Diego Velázquez - Diego Velázquez

Diego Velázquez
Autorretrato de Diego Velázquez 45 x 38 cm - Colección Real Academia de Bellas Artes de San Carlos - Museo de Bellas Artes de Valencia.jpg
Autorretrato, c.1640
Nació
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

bautizado el 6 de junio de 1599
Sevilla , Andalucía , España.
Fallecido 6 de agosto de 1660 (61 años)
Madrid , España
Nacionalidad Español
Conocido por Cuadro
Trabajo notable
La rendición de Breda (1634-1635)
Rokeby Venus (1647-1651)
Retrato de Inocencio X (1650)
Las Meninas (1656)
Las Hilanderas (c. 1657)
Lista de obras
Movimiento Barroco

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (bautizado el 6 de junio de 1599 - 6 de agosto de 1660) fue un pintor español , el principal artista en la corte del rey Felipe IV y del Siglo de Oro español . Fue un artista individualista del período barroco contemporáneo . Comenzó a pintar con un estilo tenebrista preciso , desarrollando luego una forma más libre caracterizada por una pincelada atrevida. Además de numerosas interpretaciones de escenas de importancia histórica y cultural, pintó decenas de retratos de la familia real española y los plebeyos, que culminaron en su obra maestra Las Meninas (1656).

La obra de Velázquez se convirtió en un modelo para los pintores realistas e impresionistas del siglo XIX . En el siglo XX, artistas como Pablo Picasso , Salvador Dalí y Francis Bacon rindieron homenaje a Velázquez reinterpretando algunas de sus imágenes más icónicas.

Vida temprana

Casa natal de Velázquez en Sevilla

Velázquez nació en Sevilla , España, el primer hijo del notario Juan Rodríguez de Silva y Jerónima Velázquez. Fue bautizado en la iglesia de San Pedro de Sevilla el domingo 6 de junio de 1599. Lo más probable es que el bautismo se produjera unos días o semanas después de su nacimiento. Sus abuelos paternos, Diogo da Silva y Maria Rodrigues, eran portugueses y se habían mudado a Sevilla décadas antes. Cuando a Velázquez se le ofreció el título de caballero en 1658, afirmó descender de la nobleza menor para poder calificar; de hecho, sin embargo, sus abuelos eran comerciantes y posiblemente conversos judíos .

Criado en circunstancias modestas, mostró un don temprano para el arte y fue aprendiz de Francisco Pacheco , artista y maestro en Sevilla. Un biógrafo de principios del siglo XVIII, Antonio Palomino, dijo que Velázquez estudió durante un corto tiempo con Francisco de Herrera antes de comenzar su aprendizaje con Pacheco, pero esto no está documentado. Un contrato firmado el 17 de septiembre de 1611 formalizó un aprendizaje de seis años con Pacheco con fecha anterior a diciembre de 1610, y se ha sugerido que Herrera pudo haber sustituido a un Pacheco viajero entre diciembre de 1610 y septiembre de 1611.

Aunque considerado un pintor aburrido y poco distinguido, Pacheco a veces expresaba un realismo simple y directo, aunque su obra seguía siendo esencialmente manierista . Como maestro, aprendió mucho y alentó el desarrollo intelectual de sus alumnos. En la escuela de Pacheco, Velázquez estudió los clásicos, se formó en la proporción y la perspectiva, y fue testigo de las tendencias en los círculos literarios y artísticos de Sevilla.

Vieja friendo huevos (1618, inglés: Old Woman Frying Eggs ). Galería Nacional de Escocia , Edimburgo

El 23 de abril de 1618 Velázquez se casó con Juana Pacheco (1 de junio de 1602-10 de agosto de 1660), hija de su maestro. Tuvo dos hijas. La mayor, Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), se casó con el pintor Juan Bautista Martínez del Mazo en la Iglesia de Santiago de Madrid el 21 de agosto de 1633; la más joven, Ignacia de Silva Velázquez y Pacheco, nacida en 1621, murió en la infancia.

