Contrabajo - Double bass

Contrabajo
AGK bass1 full.jpg
Vistas laterales y frontales de un contrabajo moderno con un arco de estilo francés
Instrumento de cuerda
Otros nombres Bajo, contrabajo, bajo de cuerda, bajo acústico, bajo de cuerda acústico, contrabajo, viola contrabajo, viola contrabajo, violín bajo, contrabajo, violín, contrabajo y violín bajo
Clasificación Instrumento de cuerda ( arqueado o punteado )
Clasificación de Hornbostel-Sachs 321,322 a 71
(Compuesto chordophone sonado por un arco )
Desarrollado Siglo XV-XIX
Rango de juego
Range contrabass.png
Instrumentos relacionados
Músicos
Muestra de sonido
Muestra de un contrabajo tocando una línea de bajo andante.

El contrabajo , también conocido simplemente como bajo (o por otros nombres ), es el instrumento de cuerda con arco (o punteado ) más grande y de tono más bajo en la orquesta sinfónica moderna (excluyendo adiciones poco ortodoxas como el octobass ). Similar en estructura al violonchelo, tiene cuatro, aunque ocasionalmente cinco, cuerdas.

El bajo es un miembro estándar de la sección de cuerdas de la orquesta , así como de la banda de conciertos , y aparece en conciertos , solistas y música de cámara en la música clásica occidental . El bajo se utiliza en una variedad de otros géneros, como jazz , blues y rock and roll al estilo de los años 50 , rockabilly , psychobilly , música country tradicional , bluegrass , tango y música folclórica .

El bajo es un instrumento de transposición y normalmente se anota una octava más alto que afinado para evitar líneas de libro excesivas debajo del pentagrama. El contrabajo es el único instrumento moderno de cuerda con arco que se afina en cuartas (como un bajo o una viola ), en lugar de quintas, con cuerdas normalmente afinadas en Mi 1 , La 1 , Re 2 y Sol 2 .

El linaje exacto del instrumento es todavía un tema de debate, con los estudiosos divididos sobre si el bajo se deriva de la viola o de la familia del violín .

El contrabajo se toca con un arco (arco), punteando las cuerdas ( pizzicato ), o mediante una variedad de técnicas extendidas . En el repertorio orquestal y la música de tango se emplean tanto el arco como el pizzicato. En jazz, blues y rockabilly, el pizzicato es la norma. La música clásica y el jazz utilizan el sonido natural producido acústicamente por el instrumento, al igual que el bluegrass tradicional . En funk, blues, reggae y géneros relacionados, el contrabajo a menudo se amplifica .

Descripción

Ellen Andrea Wang actuando en el Festival de Jazz de Oslo

El contrabajo mide alrededor de 180 cm (6 pies) desde el desplazamiento hasta el final. Sin embargo, hay otros tamaños disponibles, como 12 o 34 , que sirven para adaptarse a la altura y el tamaño de la mano de un jugador. Estos tamaños no reflejan el tamaño relativo a un tamaño completo o 44 de bajo; un bajo de 12 no tiene la mitad de la longitud de un bajo de 44 , pero es solo un 15% más pequeño. Por lo general, se construye con varios tipos de madera, incluido el arce para la parte posterior, el abeto para la tapa y el ébano para el diapasón. No se sabe si el instrumento es descendiente de la viola da gamba o del violín, pero tradicionalmente está alineado con la familia del violín. Mientras que el contrabajo es casi idéntica en construcción a otros instrumentos de la familia del violín, sino que también incorpora características que se encuentran en el viejo viol familia.

Las notas de las cuerdas abiertas son E 1 , A 1 , D 2 y G 2 , lo mismo que un bajo acústico o eléctrico . Sin embargo, la resonancia de la madera, combinada con la construcción similar a un violín y la longitud de escala larga le da al contrabajo un tono mucho más rico que el bajo, además de la capacidad de usar un arco, mientras que el diapasón sin trastes acomoda glissandos suaves y legatos .

Estilo de juego

Al igual que otros violines y instrumentos de cuerda de la familia de los violines, el contrabajo se toca con un arco (arco) o punteando las cuerdas ( pizzicato ). Al emplear un arco, el jugador puede usarlo tradicionalmente o golpear la madera del arco contra la cuerda. En el repertorio orquestal y la música de tango se emplean tanto el arco como el pizzicato. En jazz, blues y rockabilly, el pizzicato es la norma, a excepción de algunos solos y partes escritas ocasionales en el jazz moderno que requieren una reverencia.

En la pedagogía clásica, casi todo el enfoque está en tocar con el arco y producir un buen tono de arco; Se ha realizado poco trabajo para desarrollar habilidades importantes de pizzicato. Las notas arqueadas en el registro más bajo del instrumento producen un efecto oscuro, pesado, poderoso o incluso amenazante, cuando se tocan con una dinámica de fortissimo; sin embargo, los mismos tonos bajos tocados con un pianissimo delicado pueden crear una línea de acompañamiento suave y sonora. Los estudiantes de bajo clásico aprenden todas las diferentes articulaciones de arco utilizadas por otros intérpretes de la sección de cuerdas (p. Ej., Violín y violonchelo ), como détaché , legato , staccato , sforzato , martelé (estilo "martillado"), sul ponticello , sul tasto , tremolo , spiccato y salteado . Algunas de estas articulaciones se pueden combinar; por ejemplo, la combinación de sul ponticello y tremolo puede producir sonidos espeluznantes y fantasmales. Los bajistas clásicos tocan partes de pizzicato en orquesta, pero estas partes generalmente requieren notas simples (negras, medias notas, notas completas), en lugar de pasajes rápidos.

El contrabajo es un instrumento estándar en los grupos de bluegrass.

Los músicos clásicos interpretan notas arqueadas y pizz usando vibrato , un efecto creado al balancear o temblar el dedo de la mano izquierda que está en contacto con la cuerda, que luego transfiere una ondulación en el tono al tono. El vibrato se usa para agregar expresión a la ejecución de cuerdas. En general, los pasajes muy fuertes y de registro bajo se reproducen con poco o ningún vibrato, ya que el objetivo principal con los tonos bajos es proporcionar un bajo fundamental claro para la sección de cuerdas . Las melodías de registros medios y agudos normalmente se tocan con más vibrato. El intérprete varía la velocidad y la intensidad del vibrato para lograr un efecto emocional y musical.

En el jazz , el rockabilly y otros géneros relacionados, gran parte o todo el enfoque está en tocar pizzicato. En el jazz y el jump blues , los bajistas deben tocar líneas de bajo rápidas de pizzicato caminando durante períodos prolongados. Los bajistas de jazz y rockabilly desarrollan técnicas virtuosas de pizzicato que les permiten tocar solos rápidos que incorporan figuras de tresillos y semicorcheas de movimiento rápido. Las líneas de bajo pizzicato interpretadas por los principales profesionales del jazz son mucho más difíciles que las líneas de bajo pizzicato que los bajistas clásicos encuentran en la literatura orquestal estándar, que son típicamente notas enteras, medias notas, negras y ocasionales corcheas. En el jazz y estilos relacionados, los bajistas a menudo agregan " notas fantasma " semipercusivas en las líneas de bajo, para agregar a la sensación rítmica y para agregar rellenos a una línea de bajo.

El contrabajista se para, o se sienta en un taburete alto, y apoya el instrumento contra su cuerpo, ligeramente girado hacia adentro para poner las cuerdas cómodamente a su alcance. Esta postura es una razón clave para los hombros inclinados del bajo, que lo distinguen de los otros miembros de la familia del violín: los hombros más estrechos facilitan tocar las cuerdas en sus registros más altos.

Historia

Algunos de los primeros bajos fueron conversiones de violones existentes. Esta pintura de 1640 muestra un violón tocado.

El contrabajo generalmente se considera un descendiente moderno de la familia de instrumentos de cuerda que se originó en Europa en el siglo XV y, como tal, se ha descrito como un violín bajo. Antes del siglo XX, muchos contrabajos tenían solo tres cuerdas, en contraste con las cinco a seis cuerdas típicas de los instrumentos de la familia de la viola o las cuatro cuerdas de los instrumentos de la familia del violín. Las proporciones del contrabajo son diferentes a las del violín y el violonchelo; por ejemplo, es más profundo (la distancia de adelante hacia atrás es proporcionalmente mucho mayor que la del violín). Además, mientras que el violín tiene hombros abultados, la mayoría de los contrabajos tienen hombros tallados con una pendiente más aguda, como los miembros de la familia de las violas. A muchos contrabajos muy antiguos se les han cortado o inclinado los hombros para ayudar a tocar con técnicas modernas. Antes de estas modificaciones, el diseño de sus hombros estaba más cerca de los instrumentos de la familia del violín.

El contrabajo es el único instrumento moderno de cuerda con arco que se afina en cuartas (como una viola), en lugar de quintas (ver Afinación a continuación). El linaje exacto del instrumento es todavía un tema de debate, y la suposición de que el contrabajo es un descendiente directo de la familia de la viola es algo que no se ha resuelto por completo.

En su A New History of the Double Bass , Paul Brun afirma que el contrabajo tiene su origen como el verdadero bajo de la familia del violín . Afirma que, si bien el exterior del contrabajo puede parecerse a la viola da gamba, la construcción interna del contrabajo es casi idéntica a los instrumentos de la familia del violín y muy diferente de la estructura interna de las violas.

El profesor de contrabajo Larry Hurst sostiene que "el contrabajo moderno no es un verdadero miembro de la familia del violín o del violín". Dice que "probablemente su primera forma general fue la de un violone, el miembro más grande de la familia de las violas. Algunos de los primeros bajos existentes son violones (incluidos los orificios de sonido en forma de C) que han sido equipados con adornos modernos". Algunos instrumentos existentes, como los de Gasparo da Salò , se convirtieron a partir de un violon de contrabajo de seis cuerdas del siglo XVI .

Terminología

El bajista de jazz Ron Carter en la foto tocando con su Cuarteto en "Altes Pfandhaus" en Colonia.

Una persona que toca este instrumento se llama "bajista", "contrabajista", "contrabajista", "contrabajista" o "bajista". Los nombres contrabajo y contrabajo se refieren al rango del instrumento y usan una octava más baja que el violonchelo (es decir, doblando en violonchelo). Los términos para el instrumento entre los intérpretes clásicos son contrabajo (que proviene del nombre italiano del instrumento, contrabbasso), bajo de cuerda (para distinguirlo de los instrumentos de metal bajo en una banda de concierto , como tubas ) o simplemente bajo .

En el jazz , el blues , rockabilly y otros géneros fuera de la música clásica, este instrumento se llama comúnmente el bajo vertical , bajo de pie o bajo acústico , para distinguirla de la (generalmente eléctrico) bajo eléctrico . En la música folk y bluegrass , el instrumento también se conoce como "violín bajo" o "violín bajo" (o más raramente como "bajo de perro" o "violín"). Como miembro de la familia de instrumentos del violín, la construcción del bajo vertical es bastante diferente a la del bajo acústico , ya que este último es un derivado del bajo eléctrico y, por lo general, se construye como una variante más grande y resistente de una guitarra acústica .

El contrabajo a veces se llama confusamente violón , violín bajo o viola bajo . Otros nombres o apodos coloridos se encuentran en otros idiomas. En húngaro, el contrabajo se llama nagybőgő , que se traduce aproximadamente como "gran pregonero", en referencia a su gran voz. En Brasil, específicamente en la región noreste, también se le llama rabecão , que significa "gran rabeca ". La rabeca (o rabeca chuleira) es un tipo de violín del noreste de Brasil y el norte de Portugal utilizado en la música forró brasileña. La rabeca desciende del rabino medieval .

Diseño

Ejemplo de contrabajo en forma de Busetto: remake de un Matthias Klotz (1700) de Rumano Solano
Partes principales del contrabajo

En general, hay dos enfoques principales para la forma del contorno del diseño del contrabajo: la forma del violín (que se muestra en la imagen etiquetada en la sección de construcción); y la forma de viola da gamba (que se muestra en la imagen del encabezado de este artículo). También se puede encontrar un tercer diseño menos común, llamado forma busetto , al igual que la forma aún más rara de guitarra o pera . La parte posterior del instrumento puede variar desde una parte posterior redonda, tallada similar a la del violín, hasta una parte posterior plana y en ángulo similar a la familia de violines.

El contrabajo presenta muchas partes que son similares a los miembros de la familia del violín, incluido un puente de madera tallado para sostener las cuerdas, dos orificios en F , un cordal en el que se insertan los extremos de bola de las cuerdas (con el cordal anclado alrededor el soporte de la clavija ), un rollo ornamental cerca de la clavija, una tuerca con ranuras para cada cuerda en la unión del diapasón y la clavija y un poste de sonido robusto y grueso , que transmite las vibraciones desde la parte superior del instrumento al cuerpo hueco. y soporta la presión de la tensión de la cuerda. A diferencia del resto de la familia del violín, el contrabajo todavía refleja influencias de la familia de instrumentos de la viola y puede considerarse parcialmente derivada de ella, en particular el violón , el bajo más grave y de tono más grave de la familia de la viola. Por ejemplo, el bajo se afina en cuartos, como una viola, en lugar de quintos, que es el estándar en el grupo de violines. Además, observe que los 'hombros' se encuentran con el cuello en una curva, en lugar del ángulo agudo que se ve entre los violines. Al igual que con los otros instrumentos de la familia de violines y violines que se tocan con un arco (y a diferencia de los instrumentos principalmente punteados o pellizcados como la guitarra), el puente del contrabajo tiene una forma curva en forma de arco. Esto se hace porque con los instrumentos de arco, el jugador debe poder tocar cuerdas individuales. Si el contrabajo tuviera un puente plano, sería imposible inclinar las cuerdas A y D individualmente.

El contrabajo también se diferencia de los miembros de la familia del violín en que los hombros suelen estar inclinados y la parte posterior a menudo en ángulo (ambos para permitir un acceso más fácil al instrumento, particularmente en el rango superior). Los afinadores de máquina siempre están equipados, a diferencia del resto de la familia de violines, donde las tradicionales clavijas de fricción de madera siguen siendo el medio principal de afinación. La falta de estandarización en el diseño significa que un contrabajo puede sonar y verse muy diferente de otro.

