Entereza (Botticelli) - Fortitude (Botticelli)

Fortaleza
Artista	Sandro Botticelli
Año	1470
Medio	Temple sobre tabla
Dimensiones	167 cm × 87 cm (66 pulgadas × 34 pulgadas)
Localización	Uffizi, Florencia

La Fortaleza es una pintura del maestro renacentista italiano Sandro Botticelli , terminada en 1470. Ubicada en la Galleria degli Uffizi , en Florencia , Italia, Fortaleza fue la primera obra maestra registrada por Botticelli.

Esta obra perteneció originalmente a un conjunto de siete paneles que representan Virtudes , destinados a decorar la Sala del Tribunal de la Piazza della Signoria en Florencia. Los otros seis paneles están pintados por el taller de Piero del Pollaiolo . A diferencia de los otros paneles del ciclo, pintados sobre madera de ciprés, el Fortitude está pintado sobre álamo, una madera más utilizada para pintar sobre paneles en Toscana.

La pintura de 1,67 x 0,87 metros se realizó con pintura al temple sobre un panel de madera. La pintura al temple consiste en mezclar los colores secos en polvo con yema de huevo, ligeramente diluida con ácido acético o agua, en lugar de mezclar los colores con aceite o barniz como en el caso de la pintura al óleo. Los colores así mezclados generalmente se colocan sobre una base de yeso, aunque se pueden usar otros fondos.

La mujer representada en Fortitude podría ser Lucrezia Donati .

Composición

A primera vista, la mirada se dirige al punto más iluminado de la pintura: el rostro de la Fortaleza. Su mirada se vuelve hacia abajo y lejos del observador y debido a esto, su expresión se percibe como pasiva y desinteresada. Este era un rasgo característico de las figuras femeninas de Botticelli. Es un contraste fascinante con el tema del título porque si ella representa la fuerza, ¿por qué expresa lo contrario? Esta obra, que es una de las siete virtudes , estaba destinada a colocarse en lo alto de una pared. Esto sería más alto que el nivel de los ojos del espectador, por lo que requeriría que mire hacia arriba. En la alineación de las siete pinturas de las virtudes , Fortaleza es la primera. Quizás su mirada esté destinada a vigilar literal y figurativamente las otras virtudes, así como a los espectadores. Sin fuerza, uno nunca puede imaginarse asumir las otras seis virtudes.

El color más llamativo de la obra es, obviamente, la túnica roja de Fortitude, que está tan elegantemente colgada de un hombro y colocada sobre su regazo. La pintura al temple es incapaz de producir los bordes duros y cortantes que se dan en la pintura al óleo, y esto debido a una propiedad muy notable, a saber, la transparencia comparativa de colores incluso opacos cuando se mezcla con yema de huevo. Por lo tanto, en algunos casos, uno puede encontrar una túnica pintada de la siguiente manera. El color rojo, más asociado con los extremos de la emoción; el amor apasionado, la ira, la rabia y la violencia pueden ser un símbolo de la fuerza que debemos tener para superar las dificultades. El contraste de los suaves y fluidos pliegues de su ropa con la dureza de su armadura metálica crea un juego interesante sobre temas de masculinidad versus feminidad. Parece ser majestuosa y delicada al mismo tiempo que mantiene el vigor y la valentía. La fuerza no es una cualidad subjetiva del sexo.

La perspectiva lineal de la pintura también se suma a la impresión regia de Fortaleza. Tenerla centrada, empujada hacia el plano de la imagen y bien iluminada enfoca al espectador únicamente en la virtud que representa. En la Italia primitiva, Fortuna era el nombre de la diosa que controlaba el destino de cada ser humano. Fortuna fue originalmente "la que trae", la diosa que permitió la fertilización de humanos, animales y plantas; así la adoraban las mujeres que deseaban embarazarse y los jardineros que buscaban cosechas abundantes. Aunque la complexión general de Fortitude es virtualmente perfecta, hay un elemento de su rostro que transmite algún tipo de dificultad. Esta es la decoloración que descansa debajo de sus ojos. Este ligero tinte azulado transmite al observador un mensaje de que la Fortaleza ha visto la desgracia. Agrega un elemento de humanismo que es identificable para cualquier transeúnte que ponga su mirada en esta pieza de Botticelli.

