglés. Algunos de los primeros gráficos se escribieron en el estilo de etiqueta de formato de graffiti, pero se hicieron lo suficientemente legibles para las masas.

Los hermanos Carroll también fueron consultores de muchas compañías discográficas que no tenían idea de cómo comercializar la música hip hop. Vincent Carroll, el creador y editor de la revista, se convirtió en una gran fuente de marketing y promoción de la cultura del hip hop, al iniciar Blow-Up Media, la primera empresa de marketing de hip hop con oficinas en el distrito de Tribeca de Nueva York. A la edad de 21, Vincent Carroll empleó a un equipo de 15 y ayudó en el lanzamiento de algunas de las estrellas más grandes y brillantes de la cultura (Fugees, Nelly, Outzidaz, feat. Eminem y muchas más). Más tarde surgieron otras publicaciones, entre ellas: Hip Hop Connection , XXL , Scratch , The Source y Vibe . Muchas ciudades individuales también han producido sus propios boletines informativos locales de hip hop, mientras que en algunos otros países se encuentran revistas de hip hop con distribución nacional. El siglo XXI también marcó el comienzo del auge de los medios en línea, y los sitios de fanáticos del hip hop ahora ofrecen una cobertura integral del hip hop a diario.

Moda

El rapero Snoop Dogg en un show de 2009

La ropa, el cabello y otros estilos han sido una gran parte del impacto social y cultural del hip hop desde la década de 1970. Aunque los estilos han cambiado a lo largo de las décadas, la indumentaria y el aspecto urbano distintivos han sido una forma importante para que los raperos, bailarines de breakdance y otros miembros de la comunidad del hip hop se expresen. A medida que aumentaba la popularidad del género musical hip hop, también lo hacía el efecto de su moda. Si bien hubo elementos tempranos sinónimo de hip hop que se trasladaron a la cultura dominante, como la afinidad de Run-DMC por Adidas o la defensa de los Wallabees de Clarks por parte de Wu-Tang Clan , no fue hasta su apogeo comercial que la moda hip hop se volvió influyente . Desde mediados hasta finales de la década de 1990, la cultura hip hop acogió a algunos de los principales diseñadores y estableció una nueva conexión con la moda clásica. Marcas como Ralph Lauren , Calvin Klein y Tommy Hilfiger aprovecharon la cultura del hip hop y dieron muy poco a cambio. Entrando en el nuevo milenio, la moda hip hop consistía en camisas holgadas, jeans y jerseys. A medida que nombres como Pharrell y Jay-Z comenzaron sus propias líneas de ropa y otros como Kanye West se vincularon con diseñadores como Louis Vuitton , la ropa se volvió más ajustada, más clásica y cara.

A medida que el hip hop ha visto un cambio en los medios por los que sus artistas expresan su masculinidad, desde la violencia y la intimidación hasta la ostentación de la riqueza y el espíritu empresarial, también ha visto el surgimiento de la marca de rapero. El artista de hip hop de hoy en día ya no se limita a que la música sea su única ocupación o fuente de ingresos. A principios de la década de 1990, las principales empresas de indumentaria "se habían dado cuenta del potencial económico de aprovechar la cultura hip hop ... Tommy Hilfiger fue uno de los primeros grandes diseñadores de moda que cortejó activamente a los raperos como una forma de promocionar su ropa de calle. ". Al unir fuerzas, el artista y la corporación pueden beneficiarse conjuntamente de los recursos de cada uno. Los artistas de Hip Hop son creadores de tendencias y creadores de gustos. Sus admiradores van desde grupos minoritarios que pueden relacionarse con sus luchas profesadas hasta grupos mayoritarios que no pueden relacionarse verdaderamente pero que les gusta "consumir la fantasía de vivir una vida más masculina". Los raperos proporcionan el factor "cool, moderno" mientras que las corporaciones entregan el producto, la publicidad y los activos financieros. Tommy Hilfiger, uno de los primeros diseñadores convencionales en cortejar activamente a los raperos como una forma de promover su ropa de calle, ofrece un ejemplo prototípico de las colaboraciones hip-hip / moda:

A cambio de darles a los artistas guardarropas gratis, Hilfiger encontró su nombre mencionado tanto en los versos que riman de las canciones de rap como en sus letras de 'agradecimiento', en las que los artistas del rap cantan agradeciendo a amigos y patrocinadores por su apoyo. El éxito de Hilfiger convenció a otras grandes empresas estadounidenses de diseño de moda, como Ralph Lauren y Calvin Klein, de adaptar las líneas al lucrativo mercado de artistas y fanáticos del hip hop.

Los artistas ahora usan las marcas como un medio de ingresos complementarios para su música o están creando y expandiendo sus propias marcas que se convierten en su principal fuente de ingresos. Como explica Harry Elam, ha habido un movimiento "desde la incorporación y redefinición de las tendencias existentes hasta el diseño y la comercialización de productos como moda hip hop".

Diversificación

Rompiendo en Ljubljana , Eslovenia

La música hip hop ha generado docenas de subgéneros que incorporan enfoques de producción de música hip hop, como el muestreo , la creación de ritmos o el rap. El proceso de diversificación surge de la apropiación de la cultura hip hop por otros grupos étnicos. Hay muchas influencias sociales que afectan el mensaje del hip hop en diferentes naciones. Se utiliza con frecuencia como una respuesta musical a las injusticias políticas y / o sociales percibidas. En Sudáfrica, la forma más grande de hip hop se llama Kwaito , que ha tenido un crecimiento similar al hip hop estadounidense. Kwaito es un reflejo directo de una Sudáfrica posterior al apartheid y es una voz para los que no tienen voz; un término al que a menudo se hace referencia al hip hop estadounidense. Kwaito incluso se percibe como un estilo de vida, que abarca muchos aspectos de la vida, incluido el lenguaje y la moda.

Kwaito es un género político y partidista, ya que los intérpretes utilizan la música para expresar sus opiniones políticas y también para expresar su deseo de pasar un buen rato. Kwaito es una música que vino de un pueblo que alguna vez fue odiado y oprimido, pero ahora está arrasando en la nación. Los principales consumidores de Kwaito son los adolescentes y la mitad de la población sudafricana tiene menos de 21 años. Algunos de los grandes artistas de Kwaito han vendido más de 100.000 álbumes, y en una industria en la que 25.000 álbumes vendidos se considera un disco de oro, esas cifras son impresionantes. Kwaito permite la participación y el compromiso creativo de pueblos de otro modo socialmente excluidos en la generación de medios populares. El hip hop sudafricano ha tenido un impacto en todo el mundo, con artistas como Tumi , HipHop Pantsula , Tuks Senganga .

El músico de Sudán del Sur , Emmanuel Jal, usa el hip hop para curar a la juventud africana devastada por la guerra. Jal representada en el Festival de Cine de Tribeca en Nueva York.

En Jamaica , los sonidos del hip hop se derivan de influencias estadounidenses y jamaicanas. El hip hop jamaicano se define a través de la música dancehall y reggae. El jamaicano Kool Herc trajo los sistemas de sonido, la tecnología y las técnicas de la música reggae a Nueva York durante la década de 1970. Los artistas de hip hop jamaiquinos a menudo rapean con acentos tanto de Brooklyn como de Jamaica. El tema del hip hop jamaiquino a menudo está influenciado por fuerzas externas e internas. Fuerzas externas como la era bling-bling del hip hop moderno de hoy y las influencias internas provenientes del uso del anticolonialismo y la marihuana o referencias a la "ganja" que los rastafaris creen que los acercan a Dios.

