Cine de los Estados Unidos - Cinema of the United States

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Cine de los Estados Unidos
(Hollywood)
Película de Estados Unidos clapperboard.svg
Letrero de Hollywood (Zuschnitt) .jpg
El letrero de Hollywood en Hollywood Hills , a menudo considerado como un símbolo de la industria cinematográfica estadounidense
No de pantallas 40,393 (2017)
 • Per cápita 14 por 100.000 (2017)
Distribuidores principales
Largometrajes producidos (2016)
Ficticio 646 (98,5%)
Animado 10 (1,5%)
Número de ingresos (2017)
Total 1,239,742,550
 • Per cápita 3,9 (2010)
Taquilla bruta (2017)
Total $ 11.1 mil millones

El cine de los Estados Unidos ha tenido un gran efecto en la industria cinematográfica en general desde principios del siglo XX. El estilo dominante del cine estadounidense es el cine clásico de Hollywood , que se desarrolló entre 1913 y 1969 y sigue siendo típico de la mayoría de las películas realizadas allí hasta el día de hoy. Si bien a los franceses Auguste y Louis Lumière generalmente se les atribuye el nacimiento del cine moderno, el cine estadounidense pronto se convirtió en una fuerza dominante en la industria emergente. Produce la mayor cantidad de películas de cualquier cine nacional en un solo idioma , con más de 700 películas en inglés estrenadas en promedio cada año. Si bien los cines nacionales del Reino Unido (299), Canadá (206), Australia y Nueva Zelanda también producen películas en el mismo idioma, no se consideran parte del sistema de Hollywood. Dicho esto, Hollywood también ha sido considerado un cine transnacional . Produjo versiones en varios idiomas de algunos títulos, a menudo en español o francés. El Hollywood contemporáneo a menudo subcontrata la producción a Canadá, Australia y Nueva Zelanda.

Hollywood es considerada la industria cinematográfica más antigua, en el sentido de ser el lugar donde surgieron los primeros estudios cinematográficos y productoras. También es el lugar de nacimiento de varios géneros de cine, entre ellos la comedia , el drama , la acción , el musical , el romance , el terror , la ciencia ficción y la épica bélica, y ha sentado el ejemplo para otras industrias cinematográficas nacionales.

En 1878, Eadweard Muybridge demostró el poder de la fotografía para capturar el movimiento. En 1894, se realizó la primera exhibición comercial de películas cinematográficas del mundo en la ciudad de Nueva York , utilizando el kinetoscopio de Thomas Edison . En las décadas siguientes, la producción de películas mudas se expandió enormemente, se formaron estudios y emigraron a California, y las películas y las historias que contaban se alargaron mucho más. Estados Unidos produjo la primera película musical con sonido sincronizado del mundo , The Jazz Singer , en 1927, y estuvo a la vanguardia del desarrollo de películas sonoras en las décadas siguientes. Desde principios del siglo XX, la industria cinematográfica de EE. UU. Se ha basado principalmente en la zona de treinta millas de Hollywood, Los Ángeles , California y sus alrededores . El director DW Griffith fue fundamental para el desarrollo de una gramática cinematográfica . Orson Welles 's Ciudadano Kane (1941) se cita con frecuencia en las encuestas de los críticos como la mejor película de todos los tiempos .

Los principales estudios cinematográficos de Hollywood son la fuente principal de las películas de mayor éxito comercial y de mayor venta de entradas del mundo. Además, muchas de las películas más taquilleras de Hollywood han generado más ingresos de taquilla y venta de entradas fuera de los Estados Unidos que las películas realizadas en otros lugares.

En la actualidad, los estudios cinematográficos estadounidenses generan en conjunto varios cientos de películas cada año, lo que convierte a Estados Unidos en uno de los productores de películas más prolíficos del mundo y en un pionero líder en ingeniería y tecnología cinematográfica .

Historia

Orígenes y Fort Lee

Justus D. Barnes como el líder fuera de la ley Bronco Billy Anderson en The Great Train Robbery (1903), el primer western .

