Endre Rozsda - Endre Rozsda

Endre Rozsda
Endre Rozsda - autorretrato (1935) .jpg
Nacido ( 18/11/1913 ) 18 de noviembre de 1913
Fallecido 16 de septiembre de 1999 (16 de septiembre de 1999) (85 años)
París, Francia
Nacionalidad Húngaro, francés
Conocido por Pintura , dibujo , fotografía
Movimiento Surrealismo , abstracción lírica
Premios Premio Copley, 1964

Endre Rozsda ( húngaro : Rozsda Endre ; 18 de noviembre de 1913, Mohács - 16 de septiembre de 1999, París ) fue un pintor húngaro - francés .

Vida

La casa familiar en Mohács

Endre Rozsda nació en Mohács , una pequeña ciudad a lo largo del Danubio en Hungría. Los recuerdos de su infancia marcaron toda su obra artística. El método creativo que desarrolló lo ayudó a conjurar un mundo surrealista único basado en sus recuerdos:

Sin memoria y sin luz, tejo un tejido denso. Lo miro fijamente hasta que cobra vida y me devuelve la mirada, hasta que se levanta frente a mí. Es hora de que me haga cargo, arregle y evalúe. El tiempo es ese olvido brillante y multicolor donde las alegrías y los sufrimientos se convierten en perlas preciosas. Alrededor de las cuentas del tiempo, retuerzo la hiedra de mis propios recuerdos. No quiero evaluar ni explicar nada. Quiero entender. Apoyo la cabeza contra el tiempo y escucho lo que me dice.

Rechazando los planes de carrera de su familia, decidió convertirse en pintor a una edad temprana. Adquirió las habilidades básicas del oficio en la escuela de Vilmos Aba-Novák . Su primera exposición individual, realizada en la galería 'Tamás' a los 23 años (1936), fue un gran éxito. Los críticos elogiaron su trabajo y el Museo de Bellas Artes de Budapest compró uno de sus cuadros. "Rozsda es un gran talento asombroso. Pocos han pintado a ancianas y mendigos como él. ... En algunas de sus hermosas imágenes se teje un velo de niebla y luz, convirtiendo la realidad en una quimera melódica", escribió un crítico para Est. alabó el joven pintor.

Su etapa artística temprana, estrechamente ligada al postimpresionismo húngaro, llegó a su fin después de asistir a un concierto de Béla Bartók . A pesar de sus primeros éxitos, después de escuchar a Bartók llegó a comprender que "no soy mi propio contemporáneo". Con el escultor Lajos Barta se trasladó a París (1938), donde continuó sus estudios en la École de Louvre . Allí se hizo amigo de Árpád Szenes , Vieira da Silva y Françoise Gilot (más tarde compañera de Picasso durante una década), quien se convirtió en su alumna durante un tiempo. También conoció a Max Ernst y Alberto Giacometti . Su pensamiento sufrió un cambio fundamental y se acercó al surrealismo . Después de la ocupación alemana, se vio obligado a regresar a Budapest (1943) donde su estilo surrealista único maduró por completo ( Amor sagrado y profano , 1947; Musée des Beaux-Arts de Dijon ).

Después de la guerra, jugó un papel activo en el establecimiento de la Escuela Europea y mostró su trabajo regularmente en exposiciones colectivas. Según la historiadora del arte Krisztina Passuth, Endre Rozsda fue una de las figuras más destacadas de la Escuela Europea. En 1948 el grupo se disolvió porque el nuevo régimen no toleraba el arte surrealista abstracto. En los años siguientes Rozsda trabajó en ilustraciones de libros, pintó en secreto y, obviamente, no pudo mostrar su obra en público.

Tras la represión de la Revolución húngara de 1956 , regresó definitivamente a Francia. Entró en contacto con Raymond Queneau y André Breton , quienes escribieron una introducción para su exposición en la Galería 'Furstenberg' (1957). Participó en la Exposición Internacional de Surrealismo de Milán (1961). Unos años más tarde ganó el Copley-Prize (1964) de un jurado compuesto por Hans Arp , Roberto Matta , Max Ernst, Man Ray , Roland Penrose , Sir Herbert Read y Marcel Duchamp .