Las primeras obras de Velázquez son los bodegones (escenas de cocina con destacados bodegones ). Fue uno de los primeros artistas españoles en pintar escenas de este tipo, y su Old Woman Frying Eggs (1618) demuestra la habilidad inusual del joven artista en la representación realista. El realismo y la iluminación dramática de esta obra pueden haber estado influenciados por la obra de Caravaggio —que Velázquez pudo haber visto de segunda mano, en copias— y por la escultura policromada de las iglesias sevillanas. Dos de sus bodegones, Escena de cocina con Cristo en la casa de Marta (1618) y Escena de cocina con Cristo en Emaús (c. 1618), presentan escenas religiosas de fondo, pintadas de una manera que crea ambigüedad en cuanto a si la escena religiosa es una pintura en la pared, una representación de los pensamientos de la criada de la cocina en primer plano, o un incidente real visto a través de una ventana. La Virgen de la Inmaculada Concepción (1618–19) sigue una fórmula utilizada por Pacheco, pero reemplaza el tipo facial idealizado y las superficies lisas y acabadas de su maestra con el rostro de una niña local y variada pincelada. Sus otras obras religiosas incluyen La adoración de los magos (1619) y San Juan Evangelista en la isla de Patmos (1618–19), las cuales comienzan a expresar su realismo más agudo y cuidadoso.

También de este período son el retrato de Sor Jerónima de la Fuente (1620), primer retrato de cuerpo entero de Velázquez, y el género El vendedor de agua de Sevilla (1618-1622). El vendedor de agua de Sevilla ha sido denominado "el pico de los bodegones de Velázquez " y es admirado por su interpretación virtuosa de volúmenes y texturas, así como por su enigmática seriedad.

A Madrid (período temprano)

Velázquez había establecido su reputación en Sevilla a principios de la década de 1620. Viajó a Madrid en abril de 1622, con cartas de presentación a don Juan de Fonseca, capellán del Rey. A Velázquez no se le permitió pintar al nuevo rey, Felipe IV , pero retrató al poeta Luis de Góngora a pedido de Pacheco. El retrato mostraba a Góngora coronado con una corona de laurel, que luego Velázquez pintó. Regresó a Sevilla en enero de 1623 y permaneció allí hasta agosto.

En diciembre de 1622 murió Rodrigo de Villandrando , el pintor de la corte favorito del rey. Velázquez recibió la orden de acudir a la corte de parte de Gaspar de Guzmán, conde-duque de Olivares , el poderoso ministro de Felipe IV. Le ofrecieron 50 ducados (175 g de oro) para sufragar sus gastos y lo acompañó su suegro. Fonseca alojó al joven pintor en su casa y se sentó para un retrato que, una vez terminado, fue trasladado al palacio real. Se encargó un retrato del rey y el 30 de agosto de 1623 Felipe IV sustituyó a Velázquez. El retrato agradó al rey, y Olivares ordenó a Velázquez que se mudara a Madrid, prometiendo que ningún otro pintor pintaría jamás el retrato de Felipe y que todos los demás retratos del rey serían retirados de circulación. En el año siguiente, 1624, recibió del rey 300 ducados para pagar los gastos de traslado de su familia a Madrid, que se convirtió en su hogar para el resto de su vida.

El Triunfo de Baco o Los Borrachos 1629 (Inglés: El triunfo de Baco / Los borrachos )
Retrato de la infanta María Teresa , hija de Felipe IV con Isabel de Francia

Velázquez consiguió la entrada al servicio real con un salario de 20 ducados mensuales, alojamiento y pago por los cuadros que pudiera pintar. Su retrato de Felipe fue exhibido en las escaleras de San Felipe y recibido con entusiasmo. Ahora está perdido (al igual que el retrato de Fonseca). El Museo del Prado , sin embargo, cuenta con dos de los retratos del rey de Velázquez (núms. 1070 y 1071) en los que la severidad de la época sevillana ha desaparecido y los tonos son más delicados. El modelado es firme, recordando el de Antonio Mor , el retratista holandés de Felipe II , que ejerció una influencia considerable en la escuela española. Velázquez representa a Felipe con la golilla , un collar de lino rígido que se proyecta en ángulo recto desde el cuello. La golilla reemplazó la moda anterior de la corte de elaborados cuellos con volantes como parte de las leyes de reforma de la vestimenta de Felipe durante un período de crisis económica.

El Príncipe de Gales (luego Carlos I ) llegó a la corte de España en 1623. Los registros indican que fue el representante de Velázquez, pero la imagen ahora se perdió.

En 1627, Felipe organizó un concurso de los mejores pintores de España con el tema de la expulsión de los moros . Velázquez ganó. Las descripciones grabadas de su pintura (destruida en un incendio en el palacio en 1734) dicen que representaba a Felipe III apuntando con su batuta a una multitud de hombres y mujeres que eran llevados por soldados, mientras la personificación femenina de España descansaba en calma. Velázquez fue nombrado señor acomodador como recompensa. Más tarde también recibió una asignación diaria de 12 réis , la misma cantidad asignada a los barberos de la corte, y 90 ducados al año para vestimenta.