La primera instancia registrada de fotografías que capturan y reproducen movimiento fue una serie de fotografías de un caballo corriendo por Eadweard Muybridge , que tomó en Palo Alto, California, utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en una fila. El logro de Muybridge llevó a los inventores de todo el mundo a intentar fabricar dispositivos similares. En los Estados Unidos, Thomas Edison fue uno de los primeros en producir un dispositivo de este tipo, el kinetoscopio .

¡Harold Lloyd en la escena del reloj de Safety Last! (1923)

La historia del cine en los Estados Unidos tiene sus raíces en la costa este, donde, en un momento, Fort Lee, Nueva Jersey fue la capital cinematográfica de Estados Unidos. La industria se inició a finales del siglo XIX con la construcción de " Black Maria " de Thomas Edison , el primer estudio cinematográfico en West Orange, Nueva Jersey . Las ciudades y pueblos en el río Hudson y Hudson Palisades ofrecieron terrenos a costos considerablemente menores que la ciudad de Nueva York al otro lado del río y se beneficiaron enormemente como resultado del fenomenal crecimiento de la industria cinematográfica a principios del siglo XX.

La industria comenzó a atraer tanto capital como mano de obra innovadora. En 1907, cuando la Compañía Kalem comenzó a usar Fort Lee como lugar para filmar en el área, otros cineastas lo siguieron rápidamente. En 1909, un precursor de Universal Studios , Champion Film Company , construyó el primer estudio. Otros siguieron rápidamente y construyeron nuevos estudios o alquilaron instalaciones en Fort Lee. En las décadas de 1910 y 1920, compañías cinematográficas como Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios , The Solax Company , Éclair Studios , Goldwyn Picture Corporation , American Méliès (Star Films), World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Pathé Frères , Metro Pictures Corporation , Victor Film Company y Selznick Pictures Corporation estaban haciendo películas en Fort Lee. Notables como Mary Pickford comenzaron en Biograph Studios.

En Nueva York, Kaufman Astoria Studios en Queens , fue construido durante la era del cine mudo, fue utilizado por los hermanos Marx y WC Fields . Los Edison Studios estaban ubicados en el Bronx. Chelsea, Manhattan también se usaba con frecuencia. Otras ciudades del este, principalmente Chicago y Cleveland , también sirvieron como centros tempranos para la producción cinematográfica. En Occidente, California ya estaba emergiendo rápidamente como un importante centro de producción cinematográfica. En Colorado , Denver fue el hogar de la compañía cinematográfica Art-O-Graf , y el primer estudio de animación Laugh-O-Gram de Walt Disney tenía su sede en Kansas City , Missouri . Picture City , Florida , fue un sitio planeado para un centro de producción de películas en la década de 1920, pero debido al huracán Okeechobee de 1928 , la idea colapsó y Picture City volvió a su nombre original de Hobe Sound . Un intento de establecer un centro de producción de películas en Detroit también resultó infructuoso.

Las guerras de patentes cinematográficas de principios del siglo XX ayudaron a facilitar la expansión de las compañías cinematográficas a otras partes de Estados Unidos, fuera de Nueva York. Muchos cineastas trabajaron con equipos para los que no tenían derechos de uso. Por lo tanto, filmar en Nueva York podría ser peligroso ya que estaba cerca de la sede de la empresa Edison, y cerca de los agentes que la empresa se propuso para apoderarse de las cámaras. En 1912, la mayoría de las principales compañías cinematográficas habían establecido instalaciones de producción en el sur de California cerca o en Los Ángeles debido al clima favorable de la región durante todo el año.