El autor Wayne Marshall sostiene que "el hip hop, al igual que todas las formas culturales afroamericanas anteriores, ofrece una variedad de significados convincentes y contradictorios para el artista y el público jamaiquinos. Desde la" negrura moderna "hasta la" mente extranjera ", el cosmopolitismo transnacional y el panafricanismo militante , remixología radical a la mímica absoluta, el hip hop en Jamaica encarna la miríada de formas en que los jamaicanos abrazan, rechazan e incorporan formas extranjeras pero familiares ".

Artista de hip hop árabe Klash Loon

En el mundo en desarrollo, el hip hop ha tenido un impacto considerable en el contexto social. A pesar de la falta de recursos, el hip hop ha logrado avances considerables. Debido a los fondos limitados, los artistas de hip hop se ven obligados a utilizar herramientas muy básicas, e incluso el graffiti, un aspecto importante de la cultura hip hop, se ve limitado debido a su indisponibilidad para la persona promedio. El hip hop ha comenzado a hacer incursiones con más artistas negros. Hay varios otros artistas minoritarios que están ocupando un lugar central a medida que muchos niños de minorías de primera generación alcanzan la mayoría de edad. Un ejemplo es el rapero Awkwafina, un asiático-estadounidense , que rapea sobre ser asiático además de ser mujer. Ella, como muchos otros, usa el rap para expresar sus experiencias como minoría, no necesariamente para "unir" a las minorías, sino para contar su historia.

Muchos artistas de hip hop del mundo en desarrollo vienen a los Estados Unidos en busca de oportunidades. Maya Arulpragasm (AKAMIA) , una artista de hip hop tamil nacida en Sri Lanka , afirma: "Solo estoy tratando de construir una especie de puente, estoy tratando de crear un tercer lugar, en algún lugar entre el mundo desarrollado y el mundo en desarrollo . ". Otro artista musical que utiliza el hip hop para transmitir un mensaje positivo a los jóvenes africanos es Emmanuel Jal , un ex niño soldado de Sudán del Sur . Jal es uno de los pocos artistas de música de Sudán del Sur que se ha abierto paso a nivel internacional con su forma única de hip hop y un mensaje positivo en sus letras. Jal ha atraído la atención de los principales medios de comunicación y académicos con su historia y el uso del hip hop como un medio de curación para las personas afectadas por la guerra en África y también ha sido buscado en foros internacionales de conferencias como TED .

Muchos artistas de K-Pop en Corea del Sur han sido influenciados por el hip hop y muchos artistas de Corea del Sur interpretan música hip hop. En Seúl , Corea del Sur, coreanos b-boy.

Educación

Los estudiosos argumentan que el hip hop puede tener un efecto empoderador en los jóvenes. Si bien hay misoginia, violencia y uso de drogas en los videos y letras de música rap, el hip hop también muestra muchos temas positivos de autosuficiencia, resiliencia y autoestima. Estos mensajes pueden ser inspiradores para los jóvenes que viven en la pobreza. Muchas canciones de rap contienen referencias al fortalecimiento de la comunidad afroamericana que promueve causas sociales. Los trabajadores sociales han utilizado el hip hop para construir una relación con jóvenes en riesgo y desarrollar una conexión más profunda con el niño. El hip hop tiene el potencial de enseñarse como una forma de ayudar a las personas a ver el mundo de manera más crítica, ya sea a través de formas de escritura, creación de música o activismo social. Las letras del hip hop se han utilizado para aprender sobre recursos literarios como metáforas, imágenes, ironía, tono, tema, motivo, trama y punto de vista.

Las organizaciones y las instalaciones brindan espacios y programas para que las comunidades exploren la creación y el aprendizaje del hip hop. Un ejemplo son los laboratorios IMP en Regina, Saskatchewan, Canadá. Muchos estudios de baile y universidades ahora ofrecen lecciones de hip hop junto con tap y ballet, así como KRS-ONE enseña conferencias de hip hop en la Universidad de Harvard. El productor de hip hop 9th Wonder y el ex rapero y actor Christopher "Play" Martin del grupo de hip hop Kid-n-Play han impartido clases de historia del hip hop en la Universidad Central de Carolina del Norte y 9th Wonder también ha impartido una clase de "Hip Hop Sampling Soul" en Universidad de Duke . En 2007, la Biblioteca de la Universidad de Cornell estableció una Colección Hip Hop para recopilar y hacer accesibles los artefactos históricos de la cultura hip hop y para asegurar su preservación para las generaciones futuras.

