Helen Frankenthaler - Helen Frankenthaler

Helen Frankenthaler
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Frankenthaler en 1956
Nació ( 12/12/1928 )12 de diciembre de 1928
Nueva York, EE. UU.
Murió 27 de diciembre de 2011 (27/12/2011)(83 años)
Darien, Connecticut , Estados Unidos
Nacionalidad americano
Educación Dalton School
Bennington College
Conocido por Pintura abstracta
Trabajo notable
Montañas y mar
Movimiento Expresionismo abstracto , Pintura de campo de color , Abstracción lírica

Helen Frankenthaler (12 de diciembre de 1928-27 de diciembre de 2011) fue una pintora expresionista abstracta estadounidense . Fue una de las principales contribuyentes a la historia de la pintura estadounidense de posguerra. Habiendo exhibido su trabajo durante más de seis décadas (principios de la década de 1950 hasta 2011), abarcó varias generaciones de pintores abstractos mientras continuaba produciendo un nuevo trabajo vital y en constante cambio. Frankenthaler comenzó a exhibir sus pinturas expresionistas abstractas a gran escala en museos y galerías contemporáneas a principios de la década de 1950. Fue incluida en la exposición de 1964 Post-Painterly Abstraction , comisariada por Clement Greenberg, que presentó una nueva generación de pintura abstracta que llegó a conocerse como Color Field . Nacido en Manhattan, estuvo influenciada por las pinturas de Greenberg, Hans Hofmann y Jackson Pollock . Su trabajo ha sido objeto de varias exposiciones retrospectivas, incluida una retrospectiva de 1989 en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, y se ha exhibido en todo el mundo desde la década de 1950. En 2001, recibió la Medalla Nacional de las Artes .

Frankenthaler tenía una casa y un estudio en Darien, Connecticut .

Temprana edad y educación

Helen Frankenthaler nació el 12 de diciembre de 1928 en la ciudad de Nueva York . Su padre era Alfred Frankenthaler, un respetado juez de la Corte Suprema del estado de Nueva York . Su madre, Martha (Lowenstein), había emigrado con su familia de Alemania a los Estados Unidos poco después de su nacimiento. Sus dos hermanas, Marjorie y Gloria , eran seis y cinco años mayores, respectivamente. Al crecer en el Upper East Side de Manhattan , Frankenthaler absorbió los antecedentes privilegiados de una familia intelectual judía culta y progresista que alentó a las tres hijas a prepararse para carreras profesionales. Su sobrino es el artista / fotógrafo Clifford Ross .

Frankenthaler estudió en la Dalton School con el muralista Rufino Tamayo y también en Bennington College en Vermont. Mientras estaba en Bennington College, Frankenthaler estudió bajo la dirección de Paul Feeley , a quien se le atribuye haberla ayudado a comprender la composición pictórica, además de haber influido en su estilo temprano derivado del cubismo. Tras su graduación en 1949, estudió en privado con el pintor de origen australiano Wallace Harrison y con Hans Hofmann en 1950. Conoció a Clement Greenberg en 1950 y tuvo una relación de cinco años con él. Más tarde se casó con su colega artista Robert Motherwell (1915-1991), desde 1958 hasta que se divorciaron en 1971. Ambos nacieron de padres adinerados, la pareja era conocida como "la pareja de oro" y destacaba por su generoso entretenimiento. De él obtuvo dos hijastras, Jeannie Motherwell y Lise Motherwell. Jeannie Motherwell estudió pintura en Bard College y Art Students League en Nueva York. Continuando con su arte después de la universidad, se involucró en la educación artística en el Bruce Museum en Greenwich, CT, hasta que se mudó a Cambridge, MA, donde trabajó en la Universidad de Boston para el programa de posgrado en Administración de las Artes hasta 2015. Se desempeñó en Cambridge Arts Council Public Art Commission de 2004 a 2007 y actualmente está en la Junta Asesora de Joy Street Artists Open Studios en Somerville, MA. Jeannie Motherwell tuvo una exposición en Rafius Fane Gallery, Boston, Mass. Titulada Pour, Push, Layer.

En 1994, Frankenthaler se casó con Stephen M. DuBrul, Jr., un banquero de inversiones que sirvió en la administración Ford .