Construcción

El contrabajo tiene la construcción más cercana a los violines, pero tiene algunas similitudes notables con el violone ("viola grande"), el miembro más grande y de tono más bajo de la familia de las violas. Sin embargo, a diferencia del violón, el diapasón del contrabajo no está retenido y el contrabajo tiene menos cuerdas (el violón, como la mayoría de las violas, generalmente tenía seis cuerdas, aunque algunos ejemplares tenían cinco o cuatro). El diapasón está hecho de ébano en instrumentos de alta calidad; en instrumentos para estudiantes menos costosos, se pueden usar otras maderas y luego pintarlas o teñirlas de negro (un proceso llamado "ebonización"). El diapasón está redondeado usando una curva, por la misma razón que el puente es curvo: si el diapasón y el puente fueran planos, entonces un bajista no podría inclinar las dos cuerdas internas individualmente. Al usar un puente curvo y un diapasón curvo, el bajista puede alinear el arco con cualquiera de las cuatro cuerdas y tocarlas individualmente. A diferencia del violín y la viola, pero al igual que el violonchelo, el diapasón del bajo está algo aplanado debajo de la cuerda E (la cuerda C en el violonchelo), esto se conoce comúnmente como bisel Romberg . La gran mayoría de diapasones no pueden ser ajustados por el ejecutante; cualquier ajuste debe ser realizado por un luthier. Un número muy reducido de bajos costosos para profesionales tienen diapasones ajustables, en los que se puede utilizar un mecanismo de tornillo para subir o bajar la altura del diapasón.

Una distinción importante entre el contrabajo y otros miembros de la familia del violín es la construcción del clavijero y el mecanismo de afinación. Si bien el violín, la viola , cello y todas utilización de fricción clavijas para los ajustes de sintonización (apretar y aflojar la tensión de la cuerda para subir o bajar el tono de la cadena), el contrabajo de metal tiene cabezales de máquinas y engranajes. Uno de los desafíos con las clavijas de afinación es que la fricción entre la clavija de madera y el orificio de la clavija puede volverse insuficiente para mantener la clavija en su lugar, particularmente si el orificio de la clavija se desgasta y agranda. La tecla de la máquina de afinación de un contrabajo hace girar un gusano de metal , que acciona un tornillo sin fin que enrolla la cuerda. Al girar la llave en una dirección se aprieta la cuerda (elevando así su tono); girar la llave en la dirección opuesta reduce la tensión en la cuerda (bajando así su tono). Si bien este desarrollo hace que los afinadores finos en el cordal (importante para los que tocan el violín, la viola y el violonchelo, ya que sus instrumentos usan clavijas de fricción para ajustes importantes del tono) son innecesarios, un número muy pequeño de bajistas los usa. Una razón para usar afinadores finos en el bajo es que para los instrumentos con la extensión de C bajo, el sistema de poleas para la cuerda larga puede no transferir efectivamente los giros de la tecla en cambios de tensión / tono de la cuerda. En la base del contrabajo hay una varilla de metal con un extremo de goma o con púas llamado endpin, que descansa sobre el piso. Este endpin es generalmente más grueso y más robusto que el de un violonchelo, debido a la mayor masa del instrumento.

Los materiales que se utilizan con más frecuencia en la construcción de contrabajo para bajos totalmente tallados (el tipo utilizado por los bajistas y solistas de orquesta profesionales) son el arce (espalda, mástil, nervaduras), abeto (tapa) y ébano (diapasón, cordal). El cordal puede estar hecho de otros tipos de madera o materiales que no sean de madera. Los bajos menos costosos se construyen típicamente con tapas, respaldos y nervios laminados ( madera contrachapada ), o son modelos híbridos producidos con respaldos y costados laminados y tapas de madera maciza tallada. Algunos bajos de precio bajo a medio de la era 2010 están hechos de sauce , los modelos de estudiantes construidos con fibra de vidrio se produjeron a mediados del siglo XX y algunos bajos (generalmente bastante caros) se han construido con fibra de carbono .

Esta foto muestra el poste de sonido grueso en un contrabajo (en un círculo verde).

Los bajos laminados (contrachapados), que se utilizan ampliamente en escuelas de música, orquestas juveniles y en entornos de música popular y folclórica (incluidos rockabilly , psychobilly , blues , etc.), son muy resistentes a la humedad y al calor, así como al abuso físico. tienden a encontrarse en un ambiente escolar (o, para músicos de blues y folk, a los peligros de hacer giras y actuar en bares). Otra opción es el bajo de cuerpo híbrido, que tiene un respaldo laminado y una tapa de madera tallada o maciza. Es menos costoso y algo menos frágil (al menos en lo que respecta a su parte posterior) que un bajo totalmente tallado.

La barra de sonido y la barra de graves son componentes de la construcción interna. Todas las partes de un contrabajo están pegadas, excepto la barra de sonido, el puente y el cordal, que se mantienen en su lugar mediante la tensión de las cuerdas (aunque la barra de sonido generalmente permanece en su lugar cuando las cuerdas del instrumento se aflojan o quitan, siempre que el bajo se mantiene boca arriba. Algunos luthiers recomiendan cambiar solo una cuerda a la vez para reducir el riesgo de que la barra de sonido se caiga). Si la barra de sonido se cae, se necesita un luthier para volver a colocar la barra de sonido en su lugar, ya que esto debe hacerse con herramientas insertadas en los agujeros F; Además, la ubicación exacta de la barra de sonido debajo del puente es esencial para que el instrumento suene lo mejor posible. Los puentes básicos están tallados en una sola pieza de madera, que se personaliza para que coincida con la forma de la parte superior de cada instrumento. Los puentes menos costosos en los instrumentos de los estudiantes pueden personalizarse simplemente lijando los pies para que coincidan con la forma de la parte superior del instrumento. Un puente en el instrumento de un bajista profesional puede ser tallado por un luthier.

Es más probable que los bajistas profesionales tengan puentes ajustables, que tienen un mecanismo de tornillo de metal. Esto permite al bajista subir o bajar la altura de las cuerdas para adaptarse a las condiciones cambiantes de humedad o temperatura. Las máquinas de afinación de metal están unidas a los lados del clavijero con tornillos de metal. Si bien los mecanismos de afinación generalmente difieren de los instrumentos de cuerda orquestales de tonos más altos, algunos bajos tienen clavijas de afinación ornamentales no funcionales que se proyectan desde el costado del clavijero, a imitación de las clavijas de afinación de un violonchelo o violín.

Los famosos fabricantes de contrabajos provienen de todo el mundo y, a menudo, representan diversas características nacionales. Los instrumentos más buscados (y caros) provienen de Italia e incluyen bajos hechos por Giovanni Paolo Maggini , Gasparo da Salò , la familia Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Paulo Antonio), Celestino Puolotti y Matteo Goffriller . Los jugadores también buscan bajos franceses e ingleses de fabricantes famosos.

Instrumentos de viaje

A partir de 2010, varios fabricantes fabrican instrumentos de viaje, que son contrabajos que tienen características que reducen el tamaño del instrumento para que cumpla con los requisitos de viaje de las aerolíneas. Los bajos de viaje están diseñados para músicos en gira. Un tipo de bajo de viaje tiene un cuerpo mucho más pequeño de lo normal, pero conserva todas las características necesarias para tocar. Si bien estos instrumentos de cuerpo más pequeño parecen similares a los bajos eléctricos verticales , la diferencia es que los bajos de viaje de cuerpo pequeño todavía tienen una cámara de sonido acústica hueca bastante grande, mientras que muchos EUB son de cuerpo sólido o solo tienen una cámara hueca pequeña. Un segundo tipo de bajo de viaje tiene un cuello con bisagras o extraíble y un cuerpo de tamaño regular. El cuello con bisagras o extraíble hace que el instrumento sea más pequeño cuando se embala para su transporte.

Instrumentos de cuerda

Detalle del puente y cuerdas
Cuerdas de tripa

La historia del contrabajo está estrechamente relacionada con el desarrollo de la tecnología de cuerdas, ya que fue el advenimiento de las cuerdas de tripa sobrebobinadas , lo que primero hizo que el instrumento fuera más practicable en general, ya que las cuerdas enrolladas o sobrebobinadas alcanzan notas bajas dentro de un diámetro total de cuerda menor que el de las cuerdas. cuerdas no enrolladas. El profesor Larry Hurst sostiene que "si no hubiera sido por la aparición de la cuerda de tripa enrollada en la década de 1650, el contrabajo seguramente se habría extinguido". porque los espesores necesarios para las cuerdas de tripa regular hicieron que las cuerdas de tono más bajo fueran casi imposibles de tocar y obstaculizaron el desarrollo de una ejecución fluida y rápida en el registro más bajo.

Antes del siglo XX, las cuerdas de contrabajo solían estar hechas de catgut ; sin embargo, el acero lo ha reemplazado en gran medida, porque las cuerdas de acero mantienen mejor su tono y producen más volumen cuando se tocan con el arco. Las cuerdas de tripa también son más vulnerables a los cambios de humedad y temperatura, y se rompen más fácilmente que las cuerdas de acero.

Hoy en día, los bajistas que tocan en conjuntos barrocos , bandas de rockabilly , bandas de blues tradicionales y bandas de bluegrass utilizan principalmente las cuerdas de tripa . En algunos casos, la E baja y la A están enrolladas en plata, para darles masa adicional. Las cuerdas de tripa proporcionan el sonido oscuro y "retumbante" que se escucha en las grabaciones de las décadas de 1940 y 1950. El difunto Jeff Sarli, un bajista erguido de blues, dijo que "A partir de la década de 1950, comenzaron a reajustar los mástiles de los bajos para las cuerdas de acero". Los bajistas de rockabilly y bluegrass también prefieren la tripa porque es mucho más fácil realizar el estilo de bajo vertical " abofeteado " (en el que las cuerdas se golpean con percusión y se golpean contra el diapasón) con cuerdas de tripa que con cuerdas de acero, porque la tripa no daña el punteo. dedos tanto. Una alternativa menos costosa a las cuerdas de tripa son las cuerdas de nailon; las cuerdas más altas son de nailon puro y las cuerdas inferiores son de nailon envuelto en alambre, para agregar más masa a la cuerda, ralentizando la vibración y facilitando así los tonos más bajos.

El cambio de tripa a acero también ha afectado la técnica de ejecución del instrumento durante los últimos cien años. Las cuerdas de acero se pueden colocar más cerca del diapasón y, además, las cuerdas se pueden tocar en posiciones más altas en las cuerdas inferiores y seguir produciendo un tono claro. El método clásico de Franz Simandl del siglo XIX no usa la cuerda E baja en posiciones más altas porque las cuerdas de tripa más antiguas, colocadas en lo alto del diapasón, no podían producir un tono claro en estas posiciones más altas. Sin embargo, con las cuerdas de acero modernas, los bajistas pueden tocar con un tono claro en posiciones más altas en las cuerdas E y A graves, particularmente cuando usan cuerdas modernas de acero de menor tensión y calibre más ligero.

Arcos

El arco de contrabajo viene en dos formas distintas (que se muestran a continuación). El arco "francés" o "por encima de la cabeza" es similar en forma e implementación al arco utilizado en los otros miembros de la familia de instrumentos de cuerda orquestales, mientras que el arco "alemán" o "mayordomo" es típicamente más ancho y más corto, y se sostiene en una posición de "apretón de manos" (o "sierra para metales").

Comparación de arcos francés (superior) y alemán

Estos dos arcos proporcionan diferentes formas de mover el brazo y distribuir la fuerza y ​​el peso sobre las cuerdas. Los defensores del arco francés argumentan que es más maniobrable, debido al ángulo en el que el jugador sostiene el arco. Los defensores del arco alemán afirman que permite al jugador aplicar más peso del brazo sobre las cuerdas. Sin embargo, las diferencias entre los dos son mínimas para un intérprete competente, y los intérpretes modernos de las principales orquestas usan ambos arcos.

Arco alemán

Arco estilo alemán

El arco alemán (a veces llamado arco Butler) es el más antiguo de los dos diseños. El diseño del arco y la forma de sujetarlo proceden de la familia de instrumentos de viola más antigua. Con las violas más antiguas, antes de que las ranas tuvieran roscas para tensar el arco, los jugadores sostenían el arco con dos dedos entre el palo y el cabello para mantener la tensión del cabello. Los defensores del uso del arco alemán afirman que el arco alemán es más fácil de usar para golpes fuertes que requieren mucha potencia.

Comparado con el arco francés, el arco alemán tiene una rana más alta, y el jugador lo sostiene con la palma en ángulo hacia arriba, como con los miembros verticales de la familia de la viola . Cuando se sostiene de la manera tradicionalmente correcta, el pulgar aplica la potencia necesaria para generar el sonido deseado. El dedo índice se encuentra con el arco en el punto donde la rana se encuentra con el palo. El dedo índice también aplica un par de torsión hacia arriba a la rana al inclinar el arco. El dedo meñique (o "meñique") sostiene a la rana desde abajo, mientras que el dedo anular y el dedo medio descansan en el espacio entre el cabello y el tallo.

Arco francés

Arco a la francesa

El arco francés no fue muy popular hasta que fue adoptado por el virtuoso Giovanni Bottesini del siglo XIX . Este estilo es más similar a los arcos tradicionales de los instrumentos de la familia de cuerdas más pequeños. Se sostiene como si la mano descansara al lado del intérprete con la palma hacia el bajo. El pulgar descansa sobre el eje del arco, al lado de la rana, mientras que los otros dedos caen del otro lado del arco. Varios estilos dictan la curva de los dedos y el pulgar, al igual que el estilo de la pieza; una curva más pronunciada y un agarre más ligero del arco se utilizan para piezas virtuosas o más delicadas, mientras que una curva más plana y un agarre más resistente en el arco sacrifican algo de poder para un control más fácil en golpes como detaché, spiccato y staccato.

Un bajista sosteniendo un arco francés; observe cómo el pulgar descansa sobre el eje del arco al lado de la rana.

Construcción y materiales de proa

Los arcos de contrabajo varían en longitud, de 60 a 75 cm (24 a 30 pulgadas). En general, un arco de bajo es más corto y más pesado que un arco de violonchelo. Pernambuco , también conocido como madera de Brasil, se considera un material en barra de excelente calidad, pero debido a su escasez y costo, se utilizan cada vez más otros materiales. Los arcos económicos para estudiantes pueden construirse con fibra de vidrio sólida , lo que hace que el arco sea mucho más liviano que un arco de madera (incluso demasiado liviano para producir un buen tono, en algunos casos). Los arcos de estudiantes también se pueden hacer con las variedades menos valiosas de palo de Brasil. La madera de serpiente y la fibra de carbono también se utilizan en arcos de diferentes calidades. La rana del arco de contrabajo suele estar hecha de ébano , aunque algunos luthiers utilizan madera de serpiente y cuerno de búfalo . La rana es móvil, ya que se puede apretar o aflojar con una perilla (como todos los arcos de la familia de violines). El arco se afloja al final de una sesión de práctica o actuación. El arco se aprieta antes de jugar, hasta que alcanza una tensión que es preferida por el jugador. La rana en un lazo de calidad está decorada con incrustaciones de nácar .