En septiembre de 1628, Peter Paul Rubens fue posicionado en Madrid como emisario de la infanta Isabel, y Velázquez lo acompañó a ver a los Tizianos en el Escorial . Rubens, que demostró su brillantez como pintor y cortesano durante los siete meses de la misión diplomática, tenía una alta opinión de Velázquez pero no tuvo una influencia significativa en su pintura. Sin embargo, sí galvanizó el deseo de Velázquez de ver Italia y las obras de los grandes maestros italianos.

En 1629, Velázquez recibió 100 ducados por el cuadro de Baco ( El triunfo de Baco ), también llamado Los Borrachos (Los borrachos), un cuadro de un grupo de hombres con vestimenta contemporánea que rinde homenaje a un joven semidesnudo coronado de hiedra. sentado en un barril de vino. Primera pintura mitológica de Velázquez, se ha interpretado de diversas maneras como la representación de una representación teatral, como una parodia o como una representación simbólica de campesinos pidiendo al dios del vino que les alivie sus penas. El estilo muestra el naturalismo de las primeras obras de Velázquez ligeramente tocado por la influencia de Tiziano y Rubens.

Período italiano

En 1629, Velázquez recibió permiso para pasar un año y medio en Italia. Aunque esta primera visita es reconocida como un capítulo crucial en el desarrollo de su estilo, y en la historia del Real Patronato de España, desde que Felipe IV patrocinó su viaje, se conocen pocos detalles y concretos de lo que vio el pintor, a quién conoció, cómo fue percibido y qué innovaciones esperaba introducir en su pintura.

Viajó a Venecia , Ferrara , Cento , Loreto , Bolonia y Roma . En 1630 visitó Nápoles para pintar el retrato de María Anna de España , y allí probablemente conoció a Ribera . Las obras principales de su primer período italiano son El abrigo sangriento de José llevado a Jacob (1629–30) y Apolo en la fragua de Vulcano (1630), las cuales revelan su ambición de rivalizar con los italianos como pintor de historia de manera grandiosa. Las dos composiciones de varias figuras de tamaño casi natural tienen dimensiones similares y pueden haber sido concebidas como colgantes: la escena bíblica que representa un engaño y la escena mitológica que representa la revelación de un engaño. Como había hecho en El triunfo de Baco , Velázquez presentó a sus personajes como personas contemporáneas cuyos gestos y expresiones faciales eran los de la vida cotidiana. Siguiendo el ejemplo de pintores boloñeses como Guido Reni , Velázquez pintó Apolo en la fragua de Vulcano sobre un lienzo preparado con un fondo gris claro en lugar del fondo rojizo oscuro de todas sus obras anteriores. El cambio dio como resultado una luminosidad mayor de la que había logrado anteriormente, e hizo del uso de fondos de color gris claro su práctica habitual.

Regreso a Madrid (período medio)

La rendición de Breda (1634-1635) se inspiró en la primera visita de Velázquez a Italia, en la que acompañó a Ambrogio Spinola , que conquistó la ciudad holandesa de Breda unos años antes. Representa una transferencia de la llave de la ciudad de los holandeses al ejército español durante el asedio de Breda . Se considera una de las mejores pinturas de Velázquez.

Velázquez regresó a Madrid en enero de 1631. Ese año completó el primero de sus muchos retratos del joven príncipe, comenzando con el príncipe Baltasar Carlos con un enano (Boston, Museo de Bellas Artes). En retratos como el Retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos (1635), Velázquez muestra al príncipe con aspecto digno y señorial, o con la vestimenta de un mariscal de campo sobre su corcel encabritado. En una versión, la escena está en la escuela de equitación del palacio, el rey y la reina mirando desde un balcón, mientras Olivares asiste como amo del caballo al príncipe.

Para decorar el nuevo palacio del rey, el Palacio del Buen Retiro , Velázquez pintó retratos ecuestres de la familia real. En Felipe IV a caballo (1634-1635), el rey está representado de perfil en una imagen de imperturbable majestad, demostrando su habilidad a caballo ejecutando un levade sin esfuerzo . La gran Rendición de Breda (1634-1635), también pintada para el Palacio, es la única pintura existente de Velázquez que representa la historia contemporánea. Su tratamiento simbólico de una victoria militar española sobre los holandeses evita la retórica de conquista y superioridad que es típica en tales escenas, en las que un general a caballo mira desde arriba a su oponente derrotado y arrodillado. En cambio, Velázquez muestra al general español de pie ante su homólogo holandés como un igual y extendiéndole una mano de consuelo.