Frankenthaler había estado en la facultad de Hunter College .

Estilo y técnica

Montañas y mar, 1952, 86 5/8 x 117 1/4 pulgadas (220 x 297,8 cm.), Óleo y carboncillo sobre lienzo, en préstamo extendido a la Galería Nacional de Arte , Washington, DC.

Como pintor activo durante casi seis décadas, Frankenthaler pasó por una variedad de fases y cambios estilísticos. Inicialmente asociada con el expresionismo abstracto debido a su enfoque en las formas latentes en la naturaleza, Frankenthaler se identifica con el uso de formas fluidas, masas abstractas y gestos líricos. Hizo uso de grandes formatos sobre los que pintó, en general, composiciones abstractas simplificadas. Su estilo es notable por su énfasis en la espontaneidad, como dijo la propia Frankenthaler: "Una película realmente buena parece haber sucedido de inmediato".

La carrera artística oficial de Frankenthaler se inició en 1952 con la exposición Montañas y mar . A lo largo de la década de 1950, sus obras tendieron a ser composiciones centradas, lo que significa que la mayor parte del incidente pictórico tuvo lugar en el medio del lienzo en sí, mientras que los bordes tuvieron poca importancia para el conjunto compositivo. En 1957, Frankenthaler comenzó a experimentar con formas lineales y formas redondeadas más orgánicas, parecidas al sol en sus obras. En la década de 1960, su estilo se desplazó hacia la exploración de pinturas simétricas, ya que comenzó a colocar tiras de colores cerca de los bordes de sus pinturas, involucrando así los bordes como parte del todo compositivo. Con este cambio en la composición vino una simplificación general del estilo de Frankenthaler. Comenzó a utilizar manchas simples y borrones de colores sólidos sobre fondos blancos, a menudo en forma de formas geométricas. A partir de 1963, Frankenthaler comenzó a usar pinturas acrílicas en lugar de pinturas al óleo porque permitían tanto la opacidad como la nitidez cuando se colocaban en el lienzo. En la década de 1970, había eliminado por completo la técnica del tinte en remojo, prefiriendo pintura más espesa que le permitía emplear colores brillantes que casi recordaban al fauvismo . A lo largo de la década de 1970, Frankenthaler exploró la unión de áreas del lienzo mediante el uso de tonos modulados y experimentó con formas abstractas grandes. Su trabajo en la década de 1980 se caracterizó por ser mucho más tranquilo, con el uso de colores apagados y una pincelada relajada. "Una vez que el verdadero talento comienza a emerger, uno es más libre de una manera pero menos libre de otra, ya que uno es cautivo de esta necesidad y profundo impulso".

Pintura de campo de color

En 1960, el término pintura de campo de color se utilizó para describir el trabajo de Frankenthaler. En general, este término se refiere a la aplicación de grandes áreas, o campos, de un solo color al lienzo. Este estilo se caracterizó por el uso de tonalidades similares en tono o intensidad, así como grandes formatos y composiciones simplificadas, cualidades que describen la obra de Frankenthaler a partir de los años sesenta. Los artistas de The Color Field se diferenciaron de los expresionistas abstractos en su intento de borrar el contenido emocional, mítico y religioso.

Técnica

Frankenthaler solía pintar sobre lienzos sin imprimar con pinturas al óleo que diluía en gran medida con trementina, una técnica que denominó "mancha de remojo". Esto permitió que los colores se empaparan directamente en el lienzo, creando un efecto licuado y translúcido que se parecía mucho a la acuarela. También se decía que la mancha de remojo era la fusión definitiva de la imagen y el lienzo, llamando la atención sobre la planitud de la pintura en sí. Sin embargo, la principal desventaja de este método es que el aceite en las pinturas eventualmente hará que el lienzo se decolore y se pudra. La técnica fue adoptada por otros artistas, en particular Morris Louis (1912-1962) y Kenneth Noland (1924-2010), y lanzó la segunda generación de la escuela de pintura Color Field . Frankenthaler solía trabajar colocando su lienzo en el suelo, una técnica inspirada en Jackson Pollock .

Frankenthaler prefería pintar en privado. Si había asistentes presentes, prefería que pasaran desapercibidos cuando no los necesitaban.