Los arcos tienen una envoltura de cuero en la parte de madera del arco cerca de la rana. Junto con la envoltura de cuero, también hay una envoltura de alambre, hecha de oro o plata en lazos de calidad. El pelo suele ser de crin . Parte del mantenimiento regular de un arco es que un luthier lo "arregle" con crin fresca y que se reemplace la envoltura de cuero y alambre. El arco del contrabajo está encordado con crin de caballo blanca o negra, o una combinación de los dos (conocida como "sal y pimienta"), a diferencia de la crin blanca habitual utilizada en los arcos de otros instrumentos de cuerda. Algunos bajistas argumentan que el cabello negro un poco más áspero "agarra" mejor las cuerdas más pesadas y bajas. Además, algunos bajistas y luthiers creen que es más fácil producir un sonido más suave con la variedad blanca. Algunos bajistas también utilizan el pelo rojo (castaño). Algunos de los lazos para estudiantes de menor calidad y menor costo están hechos con cabello sintético. El cabello sintético no tiene las diminutas "púas" que tiene la crin de caballo real, por lo que no "agarra" bien la cuerda ni absorbe bien la colofonia.

Colofonia

Una variedad de tipos de colofonia.

Los jugadores de cuerdas aplican colofonia al pelo del arco para que "agarre" la cuerda y la haga vibrar. La colofonia de contrabajo es generalmente más suave y pegajosa que la colofonia de violín para permitir que el cabello agarre mejor las cuerdas más gruesas, pero los músicos usan una amplia variedad de colofonias que varían desde bastante duras (como la colofonia de violín) hasta bastante blandas, según el clima, el humedad y la preferencia del jugador. La cantidad utilizada generalmente depende del tipo de música que se esté interpretando, así como de las preferencias personales del jugador. Los bajistas pueden aplicar más resina en obras para grandes orquestas (p. Ej., Sinfonías de Brahms) que para delicadas obras de cámara. Algunas marcas de colofonia, como Wiedoeft o la colofonia para contrabajo de Pop, son más suaves y más propensas a derretirse en climas cálidos. Otras marcas, como la resina de contrabajo de Carlsson o Nyman Harts, son más duras y menos propensas a derretirse.

Mecanismo de producción de sonido

Debido a sus diámetros relativamente pequeños, las cuerdas en sí mismas no mueven mucho aire y, por lo tanto, no pueden producir mucho sonido por sí mismas. La energía vibratoria de las cuerdas debe transferirse de alguna manera al aire circundante. Para ello, las cuerdas hacen vibrar el puente y éste a su vez hace vibrar la superficie superior. Una amplitud muy pequeña pero variaciones de fuerza relativamente grandes (debido a la tensión que varía cíclicamente en la cuerda vibrante) en el puente se transforman en otras de mayor amplitud mediante la combinación del puente y el cuerpo del bajo. El puente transforma las vibraciones de alta fuerza y ​​pequeña amplitud para reducir las vibraciones de mayor amplitud en la parte superior del cuerpo del bajo. La capota se conecta a la trasera mediante un poste de sonido, por lo que la parte trasera también vibra. Tanto la parte delantera como la trasera transmiten las vibraciones al aire y actúan para hacer coincidir la impedancia de la cuerda vibrante con la impedancia acústica del aire.

Mecanismo específico de producción de sonido y tono.

Debido a que el bajo acústico es un instrumento sin trastes, cualquier vibración de la cuerda debido al punteo o al arqueamiento provocará un sonido audible debido a que las cuerdas vibran contra el diapasón cerca de la posición de los dedos. Este sonido de bus le da a la nota su carácter.

Terreno de juego

La clave de bajo (o F) se utiliza para la mayoría de la música de contrabajo.

La nota más baja de un contrabajo es un E 1 (en los bajos estándar de cuatro cuerdas) a aproximadamente 41 Hz o un C 1 (≈33 Hz), o algunas veces B 0 (≈31 Hz), cuando se utilizan cinco cuerdas. Esto está dentro de aproximadamente una octava por encima de la frecuencia más baja que el oído humano promedio puede percibir como un tono distintivo. La parte superior del rango del diapasón del instrumento suele estar cerca de D 5 , dos octavas y una quinta por encima del tono abierto de la cuerda G (G 2 ), como se muestra en la ilustración de rango que se encuentra al principio de este artículo. Se puede tocar más allá del final del diapasón tirando ligeramente de la cuerda hacia un lado.

Las partes de sinfonía de contrabajo a veces indican que el intérprete debe tocar armónicos (también llamados tonos de flagelo ), en los que el bajista toca ligeramente la cuerda, sin presionarla contra el diapasón de la manera habitual, en la ubicación de una nota y luego puntea o hace una reverencia. la nota. Los armónicos arqueados se utilizan en la música contemporánea por su sonido "vidrioso". Tanto los armónicos naturales como los artificiales , donde el pulgar detiene la nota y la octava u otro armónico se activa tocando ligeramente la cuerda en el punto del nodo relativo, amplían considerablemente el rango del instrumento. Los armónicos naturales y artificiales se utilizan en muchos conciertos virtuosos para el contrabajo.

Las partes orquestales del repertorio clásico estándar rara vez exigen que el contrabajo exceda un rango de dos octavas y un tercio menor, de Mi 1 a Sol 3 , con A 3 ocasionales que aparecen en el repertorio estándar (una excepción a esta regla es Carmina Burana de Orff , que requiere tres octavas y una cuarta perfecta). El límite superior de este rango se amplía mucho para las partes orquestales de los siglos XX y XXI (por ejemplo, el solo de bajo de Prokofiev 's Lieutenant Kijé Suite ( c. 1933), que requiere notas tan altas como D 4 y E 4 ). El rango superior que un virtuoso solista puede lograr usando armónicos naturales y artificiales es difícil de definir, ya que depende de la habilidad del jugador en particular. El alto armónico en la ilustración de rango que se encuentra al comienzo de este artículo puede tomarse como representativo en lugar de normativo.

Los instrumentos de cinco cuerdas tienen una cuerda adicional, normalmente afinada a un B bajo por debajo de la cuerda E (B 0 ). En raras ocasiones, en su lugar, se agrega una cuerda más alta, sintonizada en el C por encima de la cuerda G (C 3 ). Los instrumentos de cuatro cuerdas pueden presentar la extensión C que extiende el rango de la cuerda E hacia abajo hasta C 1 (a veces B 0 ).

Tradicionalmente, el contrabajo es un instrumento de transposición . Dado que gran parte del rango del contrabajo se encuentra por debajo de la clave de bajo estándar , se anota una octava más alta de lo que suena para evitar tener que usar líneas de contabilidad excesivas debajo del pentagrama. Por lo tanto, cuando los contrabajistas y los violonchelistas tocan desde una parte combinada de bajo y violonchelo, como se usa en muchas sinfonías de Mozart y Haydn, tocarán en octavas, con los bajos una octava por debajo de los violonchelos. Esta transposición se aplica incluso cuando los bajistas están leyendo el tenor y la clave de sol (que se utilizan en la interpretación en solitario y en algunas partes orquestales). La clave de tenor también la utilizan los compositores para violonchelo y partes de metales bajos. El uso de la clave de sol o tenor evita las líneas de registro excesivas por encima del pentagrama al anotar el rango superior del instrumento. Existen otras tradiciones de notación. La música italiana solista se escribe típicamente en el tono de sonido, y el "antiguo" método alemán sonaba una octava por debajo de la notación, excepto en la clave de sol, donde la música se escribió en el tono.

Afinación

Afinación regular

El contrabajista Vivien Garry tocando un espectáculo en la ciudad de Nueva York en 1947

El contrabajo generalmente se afina en cuartas , a diferencia de otros miembros de la familia de cuerdas orquestales , que se afinan en quintas (por ejemplo, las cuatro cuerdas del violín son, desde el tono más bajo hasta el más alto: G – D – A– MI). La afinación estándar (de tono más bajo a tono más alto) para el bajo es E – A – D – G, comenzando desde E por debajo del segundo C bajo ( tono de concierto ). Es lo mismo que la afinación estándar de un bajo y es una octava más baja que las cuatro cuerdas de tono más bajo de la afinación de guitarra estándar . Antes del siglo XIX, muchos contrabajos tenían solo tres cuerdas; "Giovanni Bottesini (1821-1889) favoreció el instrumento de tres cuerdas popular en Italia en ese momento", porque "el instrumento de tres cuerdas [se consideraba] más sonoro". Muchas bandas de cobla en Cataluña todavía tienen músicos que usan contrabajos tradicionales de tres cuerdas afinados A – D – G.

En todo el repertorio clásico , hay notas que caen por debajo del rango de un contrabajo estándar. Las notas por debajo de E grave aparecen regularmente en las partes de contrabajo que se encuentran en arreglos e interpretaciones posteriores de la música barroca . En la era clásica , el contrabajo típicamente doblaba la parte del violonchelo una octava por debajo, requiriendo ocasionalmente descender a C por debajo de la E del contrabajo de cuatro cuerdas. En la época romántica y el siglo XX, compositores como Wagner , Mahler , Busoni y Prokofiev también solicitaron notas por debajo de la E baja.

Existen varios métodos para hacer que estas notas estén disponibles para el jugador. Los intérpretes con contrabajos estándar (E – A – D – G) pueden tocar las notas por debajo de "E" una octava más alta o, si esto suena extraño, todo el pasaje puede transponerse una octava hacia arriba. El jugador puede afinar la cuerda E grave hasta la nota más baja requerida en la pieza: D o C. Los bajos de cuatro cuerdas pueden estar equipados con una "extensión de C grave" ( ver más abajo ). O el intérprete puede emplear un instrumento de cinco cuerdas, con la cuerda inferior adicional afinada en C, o (más comúnmente en los tiempos modernos) B, tres octavas y un semitono por debajo del C medio . Varias orquestas europeas importantes utilizan bajos con una quinta cuerda.

Extensión C

Una extensión de Do bajo con "dedos" mecánicos de madera que detienen la cuerda en Do , D, E o E. Para pasajes orquestales que solo bajan a un Mi bajo, el "dedo" en la cejilla generalmente está cerrado.

En Gran Bretaña, los EE.UU., Canadá y Australia, la mayoría de los músicos de orquesta profesionales utilizan cuatro cuerdas contrabajos con una extensión C . Esta es una sección adicional de diapasón montada en la cabeza del bajo. Extiende el diapasón debajo de la cuerda más baja y proporciona cuatro semitonos adicionales de rango descendente. La cuerda más baja generalmente se afina a C 1 , una octava por debajo de la nota más baja en el violonchelo (ya que es bastante común que una parte de bajo duplique la parte de violonchelo una octava más baja). Más raramente esta cadena puede ser sintonizado a la mínima B 0 , como algunas obras en la llamada repertorio orquestal para un B tales, como Respighi 's The Pines de Roma . En casos raros, algunos jugadores tienen una extensión de B baja, que tiene B como su nota más baja. Hay varias variedades de extensiones:

En las extensiones mecánicas más simples, no hay ayudas mecánicas adjuntas a la extensión del diapasón, excepto una tuerca de bloqueo o "compuerta" para la nota E. Para tocar las notas de extensión, el jugador extiende la mano hacia atrás sobre el área debajo del pergamino para presionar la cuerda hacia el diapasón. La ventaja de esta extensión "con dedos" es que el jugador puede ajustar la entonación de todas las notas detenidas en la extensión, y no hay ruidos mecánicos de las teclas y palancas metálicas. La desventaja de la extensión "digitada" es que puede ser difícil realizar alternancias rápidas entre notas bajas en la extensión y notas en el diapasón normal, como una línea de bajo que alterna rápidamente entre G 1 y D 1 .

El tipo más simple de ayuda mecánica es el uso de "dedos" de madera o "puertas" que se pueden cerrar para presionar la cuerda hacia abajo y tocar las notas C , D, E o E. Este sistema es particularmente útil para líneas de bajo que tienen un punto de pedal que se repite , como un D bajo porque una vez que la nota se bloquea en su lugar con el dedo mecánico, la cuerda más baja suena una nota diferente cuando se toca abierta.

La ayuda mecánica más complicada para usar con extensiones es el sistema de palanca mecánica apodado la máquina . Este sistema de palancas, que se asemeja superficialmente al mecanismo de manipulación de instrumentos de lengüeta como el fagot, monta palancas al lado del diapasón normal (cerca de la cejilla, en el lado de la cuerda mi), que activan de forma remota los "dedos" metálicos en el diapasón de extensión. Los sistemas de palanca de metal más costosos también le dan al jugador la capacidad de "bloquear" las notas en el diapasón de extensión, como con el sistema de "dedos" de madera. Una de las críticas a estos dispositivos es que pueden provocar ruidos metálicos no deseados.

Una vez que un "dedo" mecánico de la extensión del "dedo" de madera o la extensión de la máquina del "dedo" de metal está bloqueado o presionado, no es fácil hacer ajustes de tono microtonal o efectos de glissando , como es posible con una extensión con los dedos.

Si bien el tipo más común de extensión es la extensión C, en casos raros, los propietarios de bajos de cinco cuerdas, en los que la cuerda más baja es normalmente un B 0 bajo , pueden usar una extensión de dos semitonos, proporcionando un A bajo, o el muy rara extensión de G baja.

Otras variaciones de afinación

Un pequeño número de bajistas afinan sus cuerdas en quintas , como un violonchelo pero una octava más baja (C 1 –G 1 –D 2 –A 2 bajo a alto). Esta afinación fue utilizada por el jazzista Red Mitchell y es utilizada por algunos músicos clásicos, en particular el bajista canadiense Joel Quarrington . Los defensores de afinar el bajo en quintas señalan que todas las demás cuerdas orquestales están afinadas en quintas (violín, viola y violonchelo), por lo que esto coloca al bajo en el mismo enfoque de afinación. La quinta afinación proporciona al bajista un rango de tono más amplio que un bajo estándar E – A – D – G, ya que varía (sin una extensión) de C 1 a A 2 . Algunos intérpretes que utilizan la afinación de quintas y tocan un bajo de cinco cuerdas utilizan una cuerda Mi 3 alta adicional (por lo tanto, de menor a mayor: C – G – D – A – E). Algunos bajistas de quinta afinación que solo tienen un instrumento de cuatro cuerdas y que realizan principalmente trabajos solistas usan la afinación G – D – A – E, omitiendo así la cuerda de Do baja pero ganando una Mi alta. Algunos bajistas de quinta afinación que usan un cinco- cuerda utilice un instrumento de menor escala, lo que hace que la digitación sea algo más fácil. El Tratado de Instrumentación de Berlioz-Strauss (publicado por primera vez en 1844) establece que "Una buena orquesta debe tener varios contrabajos de cuatro cuerdas, algunos de ellos afinados en quintas y terceras". Luego, el libro muestra una afinación de Mi 1 –G 1 –D 2 –A 2 ) de abajo hacia arriba. "Junto con los otros contrabajos afinados en cuartas, estaría disponible una combinación de cuerdas al aire, lo que aumentaría enormemente la sonoridad de la orquesta". Sin embargo, un contrabajo de seis cuerdas se puede afinar en quintas (C 1 –G 1 –D 2 –A 2 –E 3 –B 3 ) que es un rango mucho más amplio.