Endre Rozsda y Péter Esterházy en una inauguración en la Galería Várfok

Desde principios de la década de 1960, la obra de Rozsda experimentó otro cambio: las tensiones y armonías de las estructuras arquitectónicas y los colores arremolinados crearon un microcosmos ricamente detallado. En su esfuerzo por "controlar el tiempo" y disolver la realidad en su imaginación, continuó confiando en el surrealismo, aunque sus medios de expresión se caracterizaron cada vez más por la abstracción lírica.

En 1970 se convirtió en ciudadano francés. En 1979 instaló un estudio en Le Bateau-Lavoir y continuó trabajando allí hasta el final de su vida.

La última exposición a la que asistió en persona se celebró en la Galería Várfok y fue inaugurada por el escritor Péter Esterházy (1999):

Al igual que la naturaleza misma, estas imágenes son difíciles de revelar. Necesitan una mirada absorta, larga y silenciosa. (Lo que no…) Y aún así, hablan a primera vista. Obviamente, no dicen lo mismo, pero parecen tener una estructura melódica común. Y esta estructura melódica común - puede que me equivoque, y una vez más hablo abusivamente solo de mí mismo - es bastante anacrónica, no se ajusta a su época: parece que las imágenes de Rozsda dicen que el mundo es hermoso. Quizás esto sea precisamente surrealismo. ¿Surrealismo como actitud ética? "... Me gustaría envolver mis libros en estos lienzos, se sentirían bien ahí.

Rozsda está enterrada en el cementerio de Montmartre , París.

Del posimpresionismo al surrealismo (1932-1937)

Endre Rozsda recordó los inicios de la siguiente manera: "Comencé a aprender pintura en la Escuela Libre de Aba-Novák. Me convertí en su aprendiz. Esta fue la experiencia artística y humana más importante de toda mi vida. Fue un gran golpe de suerte que Aprendí que la pintura fuera de la Academia de Bellas Artes donde la formación era extremadamente académica en ese momento. Aba-Novák era un buen pintor, aunque lejos de ser revolucionario. Tenía una personalidad rica y libre ".

Zona de juegos - Los chicos de Paul Street (1934)

Aba-Novák y Rozsda a menudo pintaban al aire libre. Junto a su maestro, también trabajó en frescos que decoraban iglesias y monumentos públicos.

Sus pinturas de esa época se definen por una sensibilidad informada por el posimpresionismo. Inicialmente, pintó paisajes bañados por una luz solar mística y sutil, así como retratos finamente pintados compuestos con grandes manchas de color. Durante algún tiempo, en lugar de distanciarse de la representación naturalista, buscó la siguiente etapa de desarrollo y una visión personal aplicando un recorte atrevido y, después de paisajes suaves pastel, creando a veces sombríos y melancólicos, a veces vigorosos y vibrantes todavía. vidas. Los colores tenues fueron reemplazados gradualmente por expresivos rojos profundos, amarillos y púrpuras para crear tensiones. Una representación sensible de objetos y personas cotidianas fue reemplazada por formas sugerentes pintadas con un pincel ancho.

Tuvo su primera exposición individual a mediados de este período en la Galería Tamás, con una dedicatoria escrita por Aba-Novák. El diario de Budapest Pesti Napló dijo de Rozsda:

Tiene casi 22 años y es asombrosamente talentoso. Lleno de energía, sutiles tensiones, una saludable dosis de orgullo y un gran apetito por la experimentación… Claramente, tuvo una excelente escolaridad: bajo la tutela de Aba-Novák adquirió habilidades profesionales del más alto nivel. Dibuja, pinta, modela y compone con suprema confianza y despeja los obstáculos iniciales de hazañas emocionantes y salvajes con aparente facilidad. Su maestro tiene razón al afirmar que la visión pictórica desarrollada de Rozsda contradice su edad.

Con su estilo muy por delante de las tendencias académicas pero de este lado de la vanguardia, aparentemente todo estaba en su lugar para que se uniera a una de las corrientes artísticas populares en ese momento en Hungría. Fue entonces cuando se encontró con la influencia artística más importante de su vida que dejó un impacto radical en su pensamiento y obra.