Influencias

Una de sus influencias más importantes fue Clement Greenberg (1909-1994), un influyente crítico literario y de arte con el que tenía una amistad personal y que la incluyó en la exposición Post-Painterly Abstraction que comisarió en 1964. A través de Greenberg fue presentada a la escena artística de Nueva York. Bajo su dirección, pasó el verano de 1950 estudiando con Hans Hofmann (1880-1966), catalizador del movimiento expresionista abstracto .

La primera exposición de Jackson Pollock que Frankenthaler vio fue en la Galería Betty Parsons en 1950. Ella dijo lo siguiente acerca de ver las pinturas de Pollock Autumn Rhythm, Number 30, 1950 (1950), Number One, 1950 (Lavender Mist) (1950):

Todo estaba ahí. Quería vivir en esta tierra. Tenía que vivir allí y dominar el idioma.

Algunos de sus pensamientos sobre la pintura:

Una imagen realmente buena parece haber sucedido de una vez. Es una imagen inmediata. Para mi propio trabajo, cuando una imagen parece laboriosa y con exceso de trabajo, y puedes leer en ella, bueno, ella hizo esto y luego hizo aquello, y luego hizo aquello, hay algo en ella que no tiene que ver con la belleza. arte para mí. Y generalmente los tiro, aunque creo que muy a menudo se necesitan diez de esos esfuerzos exagerados para producir un movimiento de muñeca realmente hermoso que esté sincronizado con su cabeza y corazón, y lo tiene, y por lo tanto parece como si fuera nacido en un minuto.

-  En Barbara Rose , Frankenthaler (Nueva York: Harry N. Abrams, Inc. 1975, p. 85)

John Elderfield escribió que las acuarelas de Paul Cézanne y John Marin fueron importantes influencias tempranas:

La acuarela ... expande el brillo y la planitud de la pintura plein-air porque revela visiblemente estas cualidades en la blancura de su soporte, que siempre hace sentir su presencia por la insustancialidad de su revestimiento. Marin y Cézanne eran importantes para Frankenthaler no solo por sus acuarelas o por la ligereza de su trabajo, sino, lo que es más importante, porque ambos habían liberado sus óleos tratándolos como acuarelas, que fue lo que empezó a hacer Frankenthaler ... En el caso de Cézanne, esta transposición de técnicas también le animó a dejar al descubierto zonas de lienzo blanco entre parches de óleo diluido. Esto también fue especialmente interesante para Frankenthaler.

Trabajos mayores

Pinturas

Montañas y mar , la primera obra expuesta profesionalmente de Frankenthaler, generalmente se identifica como su pintura más conocida por el uso de tinte de remojo. La obra en sí fue pintada después de un viaje a Nueva Escocia, cuestionando cuán poco representativa es la pintura. Si bien Mountains and Sea no es una representación directa de la costa de Nueva Escocia, hay elementos que sugieren una especie de paisaje marino o paisaje, como los trazos de azul que se unen con áreas verdes. Al igual que Montañas y mar , Paisaje vasco de Frankenthaler (1958) parece referirse a un entorno externo muy específico, por lo que también es abstracto. Lo mismo puede decirse de Lorelei (1956), una obra basada en un paseo en barco que Frankenthaler llevó por el Rin.

En Swan Lake # 2 (1961), Frankenthaler comienza a explorar un manejo más ilustrativo de la pintura. La obra muestra una gran superficie de pintura azul en el lienzo, con roturas en el color que quedan en blanco. Estos espacios negativos se asemejan a pájaros, quizás cisnes, sentados en un cuerpo de agua. Hay un cuadrado marrón muy rectilíneo que envuelve el azul, equilibrando tanto los tonos fríos del azul con la calidez del marrón, como el manejo gestual de la pintura con la fuerte linealidad del cuadrado.

Eden , de 1956, es un paisaje interior, lo que significa que representa las imágenes de la imaginación del artista. Eden cuenta la historia de un mundo interior abstracto, idealizado de una manera que un paisaje nunca podría ser. La obra es casi totalmente gestual, salvo la incorporación del número "100" dos veces en el centro de la imagen. Cuando se le preguntó sobre el proceso de creación de esta obra, Frankenthaler afirmó que comenzó pintando los números y que de ahí surgió una especie de jardín simbólico e idealizado.