En la interpretación clásica en solitario, el contrabajo suele afinarse un tono completo más alto (F 1 –B 1 –E 2 –A 2 ). Esta afinación más alta se denomina "afinación solo", mientras que la afinación regular se conoce como "afinación orquestal". Las cuerdas de afinación en solitario son generalmente más delgadas que las cuerdas normales. La tensión de las cuerdas difiere tanto entre la afinación solista y orquestal que a menudo se emplea un juego de cuerdas diferente que tiene un calibre más ligero. Las cuerdas siempre están etiquetadas para afinación orquestal o solista y la música solista publicada se arregla para afinación orquestal o solista. Algunos solos y conciertos populares, como el Concierto de Koussevitsky, están disponibles en arreglos de afinación para solistas y orquestales. Las cuerdas de afinación solistas se pueden afinar un tono para tocar en el tono de la orquesta, pero las cuerdas a menudo carecen de proyección en la afinación orquestal y su tono puede ser inestable.

Algunos compositores contemporáneos especifican una scordatura altamente especializada (cambiando intencionalmente la afinación de las cuerdas al aire). Cambiar el tono de las cuerdas abiertas hace que diferentes notas estén disponibles como puntos de pedal y armónicos. Berio , por ejemplo, le pide al jugador que afine sus cuerdas E 1 –G 1 –D 2 –G 2 en la Sequenza XIVb y Scelsi pide tanto F 1 –A 1 –D 2 –E 2 como F 1 –A 1 - F 2 –E 2 en noches . Una variante y una forma de afinación solista mucho menos utilizada en algunos países de Europa del Este es (A 1 –D 2 –G 2 –C 3 ), que omite la cuerda E grave de la afinación orquestal y luego añade una cuerda C alta. Algunos bajistas con bajos de cinco cuerdas usan una cuerda C 3 alta como quinta cuerda, en lugar de una cuerda B 0 grave . La adición de la cuerda C alta facilita la interpretación del repertorio solista con una alta tesitura (rango). Otra opción es utilizar una extensión de C baja (o B baja) y una cuerda de C alta.

Cinco cuerdas

Al elegir un bajo con una quinta cuerda, el intérprete puede decidir entre agregar una cuerda con un tono más alto (una cuerda C alta) o una cuerda con un tono más bajo (normalmente una B grave). Los instrumentos de seis cuerdas están volviendo a ser populares después de muchas actualizaciones. Para acomodar la quinta cuerda adicional, el diapasón generalmente se ensancha ligeramente y la parte superior un poco más gruesa para manejar el aumento de tensión. Por lo tanto, la mayoría de los bajos de cinco cuerdas son más grandes que un bajo estándar de cuatro cuerdas. Algunos instrumentos de cinco cuerdas se convierten en instrumentos de cuatro cuerdas. Debido a que estos no tienen diapasones más anchos, a algunos músicos les resulta más difícil tocarlos y arquearlos. Los bajos de cuatro cuerdas convertidos generalmente requieren una tapa nueva y más gruesa o cuerdas más ligeras para compensar el aumento de tensión.

Seis cuerdas

El contrabajo de seis cuerdas tiene un C alto y un B bajo, lo que lo hace muy útil y se está volviendo más práctico después de varias actualizaciones. Es ideal para tocar en solitario y orquestal porque tiene un rango más jugable. Muchas personas lograron esto en un violón de seis cuerdas al restringirlo con cuerdas de contrabajo haciendo la afinación B 0 –E 1 –A 1 –D 2 –G 2 –C 3 .

Consideraciones de juego y rendimiento

Posición del cuerpo y la mano

El contrabajista y compositor francés Renaud García-Fons durante una actuación

Los contrabajistas se ponen de pie o se sientan para tocar el instrumento. La altura del instrumento se establece ajustando el endpin de modo que el jugador pueda alcanzar las zonas de ejecución deseadas de las cuerdas con el arco o punteando con la mano. Los bajistas que se ponen de pie e inclinan a veces colocan el endpin alineando el dedo índice en la primera o la mitad de la posición con el nivel de los ojos, aunque hay poca estandarización en este sentido. Los jugadores que se sientan generalmente usan un taburete de la altura de la entrepierna de los pantalones del jugador.

Tradicionalmente, los contrabajistas se paraban para tocar solos y se sentaban a tocar en la orquesta o en el foso de la ópera. Ahora bien, es inusual que un músico sea igualmente competente en ambas posiciones, por lo que algunos solistas se sientan (como Joel Quarrington , Jeff Bradetich , Thierry Barbé y otros) y algunos bajistas orquestales se ponen de pie.

Al tocar en el rango superior del instrumento (por encima de G 3 , el G por debajo de C central), el jugador mueve la mano desde detrás del cuello y la aplana, usando el lado del pulgar para presionar la cuerda. Esta técnica, también utilizada en el violonchelo, se llama posición del pulgar . Mientras tocan en la posición del pulgar, pocos músicos usan el cuarto dedo (meñique), ya que generalmente es demasiado débil para producir un tono confiable (esto también es cierto para los violonchelistas), aunque algunos acordes extremos o técnicas extendidas, especialmente en la música contemporánea, pueden requerir su uso.

Consideraciones fisicas

El estilo rockabilly puede ser muy exigente para la mano que despluma, debido al uso del rockabilly de "golpear" en el diapasón. Tocar en el bajo puede ser físicamente exigente, porque las cuerdas están sometidas a una tensión relativamente alta. Además, el espacio entre las notas en el diapasón es grande, debido a la longitud de la escala y el espaciado de las cuerdas, por lo que los intérpretes deben mantener los dedos separados para las notas en las posiciones inferiores y cambiar de posición con frecuencia para tocar las líneas de bajo. Al igual que con todos los instrumentos de cuerda sin trastes , los intérpretes deben aprender a colocar los dedos con precisión para producir el tono correcto. Para los bajistas con brazos más cortos o manos más pequeñas, los grandes espacios entre los tonos pueden presentar un desafío significativo, especialmente en el rango más bajo, donde los espacios entre las notas son más grandes. Sin embargo, el uso cada vez mayor de técnicas de ejecución como la posición del pulgar y las modificaciones del bajo, como el uso de cuerdas de calibre más ligero a menor tensión, han facilitado la dificultad de tocar el instrumento.

Las partes de bajo tienen relativamente menos pasajes rápidos, paradas dobles o grandes saltos en el rango. Estas partes se suelen dar a la sección de violonchelo, ya que el violonchelo es un instrumento más pequeño en el que estas técnicas se realizan más fácilmente.

Hasta la década de 1990, los contrabajos para niños no estaban ampliamente disponibles, y el gran tamaño del bajo impedía que los niños tocasen el instrumento hasta que alcanzaran una altura y un tamaño de mano que les permitiera tocar un modelo de tamaño 34 (el tamaño más común). A partir de la década de 1990, los instrumentos más pequeños de 12 , 14 , 18 e incluso 116 se volvieron más disponibles, por lo que los niños podían comenzar más jóvenes.

Volumen

A pesar del tamaño del instrumento, no es tan fuerte como muchos otros instrumentos, debido a su tono musical bajo . En una gran orquesta, normalmente entre cuatro y ocho bajistas tocan la misma línea de bajo al unísono para producir suficiente volumen. En las orquestas más grandes, las secciones de bajos pueden tener hasta diez o doce intérpretes, pero las limitaciones presupuestarias modernas hacen que las secciones de bajos sean tan grandes como inusuales.

Al escribir pasajes solistas para el bajo en música orquestal o de cámara, los compositores normalmente se aseguran de que la orquestación sea ​​ligera para que no oscurezca el bajo. Si bien la amplificación rara vez se usa en la música clásica, en algunos casos en los que un solista de bajo realiza un concierto con una orquesta completa, se puede usar una amplificación sutil llamada mejora acústica . El uso de micrófonos y amplificadores en un escenario clásico ha llevado a un debate dentro de la comunidad clásica, ya que "... los puristas sostienen que el sonido acústico natural de las voces [o] instrumentos [clásicos] en una sala determinada no debe alterarse".

El bajista de Psychobilly Jimbo Wallace en el escenario con el reverendo Horton Heat ; tenga en cuenta su gran pila de bajos que consta de un gabinete de 15 pulgadas, un gabinete cuádruple de 10 pulgadas y un "cabezal" de amplificador.

En muchos géneros, como el jazz y el blues , los músicos utilizan la amplificación a través de un amplificador y altavoces especializados. Una pastilla piezoeléctrica se conecta al amplificador con un cable de conexión de 14 pulgadas. Los músicos de bluegrass y jazz suelen utilizar menos amplificación que los de blues, psychobilly o jam band . En los últimos casos, el volumen general alto de otros amplificadores e instrumentos puede causar una retroalimentación acústica no deseada , un problema agravado por la gran superficie y el volumen interior del bajo. El problema de la retroalimentación ha llevado a soluciones tecnológicas como los dispositivos de eliminación de retroalimentación electrónica (esencialmente un filtro de muesca automatizado que identifica y reduce las frecuencias donde se produce la retroalimentación) e instrumentos como el bajo eléctrico vertical , que tiene características de reproducción como el contrabajo pero generalmente poca o ninguna caja de resonancia. , lo que hace que la retroalimentación sea menos probable. Algunos bajistas reducen el problema de la retroalimentación bajando el volumen en el escenario o tocando más lejos de los altavoces del amplificador de bajo.

En rockabilly y psychobilly, golpear percusivamente las cuerdas contra el diapasón es una parte importante del estilo de tocar el bajo. Dado que las pastillas piezoeléctricas no son buenas para reproducir los sonidos de las cuerdas que se golpean contra el diapasón, los bajistas de estos géneros a menudo usan pastillas piezoeléctricas (para el tono de graves bajos) y un micrófono de condensador en miniatura (para captar los sonidos de las bofetadas de percusión). Estas dos señales se mezclan usando un mezclador simple antes de que la señal se envíe al amplificador de bajo.

Transporte

El gran tamaño y la relativa fragilidad del contrabajo lo hacen engorroso de manejar y transportar. La mayoría de los bajistas utilizan estuches blandos, conocidos como fundas para conciertos , para proteger el instrumento durante el transporte. Estos van desde estuches delgados y económicos sin acolchado que usan los estudiantes (que solo protegen contra rasguños y lluvia) hasta versiones con acolchado grueso para jugadores profesionales, que también protegen contra golpes e impactos. Algunos bajistas llevan su arco en un estuche rígido; Los estuches de bajos más costosos tienen un bolsillo grande para un estuche de arco. Los jugadores también pueden usar un carrito pequeño y ruedas con pasadores terminales para mover el bajo. Algunos estuches acolchados de mayor precio tienen ruedas unidas al estuche. Otra opción que se encuentra en los estuches acolchados de mayor precio son las correas de mochila, para facilitar el transporte del instrumento.

Flight cases rígidos para contrabajos

Los estuches rígidos tienen interiores acolchados y exteriores resistentes de fibra de carbono , grafito , fibra de vidrio o Kevlar . El costo de los estuches rígidos buenos (varios miles de dólares estadounidenses) y las altas tarifas de las aerolíneas para enviarlos tienden a limitar su uso a los profesionales de turismo.

Accesorios

Un silenciador de madera unido al puente de graves para oscurecer el tono.

Los contrabajistas usan varios accesorios para ayudarlos a tocar y ensayar. En la música orquestal se utilizan tres tipos de sordinas : una sordina de madera que se desliza sobre el puente, una sordina de goma que se adhiere al puente y un dispositivo de alambre con pesas de latón que encaja en el puente. El intérprete usa el mudo cuando la instrucción italiana con sordino ("con mute") aparece en la parte de bajo, y lo elimina en respuesta a la instrucción senza sordino ("sin mute"). Con el silencio activado, el tono del bajo es más bajo, más oscuro y más sombrío. Las partes de bajo arqueado con mudo pueden tener un tono nasal. Los jugadores usan un tercer tipo de mudo, un mudo de práctica de goma pesada, para practicar en silencio sin molestar a los demás (por ejemplo, en una habitación de hotel).

Un carcaj es un accesorio para sujetar el arco. A menudo está hecho de cuero y se adhiere al puente y al cordal con ataduras o correas. Se utiliza para sujetar el arco mientras un jugador toca partes de pizzicato.

Un eliminador de tono de lobo se usa para disminuir las vibraciones simpáticas no deseadas en la parte de una cuerda entre el puente y el cordal que pueden causar problemas de tono para ciertas notas. Es un tubo de goma cortado por el costado que se utiliza con un manguito metálico cilíndrico que también tiene una ranura en el costado. El cilindro de metal tiene un tornillo y una tuerca que sujeta el dispositivo a la cuerda. Las diferentes ubicaciones del cilindro a lo largo de la cuerda influyen o eliminan la frecuencia a la que se produce el tono de lobo. Es esencialmente un atenuador que cambia ligeramente la frecuencia natural de la cuerda (y / o cuerpo del instrumento) reduciendo la reverberación. El tono de lobo se produce porque las cuerdas debajo del puente a veces resuenan en tonos cercanos a las notas en la parte de ejecución de la cuerda. Cuando la nota deseada hace que la cuerda debajo del puente vibre con simpatía, puede producirse una "nota de lobo" disonante o un "tono de lobo". En algunos casos, el tono de lobo es lo suficientemente fuerte como para producir un sonido de "golpe" audible. El tono de lobo a menudo ocurre con la nota G en el bajo.