El giro hacia el surrealismo (1938-1944)

Endre Rozsda - Autorretrato (1939) .jpg

Así recordó Rozsda este cambio: "Por pura casualidad, justo antes de mi viaje a París conocí a dos pintores, una pareja: Imre Ámos y Margit Anna. No tenía programa para la noche. Me invitaron a un concierto en la Academia. de Música. 'Bartók se presenta esta noche', decían. Bartók era solo un nombre para mí. No tenía ni idea de quién era. (...) Bartók tocó una de sus propias piezas con su esposa: Sonata compuesta para dos pianos y percusiones , creo que es una de las obras más importantes del siglo XX. Fue un estreno mundial. Donde me senté, tuve una excelente vista de las manos de Bartók. Estaba hipnotizado. Nunca había pensado que hubiera música fuera de Bach, Mozart y Mussorgsky. Me emborraché por completo con esa música. (...) Comprendí de inmediato que no soy mi propio contemporáneo ".

Endre Rozsda encontró una serie de nuevos impulsos en la capital francesa. "Después de llegar a París, devoré todo lo que se me cruzó en el camino", dijo más tarde. Con el escultor Lajos Barta alquila un estudio en Montparnasse. Al encontrarse en la vibrante cultura del café de finales de la década de 1930, pronto conoció a personas que lo ayudaron a convertirse en su "propio contemporáneo". Siguió un período de experimentación y auto-búsqueda, y en pocos años dejó atrás el posimpresionismo y adoptó un estilo no figurativo.

El rey de la verdad (1942)

Este proceso está bien ilustrado por su obra de esa época en la que la representación figurativa fue reemplazada gradualmente por la abstracción: Dos personas solas (1939), Emperador en el trono (1939-1940), Cama de manzana (1942), Un vaso de agua vigila el nacimiento de una oruga (1943), El rey de la verdad (1942).

Si bien no se unió a ningún grupo de artistas, su pensamiento y temperamento lo acercaron a los surrealistas. El estilo de pintura de Rozsda, desarrollado para traer recuerdos a la superficie y mostrar las conexiones ocultas de la mente, tenía una fuerte afinidad con el proyecto surrealista y las técnicas creativas surrealistas.

Después de que se vio obligado a abandonar Francia tras la ocupación alemana (1943), su pintura surrealista maduró por completo en Budapest. En ese momento Hungría estaba en guerra, las nuevas leyes privaron de sus derechos a los judíos húngaros y la mayoría de la sociedad apoyó a las fuerzas políticas e ideologías extremistas. La madre de Endre Rozsda fue deportada en 1944 y se ocultó para escapar de la persecución. Años antes ya perdió a su adorado padre, que se había suicidado durante la gran depresión.

Seguramente, las tragedias personales y los horrores experimentados endurecieron su determinación de descubrir mundos no dominados por las fuerzas históricas y las leyes de la naturaleza, sino por los poderes de la imaginación. En sus cuadros pintados en aquellos años el tiempo envuelve, como en un tejido rebosante de vida, las formas fosilizadas de la realidad transformadas en lo profundo del subconsciente. Los horrores de la guerra también aparecieron en sus lienzos: Danza de la muerte (1946-1947), Mis primeros pasos en el infierno (1947), Fantasma que regresa (1951), Niños mártires en el paraíso (1958). “Imágenes saturadas de colores incandescentes y oscuros que reflejan la angustia existencial de Rozsda y el drama histórico que lo rodeaba” dijo Françoise Gilot, quien también creía que este período representaba el “verdadero descenso al infierno” de Endre Rozsda.

Escuela europea (1945-1948)

En la Hungría de antes de la guerra, pocas personas mostraron interés por el arte abstracto y surrealista. Cuando, tras regresar de París en 1943, Rozsda mostró su obra, la crítica se confundió. "Otra muestra más abstracta. No hace mucho, con una exposición en 'Alkotás Művészház', dimos un vistazo rápido a la abstracción, es decir, una forma de arte desprovista de todo sentido de realidad y el pasatiempo de una generación pasada", uno de ellos escribió.