El rostro impasible y saturnino del influyente ministro Olivares nos resulta familiar por los numerosos retratos que Velázquez pintó. Destacan dos: uno es de cuerpo entero, majestuoso y digno, en el que lleva la cruz verde de la orden de Alcántara y sostiene una varita, insignia de su oficio de amo de caballo; en el otro, El conde-duque de Olivares a caballo (c. 1635), se le representa halagadoramente como un mariscal de campo durante la acción. En estos retratos, Velázquez pagó bien la deuda de gratitud que tenía con el patrón que lo había llamado la atención del rey por primera vez.

El escultor Juan Martínez Montañés modeló una estatua a partir de uno de los retratos ecuestres del rey de Velázquez (pintado en 1636; ahora perdido) que fue fundido en bronce por el escultor florentino Pietro Tacca y que ahora se encuentra en la Plaza de Oriente de Madrid. Velázquez estuvo muy cerca de Felipe y lo acompañó a Aragón en 1644, donde el artista pintó un retrato del monarca con el traje mientras pasaba revista a sus tropas en Fraga .

Las pinturas de Velázquez de Esopo y Menipo (ambas c. 1636-1638) retratan a escritores antiguos bajo la apariencia de retratos de mendigos. Mars Resting (c. 1638) es tanto una representación de una figura mitológica como un retrato de un hombre de mediana edad de aspecto cansado que se hace pasar por Marte. El modelo está pintado con atención a su individualidad, mientras que su bigote descuidado y de gran tamaño es una incongruencia levemente cómica. La imagen equívoca se ha interpretado de diversas formas: Javier Portús la describe como "una reflexión sobre la realidad, la representación y la visión artística", mientras que Alfonso E. Pérez Sánchez dice que "también se ha visto como una meditación melancólica en los brazos de España en declive ”.

Si no hubiera sido por su nombramiento real, que permitió a Velázquez escapar de la censura de la Inquisición , no habría podido publicar su La Venus del espejo (c. 1644-1648, inglés: Venus at her Mirror ), también conocida como La Venus de Rokeby . Es el primer desnudo femenino conocido pintado por un artista español, y el único desnudo femenino sobreviviente de Velázquez.

Retrato

Dama de la corte , c. 1635
Retrato de Pablo de Valladolid , 1635, tonto de la corte de Felipe IV

Además de los muchos retratos de Felipe por Velázquez —34 por uno— pintó retratos de otros miembros de la familia real: la primera esposa de Felipe, Isabel de Borbón , y sus hijos, especialmente su hijo mayor, Don Baltasar Carlos , a quien Velázquez representado por primera vez alrededor de los dos años de edad. Caballeros, soldados, eclesiásticos y el poeta Francisco de Quevedo (ahora en Apsley House ), representaron a Velázquez.

Velázquez también pintó varios bufones y enanos en la corte de Felipe, a quienes retrató con simpatía y respeto a su individualidad, como en El bufón don Diego de Acedo (1644), cuyo rostro inteligente y enorme folio con tintero y bolígrafo a su lado muestran que sea un hombre sabio y culto. A este período intermedio pertenecen Pablo de Valladolid (1635), bufón evidentemente actuando, y El bufón de Coria (1639).

Como pintor de la corte, Velázquez tuvo menos encargos de obras religiosas que cualquiera de sus contemporáneos. Cristo Crucificado (1632), pintado para el Convento de San Plácido de Madrid, representa a Cristo inmediatamente después de la muerte. La cabeza del Salvador cuelga sobre su pecho y una masa de cabello oscuro enredado oculta parte del rostro, lo que refuerza visualmente la idea de la muerte. La figura se presenta sola ante un fondo oscuro.

El yerno de Velázquez, Juan Bautista Martínez del Mazo, lo había sucedido como acomodador en 1634, y el propio Mazo había recibido un ascenso constante en la casa real. Mazo recibió una pensión de 500 ducados en 1640, aumentada a 700 en 1648, por retratos pintados y por pintar, y fue nombrado inspector de obras en el palacio en 1647.

Felipe ahora confía a Velázquez la misión de procurar pinturas y esculturas para la colección real. Rica en imágenes, España era débil en estatuas, y Velázquez recibió una vez más el encargo de dirigirse a Italia para realizar compras.

Segunda visita a Italia

Cuando partió en 1649, lo acompañaba su ayudante Juan de Pareja, quien en ese momento era esclavo y había sido formado en pintura por Velázquez. Velázquez zarpó de Málaga , desembarcó en Génova y procedió de Milán a Venecia, comprando pinturas de Tiziano , Tintoretto y Veronés sobre la marcha. En Módena fue recibido con mucho favor por el duque, y aquí pintó el retrato del duque en la galería de Módena y dos retratos que ahora adornan la galería de Dresde , ya que estas pinturas provienen de la venta de Módena de 1746.