Ascenso de Hollywood

A principios de 1910, el director DW Griffith fue enviado por Biograph Company a la costa oeste con su compañía de actores, formada por los actores Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore y otros. Comenzaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street en el centro de Los Ángeles. Mientras estaba allí, la compañía decidió explorar nuevos territorios, viajando varios kilómetros al norte hasta Hollywood, un pequeño pueblo que era amigable y disfrutaba de la filmación de la compañía cinematográfica allí. Luego, Griffith filmó la primera película filmada en Hollywood, In Old California , un melodrama de Biograph sobre California en el siglo XIX, cuando pertenecía a México. Griffith permaneció allí durante meses e hizo varias películas antes de regresar a Nueva York. También en 1910, Selig Polyscope de Chicago estableció el primer estudio de cine de la industria en el área de Los Ángeles. Después de enterarse del éxito de Griffith en Hollywood, en 1913, muchos cineastas se dirigieron hacia el oeste para evitar las tarifas impuestas por Thomas Edison , que poseía patentes sobre el proceso de realización de películas. Nestor Studios de Bayonne, Nueva Jersey , construyó el primer estudio en el vecindario de Hollywood en 1911. Nestor Studios, propiedad de David y William Horsley, más tarde se fusionó con Universal Studios; y la otra compañía de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, es ahora la compañía más antigua existente en Hollywood, ahora llamada Hollywood Digital Laboratory. El clima más hospitalario y rentable de California condujo al eventual cambio de prácticamente todo el cine a la costa oeste en la década de 1930. En ese momento, Thomas Edison poseía casi todas las patentes relevantes para la producción cinematográfica y los productores de películas en la costa este que actuaban independientemente de Motion Picture Patents Company de Edison a menudo eran demandados o prohibidos por Edison y sus agentes, mientras que los cineastas que trabajaban en la costa oeste podían hacerlo. trabajar independientemente del control de Edison.

En Los Ángeles, los estudios y Hollywood crecieron. Antes de la Primera Guerra Mundial , se hicieron películas en varias ciudades estadounidenses, pero los cineastas tendieron a gravitar hacia el sur de California a medida que se desarrollaba la industria. Se sintieron atraídos por el clima cálido y la luz solar confiable, lo que hizo posible filmar sus películas al aire libre durante todo el año y por los variados paisajes disponibles. Los daños de la guerra contribuyeron al declive de la industria cinematográfica europea entonces dominante, a favor de Estados Unidos, donde la infraestructura aún estaba intacta. La respuesta temprana de salud pública más fuerte a la epidemia de gripe de 1918 en Los Ángeles en comparación con otras ciudades estadounidenses redujo el número de casos allí y resultó en una recuperación más rápida, lo que contribuyó al creciente dominio de Hollywood sobre la ciudad de Nueva York. Durante la pandemia, los funcionarios de salud pública cerraron temporalmente las salas de cine en algunas jurisdicciones, los grandes estudios suspendieron la producción durante semanas seguidas y algunos actores contrajeron la gripe. Esto causó importantes pérdidas financieras y graves dificultades para los pequeños estudios, pero la industria en su conjunto se recuperó con creces durante los locos años veinte .

Hay varios puntos de partida para el cine (particularmente el cine estadounidense), pero fue la controvertida epopeya de 1915 El nacimiento de una nación de Griffith la que fue pionera en el vocabulario de filmación mundial que aún domina el celuloide hasta el día de hoy.

A principios del siglo XX, cuando el medio era nuevo, muchos inmigrantes judíos encontraron empleo en la industria cinematográfica estadounidense. Pudieron dejar su huella en un negocio completamente nuevo: la exhibición de cortometrajes en los cines de las tiendas llamados nickelodeons , después de su precio de entrada de un níquel (cinco centavos). En unos pocos años, hombres ambiciosos como Samuel Goldwyn , William Fox , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer y los Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel y Jack) se pasaron al lado de la producción del negocio. Pronto fueron los jefes de un nuevo tipo de empresa: el estudio de cine . (Estados Unidos tuvo al menos dos directoras, productoras y jefes de estudio en estos primeros años: Lois Weber y Alice Guy-Blaché, nacida en Francia ). También prepararon el escenario para el internacionalismo de la industria; la industria es acusada a menudo de provincianismo centrado en Amero .