La comunidad del hip hop ha sido un factor importante en la educación de sus oyentes sobre el VIH / SIDA, una enfermedad que ha afectado a la comunidad muy de cerca. Uno de los artistas más importantes del hip hop temprano, Eazy-E, miembro de NWA, murió de SIDA en 1995. Desde entonces, muchos artistas, productores, coreógrafos y muchos otros de muchos lugares diferentes han tratado de causar un impacto y crear conciencia. del VIH en la comunidad hip hop. Muchos artistas han hecho canciones como una especie de anuncios de servicio público para crear conciencia sobre el VIH para los oyentes de hip hop, algunas canciones que crean conciencia son Salt N Pepa - Let's Talk About AIDS, Coolio - Too Hot y más. Artistas tanzanos como el profesor Jay y el grupo Afande Sele se destacan por sus contribuciones a este género de música hip hop y la conciencia que han difundido sobre el VIH. El escritor, activista y artista de hip hop estadounidense Tim'm T. West, que fue diagnosticado con SIDA en 1999, formó el grupo de hip hop queer Deep Dickollective, que se reunió para rapear sobre la pandemia del VIH entre hombres negros queer y el activismo LGBTQ en el hip hop. Una organización sin fines de lucro de la ciudad de Nueva York llamada Hip Hop 4 Life, se esfuerza por educar a los jóvenes, especialmente a los jóvenes de bajos ingresos, sobre los problemas sociales y políticos en sus áreas de interés, que incluyen el hip hop. Hip Hop 4 Life ha realizado muchos eventos en el área de la ciudad de Nueva York para crear conciencia sobre el VIH y otros problemas que rodean a estos niños de bajos ingresos y sus comunidades.

Valores y filosofía

Esencialismo

Desde la época de la esclavitud, la música ha sido durante mucho tiempo el idioma de la identidad afroamericana. Debido a que la lectura y la escritura estaban prohibidas bajo los auspicios de la esclavitud, la música se convirtió en la única forma accesible de comunicación. Cientos de años después, en barrios del centro de la ciudad plagados de altas tasas de analfabetismo y deserción, la música sigue siendo el medio de expresión más confiable. Así, el hip hop es hoy en día como lo son los espirituales negros para las plantaciones del viejo sur: la música emergente articula los terrores del entorno de uno mejor que la palabra escrita o hablada, forjando así una "asociación incuestionable de opresión con creatividad [que] es endémica "de la cultura afroamericana".

Como resultado, las letras de las canciones de rap a menudo se han tratado como "confesiones" de una serie de crímenes violentos en los Estados Unidos. También se considera que es deber de los raperos y otros artistas de hip hop (DJ, bailarines) "representar" su ciudad y barrio. Esto exige estar orgulloso de ser de barrios de ciudades desfavorecidas que tradicionalmente han sido una fuente de vergüenza, y glorificarlos con letras y graffiti. Esta ha sido potencialmente una de las formas en que el hip hop se ha convertido en un género de música "local" en lugar de "extranjero" en tantos países del mundo en tan solo unas pocas décadas. Sin embargo, el muestreo y el uso de varios géneros y lugares también es parte del entorno del hip hop, y un álbum como el éxito sorpresa Kala del rapero anglo-tamil MIA se grabó en lugares de todo el mundo y presenta sonidos de diferentes lugares. país en cada pista.