Esas obras presagian el advenimiento de la tercera y última manera del pintor, un noble ejemplo de lo cual es el gran retrato del Papa Inocencio X en la Galería Doria Pamphilj de Roma, donde ahora procedía Velázquez. Allí fue recibido con marcado favor por el Papa, quien le obsequió con una medalla y una cadena de oro. Velázquez se llevó una copia del retrato, que sir Joshua Reynolds pensó que era el mejor cuadro de Roma, con él a España. Existen varias copias en diferentes galerías, algunas de ellas posiblemente estudios para el original o réplicas pintadas para Felipe. Velázquez, en esta obra, había alcanzado ahora la manera abreviada , término acuñado por los españoles contemporáneos para este estilo más atrevido y afilado. El retrato muestra tal crueldad en la expresión de Inocencio que algunos en el Vaticano temieron que el Papa lo viera desfavorablemente; de hecho, Innocent estaba satisfecho con el trabajo y lo colgó en la sala de espera oficial de su visitante.

En 1650 en Roma Velázquez también pintó un retrato de Juan de Pareja , ahora en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Este retrato le valió la elección para la Accademia di San Luca . Supuestamente Velázquez creó este retrato como un calentamiento de sus habilidades antes de su retrato del Papa. Captura con gran detalle el semblante de Pareja y su ropa algo gastada y remendada con un uso económico de la pincelada. En noviembre de 1650, Juan de Pareja fue liberado por Velázquez.

A este período también pertenecen dos pequeñas pinturas de paisajes, ambas tituladas Vista del jardín de la Villa Medici . Como paisajes aparentemente pintados directamente de la naturaleza, eran excepcionales para su época y revelan el detenido estudio de Velázquez de la luz en diferentes momentos del día.

Como parte de su misión de procurar la decoración de la Sala de los Espejos del Real Alcázar de Madrid , Velázquez encargó a Matteo Bonuccelli la realización de doce copias en bronce de los leones Medici . Las copias se encuentran ahora en el Palacio Real de Madrid y en el Museo del Prado .

Durante su estadía en Roma, Velázquez tuvo un hijo natural, Antonio, a quien no se sabe que haya visto nunca.

Regreso a España y posterior carrera

Desde febrero de 1650, Felipe solicitó repetidamente el regreso de Velázquez a España. Así, tras visitar Nápoles —donde vio a su viejo amigo José Ribera— y Venecia, Velázquez regresó a España vía Barcelona en 1651, llevándose muchos cuadros y 300 estatuas, que luego fueron ordenadas y catalogadas para el rey.

Isabel de Francia había muerto en 1644 y el rey se había casado con Mariana de Austria , a quien Velázquez pintaba ahora en muchas actitudes. En 1652 fue elegido especialmente por el rey para ocupar el alto cargo de aposentador alcalde , lo que le impuso el deber de velar por los cuartos ocupados por la corte, función responsable que no era sinecura y que interfería en el ejercicio de su cargo. Arte. Sin embargo, lejos de indicar un declive, sus obras de este período se encuentran entre los más altos ejemplos de su estilo.

Las Meninas

Las Meninas (1656)

Una de las infantas , Margaret Theresa , la hija mayor de la nueva reina, parece ser el tema de Las Meninas (1656, inglés: The Maids of Honor ), la obra magna de Velázquez . Creado cuatro años antes de su muerte, sirve como un ejemplo destacado del arte barroco europeo . Luca Giordano , pintor italiano contemporáneo, se refirió a ella como la "teología de la pintura", y en el siglo XVIII el inglés Thomas Lawrence la citó como la "filosofía del arte". Sin embargo, no está claro quién o cuál es el verdadero tema de la imagen. ¿Es la hija real, o quizás el pintor mismo? El rey y la reina se ven reflejados en un espejo en la pared del fondo, pero la fuente del reflejo es un misterio: ¿la pareja real está parada en el espacio del espectador o el espejo refleja la pintura en la que está trabajando Velázquez? Dale Brown dice que Velázquez pudo haber concebido la imagen descolorida del rey y la reina en la pared del fondo como un presagio de la caída del Imperio español que iba a cobrar impulso tras la muerte de Felipe.

En el libro de 1966 Les Mots et Les Choses ( El orden de las cosas ), el filósofo Michel Foucault dedica el capítulo inicial a un análisis detallado de Las Meninas . Describe las formas en que la pintura problematiza cuestiones de representación a través del uso de espejos, pantallas y las oscilaciones posteriores que se producen entre el interior, la superficie y el exterior de la imagen.