En orquesta, los instrumentos se afinan con una A tocada por el oboísta. Debido a la brecha de tres octavas entre la afinación A del oboísta y la cuerda A abierta en el bajo (por ejemplo, en una orquesta que sintoniza a 440 Hz , el oboísta toca un A 4 a 440 Hz y el A 1 abierto del bajo es 55 Hz) puede resultar difícil afinar el bajo de oído durante el breve período en que el oboísta toca la nota de afinación. Los violinistas, por otro lado, afinan su cuerda A a la misma frecuencia que la nota de afinación del oboísta. Existe un método comúnmente utilizado para afinar un contrabajo en este contexto tocando el armónico A en la cuerda D (que está solo una octava por debajo del A del oboe) y luego haciendo coincidir los armónicos de las otras cuerdas. Sin embargo, este método no es infalible, ya que los armónicos de algunos bajos no están perfectamente sintonizados con las cuerdas al aire. Para asegurarse de que el bajo esté afinado, algunos bajistas utilizan un afinador electrónico que indica el tono en una pequeña pantalla. Los bajistas que tocan en estilos que usan un amplificador de bajo , como blues, rockabilly o jazz, pueden usar un afinador electrónico de formato stompbox , que silencia la pastilla de bajo durante la afinación.

Se utiliza un soporte para contrabajo para mantener el instrumento en su lugar y levantarlo unos centímetros del suelo. Hay una amplia variedad de soportes disponibles y no existe un diseño común.

Repertorio clasico

Solo funciona para contrabajo

1700

El contrabajo como instrumento solista disfrutó de un período de popularidad durante el siglo XVIII y muchos de los compositores más populares de esa época escribieron piezas para contrabajo. El contrabajo, entonces a menudo conocido como Violone , usaba diferentes afinaciones de una región a otra. La "afinación vienesa" (La 1 –D 2 –F 2 –A 2 ) fue popular, y en algunos casos se agregó una quinta cuerda o incluso una sexta cuerda (F 1 –A 1 –D 2 –F 2 –A 2 ). La popularidad del instrumento está documentada en la segunda edición de Leopold Mozart de su Violinschule, donde escribe: "Uno puede sacar a la luz pasajes difíciles más fácilmente con el violón de cinco cuerdas, y escuché interpretaciones inusualmente hermosas de conciertos, tríos, solos, etc." . "

El virtuoso del bajo italiano Domenico Dragonetti ayudó a animar a los compositores a dar partes más difíciles para su instrumento.

El primer concierto conocido para contrabajo fue escrito por Joseph Haydn c. 1763, y se presume perdido en un incendio en la biblioteca de Eisenstadt. Los primeros conciertos que se conocen son de Carl Ditters von Dittersdorf , quien compuso dos conciertos para contrabajo y una Sinfonía Concertante para viola y contrabajo. Otros compositores que han escrito conciertos de este período incluyen a Johann Baptist Vanhal , Franz Anton Hoffmeister (3 conciertos), Leopold Kozeluch , Anton Zimmermann , Antonio Capuzzi , Wenzel Pichl (2 conciertos) y Johannes Matthias Sperger (18 conciertos). Si bien muchos de estos nombres fueron figuras destacadas para el público musical de su época, generalmente son desconocidos por el público contemporáneo. El aria de concierto de Wolfgang Amadeus Mozart , Per Questa Bella Mano , K.612 para bajo, obbligato de contrabajo y orquesta contiene una escritura impresionante para contrabajo solo de ese período. Sigue siendo popular entre cantantes y contrabajistas en la actualidad.

El contrabajo finalmente evolucionó para adaptarse a las necesidades de las orquestas que requerían notas más bajas y un sonido más fuerte. Los contrabajistas más importantes de mediados a finales del siglo XVIII, como Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger y Johannes Mathias Sperger emplearon la afinación "vienesa". El bajista Johann Hindle (1792–1862), que compuso un concierto para contrabajo, fue pionero en la afinación del bajo en cuartas, lo que marcó un punto de inflexión para el contrabajo y su papel en los trabajos solistas. El bajista Domenico Dragonetti fue una figura musical prominente y un conocido de Haydn y Ludwig van Beethoven . Su forma de tocar fue conocida desde su tierra natal Italia hasta el Tsardom de Rusia y encontró un lugar destacado actuando en conciertos con la Sociedad Filarmónica de Londres . La amistad de Beethoven con Dragonetti puede haberlo inspirado a escribir partes difíciles y separadas para el contrabajo en sus sinfonías, como los impresionantes pasajes del tercer movimiento de la Quinta Sinfonía, el segundo movimiento de la Séptima Sinfonía y el último movimiento de la Novena. Sinfonía. Estas partes no duplican la parte del violonchelo.

Dragonetti escribió diez conciertos para contrabajo y muchas obras en solitario para bajo y piano. Durante la estancia de Rossini en Londres en el verano de 1824, compuso su popular Duetto para violonchelo y contrabajo para Dragonetti y el violonchelista David Salomons. Dragonetti tocaba con frecuencia en un contrabajo de tres cuerdas afinado G – D – A de arriba a abajo. El uso de solo las tres cuerdas superiores fue popular entre los solistas de bajo y los bajistas principales de las orquestas en el siglo XIX, porque redujo la presión sobre la parte superior de madera del bajo, que se pensaba que creaba un sonido más resonante. Además, las cuerdas E bajas que se usaron durante el siglo XIX eran cuerdas gruesas hechas de tripa, que eran difíciles de afinar y tocar.

1800

El virtuoso bajista y compositor del siglo XIX Giovanni Bottesini con su bajo Carlo Antonio Testore de 1716

En el siglo XIX, el director de ópera, compositor y bajista Giovanni Bottesini fue considerado el " Paganini del contrabajo" de su tiempo, una referencia al virtuoso y compositor del violín. Los conciertos de bajo de Bottesini se escribieron en el estilo de la ópera popular italiana del siglo XIX, que explota el contrabajo de una manera que no se había visto antes. Requieren carreras virtuosas y grandes saltos a los registros más altos del instrumento, incluso en el ámbito de los armónicos naturales y artificiales . Muchos bajistas del siglo XIX y principios del XX consideraban que estas composiciones no se podían reproducir, pero en la década de 2000, se interpretan con frecuencia. Durante el mismo tiempo, surgió una escuela prominente de bajistas en la región checa , que incluía a Franz Simandl , Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly y Adolf Mišek . Simandl y Hrabe también fueron pedagogos cuyos libros de métodos y estudios siguen en uso en la década de 2000.

1900-presente

La figura principal del contrabajo a principios del siglo XX fue Serge Koussevitzky , mejor conocido como director de la Orquesta Sinfónica de Boston , quien popularizó el contrabajo en los tiempos modernos como instrumento solista. Debido a las mejoras del contrabajo con cuerdas de acero y mejores configuraciones, el bajo ahora se toca a un nivel más avanzado que nunca y cada vez más compositores han escrito obras para el contrabajo. A mediados de siglo y en las décadas siguientes, se escribieron muchos nuevos conciertos para contrabajo, incluido el Concierto de Nikos Skalkottas (1942), el Concierto de Eduard Tubin (1948), el Concertino de Lars-Erik Larsson (1957). , El Concierto de Gunther Schuller (1962), el Concierto de Hans Werner Henze (1966) y el Concierto n. ° 1 de Frank Proto (1968).

El Solo para contrabajo es una de las partes de la jaula de Juan 's Concierto para piano y orquesta , y se puede jugar como un solo, o con cualquiera de las otras partes, tanto orquestal y / o piano. Asimismo, sus partes solistas de contrabajo para la obra orquestal Atlas Eclipticalis también se pueden interpretar como solos. Obras indeterminadas de Cage como Variations I , Variations II , Fontana Mix , Cartridge Music et al. se puede arreglar para un contrabajista solista. Su trabajo 26.1.1499 para un intérprete de cuerdas a menudo es realizado por un contrabajo solista, aunque también puede ser interpretado por un violinista, violista o violonchelista.

Desde la década de 1960 hasta el final del siglo, Gary Karr fue el principal defensor del contrabajo como instrumento solista y participó activamente en el encargo o en la creación de cientos de nuevas obras y conciertos escritos especialmente para él. Karr recibió el famoso contrabajo solo de Koussevitzky de Olga Koussevitsky y lo tocó en conciertos en todo el mundo durante 40 años antes, a su vez, entregando el instrumento a la Sociedad Internacional de Bajistas para que solistas talentosos lo usen en conciertos. Otro intérprete importante de este período, Bertram Turetzky , encargó y estrenó más de 300 obras de contrabajo.

Serge Koussevitzky popularizó el contrabajo en los tiempos modernos como un instrumento solista.

En los años setenta, ochenta y noventa, los nuevos conciertos incluyeron el Divertimento para contrabajo y orquesta de Nino Rota (1973), el concierto de Alan Ridout para contrabajo y cuerdas (1974), el Concierto de Jean Françaix (1975), Frank Proto el Concierto N ° 2, Einojuhani Rautavaara 's Ángel de la oscuridad (1980), Gian Carlo Menotti 'Concierto s (1983), Christopher Rouse ' s Concerto (1985), Henry Brant 'redes fantasma s (1988) y Frank Proto ' s "Carmen Fantasía para contrabajo y orquesta" (1991) y "Cuatro escenas después de Picasso" Concierto nº 3 (1997). El concierto lírico Strathclyde No. 7 de Peter Maxwell Davies , para contrabajo y orquesta, data de 1992.

En la primera década del siglo 21, los nuevos conciertos incluyen Frank Proto 's "nueve variantes de Paganini" (2002), Kalevi Aho ' Concierto s (2005), de John Harbison 's Concierto para Viol bajo (2006), André Previn ' s doble concierto para violín, contrabajo y orquesta (2007) y John Woolrich es al arco de plata , para contrabajo, viola y cuerdas (2014).

Reinhold Glière escribió un Intermezzo y Tarantella para contrabajo y piano, op. 9, N ° 1 y N ° 2 y un Praeludium y Scherzo para contrabajo y piano, Op. 32 No. 1 y No. 2. Paul Hindemith escribió una Sonata contrabajo rítmicamente desafiante en 1949. Frank Proto escribió su Sonata "1963" para contrabajo y piano. En la Unión Soviética, Mieczysław Weinberg escribió su Sonata No. 1 para contrabajo solo en 1971. Giacinto Scelsi escribió dos piezas de contrabajo llamadas Nuits en 1972, y luego en 1976, escribió Maknongan , una pieza para cualquier instrumento de voz baja, como contrabajo, contrafagot o tuba. Vincent Persichetti escribió obras en solitario, a las que llamó "Parábolas", para muchos instrumentos. Escribió la Parábola XVII para Contrabajo, Op. 131 en 1974. Sofia Gubaidulina escribió una Sonata para contrabajo y piano en 1975. En 1976, el compositor minimalista estadounidense Tom Johnson escribió "Failing - una pieza muy difícil para un solo de contrabajo" en la que el jugador tiene que realizar un solo extremadamente virtuoso en el bajo mientras recita simultáneamente un texto que dice cuán difícil es la pieza y cuán improbable es que él o ella complete con éxito la interpretación sin cometer un error.

En 1977 el compositor holandés-húngaro Geza Frid escribió una serie de variaciones sobre el elefante a partir Saint-Saëns ' Le Carnaval des Animaux para scordatura contrabajo y orquesta de cuerdas. En 1987 Lowell Liebermann escribió su Sonata para Contrabajo y Piano Op. 24. Fernando Grillo escribió la "Suite No. 1" para contrabajo (1983/2005). Jacob Druckman escribió una pieza para contrabajo solista titulada Valentine . El contrabajista y compositor estadounidense Bertram Turetzky (nacido en 1933) ha interpretado y grabado más de 300 piezas escritas por y para él. Escribe música de cámara, música barroca, clásica, jazz, música renacentista, improvisación y músicas del mundo.

El compositor minimalista estadounidense Philip Glass escribió un preludio centrado en el registro más bajo que compuso para timbales y contrabajo. El compositor italiano Sylvano Bussotti , cuya carrera como compositor se extiende desde la década de 1930 hasta la primera década del siglo XXI, escribió una obra en solitario para bajo en 1983 titulada Naked Angel Face per contrabbasso . El compositor italiano Franco Donatoni escribió una pieza llamada Lem para contrabbasso en el mismo año. En 1989, el compositor francés Pascal Dusapin (nacido en 1955) escribió una pieza en solitario llamada In et Out para contrabajo. En 1996, el compositor libanés de la Sorbona, Karim Haddad, compuso Ce qui dort dans l'ombre sacrée ("El que duerme en las sombras sagradas") para el Festival Presence de Radio France. Renaud García-Fons (nacido en 1962) es un contrabajista y compositor francés, notable por utilizar el jazz, el folk y la música asiática para las grabaciones de sus piezas como Oriental Bass (1997).

Dos importantes obras recientes escritas para bajo solista incluyen Synchronisms No.11 de Mario Davidovsky para contrabajo y sonidos electrónicos y Figment III de Elliott Carter , para contrabajo solista. El compositor alemán Gerhard Stäbler escribió Co-wie Kobalt (1989-1990), "... una música para contrabajo solo y gran orquesta". Charles Wuorinen agregó varias obras importantes al repertorio, Trío Spinoff para contrabajo, violín y batería de conga, y Trío para contrabajo, tuba y trombón bajo, y en 2007 Synaxis para contrabajo, trompa, oboe y clarinete con timbales y instrumentos de cuerda. La suite "Seven Screen Shots" para contrabajo y piano (2005) del compositor ucraniano Alexander Shchetynsky tiene una parte de bajo solista que incluye muchos métodos de ejecución poco convencionales. El compositor alemán Claus Kühnl escribió Offene Weite / Open Expanse (1998) y Nachtschwarzes Meer, ringsum… (2005) para contrabajo y piano. En 1997 Joel Quarrington encargó al compositor estadounidense / canadiense Raymond Luedeke que escribiera su "Concierto para contrabajo y Orchestra ", pieza que interpretó con la Orquesta Sinfónica de Toronto , con la Orquesta Sinfónica de Saskatoon y, en una versión para pequeña orquesta, con la Orquesta Sinfónica de Nueva Escocia . El compositor Raymond Luedeke también compuso una obra para contrabajo, flauta y viola con narración, "El libro de las preguntas", con texto de Pablo Neruda .

En 2004, el contrabajista y compositor italiano Stefano Scodanibbio hizo un arreglo de contrabajo de la obra para violonchelo solo de Luciano Berio de 2002 Sequenza XIV con el nuevo título Sequenza XIVb .

Música de cámara con contrabajo

Dado que no existe un conjunto instrumental establecido que incluya el contrabajo, su uso en música de cámara no ha sido tan exhaustivo como la literatura para conjuntos como el cuarteto de cuerda o el trío de piano . A pesar de ello, existe un número sustancial de obras de cámara que incorporan el contrabajo tanto en conjuntos pequeños como grandes.