Según el erudito Joseph Schloss, la perspectiva esencialista del Hip Hop ofusca notoriamente el papel que juega el estilo y el placer individuales en el desarrollo del género. Schloss señala que el Hip Hop se fosiliza para siempre como un emergente cultural inevitable, como si "ninguno de los innovadores del hip-hop hubiera nacido, un grupo diferente de jóvenes negros pobres del Bronx habría desarrollado el hip-hop exactamente de la misma manera". Sin embargo, si bien las condiciones opresivas generalizadas del Bronx probablemente producirían otro grupo de jóvenes desfavorecidos, se pregunta si estarían igualmente interesados, sin embargo dispuestos a dedicar tanto tiempo y energía a hacer música como Grandmaster Flash, DJ Kool Herc, y Afrika Bambaataa. Por lo tanto, concluye que el Hip Hop fue el resultado de una elección, no del destino, y que cuando se ignoran las contribuciones individuales y las preferencias artísticas, el origen del género se atribuye demasiado a la opresión cultural colectiva.

Autenticidad

Graffiti que representa al rapero estadounidense 50 Cent . Larry Nager, de The Cincinnati Enquirer, escribió que 50 Cent se ha "ganado el derecho de usar las trampas del gangsta rap : la postura de macho, las armas, las drogas, los autos grandes y los magnums de champán. No es un farsante que pretende ser un gangsta". ; él es el auténtico ".

Los artistas y defensores de la música hip hop han declarado que el hip hop ha sido una forma artística y cultural afroamericana auténtica (verdadera y "real") desde su aparición en los barrios del centro de la ciudad del Bronx en la década de 1970. Algunos críticos musicales, académicos y comentaristas políticos han negado la autenticidad del hip hop. Los defensores que afirman que el hip hop es un género musical auténtico afirman que es una respuesta constante a la violencia y la discriminación experimentadas por los negros en los Estados Unidos, desde la esclavitud que existió en el siglo XIX, hasta los linchamientos del siglo XX y el siglo XIX. discriminación racial en curso que enfrentan los negros.

Paul Gilroy y Alexander Weheliye afirman que, a diferencia de la música disco , el jazz , el R&B , la música house y otros géneros que se desarrollaron en la comunidad afroamericana y que fueron rápidamente adoptados y luego controlados cada vez más por ejecutivos de la industria de la música blanca, el hip hop se ha mantenido en gran parte controlado. por artistas, productores y ejecutivos afroamericanos. En su libro, Phonographies , Weheliye describe las afiliaciones políticas y culturales que permite la música hip hop. Por el contrario, Greg Tate afirma que la forma comercial de hip hop comercial impulsada por el mercado ha desarraigado el género de la celebración de la cultura afroamericana y los mensajes de protesta que predominaban en sus primeras formas. Tate afirma que la mercantilización y mercantilización de la cultura hip hop socava el dinamismo del género para las comunidades afroamericanas.

Estas dos interpretaciones discrepantes del alcance y la influencia del hip hop enmarcan debates que giran en torno a la posesión o falta de autenticidad del hip hop. Anticipándose a los argumentos de mercado de Tate y otros, tanto Gilroy como Weheliye afirman que el hip hop siempre ha tenido una función diferente a la música popular occidental en su conjunto, una función que supera las limitaciones del capitalismo de mercado. Weheliye señala: "La música popular, generalmente en forma de grabaciones, ha funcionado y sigue funcionando como uno de los principales canales de comunicación entre los diferentes puntos geográficos y culturales de la diáspora africana , lo que permite a los artistas articular y realizar su ciudadanía diaspórica para audiencias internacionales y entablar conversaciones con otras comunidades diaspóricas ". Para Paul Gilroy, el hip hop demuestra una salida de articulación y un espacio sonoro en el que los afroamericanos pueden ejercer un control e influencia que a menudo carecen en otros dominios sociopolíticos y económicos.