Se dice que el rey pintó la Cruz honorífica de Santiago de la Orden de Santiago en el pecho del pintor tal como aparece hoy en el lienzo. Sin embargo, Velázquez no recibió este honor de caballero hasta tres años después de la ejecución de este cuadro. Incluso el rey de España no podía convertir a su favorito en un caballero con cinturón sin el consentimiento de la comisión establecida para investigar la pureza de su linaje . El objetivo de estas investigaciones sería evitar el nombramiento para puestos de cualquier persona que se descubra que tiene incluso una mancha de herejía en su linaje, es decir, un rastro de sangre judía o morisca o contaminación por comercio o comercio en cualquier lado de la familia por muchas generaciones. Los registros de esta comisión se han encontrado entre los archivos de la Orden de Santiago. Velázquez recibió el honor en 1659. Su ocupación como plebeyo y comerciante estaba justificada porque, como pintor del rey, evidentemente no estaba involucrado en la práctica de "vender" cuadros.

Ultimos años

Detalle de Las Meninas (autorretrato de Velázquez)
Retrato de la infanta Margarita Teresa de ocho años con un vestido azul (1659)

Básicamente, solo había dos mecenas del arte en España: la iglesia y el rey y la corte amantes del arte. Bartolomé Esteban Murillo , quien se afanó por una iglesia rica y poderosa, dejó pocos medios para pagar su entierro, mientras que Velázquez vivió y murió gozando de un buen salario y pensión.

Una de sus últimas obras fue Las hilanderas ( Las hilanderas ) , pintada alrededor de 1657, una representación de la Fábula de Aracne de Ovidio . El tapiz de fondo se basa en Titian 's la Violación de Europa , o, más probablemente, la copia que Rubens pintó en Madrid . Está lleno de luz, aire y movimiento, con colores vibrantes y un manejo cuidadoso. Anton Raphael Mengs dijo que esta obra parecía haber sido pintada no por la mano sino por la pura fuerza de voluntad. Muestra una concentración de todo el conocimiento artístico que Velázquez había acumulado durante su dilatada carrera artística de más de cuarenta años. El esquema es simple: una confluencia de rojo, verde azulado, gris y negro variado y mezclado.

Los últimos retratos de Velázquez de los niños reales se encuentran entre sus mejores obras y en la Infanta Margarita Teresa con un vestido azul el estilo personal del pintor alcanzó su punto culminante: manchas brillantes de color en amplias superficies de pintura producen un efecto casi impresionista: el espectador debe estar de pie a una distancia adecuada para tener la impresión de una espacialidad tridimensional completa.

Su único retrato que se conserva del delicado y enfermizo príncipe Felipe Próspero es notable por la combinación de los dulces rasgos del niño príncipe y su perro con una sutil sensación de tristeza. La esperanza que en ese momento se depositaba en el único heredero de la corona española se refleja en la representación: rojo y blanco frescos destacan en contraste con los colores morbosos de finales de otoño. Un perro pequeño con los ojos muy abiertos mira al espectador como interrogante, y el fondo en gran parte pálido insinúa un destino sombrío: el principito tenía apenas cuatro años cuando murió. Como en todas las pinturas tardías del artista, el manejo de los colores es extraordinariamente fluido y vibrante.

En 1660 se consuma un tratado de paz entre Francia y España con el matrimonio de María Teresa con Luis XIV , y la ceremonia tuvo lugar en la Isla de los Faisanes, una pequeña isla pantanosa del Bidassoa . Velázquez se encargó de la decoración del pabellón español y de toda la muestra escénica. Atrajo mucho la atención por la nobleza de su porte y el esplendor de su vestimenta. El 26 de junio regresó a Madrid y el 31 de julio le dio fiebre. Sintiendo que se acercaba su fin, firmó su testamento, nombrando como sus únicos albaceas a su esposa y su firme amigo de nombre Fuensalida, custodio de los registros reales. Murió el 6 de agosto de 1660. Fue enterrado en la bóveda de Fuensalida de la iglesia de San Juan Bautista , ya los ocho días fue enterrada junto a él su esposa Juana. Esta iglesia fue destruida por los franceses alrededor de 1809, por lo que ahora se desconoce su lugar de enterramiento.

Hubo mucha dificultad para ajustar las cuentas enredadas pendientes entre Velázquez y el tesoro, y no fue hasta 1666, después de la muerte del rey Felipe, que finalmente se saldaron.