Otros cineastas llegaron de Europa después de la Primera Guerra Mundial: directores como Ernst Lubitsch , Alfred Hitchcock , Fritz Lang y Jean Renoir ; y actores como Rudolph Valentino , Marlene Dietrich , Ronald Colman y Charles Boyer . Se unieron a una oferta local de actores, atraídos hacia el oeste desde el escenario de la ciudad de Nueva York después de la introducción de películas sonoras, para formar una de las industrias de crecimiento más notables del siglo XX. En el apogeo de la popularidad de las películas a mediados de la década de 1940, los estudios producían un total de unas 400 películas al año, vistas por una audiencia de 90 millones de estadounidenses por semana.

El letrero de Hollywood en Hollywood Hills se ha convertido en un hito que representa a la industria cinematográfica del sur de California.

El sonido también se utilizó ampliamente en Hollywood a finales de la década de 1920. Después de The Jazz Singer , la primera película con voces sincronizadas fue lanzada con éxito como talkie de Vitaphone en 1927, las compañías cinematográficas de Hollywood responderían a Warner Bros. y comenzarían a utilizar el sonido de Vitaphone, que Warner Bros. poseía hasta 1928, en películas futuras. En mayo de 1928, Electrical Research Product Incorporated (ERPI), una subsidiaria de la compañía Western Electric, ganó el monopolio de la distribución de sonido de películas.

Un efecto secundario de los "talkies" fue que muchos actores que habían hecho su carrera en películas mudas de repente se quedaron sin trabajo, ya que a menudo tenían malas voces o no recordaban sus líneas. Mientras tanto, en 1922, el político estadounidense Will H. Hays dejó la política y formó la organización de jefes de estudios cinematográficos conocida como Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA). La organización se convirtió en la Motion Picture Association of America después de que Hays se retirara en 1945.

En los primeros tiempos de las películas sonoras , los estudios estadounidenses descubrieron que sus producciones sonoras eran rechazadas en los mercados de lenguas extranjeras e incluso entre los hablantes de otros dialectos del inglés. La tecnología de sincronización era todavía demasiado primitiva para el doblaje . Una de las soluciones fue crear versiones paralelas en idiomas extranjeros de las películas de Hollywood. Alrededor de 1930, las compañías estadounidenses abrieron un estudio en Joinville-le-Pont , Francia, donde se utilizaron los mismos decorados y vestuario e incluso escenas de masas para diferentes equipos de tiempo compartido .

Además, se eligieron y llevaron a Hollywood actores extranjeros desempleados, dramaturgos y ganadores de concursos de fotogenia, donde rodaron versiones paralelas de las películas en inglés. Estas versiones paralelas tenían un presupuesto menor, se rodaban de noche y estaban dirigidas por directores estadounidenses de segunda línea que no hablaban el idioma extranjero. Los equipos de habla hispana incluían a personas como Luis Buñuel , Enrique Jardiel Poncela , Xavier Cugat y Edgar Neville . Las producciones no tuvieron mucho éxito en sus mercados previstos, debido a las siguientes razones:

Brown Derby , una imagen icónica que se convirtió en sinónimo de la Edad de Oro de Hollywood.
  • Los presupuestos más bajos fueron evidentes.
  • Muchos actores de teatro no tenían experiencia previa en cine.
  • Las películas originales solían ser de segunda categoría, ya que los estudios esperaban que las mejores producciones se vendieran solas.
  • La mezcla de acentos extranjeros (castellano, mexicano y chileno por ejemplo en el caso español) resultó extraña para el público.
  • Algunos mercados carecían de teatros equipados con sonido.

A pesar de esto, algunas producciones como la versión española de Drácula se comparan favorablemente con la original. A mediados de la década de 1930, la sincronización había avanzado lo suficiente como para que el doblaje se volviera habitual.

El cine clásico de Hollywood y la Edad de Oro de Hollywood (1913-1969)

El cine clásico de Hollywood, o la Edad de Oro de Hollywood, se define como un estilo técnico y narrativo característico del cine estadounidense de 1913 a 1969, durante el cual se emitieron miles de películas desde los estudios de Hollywood. El estilo clásico comenzó a emerger en 1913, se aceleró en 1917 después de que Estados Unidos entrara en la Primera Guerra Mundial y finalmente se solidificó cuando se estrenó la película The Jazz Singer en 1927, poniendo fin a la era del cine mudo y aumentando las ganancias de taquilla para la industria cinematográfica al introducir el sonido en los largometrajes.