Grabados y xilografías

Frankenthaler reconoció que, como artista, necesitaba desafiarse continuamente a sí misma para crecer. Por esta razón, en 1961, comenzó a experimentar con el grabado en Universal Limited Art Editions (ULAE), un taller de litografía en West Islip, Long Island. Frankenthaler colaboró ​​con Tatyana Grosman en 1961 para crear sus primeras impresiones.

En 1976, Frankenthaler comenzó a trabajar en el medio de los grabados en madera. Colaboró ​​con Kenneth E. Tyler . La primera pieza que crearon juntos fue Essence of Mulberry (1977), un grabado en madera que utiliza ocho colores diferentes. Essence of Mulberry se inspiró en dos fuentes: la primera fue una exposición de grabados en madera del siglo XV que Frankenthaler vio en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte, la segunda fue una morera que creció fuera del estudio de Tyler. En 1995, la pareja volvió a colaborar, creando The Tales of Genji , una serie de seis grabados en madera. Para crear grabados en madera con una resonancia similar al estilo pictórico de Frankenthaler, pintó sus planos en la propia madera, haciendo maquetas. Los Cuentos de Genji tardaron casi tres años en completarse. Frankenthaler luego pasó a crear Madame Butterfly , una impresión que empleaba ciento dos colores diferentes y cuarenta y seis bloques de madera. Madame Butterfly es vista como la traducción definitiva del estilo de Frankenthaler al medio de los grabados en madera, ya que encarna su idea de crear una imagen que parece como si hubiera sucedido de una vez.

Premios y legado

Frankenthaler recibió la Medalla Nacional de las Artes en 2001. Se desempeñó en el Consejo Nacional de las Artes de la Fundación Nacional de las Artes de 1985 a 1992. Escribió en The New York Times en 1989 que la financiación del gobierno para las artes "no era parte del proceso democrático "y estaba" comenzando a engendrar un monstruo del arte "; El presupuesto de la NEA se redujo poco después. Sus otros premios incluyen el Primer Premio de Pintura en la Primera Bienal de París (1959); Medalla de oro del templo , Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia (1968); Premio de Honor de las Artes y la Cultura del Alcalde de la Ciudad de Nueva York (1986); y Premio al Artista Distinguido por su trayectoria, College Art Association (1994). En 1990 fue elegida miembro de la Academia Nacional de Diseño como miembro asociado y se convirtió en académica de pleno derecho en 1994.

Frankenthaler no se consideraba feminista: dijo: "Para mí, ser una 'pintora' nunca fue un problema. No me molesta ser pintora. No lo exploto. Pinto". "El arte era un negocio extremadamente machista" , dijo a NPR Anne Temkin, curadora en jefe del Museo de Arte Moderno . "Para mí, hay una gran admiración solo en el coraje y la visión que aportó a lo que hizo". Sin embargo, Mary Beth Edelson 'pieza feminista s Algunos American Living Mujeres Artistas / última cena (1972) consignó Leonardo da Vinci ‘s La última cena , con las cabezas de las mujeres artistas, entre ellos estuvieron Frankenthaler un collage sobre la cabeza de Cristo y sus apóstoles. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía histórica religiosa y del arte en la subordinación de la mujer, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ".

En 1953, Kenneth Noland y Morris Louis vieron su Mountains and Sea que, Louis dijo más tarde, era un "puente entre Pollock y lo que era posible". Por otro lado, algunos críticos calificaron su trabajo de "simplemente hermoso". El obituario de Grace Glueck en The New York Times resumió la carrera de Frankenthaler:

Los críticos no han elogiado unánimemente el arte de Frankenthaler. Algunos lo han visto como algo delgado en sustancia, incontrolado en el método, demasiado dulce en color y demasiado "poético". Pero ha sido mucho más apto para atraer admiradores como la crítica Barbara Rose, quien escribió en 1972 sobre el don de Frankenthaler por "la libertad, la espontaneidad, la apertura y la complejidad de una imagen, no exclusivamente del estudio o de la mente, sino explícitamente". e íntimamente ligado a la naturaleza y las emociones humanas.