Estilo y técnica

Es canónico dividir la carrera de Velázquez por sus dos visitas a Italia. Rara vez firmaba sus cuadros, y los archivos reales solo dan las fechas de sus obras más importantes. La evidencia interna y la historia perteneciente a sus retratos proporcionan el resto hasta cierto punto.

Aunque familiarizado con todas las escuelas italianas y amigo de los pintores más destacados de su época, Velázquez era lo suficientemente fuerte como para resistir las influencias externas y desarrollar por sí mismo el desarrollo de su propia naturaleza y sus propios principios artísticos. Rechazó la pompa que caracterizaba el retrato de otras cortes europeas y, en cambio, aportó una reserva aún mayor a la fórmula sobria del retrato de los Habsburgo establecida por Tiziano, Antonio Mor y Alonso Sánchez Coello . Es conocido por usar una paleta bastante limitada, pero mezcló las pinturas disponibles con gran habilidad para lograr diferentes tonalidades. Sus pigmentos no fueron significativamente diferentes de las de sus contemporáneos y se emplean principalmente azurita , esmalte , bermellón , lago de color rojo , plomo, estaño y amarilla y ocres . Sus primeras obras fueron pintadas sobre lienzos preparados con un fondo de color marrón rojizo. Adoptó el uso de suelos de color gris claro durante su primer viaje a Italia y continuó usándolos por el resto de su vida. El cambio dio como resultado pinturas con mayor luminosidad y una gama de colores plateados generalmente fríos.

Pocos dibujos se atribuyen con seguridad a Velázquez. Aunque existen dibujos preparatorios para algunas de sus pinturas, su método consistía en pintar directamente de la vida, y las radiografías de sus pinturas revelan que con frecuencia realizaba cambios en su composición a medida que avanzaba la pintura.

Legado

Velázquez no fue prolífico; se estima que produjo entre 110 y 120 lienzos conocidos. No produjo aguafuertes ni grabados, y solo se le atribuyen unos pocos dibujos.

Velázquez es la figura más influyente de la historia del retrato español. Aunque tuvo pocos seguidores inmediatos, pintores de la corte española como su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo y Juan Carreño de Miranda se inspiraron en su obra. Mazo imitó de cerca su estilo y muchas pinturas y copias de Mazo se atribuyeron anteriormente a Velázquez. La reputación de Velázquez languideció en el siglo XVIII, cuando el retrato de la corte española estaba dominado por artistas de origen y formación extranjeros. Hacia finales de siglo, su importancia fue reconocida cada vez más por intelectuales cercanos a la corte española —un ensayo publicado en 1781 por Gaspar Melchor de Jovellanos decía de Velázquez que "cuando murió, la gloria de la pintura en España murió con él". En 1778, Goya realiza un conjunto de aguafuertes a partir de pinturas de Velázquez, como parte de un proyecto del Conde de Floridablanca para realizar estampas de pinturas de la Colección Real. Las copias gratuitas de Goya revelan un compromiso inquisitivo con la obra del maestro mayor, que siguió siendo un modelo para Goya durante el resto de su carrera.

La obra de Velázquez fue poco conocida fuera de España hasta el siglo XIX. Sus pinturas escaparon en su mayoría de ser robados por los mariscales franceses durante la Guerra de la Independencia . En 1828, Sir David Wilkie escribió desde Madrid que se sentía en presencia de un nuevo poder en el arte al mirar las obras de Velázquez, y al mismo tiempo encontró una maravillosa afinidad entre este artista y la escuela británica de retratistas. , especialmente Henry Raeburn . Le llamó la atención la impresión moderna que impregna la obra de Velázquez tanto en el paisaje como en el retrato.

Velázquez se cita a menudo como una influencia clave en el arte de Édouard Manet , a quien a menudo se considera el puente entre el realismo y el impresionismo . Al llamar a Velázquez el "pintor de pintores", Manet admiró la inmediatez y la vívida pincelada de la obra de Velázquez, y se basó en los motivos de Velázquez en su propio arte. A finales del siglo XIX, artistas como James McNeill Whistler y John Singer Sargent fueron fuertemente influenciados por Velázquez.

Recreaciones modernas de clásicos.

El respeto con el que los pintores del siglo XX miran la obra de Velázquez da fe de su continua importancia. Pablo Picasso rindió homenaje a Velázquez en 1957 cuando recreó Las Meninas en 44 variaciones, en su estilo característico. Aunque a Picasso le preocupaba que sus reinterpretaciones de la pintura de Velázquez se vieran simplemente como copias en lugar de representaciones únicas, las enormes obras —incluida la más grande que había producido desde Guernica en 1937— obtuvieron una posición de importancia en el canon del arte español.