Hay un pequeño cuerpo de obras escritas para quinteto de piano con la instrumentación de piano, violín, viola, violonchelo y contrabajo. El más famoso es el Quinteto para piano en la mayor de Franz Schubert , conocido como "The Trout Quintet " por su conjunto de variaciones en el cuarto movimiento de Die Forelle de Schubert . Otras obras para esta instrumentación escritas aproximadamente en el mismo período incluyen las de Johann Nepomuk Hummel , George Onslow , Jan Ladislav Dussek , Louise Farrenc , Ferdinand Ries , Franz Limmer , Johann Baptist Cramer y Hermann Goetz . Los compositores posteriores que escribieron obras de cámara para este quinteto incluyen a Ralph Vaughan Williams , Colin Matthews , Jon Deak , Frank Proto y John Woolrich . Felix Mendelssohn , Mikhail Glinka , Richard Wernick y Charles Ives han escrito sextetos un poco más grandes para piano, cuarteto de cuerdas y contrabajo .

En el género de los quintetos de cuerda, hay algunas obras para cuarteto de cuerda con contrabajo. El Quinteto de cuerda de Antonín Dvořák en sol mayor, Op.77 y la Serenata en sol mayor de Wolfgang Amadeus Mozart , K.525 (" Eine kleine Nachtmusik ") son las piezas más populares de este repertorio, junto con obras de Miguel del Aguila ( Nostálgica para cuarteto de cuerda y bajo), Darius Milhaud , Luigi Boccherini (3 quintetos), Harold Shapero y Paul Hindemith . Otro ejemplo es el Quinteto de cuerdas de Alistair Hinton (1969-1977), que también incluye una parte importante para soprano solista; con casi 170 minutos de duración, es casi con certeza la obra más grande de este tipo en el repertorio.

Las obras de cuerda un poco más pequeñas con el contrabajo incluyen sonatas de seis cuerdas de Gioachino Rossini , para dos violines, violonchelo y contrabajo escritas a la edad de doce años en el transcurso de tres días en 1804. Estas siguen siendo sus obras instrumentales más famosas y también han adaptado para cuarteto de viento. Franz Anton Hoffmeister escribió cuatro cuartetos de cuerda para contrabajo solo, violín, viola y violonchelo en re mayor. Frank Proto ha escrito un trío para violín, viola y contrabajo (1974), 2 dúos para violín y contrabajo (1967 y 2005) y The Games of October para oboe / corno inglés y contrabajo (1991).

Las obras más grandes que incorporan el contrabajo incluyen Beethoven 's septeto en E mayor, op. 20, una de sus piezas más famosas durante su vida, que consta de clarinete, trompa, fagot, violín, viola, violonchelo y bajo. Cuando el clarinetista Ferdinand Troyer encargó una obra a Franz Schubert para fuerzas similares, añadió un violín más para su octeto en fa mayor, D.803. Paul Hindemith usó la misma instrumentación que Schubert para su propio Octeto. En el ámbito de obras aún más grandes, Mozart incluyó el contrabajo además de 12 instrumentos de viento para su Serenata " Gran Partita ", K.361 y Martinů usó el contrabajo en su noneto para quinteto de viento, violín, viola, violonchelo y doble. bajo.

Otros ejemplos de obras de cámara que utilizan el contrabajo en conjuntos mixtos incluyen el Quinteto en sol menor de Serge Prokofiev , op. 39 para oboe, clarinete, violín, viola y contrabajo; Miguel del Aguila 's Malambo para flauta bajo y piano y para cuarteto de cuerdas, contrabajo y fagot; Concertino de Erwin Schulhoff para flauta / flautín, viola y contrabajo; Frank Proto 's Fragmentos afroamericanas para clarinete bajo, cello, contrabajo y narrador y Sexteto para clarinete y cuerdas; Vals de Fred Lerdahl para violín, viola, violonchelo y contrabajo; Letanía de Mohammed Fairouz para contrabajo y cuarteto de viento; Festino de Mario Davidovsky para guitarra, viola, violonchelo y contrabajo; y Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis para piano, violín, violonchelo y contrabajo. También hay nuevos conjuntos de música que utilizan el contrabajo, como Time for Three y PROJECT Trio .

Pasajes y solos orquestales


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La apertura del tercer movimiento de la Sinfonía n. ° 5 de Beethoven se usa a menudo como un extracto orquestal durante las audiciones de bajo .

En los períodos barroco y clásico, los compositores solían tener el contrabajo doble y la parte del violonchelo en los pasajes orquestales. Una excepción notable es Haydn, que compuso pasajes en solitario para el contrabajo en sus Sinfonías No. 6 Le Matin , No. 7 Le midi , No. 8 Le Soir , No. 31 Horn Signal y No. 45 Farewell, pero quién de otra manera agruparon las partes de bajo y violonchelo. Beethoven allanó el camino para partes separadas de contrabajo, que se hicieron más comunes en la era romántica. El scherzo y el trío de la Quinta Sinfonía de Beethoven son extractos orquestales famosos, al igual que el recitativo al comienzo del cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven . En muchas sinfonías y conciertos del siglo XIX, el impacto típico de las partes separadas de bajo y violonchelo fue que las partes de bajo se volvieron más simples y las partes de violonchelo obtuvieron líneas melódicas y un trabajo de pasaje rápido.

Una sección de contrabajo de una orquesta moderna generalmente usa ocho contrabajistas, generalmente al unísono . Las orquestas más pequeñas pueden tener cuatro contrabajos y, en casos excepcionales, las secciones de bajo pueden tener hasta diez miembros. Si algunos contrabajistas tienen extensiones de Do bajo y algunos tienen bajos regulares (E bajo), aquellos con extensiones de Do bajo pueden tocar algunos pasajes una octava por debajo de los contrabajos regulares. Además, algunos compositores escriben partes divididas (divisi) para los bajos, donde las partes superior e inferior de la música a menudo se asignan a los intérpretes "externos" (más cercanos a la audiencia) e "internos". Los compositores que escriben partes divisorias para bajo suelen escribir intervalos perfectos , como octavas y quintas, pero en algunos casos utilizan terceras y sextas.


\ layout {sangría = 0 ragged-right = ## t} \ new Score {# (set-default-paper-size "b6") \ new Staff {\ related c, {\ set Staff.midiInstrument = # "cello" \ set Score.currentBarNumber = # 92 \ time 4/4 \ key d \ major \ clef "bass_8" \ omit Staff.ClefModifier \ tempo 2 = 60 \ omit Score.MetronomeMark \ bar "" fis2 \ p ^ \ markup {\ halign # -0.5 \ bold "Allegro assai"} (g4 a) |  a4 (g fis e) |  d2 (e4 fis) |  fis4. (e8) e2 |  \ break fis2 (g4 a) |  a4 (g fis e) |  d2 (e4 fis) |  e4. (d8) d2}}}
Los bajos tocan el tema del cuarto movimiento
de la Novena Sinfonía de Beethoven.

Cuando una composición requiere una parte de bajo solo, el bajo principal invariablemente juega esa parte. El líder de la sección (o director) también determina las reverencias, a menudo basadas en reverencias establecidas por el concertino. En algunos casos, el bajo principal puede usar un arco ligeramente diferente al del concertino, para adaptarse a los requisitos de tocar el bajo. El bajo principal también conduce las entradas para la sección de bajo, típicamente levantando el arco o punteando la mano antes de la entrada o indicando la entrada con la cabeza, para asegurar que la sección comience junta. Las principales orquestas profesionales suelen tener un bajista principal asistente, que toca solos y dirige la sección de bajo si el principal está ausente.

Si bien los solos de bajo orquestal son algo raros, hay algunos ejemplos notables. Johannes Brahms , cuyo padre era contrabajista, escribió muchas partes difíciles y destacadas para el contrabajo en sus sinfonías. Richard Strauss asignó al contrabajo partes atrevidas, y sus poemas sinfónicos y sus óperas llevan el instrumento al límite. "El elefante" de Camille Saint-Saëns ' El carnaval de los animales es un retrato satírico del contrabajo, y American virtuoso Gary Karr hizo su televisado de juego de debut 'The Swan'(escrito originalmente para el cello) con la Filarmónica de Nueva York conducido por Leonard Bernstein . El tercer movimiento de la primera sinfonía de Gustav Mahler presenta un solo para contrabajo que cita la canción infantil Frere Jacques , transpuesta a una tonalidad menor. La suite Lieutenant Kijé de Sergei Prokofiev presenta un solo de contrabajo difícil y muy alto en el movimiento "Romance". The Young Person's Guide to the Orchestra, de Benjamin Britten , contiene un pasaje destacado para la sección de contrabajo.

Conjuntos de contrabajo

También existen conjuntos compuestos enteramente por contrabajos, aunque relativamente raros, y varios compositores han escrito o arreglado para tales conjuntos. Existen composiciones para cuatro contrabajos de Gunther Schuller , Jacob Druckman , James Tenney , Claus Kühnl , Robert Ceely, Jan Alm , Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto , Joseph Lauber, Erich Hartmann , Colin Brumby , Miloslav Gajdos y Theodore Albin Findeisen. "Who's on First?" De David A. Jaffe , encargado por la Orquesta Nacional de Rusia, está compuesto por cinco contrabajos. Bertold Hummel escribió una Sinfonia piccola para ocho contrabajos. Las obras de conjunto más grandes incluyen la Composición No. 2 de Galina Ustvolskaya , "Dies Irae" (1973), para ocho contrabajos, piano y cubo de madera, "George y Muriel" de José Serebrier (1986), para bajo solo, contrabajo conjunto de bajo y coro, y What of my music! de Gerhard Samuel ! (1979), para soprano, percusión y 30 contrabajos.

Los conjuntos de contrabajo incluyen L'Orchestre de Contrebasses (6 miembros), Bass Instinct (6 miembros), Bassiona Amorosa (6 miembros), el Chicago Bass Ensemble (4+ miembros), Ludus Gravis fundado por Daniele Roccato y Stefano Scodanibbio , The Bass. Gang (4 miembros), London Double Bass Ensemble (6 miembros) fundado por miembros de la Philharmonia Orchestra de Londres que produjeron el LP Music Interludes de London Double Bass Ensemble en Bruton Music Records, Brno Double Bass Orchestra (14 miembros) fundada por el profesor de contrabajo en la Academia de Música y Artes Escénicas Janáček y contrabajista principal en la Orquesta Filarmónica de Brno - Miloslav Jelinek, y los conjuntos de Ball State University (12 miembros), Shenandoah University y Hartt School of Music . El Amarillo Bass Base de Amarillo, Texas alguna vez contó con 52 contrabajistas, y The London Double Bass Sound, que ha lanzado un CD en Cala Records, tiene 10 jugadores.

Además, las secciones de contrabajo de algunas orquestas actúan como un conjunto, como el Lower Wacker Consort de la Orquesta Sinfónica de Chicago . Hay un número creciente de composiciones y arreglos publicados para conjuntos de contrabajo, y la Sociedad Internacional de Bajistas presenta regularmente conjuntos de contrabajo (tanto conjuntos más pequeños como conjuntos muy grandes de "bajo masivo") en sus conferencias, y patrocina la bienal David Concurso de Composición Walter, que incluye una división para trabajos conjuntos de contrabajo.

Usar en jazz

A partir de 1890, el primer conjunto de jazz de Nueva Orleans (que tocaba una mezcla de marchas, ragtime y Dixieland ) era inicialmente una banda de música con una tuba o sousaphone (u ocasionalmente saxofón bajo ) que suministraba la línea de bajo. A medida que la música se trasladó a bares y burdeles, el bajo vertical reemplazó gradualmente a estos instrumentos de viento alrededor de la década de 1920. Muchos de los primeros bajistas doblaban tanto el bajo de metal ( tuba ) como el bajo de cuerda , ya que a menudo se hacía referencia a los instrumentos. Los bajistas tocaron líneas de bajo improvisadas "andantes" ( escalas) y líneas basadas en arpegios que delineaban la progresión de los acordes .

Debido a que un bajo vertical no amplificado es generalmente el instrumento más silencioso de una banda de jazz, muchos músicos de las décadas de 1920 y 1930 usaron el estilo slap , golpeando y tirando de las cuerdas para producir un sonido rítmico de "slap" contra el diapasón. El estilo slap corta el sonido de una banda mejor que simplemente puntear las cuerdas, e hizo que el bajo se escuchara más fácilmente en las primeras grabaciones de sonido, ya que el equipo de grabación de esa época no favorecía las bajas frecuencias. Para obtener más información sobre el estilo slap, consulte Estilos de ejecución modernos , a continuación.

El bajista de jazz Charles Mingus también fue un influyente líder de orquesta y compositor cuyos intereses musicales iban desde el bebop hasta el free jazz.

Se espera que los bajistas de jazz improvisen una línea de acompañamiento o un solo para una determinada progresión de acordes. También se espera que conozcan los patrones rítmicos que son apropiados para diferentes estilos (por ejemplo, afrocubano). Los bajistas que tocan en una big band también deben poder leer líneas de bajo escritas, ya que algunos arreglos tienen partes de bajo escritas.

Muchos bajistas verticales han contribuido a la evolución del jazz. Los ejemplos incluyen a los intérpretes de la era del swing como Jimmy Blanton , que tocó con Duke Ellington , y Oscar Pettiford , que fue pionero en el uso del instrumento en el bebop . Paul Chambers (quien trabajó con Miles Davis en el famoso álbum Kind of Blue ) alcanzó el renombre por ser uno de los primeros bajistas de jazz en tocar solos de bebop con el arco. Terry Plumeri impulsó el desarrollo de los solos de arco (inclinados), logrando una libertad técnica similar a una trompa y un tono vocal claro y arqueado, mientras que Charlie Haden , mejor conocido por su trabajo con Ornette Coleman , definió el papel del bajo en Free Jazz .

Varios otros bajistas, como Ray Brown , Slam Stewart y Niels-Henning Ørsted Pedersen , fueron fundamentales en la historia del jazz. Stewart, que era popular entre los beboppers, tocaba sus solos con un arco combinado con un tarareo de octavas. En particular, Charles Mingus fue un compositor de gran prestigio, así como un bajista conocido por su virtuosismo técnico y su sonido poderoso. Scott LaFaro influyó en una generación de músicos al liberar al bajo del "caminar" contrapuntístico detrás de los solistas en lugar de favorecer melodías interactivas y conversacionales. Desde la disponibilidad comercial de amplificadores de bajo en la década de 1950, los bajistas de jazz han utilizado la amplificación para aumentar el volumen natural del instrumento.