Sentido

Para una audiencia del siglo XV, las Siete Virtudes Celestiales representaban una combinación de influencias filosóficas y religiosas. Según Pseudo-Dionisio , uno de los primeros escritores cristianos, las Virtudes son "otorgadoras de gracia y valor", representan el "derramamiento de energía divina" y "poseen una virilidad inquebrantable". Durante el Renacimiento, se utilizó la alegoría de la doctrina cristiana de la salvación. Esto dio como resultado una aplicación más amplia de los sistemas filosóficos y las maravillas sociales. Botticelli era un admirador de ambas influencias. Sus obras abundan en sofisticadas reflexiones de su conocimiento y profunda apreciación de la literatura, incluyendo - además de Dante - la Biblia, Tito Livio , Ovidio , San Agustín , Boccaccio , Alberti y Poliziano . En el arte y la cultura renacentistas, las personificaciones que habían adquirido apariencias no clásicas durante la Edad Media fueron restauradas a formas clásicas, como la idealización de la figura humana, pero también conservó algunos aspectos de la imaginería medieval. El uso medieval de las virtudes diferenciadas (virtutes) fue reemplazado por el de la Virtud en general (con un recuerdo de la antigua virtus), personificada primero por Hércules, más tarde (c. 1510) ) como una figura femenina sentada o de pie sobre un bloque rectangular para enfatizar su estabilidad. Esta personificación exacta se puede ver en Bottice Virtud de Fortaleza de lli. Incluso mientras está sentada, Fortitude tiene un ligero contrapposto en su posición. El peso de la parte superior de su cuerpo se apoya en un brazo, mientras que también tiene un pie ligeramente desplazado hacia adelante que el otro. Esta postura crea una energía de movimiento hacia adelante que parece como si ella se levantara de su trono y se uniera al observador que la mira. La Virtud de Botticelli también destaca por los diferentes tipos de banco de mármol, con sus decoraciones grabadas más ricas.

Historia

El ciclo fue para la Sala del Tribunal de la Piazza della Signoria en Florencia. El Tribunale di Mercanzia era el organismo que resolvía las disputas comerciales entre los comerciantes florentinos y administraba justicia entre los gremios, conocidos como Arts. Más tarde, estos paneles se trasladarían a los Uffizi , cuando la riqueza y el patrimonio del poder judicial renacentista fueron absorbidos por la Cámara de Comercio en 1777. En el momento de su comisión en el siglo XV, la Mercanzia era de primordial importancia en la economía de Florencia. vida. Esto hizo que la comisión fuera extremadamente prestigiosa, y el trabajo fue buscado por muchos pintores. Las comprensibles protestas de Pollaiolo a la participación de Botticelli, contribuyeron a limitar la participación de Botticelli en la comisión a esta única figura. Botticelli pudo contar con la ayuda de Tommaso Soderini, uno de los comisionados de Mercanzia, y debido a su intrusión, el gremio de pintores enmendó sus estatutos para proteger a sus miembros de otras injerencias externas. Soderini fue uno de los miembros más destacados históricamente de una influyente familia patricia florentina y fue elegido gonfalonier de por vida en 1502.

Notas

Referencias

"Alegoría." Oxford Art Online: Grove Art Online. (2003). http://www.oxfordartonline.com/

"Fortaleza", Le Gallerie degli Uffizi. https://www.uffizi.it/en/artworks/fortitude .

Davidson, Gustav. "Las Virtudes Celestiales". Prairie Schooner 44 (2) (1970): 155-162.

Fry, Roger E. "Pintura al temple". The Burlington Magazine for Connoisseurs 7 (27) (1905): 175-176.

Lugli, Eemanuel. Cabezas metamórficas: una nota a pie de página sobre las virtudes de Mercanzia de Botticelli y Pollaiuolo. Vol. 37 (2017).

Monaghan, Patricia. "Fortuna". En The Book of Goddesses and Heroines, 110. Nueva York, Nueva York: Elsevier-Dutton, 1981.

Stapleford, Richard. "Vasari y Botticelli". Mitteilungen Des Kunsthistorischen Institutes en Florenz 39 (2) (1995): 397–408.

enlaces externos

• Sitio web del museo