En este clima, algunos artistas decidieron establecer una nueva agrupación con el objetivo principal de adoptar las tendencias artísticas europeas contemporáneas y presentarlas al público húngaro. En la euforia que siguió a la liberación y la esperanza de un nuevo comienzo después de la guerra, tuvieron la libertad de dar conferencias públicas, crear arte y montar espectáculos regulares.

"Rozsda fue una de las figuras más destacadas de la Escuela Europea nacida en 1945", escribió la historiadora del arte, Krisztina Passuth. En cuanto a su tratamiento del espacio y el plano de la imagen, Passuth también trazó un paralelo entre los enfoques creativos de Rozsda y Max Ernst. En su opinión, eso era tanto más interesante cuanto que en esos años no habían visto el trabajo del otro. "Las composiciones de Rozsda parecen estar cubiertas por pequeñas pelusas, plumas o velos extremadamente delgados. Los motivos y partículas que se arremolinan, se desintegran y luego se recombinan funcionan a través de su movimiento, no hay contornos exactos, no hay principio ni fin", escribió.

Otras reseñas también señalan que en este período de su carrera las pinturas de Rozsda se caracterizaron por una asombrosa proliferación de temas, rayana en lo psicodélico. Puede que estemos presenciando los primeros momentos del nacimiento de nuevos universos o, a la inversa, la desaparición de galaxias antiguas: Vía Láctea (1945), Volando (1946), El lorgnette de mi abuela (1947).

El filósofo Béla Hamvas puede haberse referido a estas visiones cuando señaló: "Entre nuestros pintores surrealistas contemporáneos y jóvenes, la obra de Endre Rozsda ofrece la realización más rica de este movimiento artístico. (...) Hasta la fecha, han surgido dos puntos calientes. en sus obras: una es una fantasía onírica erótica y la otra, un punto focal estrechamente relacionado es algo que solo puede describirse vagamente con una metáfora universal. Podría caracterizarse mejor como un mundo único de aventuras / caballeros / trovadores con una variabilidad alucinante y vertiginoso avalancha de eventos ".

Años de proscripción (1949-1956)

Rajzoló Rozsda.jpg

Tras el establecimiento del régimen comunista, el arte no figurativo y surrealista fue incluido en la lista negra. La Escuela Europea se vio obligada a poner fin a sus actividades.

Así recuerda Rozsda este período de su vida: "Con el establecimiento del régimen comunista, los acontecimientos se aceleraron a una velocidad vertiginosa. En 1948 simplemente tuvimos que disolver el grupo. Nuestra última reunión se celebró en el Japan Café. Al día siguiente pusimos el siguiente anuncio en los periódicos: Un europeo fue asesinado en Japón. Ese fue el fin ”.

Si bien los artistas abstractos y surrealistas podían seguir trabajando en secreto y seguir su vocación, no podían exhibir su trabajo. Endre Rozsda se vio obligado a trabajar en ilustraciones de libros. Negada la oportunidad de pintar libremente, se refugió en el dibujo. En los cuadernos de bocetos que llevaba consigo, celebraba a la gente corriente de Hungría en la década de 1950: intelectuales, campesinos y gente del partido, figuras icónicas de la época. Estos dibujos elegantes y sensibles evocan el mundo de las salas de conciertos, baños, salas de audiencias, cooperativas agrícolas y hospitales, al mismo tiempo que expresan repulsión contra el régimen opresivo. Esto último está ilustrado por el juez sin rostro o el tono burlón de un autorretrato que oculta en parte una imagen de Stalin.

Autorretrato con Stalin (1950)

Durante todo este tiempo nunca dejó de hacer dibujos surrealistas, única oportunidad para satisfacer su urgente necesidad de reinterpretar la realidad ( Cuento surrealista , 1955). Sin embargo, le resultó cada vez más difícil aceptar las restricciones impuestas a su libertad artística. Un mes antes del estallido de la Revolución, el 13 de septiembre de 1956 firmó una petición conjunta con otros cinco artistas: "Hay algunos de nosotros en Hungría que nunca habíamos renunciado a nuestra convicción de que el arte del siglo XX tiene un significado significativo. misión cultural. Hemos seguido trabajando en las más duras condiciones. (...) Definimos al artista moderno como alguien que trabaja en el espíritu del siglo XX, creando una obra significativa en su estilo. Por ello, exigimos que la Federación cambie su política con respecto a nuestro trabajo. (...) Exigimos el derecho a mostrar nuestro trabajo en los lugares adecuados. Exigimos el derecho a expresar nuestros puntos de vista en todos los foros, poniendo fin a una situación en la que Hungría está artificialmente aislada del desarrollo del arte ".