Si bien el bajo eléctrico se usaba de forma intermitente en el jazz ya en 1951, a partir de la década de 1970 el bajista Bob Cranshaw , tocando con el saxofonista Sonny Rollins , y los pioneros de la fusión Jaco Pastorius y Stanley Clarke comenzaron a sustituir comúnmente el bajo por el contrabajo. Sin embargo, aparte de los estilos de jazz de fusión de jazz y jazz de influencia latina, el contrabajo sigue siendo el instrumento de bajo dominante en el jazz. El sonido y el tono del bajo vertical punteado es distinto al del bajo con trastes. El bajo vertical produce un sonido diferente al del bajo, porque sus cuerdas no son detenidas por trastes de metal , sino que tienen un rango tonal continuo en el diapasón ininterrumpido. Además, los bajos suelen tener un cuerpo de madera maciza, lo que significa que su sonido se produce mediante la amplificación electrónica de la vibración de las cuerdas, en lugar de la reverberación acústica del bajo vertical.

Se pueden escuchar ejemplos demostrativos del sonido de un contrabajo solo y su uso técnico en el jazz en las grabaciones en solitario Emerald Tears (1978) de Dave Holland o Emergence (1986) de Miroslav Vitous . Holland también grabó un álbum con el título representativo Music from Two Basses (1971) en el que toca con Barre Phillips mientras que a veces cambia al violonchelo.

Usar en bluegrass y country

El bajo de cuerda es el instrumento de bajo más utilizado en la música bluegrass y casi siempre se pulsa, aunque algunos bajistas modernos de bluegrass también han utilizado un arco. El bajista de bluegrass es parte de la sección de ritmo y es responsable de mantener un ritmo constante, ya sea rápido, lento, en4
4
, 2
4
o 3
4
tiempo. El bajo también mantiene la progresión y armonía de los acordes. Las marcas Engelhardt-Link (anteriormente Kay ) de bajos de madera contrachapada han sido durante mucho tiempo opciones populares para los bajistas de bluegrass. La mayoría de los bajistas de bluegrass usan los bajos de tamaño 34 , pero también se usan los bajos de tamaño completo y los de 58 .

Bajo vertical utilizado por un grupo de bluegrass; el cable de una pastilla piezoeléctrica se puede ver extendiéndose desde el puente.

La música tradicional anterior al bluegrass a menudo iba acompañada del violonchelo. La violonchelista Natalie Haas señala que en Estados Unidos se pueden encontrar "... fotografías antiguas, e incluso grabaciones antiguas, de bandas de cuerdas estadounidenses con violonchelo". Sin embargo, "el violonchelo se perdió de vista en la música folclórica y se asoció con la orquesta". El violonchelo no reapareció en bluegrass hasta la década de 1990 y la primera década del siglo XXI. Algunas bandas de bluegrass contemporáneas favorecen el bajo eléctrico, porque es más fácil de transportar que el bajo vertical grande y algo frágil. Sin embargo, el bajo tiene un sonido musical diferente. Muchos músicos sienten que el ataque más lento y el tono percusivo y amaderado del bajo vertical le da un sonido más "terroso" o "natural" que un bajo eléctrico, particularmente cuando se utilizan cuerdas de tripa.

Los ritmos comunes en la ejecución del bajo bluegrass implican (con algunas excepciones) puntear en los tiempos 1 y 3 en 4
4
tiempo; late 1 y 2 en2
4
tiempo, y en el tiempo fuerte en 3
4
tiempo (tiempo de vals). Las líneas de bajo de Bluegrass suelen ser simples, por lo general permanecen en la raíz y la quinta de cada acorde durante la mayor parte de una canción. Hay dos excepciones principales a esta regla. Los bajistas de Bluegrass a menudo hacen un walkup o walkdown diatónico , en el que tocan cada tiempo de un compás durante uno o dos compases, generalmente cuando hay un cambio de acorde. Además, si un bajista recibe un solo, puede tocar una línea de bajo andante con una nota en cada tiempo o tocar una línea de bajo con influencia de escala pentatónica.

El bajista de música country "Too Slim" ( Fred labor de Riders in the Sky ) actuando en Ponca City, Oklahoma, en 2008

Uno de los primeros bajistas de bluegrass que saltó a la fama fue Howard Watts (también conocido como Cedric Rainwater), que tocó con Blue Grass Boys de Bill Monroe a partir de 1944. El bajista clásico Edgar Meyer se ha diversificado con frecuencia en el jazz newgrass , de los viejos tiempos. y otros géneros. "Mi favorito de todos los tiempos es Todd Phillips ", proclamó el bajista de Union Station Barry Bales en abril de 2005. "Trajo una forma completamente diferente de pensar y tocar el bluegrass.

Un bajo vertical era el instrumento de bajo estándar en la música country occidental tradicional . Si bien el bajo vertical todavía se usa ocasionalmente en la música country , el bajo eléctrico ha reemplazado en gran medida a su primo más grande en la música country, especialmente en los estilos country más pop de las décadas de 1990 y 2000, como el nuevo país.

Bajo estilo slap

El bajo estilo slap se usa a veces en la ejecución del bajo bluegrass. Cuando los bajistas de bluegrass golpean la cuerda tirando de ella hasta que golpea el diapasón o golpea las cuerdas contra el diapasón, agrega el sonido agudo de percusión "clack" o "slap" a las notas graves de tono bajo, sonando muy parecido al clacks de una bailarina de claqué. Las bofetadas son un tema de controversia menor en la escena del bluegrass. Incluso los expertos en bofetadas como Mike Bub dicen: "No abofetee en cada concierto", o en las canciones donde no es apropiado. Además, los bajistas de bluegrass que tocan al estilo slap en programas en vivo a menudo golpean menos los discos. Bub y su mentor Jerry McCoury rara vez tocan el bajo en las grabaciones. Mientras que bajistas como Jack Cook tocan el bajo en la ocasional "canción Clinch Mountain Boys" más rápida, bajistas como Gene Libbea, Missy Raines , Jenny Keel y Barry Bales [rara vez] tocan el bajo.

El bajista de Bluegrass Mark Schatz, quien enseña slap bass en su DVD Intermediate Bluegrass Bass reconoce que slap bass "... no ha sido estilísticamente muy predominante en la música que he grabado". Señala que "incluso en el tradicional bluegrass slap bass sólo aparece esporádicamente y la mayor parte de lo que he hecho ha sido en el lado más contemporáneo de eso (Tony Rice, Tim O'Brien)". Schatz afirma que sería "... más probable que lo use [slap] en una situación en vivo que en una grabación, para un solo o para puntuar un lugar en particular en una canción o melodía donde yo no estaría borrando el solo de alguien ". Otro método de bluegrass, Learn to Play Bluegrass Bass , de Earl Gately, también enseña la técnica de bluegrass slap bass. El bajista alemán Didi Beck toca rápidos trillizos, como se demuestra en este video.

Usar en música popular

A principios de la década de 1950, el bajo vertical era el instrumento de bajo estándar en el estilo emergente de la música rock and roll , Marshall Lytle de Bill Haley & His Comets es solo un ejemplo. En la década de 1940, se desarrolló un nuevo estilo de música de baile llamado rhythm and blues , que incorpora elementos de los estilos anteriores de blues y swing. Louis Jordan , el primer innovador de este estilo, presentó un bajo vertical en su grupo, el Tympany Five .

El bajo vertical siguió siendo una parte integral de las alineaciones de pop durante la década de 1950, ya que el nuevo género de rock and roll se construyó en gran medida sobre el modelo de rhythm and blues, con elementos fuertes también derivados del jazz, el country y el bluegrass. Sin embargo, los bajistas erguidos que utilizan sus instrumentos en estos contextos se enfrentan a problemas inherentes. Se vieron obligados a competir con instrumentos de trompeta más fuertes (y luego guitarras eléctricas amplificadas ), lo que dificultaba la audición de las partes del bajo. El bajo vertical es difícil de amplificar en entornos de sala de conciertos ruidosos, porque puede ser propenso a aullidos de retroalimentación . Además, el bajo vertical es grande y difícil de transportar, lo que también creó problemas de transporte para las bandas de gira. En algunos grupos, el bajo slap se utilizó como percusión de la banda en lugar de un baterista; tal fue el caso de Bill Haley & His Saddlemen (el grupo precursor de los Comets), que no utilizó bateristas en grabaciones y presentaciones en vivo hasta finales de 1952; antes de esto, se confiaba en el bajo slap para la percusión, incluso en grabaciones como las versiones de Haley de " Rock the Joint " y " Rocket 88 ".

En 1951, Leo Fender lanzó su Precision Bass , el primer bajo eléctrico comercialmente exitoso . El bajo eléctrico se amplificó fácilmente con sus pastillas magnéticas incorporadas , fácilmente portátil (menos de un pie más largo que una guitarra eléctrica) y más fácil de tocar afinado que un bajo vertical, gracias a los trastes de metal. En las décadas de 1960 y 1970, las bandas tocaban a un volumen más alto y actuaban en lugares más grandes. El bajo eléctrico fue capaz de proporcionar el tono de bajo enorme y altamente amplificado que llenaba el estadio que exigía la música pop y rock de esta época, y el bajo vertical se alejó del centro de atención de la escena musical popular.

Fotos del bajista Miroslav Vitous :

El contrabajo comenzó a hacer una reaparición en la música popular a mediados de la década de 1980, en parte debido a un renovado interés en formas anteriores de música folk y country, como parte de las tendencias del roots rock y la americana . En la década de 1990, las mejoras en los diseños de pastillas y amplificadores para bajos electroacústicos horizontales y verticales facilitaron a los bajistas obtener un tono amplificado bueno y claro de un instrumento acústico. Algunas bandas populares decidieron anclar su sonido con un bajo vertical en lugar de un bajo eléctrico, como Barenaked Ladies . La tendencia de actuaciones "desconectadas" en MTV , en las que las bandas de rock actuaban con instrumentos exclusivamente acústicos, contribuyó aún más a aumentar el interés del público por los bajos verticales y los bajos acústicos .

Jim Creeggan de Barenaked Ladies , fotografiado en un show de 2009

Jim Creeggan de Barenaked Ladies toca principalmente el bajo vertical, aunque ha tocado cada vez más el bajo a lo largo de la carrera de la banda. Chris Wyse del grupo de rock alternativo Owl usa una combinación de contrabajo y eléctrico. Athol Guy del grupo de folk / pop australiano The Seekers toca un bajo vertical. Shannon Birchall , del grupo de folk-rock australiano The John Butler Trio , hace un uso extensivo de bajos verticales, interpretando solos en vivo extendidos en canciones como Betterman. En el álbum de 2008 In Ear Park de la banda indie / pop Department of Eagles , un bajo vertical inclinado aparece de manera bastante prominente en las canciones "Teenagers" e "In Ear Park". La banda noruega de ompa-rock Kaizers Orchestra usa el bajo vertical exclusivamente tanto en vivo como en sus grabaciones.

El dúo de pop contemporáneo francés "What a day" utiliza la técnica del pizzicato extendido del contrabajo con voz y escritora

Los bajistas de Hank Williams III (Jason Brown, Joe Buck y Zach Shedd, sobre todo) han utilizado bajos verticales para grabar, así como durante los sets de country y Hellbilly de las actuaciones en vivo de Hank III antes de cambiar al bajo eléctrico para el set de Assjack .

El género de psychobilly rockabilly-punk de finales de la década de 1970 continuó y se expandió sobre la tradición rockabilly del slap bass. Bajistas como Kim Nekroman y Geoff Kresge han desarrollado la capacidad de tocar un bajo rápido que, de hecho, convierte el bajo en un instrumento de percusión.

Estilos de juego modernos

Un amplificador de bajo de tamaño medio que se utiliza para amplificar un contrabajo en un pequeño concierto de jazz.

En los géneros musicales populares, el instrumento se suele tocar con amplificación y casi exclusivamente con los dedos, al estilo pizzicato . El estilo pizzicato varía entre diferentes jugadores y géneros. Algunos músicos tocan con los lados de uno, dos o tres dedos, especialmente para las líneas de bajo que caminan y las baladas de tempo lento, porque se supone que esto crea un tono más fuerte y sólido. Algunos músicos usan las puntas de los dedos más ágiles para tocar pasajes en solitario de movimiento rápido o para puntear ligeramente para melodías tranquilas. El uso de la amplificación permite al jugador tener más control sobre el tono del instrumento, porque los amplificadores tienen controles de ecualización que permiten al bajista acentuar ciertas frecuencias (a menudo las frecuencias bajas) mientras desacentúa algunas frecuencias (a menudo las frecuencias altas, por lo que que hay menos ruido de dedos).

El tono de un bajo acústico no amplificado está limitado por la capacidad de respuesta de frecuencia del cuerpo hueco del instrumento, lo que significa que los tonos muy bajos pueden no ser tan fuertes como los tonos más altos. Con un amplificador y dispositivos de ecualización, un bajista puede aumentar las frecuencias bajas, lo que cambia la respuesta de frecuencia. Además, el uso de un amplificador puede aumentar el sostenido del instrumento, lo que es particularmente útil para el acompañamiento durante baladas y para solos melódicos con notas sostenidas.

En la música tradicional de jazz, swing , polka , rockabilly y psychobilly, a veces se toca al estilo slap . Esta es una versión vigorosa de pizzicato donde las cuerdas son "golpeadas" contra el diapasón entre las notas principales de la línea de bajo, produciendo un sonido de percusión similar a un tambor . Las notas principales se tocan normalmente o tirando de la cuerda del diapasón y soltándola para que rebote en el diapasón, produciendo un ataque de percusión distintivo además del tono esperado. Los bajistas notables de estilo slap, cuyo uso de la técnica era a menudo muy sincopado y virtuoso, a veces interpolaban dos, tres, cuatro o más slaps entre las notas de la línea de bajo.

El "estilo Slap" puede haber influido en los bajistas eléctricos que, desde mediados de los sesenta (especialmente Larry Graham de Sly and the Family Stone), desarrollaron una técnica llamada slap and pop que usaba el pulgar de la mano punteadora para golpear la cuerda. haciendo un sonido de bofetadas pero dejando que la nota suene, y el dedo índice o medio de la mano que pulsa para tirar de la cuerda hacia atrás para que golpee el diapasón, logrando el sonido pop descrito anteriormente. El bajista de Motown James Jamerson usó habitualmente un contrabajo para mejorar el bajo eléctrico en la postproducción ("dulcificación") de las pistas grabadas y viceversa en muchos casos.