En "Phonographies", Weheyliye explica cómo las nuevas tecnologías de sonido utilizadas en el hip hop fomentan la "ciudadanía diaspórica" ​​y las actividades culturales y políticas afroamericanas. Gilroy afirma que "el poder de la música [hip hop] [radica] en desarrollar las luchas negras comunicando información, organizando la conciencia y probando o desplegando ... formas individuales o colectivas" de acciones culturales y políticas afroamericanas. En el tercer capítulo de The Black Atlantic , "Joyas extraídas del cautiverio: música negra y la política de la autenticidad", Gilroy afirma que estos elementos influyen en la producción y la interpretación de las actividades culturales negras. Lo que Gilroy llama los rituales y tradiciones de la música del "Atlántico negro" son una forma más expansiva de pensar sobre la "negritud" afroamericana, una forma que va más allá de los debates contemporáneos en torno a argumentos esencialistas y antiesencialistas. Como tal, Gilroy afirma que la música ha sido y sigue siendo un escenario central para los debates sobre el trabajo, la responsabilidad y el papel futuro de la producción artística y cultural negra.

Vistas tradicionales frente a progresivas

La vieja escuela del hip hop artista DJ Kool Herc , junto con los artistas tradicionales de hip hop Afrika Bambaataa y Grandmaster Caz , originalmente tenía puntos de vista en contra de la corriente principal de rap. Sin embargo, entrevistas recientes indican que han cambiado sus formas hasta cierto punto. Sin embargo, raperos como KRS-One todavía sienten una fuerte desaprobación de la industria del rap, especialmente a través de los principales medios de comunicación.

En b-boying , la mayoría de los seguidores han comenzado a involucrar lentamente más patrocinio de la industria a través de eventos en la Serie Mundial BBoy y a través de la UDEF impulsada por Silverback Open. Otros b-boys han comenzado a aceptar el uso del término breakdance, pero solo si el término b-boying es demasiado difícil de comunicar al público en general. Independientemente de esto, los b-boys y b-girls siguen existiendo para mostrar falta de apoyo a los jams y eventos que sienten que representan la cultura como deporte, forma de entretenimiento y también a través del capitalismo . Battle Rap como industria también ha sido fuertemente apoyado por leyendas de la vieja escuela / era dorada como Herc, Kid Capri y KRS-One .

Recepción

Comercialización y estereotipos

En 2012, el pionero del hip hop y el rap Chuck D , del grupo Public Enemy, criticó a los jóvenes artistas del hip hop de la década de 2010, afirmando que habían tomado un género musical con amplias raíces en la música underground y lo habían convertido en música pop comercializada. En particular, figuras seminales de la música underground temprana con motivaciones políticas, como Ice-T , han criticado a los artistas actuales de hip hop por estar más preocupados por la imagen que por la sustancia. Los críticos han declarado que los artistas de hip hop de la década de 2010 están contribuyendo a los estereotipos culturales de la cultura afroamericana y son gánsteres impostores . Los críticos también han declarado que la música hip hop promueve el uso de drogas y la violencia.

El hip hop ha sido criticado por críticos centrados en el rock que afirman que el hip hop no es una verdadera forma de arte y que afirman que la música rock and roll es más auténtica . Estos críticos defienden un punto de vista llamado " rockismo " que favorece la música escrita e interpretada por el artista individual (como se ve en algunas bandas de rock famosas dirigidas por cantautores ) y está en contra del hip hop de la década de 2000 (década), que estos críticos argumentan dar un papel demasiado importante a los productores de discos y la grabación de sonido digital . El hip hop se considera demasiado violento y explícito, en comparación con el rock. Algunos sostienen que las críticas tienen connotaciones raciales, ya que estos críticos niegan que el hip hop sea una forma de arte y elogie los géneros del rock que destacan principalmente por hombres blancos.

Marginación de la mujer

La artista de hip hop Lauryn Hill ha tenido éxito como solista y como miembro de Fugees . Esta foto la muestra actuando en el Ottawa Bluesfest en 2012.