Posteriormente, los firmantes montaron una exposición de su trabajo en el Museo Balassi de Esztergom titulada Hetek (Seven). Las autoridades (censores estatales) cerraron inmediatamente la exposición. Poco después, estalló la revolución.

El surrealismo como espacio de investigación (1957-1967)

Después de la represión de la Revolución Húngara en 1956, Endre Rozsda huyó a París. El director del Instituto Francés en Budapest lo ayudó a sacar sus pinturas del país de contrabando.

A los pocos meses mostró su trabajo en la Galería Furstenberg, uno de los espacios expositivos más destacados con artistas surrealistas. El prólogo de la exposición de 1957 fue escrito por André Breton, describiendo el arte de Rozsda con las siguientes palabras: "Tenemos la oportunidad de averiguar en las pinturas realizadas en secreto por Rozsda durante los últimos años, y qué buena fortuna le permitió traer consigo. He aquí el ejemplo supremo de lo que había que mantener oculto si se quería sobrevivir, y, igualmente, de la necesidad interior que había que arrebatarle a la coacción más vil. Aquí se enfrentan las fuerzas de la muerte y del amor. entre sí; bajo el magma de hojas ennegrecidas y alas rotas fuerzas irresistibles buscan una vía de escape para que la naturaleza y el espíritu humano se renueven a través del más suntuoso de los sacrificios, lo que exige la primavera para que pueda nacer. . "

La torre de Babel (1958-1961)

La exposición le valió al artista un reconocimiento considerable y en las imágenes vibrantes con detalles vertiginosos uno de los críticos celebró que a través de ellas el surrealismo vuelve a demostrar su lado más estridente y poderoso. En 1960 fue invitado a una exposición colectiva, Antagonism, y el prólogo del catálogo fue escrito por Herbert Reed.

Por esta época, Rozsda conoció al historiador del arte y quizás el coleccionista de arte surrealista más respetado, Arturo Schwarz , quien recordaba su encuentro de la siguiente manera: "André Breton me aconsejó descubrir 'este joven que tiene las claves de un mundo maravilloso Recuerdo sus palabras exactas, ya que el término 'maravilloso' tenía un significado muy especial para André ".

Gracias a esta conexión, una de las obras de Rozsda ( Windows ) se mostró en la Galleria Schwarz de Milán en una exposición surrealista internacional comisariada por André Breton en 1961.

En una entrevista dijo que para él el surrealismo representaba principalmente "un espacio de investigación" y un estímulo intelectual. Su segunda muestra en la Galería Furstenberg (1963) mostró los resultados de este trabajo exploratorio, aunque posteriormente su pintura dio otro giro y se desarrolló aún más en la dirección de la abstracción lírica. Después del turno, le preguntó a Breton si su trabajo aún podía considerarse surrealista. “Como sigue siendo tu percepción de la realidad, eres surrealista por necesidad”, así recordó Rozsda la respuesta de Breton.

En los años siguientes, el remolino psicodélico de motivos se transformó regularmente en estructuras arquitectónicas en sus pinturas. Si bien estas estructuras no eran geométricas ni sistemáticas, apuntaban en la dirección de algún tipo de orden. La intención de Rozsda pudo haber sido reorganizar un mundo destrozado en un sistema, construido sobre las tensiones y armonías de color y forma, donde las reglas del espacio tridimensional convencional ya no se aplican y donde, como resultado, el horizonte del tiempo puede estar representado también. Los ejemplos incluyen Headlong into a dream (1960), The Tower of Babel (1958-1961) y Saphirogramme (1969).