Contrabajistas

Histórico

Moderno

Contemporáneo (década de 1900)

Clásico

Solista de contrabajo Gary Karr

Algunos de los contrabajistas clásicos contemporáneos más influyentes son conocidos tanto por sus contribuciones a la pedagogía como por sus habilidades interpretativas, como el bajista estadounidense Oscar G. Zimmerman (1910-1987), conocido por su enseñanza en la Eastman School of Music y , durante 44 veranos en el Interlochen National Music Camp en Michigan y el bajista francés François Rabbath (n. 1931), quien desarrolló un nuevo método de bajo que dividió todo el diapasón en seis posiciones. Los bajistas destacados por sus virtuosas habilidades solistas incluyen al pedagogo e intérprete estadounidense Gary Karr (n. 1941), el compositor finlandés Teppo Hauta-Aho (n. 1941), el compositor italiano Fernando Grillo y el intérprete y compositor estadounidense Edgar Meyer . Para obtener una lista más larga, consulte la Lista de contrabajistas clásicos contemporáneos .

Jazz

Entre los bajistas de jazz notables de la década de 1940 a la de 1950 se encuentran el bajista Jimmy Blanton (1918-1942), cuya breve permanencia en la banda de Duke Ellington Swing (interrumpida por su muerte de tuberculosis ) introdujo nuevas ideas de solistas melódicos y armónicos para el instrumento; el bajista Ray Brown (1926-2002), conocido por acompañar a Beboppers Dizzy Gillespie , Oscar Peterson , Art Tatum y Charlie Parker , y por formar el Modern Jazz Quartet ; el bajista de hard bop Ron Carter (nacido en 1937), que ha aparecido en 3.500 álbumes lo convierten en uno de los bajistas más grabados en la historia del jazz, incluidos los LP de Thelonious Monk y Wes Montgomery y muchos artistas de Blue Note Records ; y Paul Chambers (1935-1969), miembro del Miles Davis Quintet (incluida la histórica grabación de jazz modal Kind of Blue ) y muchas otras secciones rítmicas de los años cincuenta y sesenta, era conocido por sus virtuosas improvisaciones .

Christian McBride (nacido en 1972), uno de los nuevos "leones jóvenes" en la escena del jazz, ha ganado cuatro premios Grammy .

La era experimental posterior a la década de 1960 y el free jazz y la fusión de jazz y rock produjeron varios bajistas influyentes. Charles Mingus (1922-1979), quien también fue compositor y director de orquesta , produjo música que fusionaba el hard bop con la música gospel negra , el free jazz y la música clásica. El bajista de free jazz y post-bop Charlie Haden (1937-2014) es mejor conocido por su larga asociación con el saxofonista Ornette Coleman y por su papel en la Liberation Music Orchestra de la década de 1970 , un grupo experimental. Eddie Gómez y George Mraz , quienes tocaron con Bill Evans y Oscar Peterson , respectivamente, y se reconoce que ambos han fomentado las expectativas de fluidez pizzicato y fraseo melódico. El virtuoso de la fusión Stanley Clarke (nacido en 1951) se destaca por su destreza tanto en el bajo vertical como en el bajo eléctrico. Terry Plumeri se destaca por su fluidez de arco similar a un cuerno y su tono de voz.

En la década de 1990 y la primera década del siglo XXI, uno de los nuevos "leones jóvenes" fue Christian McBride (nacido en 1972), que ha actuado con una variedad de veteranos que van desde McCoy Tyner hasta los gurús de la fusión Herbie Hancock y Chick Corea , y que ha lanzado álbumes como Vertical Vision de 2003 . Otra joven bajista destacada es Esperanza Spalding (nacida en 1984) quien, a sus 27 años, ya había ganado un Grammy como Mejor Artista Nuevo.

Otros géneros populares

Scott Owen , contrabajista de la banda de rock australiana The Living End

Además de ser un destacado jugador clásico, Edgar Meyer es bien conocido en los círculos de bluegrass y newgrass . Todd Phillips es otro destacado jugador de bluegrass. Entre los bajistas de rockabilly conocidos se encuentran Bill Black , Marshall Lytle (con Bill Haley & His Comets ) y Lee Rocker (con los revivalistas del rockabilly de la década de 1980, los Stray Cats ).

Entre los revivalistas del rockabilly y los artistas del psychobilly notables de la década de 1990 y la primera década del siglo XXI se encuentran Scott Owen (de la banda australiana The Living End ), Jimbo Wallace (de la banda estadounidense Reverend Horton Heat ), Kim Nekroman ( Nekromantix ), Patricia Day ( HorrorPops ), Geoff Kresge ( Ejército de Tigres , ex AFI ). Willie Dixon (1915-1992) fue una de las figuras más notables de la historia del rhythm and blues . Además de ser un bajista honrado, escribió docenas de éxitos de R&B y trabajó como productor. También toca el bajo en numerosos éxitos del rock and roll de Chuck Berry . Muchas otras bandas de rockabilly como El Rio Trio (de Holanda) también utilizan este instrumento en su trabajo. Consulte también la Lista de contrabajistas en la música popular .

Pedagogía y formación

La pedagogía y la formación para el contrabajo varían mucho según el género y el país. El contrabajo clásico tiene una historia de pedagogía que se remonta a varios siglos, que incluye manuales de enseñanza, estudios y ejercicios progresivos que ayudan a los estudiantes a desarrollar la resistencia y precisión de la mano izquierda y el control de la mano arqueada. Los métodos de formación clásicos varían según el país: muchos de los principales países europeos están asociados con métodos específicos (por ejemplo, el método Edouard Nanny en Francia o el método Franz Simandl en Alemania). En el entrenamiento clásico, la mayor parte de la instrucción para la mano derecha se centra en la producción del tono de reverencia; se dedica poco tiempo a estudiar las variedades de tono pizzicato.

Por el contrario, en géneros que utilizan principal o exclusivamente el pizzicato (punteo), como el jazz y el blues, se concentra una gran cantidad de tiempo y esfuerzo en aprender las variedades de diferentes estilos de pizzicato utilizados para la música de diferentes estilos de tempi. Por ejemplo, en el jazz, los aspirantes a bajistas tienen que aprender a interpretar una amplia gama de tonos de pizzicato, incluido el uso de los lados de los dedos para crear un sonido completo y profundo para baladas, el uso de las puntas de los dedos para líneas de bajo o solos que caminan rápidamente. y la ejecución de una variedad de notas fantasma de percusión rastrillando cuerdas silenciadas o parcialmente silenciadas.

Entrenamiento formal

La cantante y bajista de jazz Esperanza Spalding actuando el 10 de diciembre de 2009 en el Concierto del Premio Nobel de la Paz de 2009

De todos los géneros, el clásico y el jazz tienen los sistemas de instrucción y formación más establecidos y completos. En el medio clásico, los niños pueden comenzar a tomar lecciones privadas de instrumento y actuar en orquestas infantiles o juveniles. Los adolescentes que aspiran a convertirse en bajistas clásicos profesionales pueden continuar sus estudios en una variedad de entornos de capacitación formal, incluidos colegios, conservatorios y universidades. Las universidades ofrecen certificados y diplomas en interpretación de bajos.

Los conservatorios , que son el sistema de formación musical estándar en Francia y en Quebec (Canadá) ofrecen lecciones y experiencia orquestal amateur para contrabajistas. Las universidades ofrecen una variedad de programas de contrabajo, que incluyen títulos de licenciatura, maestría en música y doctorado en artes musicales . Además, hay una variedad de otros programas de formación, como campamentos de verano de música clásica y festivales de formación de orquesta, ópera o música de cámara, que brindan a los estudiantes la oportunidad de tocar una amplia gama de música.

Los títulos de licenciatura en interpretación de bajo (denominados B.Mus. O BM) son programas de cuatro años que incluyen lecciones individuales de bajo, experiencia en orquesta de aficionados y una secuencia de cursos en historia de la música, teoría musical y cursos de artes liberales (p. Ej., Literatura inglesa), que le dan al estudiante una educación más completa. Por lo general, los estudiantes de interpretación de bajo realizan varios recitales de música de contrabajo solista, como conciertos, sonatas y suites barrocas.

Los títulos de maestría en música ( M.mus. ) En interpretación de contrabajo consisten en lecciones privadas, experiencia de conjunto, entrenamiento para tocar partes de contrabajo orquestal y cursos de posgrado en historia de la música y teoría musical, junto con uno o dos recitales en solitario. Una maestría en música (conocida como M.Mus. O MM) es a menudo una credencial requerida para las personas que desean convertirse en profesores de contrabajo en una universidad o conservatorio.

El profesor de la Manhattan School of Music, Timothy Cobb, enseñaba una lección de bajo a finales de la década de 2000. Su bajo tiene una extensión de C baja con una "máquina" de metal con botones para tocar los tonos en la extensión.

Los títulos de Doctorado en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D.) en interpretación de contrabajo brindan una oportunidad para estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, que generalmente requieren un adicional de 54 + horas de crédito más allá de una maestría (que son más de 30 créditos más allá de una licenciatura). Por esta razón, la admisión es muy selectiva. Se requieren exámenes en historia de la música, teoría musical, entrenamiento del oído / dictado y un examen de ingreso-recital. Los estudiantes realizan una serie de recitales (alrededor de seis), incluido un recital de conferencia con una disertación de doctorado, trabajo de curso avanzado y un promedio mínimo de B son otros requisitos típicos de un programa de DMA.

A lo largo de la historia temprana del jazz, los contrabajistas aprendieron el instrumento de manera informal o adquirieron una formación clásica desde el principio, como en el caso de Ron Carter y Charles Mingus. En las décadas de 1980 y 1990, los colegios y universidades comenzaron a introducir diplomas y títulos en interpretación de jazz. Los estudiantes en programas de diploma de jazz o de licenciatura en música toman lecciones individuales de bajo, adquieren experiencia en pequeños combos de jazz con el entrenamiento de un músico experimentado y tocan en grandes bandas de jazz. Al igual que con los programas de formación clásica, los programas de jazz también incluyen cursos presenciales en historia de la música y teoría musical. En un programa de jazz, estos cursos se centran en las diferentes épocas de la historia del jazz. como Swing, Bebop y Fusion. Los cursos de teoría se centran en las habilidades musicales utilizadas en la improvisación de jazz y en la composición de jazz (acompañamiento) y la composición de melodías de jazz. También hay campamentos de verano de jazz y festivales / seminarios de formación, que ofrecen a los estudiantes la oportunidad de aprender nuevas habilidades y estilos.

Entrenamiento informal

En otros géneros, como el blues, el rockabilly y el psychobilly, los sistemas pedagógicos y las secuencias de formación no están tan formalizados e institucionalizados. No hay títulos en interpretación de blues bass ni conservatorios que ofrezcan diplomas de varios años en rockabilly bass. Sin embargo, existe una variedad de libros, métodos de reproducción y, desde la década de 1990, DVD instructivos (por ejemplo, sobre cómo tocar el bajo slap al estilo rockabilly). Como tal, los artistas de estos otros géneros tienden a provenir de una variedad de rutas, incluido el aprendizaje informal mediante el uso de libros de métodos de bajo o DVD, tomando lecciones privadas y entrenamiento, y aprendiendo de discos y CD. En algunos casos, los bajistas de blues o rockabilly pueden haber obtenido alguna formación inicial a través de los sistemas de pedagogía clásica o de jazz (por ejemplo, orquesta juvenil o big band de la escuela secundaria). En géneros como el tango, que utilizan muchos pasajes con arco y líneas de pizzicato estilo jazz, los bajistas suelen provenir de rutas de formación clásicas o de jazz.

Carreras

Las carreras en contrabajo varían ampliamente según el género y la región o el país. La mayoría de los bajistas se ganan la vida con una combinación de trabajos de interpretación y enseñanza. El primer paso para conseguir la mayoría de los trabajos de interpretación es tocar en una audición . En algunos estilos de música, como las bandas escénicas orientadas al jazz, se les puede pedir a los bajistas que lean a primera vista música impresa o interpreten piezas estándar (por ejemplo, un estándar de jazz como Now's the Time ) con un conjunto. De manera similar, en una banda de rock o blues, a los audicionados se les puede pedir que toquen varios estándares de rock o blues. A un bajista erguido que hace una audición para una banda de blues se le puede pedir que toque una línea de bajo andante de estilo swing , una línea de bajo de "golpeteo" de estilo rockabilly (en la que las cuerdas se golpean percusivamente contra el diapasón) y una balada de los años 50 con notas prolongadas. Se puede esperar que una persona que hace una audición para un papel como bajista en algunos estilos de música pop o rock demuestre la capacidad de interpretar voces de armonía como cantante de respaldo . En algunos grupos de pop y rock, se le puede pedir al bajista que toque otros instrumentos de vez en cuando, como bajo eléctrico, teclados o guitarra acústica. La capacidad de tocar el bajo eléctrico es muy esperada en los grupos de country, en caso de que la banda esté interpretando un rock clásico o una nueva canción country.

Una sección de contrabajo alemán en 1952. El jugador de la izquierda está usando un arco alemán.

Música clásica

En música clásica , los bajistas hacen una audición para tocar en orquestas y para ingresar a programas o títulos universitarios o de conservatorio. En una audición de bajo clásico, el intérprete suele tocar un movimiento de una suite JS Bach para violonchelo solo o un movimiento de un concierto de bajo y una variedad de extractos de la literatura orquestal. Los extractos suelen ser las partes técnicamente más desafiantes de las partes de bajo y los solos de bajo de la literatura orquestal. Algunos de los extractos orquestales más solicitados en las audiciones de bajo son de las Sinfonías Nos. 5, 7 y 9 de Beethoven ; Strauss 's Ein Heldenlehen y Don Juan ; Las Sinfonías de Mozart núms. 35, 39 y 40; Sinfonías Nos. 1 y 2 de Brahms ; Pulcinella de Stravinsky ; La Sinfonía núm. 5 de Shostakovich ; Ginastera 's Variaciones Concertante ; Sinfonía núm. 4 de Tchaikovsky ; Sinfonía núm. 2 de Mahler ; Suite No. 2 de J. S. Bach en B; Berlioz 's Symphonie Fantastique , Mendelssohn ' s sinfonía No. 4; y los solos de bajo de Verdi 's ópera Otello , Mahler ' s Sinfonía nº 1, Britten 's Guía de la joven de la orquesta y Prokofiev ' s teniente Kije suite .

Ver también

Referencias

enlaces externos

Otras lecturas

General

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Historia

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Métodos de instrucción y desempeño

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