El género de la música hip hop y su subcultura ha sido criticado por su sesgo de género y sus impactos negativos sobre las mujeres en la cultura afroamericana. Los artistas del rap gangsta como Eazy-E , Snoop Dogg y Dr. Dre tienen, principalmente en los 90, letras rapeadas que retratan a las mujeres como juguetes sexuales e inferiores o dependientes de los hombres. Entre 1987 y 1993, más de 400 canciones de hip hop tenían letras que describían la violencia hacia las mujeres, incluida la violación, el asalto y el asesinato. Estas letras contra las mujeres han llevado a algunos oyentes masculinos a amenazar físicamente a las mujeres y han creado estereotipos negativos de las jóvenes afroamericanas urbanas.

La música hip hop promueve con frecuencia la hegemonía masculina y describe a las mujeres como individuos que deben depender de los hombres. La representación de las mujeres en las letras y videos de hip hop tiende a ser violenta, degradante y altamente sexualizada. Hay una alta frecuencia de canciones con letras degradantes o que representan violencia sexual o agresión sexual hacia las mujeres. Los videos a menudo retratan cuerpos femeninos idealizados y muestran a las mujeres como el objeto del placer masculino .

La tergiversación de las mujeres, principalmente mujeres de color, como objetos en lugar de otros seres humanos y la presencia del dominio masculino en el hip hop se remonta al nacimiento del género. Sin embargo, muchas artistas femeninas también han arrojado luz sobre sus problemas personales y las tergiversaciones de las mujeres en la moda y la cultura. Estos artistas incluyen, entre otros, Queen Latifah , TLC y MC Lyte . A pesar del éxito de ellos y otros, las raperas siguen siendo proporcionalmente pocas en la industria convencional.

Muy pocas artistas femeninas han sido reconocidas en el hip hop, y los artistas, productores de discos y ejecutivos musicales más populares, exitosos e influyentes son hombres. Las mujeres que están en grupos de rap, como Lauryn Hill of the Fugees , tienden a tener menos ventajas y oportunidades que los artistas masculinos. Las artistas femeninas han recibido un reconocimiento significativamente menor en el hip hop. Solo una artista femenina ha ganado el premio al Mejor Álbum de Rap del Año en los Premios Grammy desde que se agregó la categoría en 1995. Además, las artistas afroamericanas de hip hop han sido menos reconocidas en la industria. Salt-N-Pepa sintió que cuando se estaban estableciendo como un grupo exitoso, tenían que demostrar que los escépticos estaban equivocados, afirmando que "siendo mujeres en el hip hop en un momento en el que no había tantas mujeres, sentimos que teníamos más que probar."

Marginación de las latinas

Las latinas, especialmente las mujeres cubanas, dominicanas y puertorriqueñas, son degradadas y fetichizadas en el hip hop. Las mujeres blancas y asiáticas también son fetichizadas en el hip hop, pero no tanto como las latinas, a las que se hace referencia como "españolas". Las latinas, especialmente las modelos puertorriqueñas y las modelos dominicanas, a menudo son retratadas como un objeto de deseo sexual en los videos de hip hop.

Homofobia y transfobia

Además, la comunidad de la música hip hop ha sido criticada con acusaciones de homofobia y transfobia . Las letras de las canciones de hip hop contienen insultos homofóbicos ofensivos (más popularmente el término peyorativo " maricón ") y, a veces, amenazas violentas hacia personas queer , como " Where the Hood At? " Del rapero DMX , "Nobody Move ? " Del rapero Eazy-E ", " Punks Jump Up to Get Beat Down " del grupo de rap Brand Nubian . Muchos raperos y artistas de hip hop han abogado por la homofobia y / o transfobia. Estos artistas incluyen a Ja Rule , quien en una entrevista afirmó: "Tenemos que ir a MTV y Viacom , y hablemos de todos estos jodidos programas que tienen en MTV que promueven la homosexualidad, que mis hijos no pueden ver esta mierda. , "y el artista de rap Erick Sermon , quien ha dicho públicamente," [Hip hop] nunca aceptará raperos transgénero ".