Más allá del surrealismo (1968-1999)

Por la evidencia de sus escritos, Endre Rozsda estaba principalmente preocupado por el problema de capturar el tiempo a través de la pintura. Tiempo que puede ser experimentado y explorado por la mente subjetiva.

"Para Rozsda, la subjetividad representaba más que la representación de las emociones, de alguna manera quería capturar la conciencia misma a través de la pintura, el proceso durante el cual el ser humano crea su propio mundo. De acuerdo con esto, la representación pictórica del tiempo - representando el tiempo pasado y el tiempo insondable - en lugar de la representación del espacio en perspectiva, se convirtió en el otro principio rector de la pintura de Rozsda. La "técnica" de pintura de Rozsda - la estructura no figurativa de las pinturas y su rotación durante el proceso de trabajo, que elimina la ilusión de espacio real mientras reteniéndolo misteriosamente también (en muchas piezas y en sus detalles), también apunta en esta dirección del espacio y el tiempo surrealistas ”, explica el historiador del arte, Sándor Hornyik.

Desde principios de la década de 1970, sus pinturas presentan más detalles que nunca. Al recordar sus primeras aventuras con la fotografía cuando era niño, reveló: “Desde los 15 o 16 años, desarrollé e imprimí mis propias imágenes. Poco a poco, comencé a sentir una doble atracción: tomé fotos a toda prisa y me apresuré a revelar la película. Me di cuenta de que la cámara actúa como una lupa, que con todos los detalles crea imágenes extremadamente hermosas, al menos para mí. Creo que esta es la base de mi pintura. El deseo de crear detalles sigue ahí ".

Hommage à Stravinsky (1976)

En consecuencia, construyó imágenes permitiendo que los pequeños detalles se reorganicen en variaciones aleatorias, en la mente del espectador. Endre Rozsda tenía la ambición de hacer que el espectador fuera parte del proceso creativo. Para llegar a ese fin, desarrolló un método en el que primero divide el mundo en una variedad infinita de componentes, algunos figurativos, otros abstractos, y luego permite que cada espectador los use como bloques de construcción y construya una nueva totalidad a lo largo de su visión. , libre asociación e imaginación. El surrealismo ofreció a Rozsda la herramienta para dar representación pictórica a sus recuerdos y fantasías personales, pero apuntó a algo más: quiso hacer del espectador su colaborador cuya mirada ayuda a recrear un mundo atomizado y deconstruido.

Al parecer, fue entonces cuando también descubrió un lenguaje pictórico que le permitió representar cuestiones ontológicas fundamentales. Desde principios de la década de 1970 pintó una serie de grandes imágenes metafísicas: El eterno secreto del ser (1971), Símbolo místico (1974), Dios (1976), Iniciación (1976), Tú explicas a tu Dios (1980). Estas imágenes representan un ambicioso esfuerzo por ilustrar con medios pictóricos los reinos de la existencia inaccesibles para la razón e inexpresables por el lenguaje.

"Poco a poco a lo largo de los años, el lenguaje visual se atomiza, estratifica y se desarrolla. Se puede decir que hay una fragmentación del espacio sensorial y su paulatina sustitución por un espacio-tiempo existencial y personal, que sin duda evoca la de Proust . Recuerdo de cosas pasadas . En las últimas obras el lenguaje del pintor se estiliza cada vez más. Los colores y las formas existen cada vez más en sí mismos y para sí mismos. Los elementos subjetivos que surgen de la memoria personal son reemplazados por imperativos de naturaleza iniciática y metafísica ", Françoise Gilot escribió en su análisis, agregando que estas composiciones cada vez más cerradas requieren tiempo y paciencia por parte del espectador para revelar su profunda riqueza.

Endre Rozsda dijo lo siguiente en este contexto: “A quienes miran mi trabajo, les pido que lo aborden con el tipo de atención y contemplación que les di a las cosas nuevas cuando era niño, que se tomen el tiempo de encontrar su camino hacia los cuadros que te ofrezco y pasear por ellos ".