La mayoría de las películas de Hollywood se adhirieron estrechamente a una fórmula: occidental , comedia de payasadas , musical , caricatura animada , película biográfica (imagen biográfica), y los mismos equipos creativos a menudo trabajaron en películas realizadas por el mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM , Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años, las películas de Cecil B. De Mille se hicieron casi todas en Paramount , y las películas del director Henry King se hicieron en su mayoría. para 20th Century Fox .

Al mismo tiempo, normalmente se podía adivinar qué estudio hizo qué película, en gran parte debido a los actores que aparecieron en ella; MGM , por ejemplo, afirmó que había contraído "más estrellas de las que hay en el cielo". Cada estudio tenía su propio estilo y toques característicos que permitieron conocer esto, un rasgo que rara vez existe hoy en día.

Por ejemplo, To Have and Have Not (1944) es famoso no solo por la primera pareja de actores Humphrey Bogart (1899-1957) y Lauren Bacall (1924-2014), sino porque fue escrito por dos futuros ganadores del Premio Nobel. en Literatura : Ernest Hemingway (1899-1961), el autor de la novela en la que se basó nominalmente el guión, y William Faulkner (1897-1962), que trabajó en la adaptación cinematográfica.

Después del lanzamiento de The Jazz Singer en 1927, Warner Bros. obtuvo un gran éxito y pudo adquirir su propia cadena de salas de cine, después de comprar Stanley Theatres y First National Productions en 1928. MGM también había sido propietaria de los teatros Loews desde su formación en 1924. y Fox Film Corporation también era propietaria del Fox Theatre . RKO (una fusión de 1928 entre Keith-Orpheum Theatres y Radio Corporation of America ) también respondió al monopolio de Western Electric / ERPI sobre el sonido en las películas y desarrolló su propio método, conocido como Photophone , para poner sonido en las películas.

Paramount, que ya adquirió Balaban y Katz en 1926, respondería del éxito de Warner Bros. y RKO, y también compraría varios cines a finales de la década de 1920, y tendría el monopolio de los cines de Detroit, Michigan . En la década de 1930, casi todos los teatros metropolitanos de estreno en los Estados Unidos eran propiedad de los estudios Big Five: MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros. y 20th Century Fox .

El sistema de estudio

Estudios de cine de Hollywood, 1922

Sin embargo, la realización de películas seguía siendo un negocio y las empresas cinematográficas ganaban dinero operando bajo el sistema de estudio . Los principales estudios mantuvieron a miles de personas a sueldo: actores, productores, directores, escritores, especialistas, artesanos y técnicos. Poseían o alquilaban Movie Ranches en las zonas rurales del sur de California para el rodaje de westerns y otras películas de género a gran escala, y los principales estudios eran propietarios de cientos de teatros en ciudades y pueblos de todo el país en cines de 1920 que mostraban sus películas y que siempre eran necesita material fresco.

En 1930, el presidente de la MPPDA, Will Hays, creó el Código Hays (Producción) , que siguió las pautas de censura y entró en vigor después de que las amenazas gubernamentales de censura se expandieran en 1930. Sin embargo, el código nunca se hizo cumplir hasta 1934, después de que la organización de vigilancia católica The Legion of La decencia , horrorizada por algunas de las películas provocativas y la publicidad espeluznante de la época que luego clasificó a Pre-Code Hollywood , amenazó con boicotear las películas si no entraba en vigencia. Las películas que no obtuvieron un sello de aprobación de la Administración del Código de Producción tuvieron que pagar una multa de $ 25,000 y no pudieron obtener ganancias en las salas, ya que la MPPDA controlaba todas las salas del país a través de los estudios Big Five.