Hasta la década de 2010, la música hip hop ha excluido a la comunidad de lesbianas, gays, bisexuales y transexuales (LGBT) . Esto ha perpetuado una cultura en el hip hop que tiene prejuicios hacia las personas queer y trans, por lo que es una cultura difícil para los artistas queer participar. A pesar de este prejuicio, algunos raperos queer / genderqueer y artistas del hip hop se han vuelto exitosos y populares en la década de 2010. . Uno de los miembros más notables de la comunidad LGBT en el hip hop es Frank Ocean , que salió del armario en 2012 y lanzó álbumes aclamados por la crítica y ganó dos premios Grammy . Otros artistas de hip hop raro / rap éxito incluyen rapera bisexuales Azealia Banks , pansexual andrógina rapero y cantante Angel Haze , rapero lesbianas Siya , Gay rapero / cantante Kevin abstracta , y genderqueer rapero Mykki Blanco .

Legado

Teniendo sus raíces en la música reggae , disco , funk y soul , el hip hop se ha expandido en todo el mundo. Su expansión incluye eventos como el lanzamiento de Planet Rock de Afrika Bambaataa en 1982 , que trató de establecer una armonía más global. En la década de 1980, el británico Slick Rick se convirtió en el primer artista de hip hop de éxito internacional no nativo de Estados Unidos. A partir de la década de 1980, la televisión hizo que el hip hop fuera mundial. De Yo! En la gira mundial de MTV Raps to Public Enemy, el hip hop se extendió a América Latina y se convirtió en una cultura dominante. El hip hop ha sido cortado, mezclado y adaptado a medida que la música se extiende a nuevas áreas.

Mary J. Blige realizando
La londinense Kae Tempest actuando en el Treefort Music Fest

El hip hop temprano puede haber reducido la violencia de las pandillas en el centro de la ciudad al proporcionar un medio de expresión alternativo a la violencia física. Sin embargo, con el surgimiento del gangsta rap comercial y relacionado con el crimen a principios de la década de 1990, la violencia, las drogas, las armas y la misoginia fueron temas clave. El hip hop social y políticamente consciente ha sido ignorado durante mucho tiempo por la corriente principal de Estados Unidos en favor de su hermano, el gangsta rap , que ataca a los medios .

Las artistas negras como Queen Latifah , Missy Elliott y MC Lyte han hecho grandes avances desde que comenzó la industria del hip hop. Al producir música y una imagen que no se adaptaba a los estereotipos hipersexualizados de las mujeres negras en el hip hop, estas mujeres fueron pioneras en una imagen revitalizada y empoderadora de las mujeres negras en el hip hop. Aunque muchos artistas de hip hop han abrazado los ideales que efectivamente privan de sus derechos a las artistas negras, muchos otros optan por emplear formas de resistencia que contrarrestan estas representaciones negativas de las mujeres en el hip hop y ofrecen una narrativa diferente. Estos artistas buscan expandir formas de pensamiento tradicional a través de diferentes formas de expresión cultural. En este esfuerzo, esperan obtener una respuesta para las artistas de hip hop no con una lente misógina sino con una que valide la lucha de las mujeres.

Para las mujeres, artistas como Missy Elliott, Lil 'Kim, Young MA y otros están brindando mentores para las nuevas MCs. Además, hay una escena vibrante fuera de la corriente principal que brinda una oportunidad para que las mujeres y su música prosperen.

Ver también

Referencias

Bibliografía

Otras lecturas

  • Chang, Jeff. Caos total: el arte y la estética del hip-hop . Libros básicos, 2008.
  • Fitzgerald, Tamsin. Hip-Hop y Danza Urbana . Biblioteca Heineman, 2008.

enlaces externos