Obras gráficas

En su estudio de la obra gráfica de Rozsda, destacado estudioso del surrealismo, Sarane Alexandrian partió de la premisa de que, a diferencia de otros artistas en los que el dibujo y la pintura se entrelazan, Endre Rozsda "es un artista en un doble sentido. En su caso, el dibujante y el pintor son casi dos personas diferentes. Trabajan en mundos paralelos, creando ambos universos visuales distintos sin que uno se conecte con el otro ".

Cuento surrealista (1955)

De hecho, este arco de transformación que llevó a la pintura de Rozsda del postimpresionismo y el surrealismo a la abstracción lírica no se encuentra en su obra gráfica. Esta parte de sus obras constituye un reino separado creado en su totalidad por una sensibilidad descrita como surrealista por Breton en esa famosa conversación. A lo largo de su carrera, Rozsda realizó dibujos figurativos y abstractos y, a menudo, una combinación única de los dos, aunque esta variabilidad en el tema y la técnica no contradice la constatación de que esta parte de sus obras está inspirada en la misma ambición surrealista dirigida a la liberación de la imaginación y la representación de los ocupantes ocultos de la mente. Esto es así incluso cuando crea con facilidad dibujos sutiles compuestos en un ritmo lúdico de formas simples y con referencias sensuales, o cuando da vida a fantasías inquietantes y inquietantes pobladas por seres imaginarios con extraordinaria precisión.

Al estudiar las diferencias entre las pinturas y los dibujos de Rozsda, Sarane Alexandrian descubrió otra característica intrigante. En algunos "de los dibujos encontramos una cualidad que no se ve en sus pinturas, o que se esconde con tal perfección que la hace invisible a primera vista: el humor. Con una simple línea del lápiz o la pluma, Rozsda es capaz de burlarse de varios aspectos de la vida". realidad observada. (...) En la mayoría de los casos, su sentido del humor trabaja en el mundo de la imaginación, le gusta crear formas humanas impactantes: una figura con boca de trompeta cuyo pecho y muslos están cubiertos de pechos femeninos. mujer grotesca en forma de trapecio que se asemeja a Mama Ubu. Su retrato masculino, que muestra a un hombre con la boca abierta bostezando (¿o gritando?) con arrugas en forma de círculo alrededor del mentón, es a la vez trágico y cómico ". Alexandrian llega a la siguiente conclusión: "Este artista se atreve a ser ambiguo y arriesgarse donde confluyen el dolor y el placer, la risa y el terror".

Trabajo fotográfico

Un autorretrato de superposición de 1978

Además de la pintura y las artes gráficas, Endre Rozsda también dejó su huella en la fotografía. Uno de sus primeros grabados que se conservan es un autorretrato realizado a los 14 años, que presagia su futuro trabajo fotográfico y estilo pictórico. En esta fotografía sorprendentemente compleja tomada en 1927 desaparece la profundidad espacial, aparecen formas distintas en un solo plano, incluido el retrato de la joven Rozsda, capturado a través de reflejos.

Cuando era joven, hizo una gran cantidad de fotografías documentales, y más tarde se preocupó principalmente por objetos tan mundanos como flores marchitas filtradas a través de una iluminación inusual o imágenes superpuestas. Sin embargo, el sujeto fotografiado con más frecuencia fue él mismo; a lo largo de su carrera realizó autorretratos en los que a menudo se representaba a sí mismo de múltiples formas.

A diferencia de sus pinturas, sus fotografías tampoco muestran cambios estilísticos dramáticos. Lo mismo lo inspiró a lo largo de su vida: la creación de nuevas imágenes a través de una observación cercana de los detalles y una combinación de varios componentes visuales. En consecuencia, a menudo fotografiaba reflejos, escaparates y escaparates. A menudo, expuso el mismo fotograma varias veces, en muchos casos girando la cámara 90 o 180 grados. De todas sus imágenes con múltiples exposiciones, destacan las que combinan una de sus pinturas con los árboles y las casas que rodean su estudio.

Estas fotografías del tipo "visión dentro de una visión" parecen ser intentos de capturar el momento fugaz de transfiguración entre la realidad natural y pictórica.

En su testamento, Rozsda dejó gran parte de sus fotografías, negativos fotográficos y transparencias en el Museo de Fotografía de Hungría.

Referencias

Otras lecturas

enlaces externos