A lo largo de la década de 1930, así como durante la mayor parte de la edad de oro, MGM dominó la pantalla de cine y tuvo las mejores estrellas de Hollywood, y también se les atribuyó el mérito de crear el sistema estelar de Hollywood por completo. Algunas estrellas de MGM incluyeron al "Rey de Hollywood" Clark Gable , Lionel Barrymore , Jean Harlow , Norma Shearer , Greta Garbo , Joan Crawford , Jeanette MacDonald , Gene Raymond , Spencer Tracy , Judy Garland y Gene Kelly . Pero MGM no se quedó solo.

Otro gran logro del cine estadounidense durante esta época llegó a través de la compañía de animación de Walt Disney . En 1937, Disney creó la película más exitosa de su tiempo, Blancanieves y los siete enanitos . Esta distinción fue rápidamente superada en 1939 cuando Selznick International creó lo que sigue siendo, cuando se ajusta a la inflación, la película más exitosa de todos los tiempos en Lo que el viento se llevó .

Muchos historiadores del cine se han referido a las muchas grandes obras del cine que surgieron de este período de realización cinematográfica altamente reglamentada. Una razón por la que esto fue posible es que, con tantas películas en marcha, no todos tenían que ser un gran éxito. Un estudio podría apostar por un largometraje de presupuesto medio con un buen guión y actores relativamente desconocidos: Citizen Kane , dirigida por Orson Welles (1915-1985) y considerada a menudo como la mejor película de todos los tiempos , se ajusta a esta descripción. En otros casos, directores de voluntad fuerte como Howard Hawks (1896-1977), Alfred Hitchcock (1899-1980) y Frank Capra (1897-1991) lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas.

El apogeo del sistema de estudio puede haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de clásicos como El mago de Oz , Lo que el viento se llevó , Stagecoach , Mr. Smith va a Washington , Cumbres borrascosas , Only Angels Have Wings , Ninotchka y Medianoche . Entre las otras películas del período de la Edad de Oro que ahora se consideran clásicas: Casablanca , It's a Wonderful Life , It Happened One Night , King Kong original , Mutiny on the Bounty , Top Hat , City Lights , Red River , The Lady de Shanghai , la ventana indiscreta , la ley del silencio , Rebelde sin causa , Con faldas ya lo loco , y el mensajero del miedo .

Decadencia del sistema de estudio (finales de la década de 1940)

Porcentaje de la población de EE. UU. Que fue al cine en promedio, semanalmente, 1930-2000
Walt Disney presenta a cada uno de los siete enanitos en una escena del tráiler teatral original de Blancanieves de 1937 .

El sistema de estudios y la Edad de Oro de Hollywood sucumbieron a dos fuerzas que se desarrollaron a fines de la década de 1940:

En 1938, Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney se estrenó durante una serie de películas mediocres de los principales estudios, y rápidamente se convirtió en la película más taquillera estrenada hasta ese momento. Vergonzosamente para los estudios, fue una película animada producida de forma independiente que no contó con ninguna estrella empleada en el estudio. Esto avivó la frustración ya generalizada por la práctica de la reserva en bloque , en la que los estudios solo venderían el calendario de películas de un año completo a la vez a los cines y usarían el bloqueo para cubrir los estrenos de calidad mediocre.

El Secretario de Justicia Auxiliar Thurman Arnold —un conocido " destructor de la confianza " de la administración de Roosevelt - aprovechó esta oportunidad para iniciar procedimientos contra los ocho estudios más grandes de Hollywood en julio de 1938 por violaciones de la Ley Sherman Antimonopolio . La demanda federal resultó en que cinco de los ocho estudios (los "Cinco Grandes": Warner Bros. , MGM , Fox , RKO y Paramount ) llegaran a un compromiso con Arnold en octubre de 1940 y firmaran un decreto de consentimiento acordando, dentro de tres años:

  • Elimine la reserva en bloque de sujetos de cortometrajes, en un arreglo conocido como "one shot" o reserva en bloque de "fuerza completa".
  • Eliminar la reserva en bloque de más de cinco funciones en sus salas.
  • Ya no participe en la compra a ciegas (o la compra de películas por los distritos de cines sin ver películas de antemano) y en su lugar tenga exhibiciones comerciales , en las que los 31 distritos de teatro en los EE. UU. Verían películas cada dos semanas antes de mostrar películas en los cines.
  • Establezca una junta de administración en cada distrito de teatros para hacer cumplir estos requisitos.