Salvador Dalí , al igual que Picasso anticipándose al tricentenario de la muerte de Velázquez, creó en 1958 una obra titulada Velázquez pintando a la infanta Margarita con las luces y sombras de su propia gloria . El esquema de color muestra el serio homenaje de Dalí a Velázquez; la obra también funcionó, como en el caso de Picasso, como vehículo para la presentación de nuevas teorías en el arte y el pensamiento, el misticismo nuclear, en el caso de Dalí.

El pintor angloirlandés Francis Bacon consideró que el retrato del Papa Inocencio X de Velázquez era "uno de los mejores retratos de la historia". Creó varias variaciones expresionistas de esta pieza en la década de 1950; sin embargo, las pinturas de Bacon presentaban una imagen más espantosa de Innocent. Una de esas variaciones famosas, titulada Figura con carne (1954), muestra al Papa entre dos mitades de una vaca dividida en dos.

Redescubrimientos recientes de originales de Velázquez

En 2009, se limpió y restauró el Retrato de un hombre de la colección del Museo Metropolitano de Arte , que durante mucho tiempo se había asociado con los seguidores del estilo de pintura de Velázquez. Fue descubierto por el propio Velázquez, y los rasgos del hombre coinciden con los de una figura del cuadro "La rendición de Breda". Por lo tanto, el lienzo recién limpiado puede ser un estudio para esa pintura. Aunque la atribución a Velázquez se considera segura, la identidad de la modelo sigue siendo cuestionada. Algunos historiadores del arte consideran este nuevo estudio un autorretrato de Velázquez.

En 2010 se informó que una pintura dañada relegada durante mucho tiempo a un sótano de la Galería de Arte de la Universidad de Yale podría ser una de las primeras obras de Velázquez. Se cree que fue entregada a Yale en 1925, pero la pintura se ha atribuido anteriormente a la escuela española del siglo XVII. Algunos estudiosos están dispuestos a atribuir la pintura a Velázquez, aunque el Museo del Prado en Madrid se reserva el juicio. La obra, que muestra a la Virgen María a la que se le enseña a leer, será restaurada por conservadores en Yale.

En octubre de 2011 fue confirmado por el historiador de arte Dr. Peter Cherry del Trinity College Dublin mediante análisis de rayos X que un retrato encontrado en el Reino Unido en la antigua colección del pintor del siglo XIX Matthew Shepperson es una obra previamente desconocida de Velázquez. El retrato es de un hombre no identificado de unos cincuenta o sesenta años, que posiblemente podría ser Juan Mateos, el maestro de la caza del patrón de Velázquez, el rey Felipe IV de España . La pintura mide 47 x 39 cm y se vendió en una subasta el 7 de diciembre de 2011 por £ 3,000,000.

Descendientes

Velázquez, a través de su hija Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), es un antepasado de los marqueses de Monteleone, entre ellos Enriquetta (Henrietta) Casado de Monteleone (1725-1761) quien en 1746 se casó con Enrique VI, el conde Reuss zu Köstritz (1707-1783). A través de ellos descienden varios miembros de la realeza europea, entre ellos el rey Felipe VI de España a través de su madre Sofía de Grecia y Dinamarca , el rey Willem-Alexander de los Países Bajos , el rey Carl XVI Gustaf de Suecia , el rey Alberto II de Bélgica , Hans-Adam II, Príncipe de Liechtenstein y Enrique, Gran Duque de Luxemburgo .

Cultura popular

Velázquez ha sido interpretado por Julián Villagrán en la serie de televisión de fantasía española El ministerio del tiempo . Velázquez en un personaje recurrente de la serie.

Ver también

Notas

Referencias

Fuentes

  • Asturias, Miguel Angel y PM Bardi (1969). L'opera completa di Velázquez . Milán: Rizzoli. OCLC  991877516 .
  • Carr, Dawson W., Xavier Bray y Diego Velázquez (2006). Velázquez . Londres: Galería Nacional. ISBN  1857093038 .
  • Harris, Enriqueta (1982). Velázquez . Ithaca, Nueva York: Cornell University Press. ISBN  0801415268 .
  • McKim-Smith, G., Andersen-Bergdoll, G., Newman, R. (1988). Examinando a Velázquez . Prensa de la Universidad de Yale. ISBN  0300036159 .
  • Ortega y Gasset, José (1953). Velázquez . Nueva York: Random House. OCLC  989292513 .
  • Portús, Javier (2004). El retrato español de El Greco a Picasso [exposición, Museo Nacional del Prado, 20 de octubre de 2004-6 de febrero de 2005] . Londres: Scala. ISBN  185759374X .

Otras lecturas

enlaces externos