Fundación Helen Frankenthaler

La Fundación Helen Frankenthaler con sede en Nueva York, establecida y dotada por la artista durante su vida, se dedica a promover un mayor interés público y comprensión de las artes visuales. En 2021, la fundación creó la Iniciativa Climática Frankenthaler . En julio de 2021, la fundación otorgó la primera ronda de subvenciones por un total de $ 5.1 millones de dólares. Los destinatarios incluyeron el Museo de Arte de Ponce , el Centro Cultural y Museo Indio de Santa Rosa, el Museo Studio en Harlem y el Centro de Artes de la Universidad de Yale.

Exposiciones

La primera exposición individual de Frankenthaler tuvo lugar en la Tibor de Nagy Gallery , Nueva York, en el otoño de 1951. Su primera gran exposición en un museo, una retrospectiva de su obra de los años 50 con un catálogo del crítico y poeta Frank O'Hara , curador de el Museo de Arte Moderno, estuvo en el Museo Judío en 1960. Las exposiciones individuales posteriores incluyen "Helen Frankenthaler", Whitney Museum of American Art , Nueva York (1969; viajó a Whitechapel Gallery , Londres; Orangerie Herrenhausen , Hannover; y Kongresshalle , Berlín ) y "Helen Frankenthaler: una pintura retrospectiva", el Museo de Arte Moderno de Fort Worth (1989-1990; viajó al Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y el Instituto de Arte de Detroit ). Miles McEnery Gallery, una galería de arte contemporáneo con sede en Nueva York conocida por su énfasis en exhibir pintura de campo de color, pintura de borde duro y expresionismo abstracto, mostró una variedad de su trabajo en 2009 ["Helen Frankenthaler", 10 de diciembre de 2019 - 23 de enero de 2010). El 6 de octubre de 2019, Frankenthaler fue incluida en Sparkling Amazons: Abstract Expressionist Women of the 9th St. Show en el Katonah Museum of Art en el condado de Westchester, NY. que duró hasta el 26 de enero de 2020; * 2019: "Mujeres de la posguerra: ex alumnas de la Art Students League de Nueva York 1945-1965", Galería Phyllis Harriman, Art Students League de NY; comisariada por Will Corwin .; 2020: "9th Street Club", Gazelli Art House, Londres; comisariada por Will Corwin

En 2021, una década después de su muerte, el New Britain Museum of American Art montó una exposición de sus obras en papel de las etapas finales de su obra titulada "Helen Frankenthaler; Late Works 1990-2003". La exposición estará abierta desde el 11 de febrero hasta el 23 de mayo de 2021.

Colecciones

Fondo Nacional de las Artes

Según Los Angeles Times , "Frankenthaler adoptó una postura muy pública durante las" guerras culturales "de finales de la década de 1980 que finalmente condujeron a profundos recortes presupuestarios para el National Endowment for the Arts y una prohibición de las subvenciones a artistas individuales que aún persiste. En ese momento, fue nombrada presidencial para el Consejo Nacional de las Artes, que asesora al presidente de la NEA. En un comentario de 1989 para The New York Times , escribió que, si bien "la censura y la interferencia del gobierno en las direcciones y estándares del arte son peligrosas y que no forman parte del proceso democrático ", las controvertidas subvenciones a Andrés Serrano , Robert Mapplethorpe y otros reflejaron una tendencia en la que la NEA apoyaba un trabajo" de calidad cada vez más dudosa. ¿El consejo, que alguna vez fue una mano amiga, ahora está comenzando a generar un monstruo artístico? ¿Perdemos el arte ... con el pretexto de respaldar la experimentación? "

Muerte

Frankenthaler murió el 27 de diciembre de 2011 a la edad de 83 años en Darien, Connecticut, luego de una larga enfermedad no revelada.

Ver también

Notas

Otras lecturas

Bibliografía

enlaces externos

  1. ^ Chartier, Daniel (2007). "Mot du directeur-fondateur pour le 10 anniversaire de Globe" . Globo: Revue internationale d'études québécoises . 10 (1): 11. doi : 10,7202 / 1000074ar . ISSN  1481-5869 .