Los "Tres Pequeños" ( Universal Studios , United Artists y Columbia Pictures ), que no eran propietarios de ningún teatro, se negaron a participar en el decreto de consentimiento. Varios productores de películas independientes también estaban descontentos con el compromiso y formaron un sindicato conocido como la Sociedad de Productores Cinematográficos Independientes y demandaron a Paramount por el monopolio que todavía tenían sobre los teatros de Detroit, ya que Paramount también estaba ganando dominio a través de actores como Bob Hope. , Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, el cantante Bing Crosby, Alan Ladd y también actor del estudio Gary Cooper desde hace mucho tiempo, en 1942. Los estudios Big Five no cumplieron con los requisitos del Consent of Decree durante la Segunda Guerra Mundial, sin mayores consecuencias, pero después de que terminó la guerra se unieron a Paramount como acusados ​​en el caso antimonopolio de Hollywood, al igual que los estudios Little Three.

La Corte Suprema finalmente dictaminó que la propiedad de los principales estudios de los cines y la distribución de películas era una violación de la Ley Sherman Antimonopolio . Como resultado, los estudios comenzaron a liberar a los actores y al personal técnico de sus contratos con los estudios. Esto cambió el paradigma de la realización cinematográfica de los principales estudios de Hollywood, ya que cada uno podía tener un elenco y un equipo creativo completamente diferente.

La decisión resultó en la pérdida gradual de las características que hicieron inmediatamente identificables las películas de Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures y 20th Century Fox. Algunas personas del cine, como Cecil B. DeMille , siguieron siendo artistas contratados hasta el final de sus carreras o utilizaron los mismos equipos creativos en sus películas, de modo que una película de DeMille todavía se parecía a una, ya sea que se hiciera en 1932 o 1956.

Impacto: menos películas, presupuestos individuales más grandes

Además, la cantidad de películas que se producen anualmente disminuyó a medida que el presupuesto promedio se disparó, lo que marcó un cambio importante en la estrategia de la industria. Los estudios ahora tenían como objetivo producir entretenimiento que la televisión no pudiera ofrecer: producciones espectaculares y de gran envergadura. Los estudios también comenzaron a vender porciones de sus bibliotecas de películas teatrales a otras compañías para venderlas a la televisión. En 1949, todos los grandes estudios cinematográficos habían renunciado a la propiedad de sus salas.

Esto se complementó con la Decisión Milagrosa de 1952 en el caso Joseph Burstyn Inc. v. Wilson , en el que la Corte Suprema de los Estados Unidos revirtió su posición anterior, del caso Mutual Film Corporation v. Industrial Commission of Ohio de 1915 , y declaró que la moción las imágenes eran una forma de arte y tenían derecho a la protección de la Primera Enmienda ; Las leyes estadounidenses ya no podían censurar películas. En 1968, cuando los estudios cinematográficos se volvieron cada vez más desafiantes a su función de censura, la Motion Picture Association of America (MPAA) había reemplazado el Código Hays, que ahora fue violado en gran medida después de que terminó la amenaza gubernamental de censura que justificaba el origen del código. con el sistema de clasificación de películas.

Nuevo Hollywood y cine posclásico (décadas de 1960 a 1980)

Steven Spielberg es considerado uno de los pioneros de la era del Nuevo Hollywood y uno de los directores y productores más populares de la historia del cine. También es uno de los cofundadores de DreamWorks Studios .

El cine posclásico es el método cambiante de contar historias en el Nuevo Hollywood. Se ha argumentado que los nuevos enfoques del drama y la caracterización se basaron en las expectativas de la audiencia adquiridas en el período clásico: la cronología puede estar revuelta, las historias pueden presentar " finales retorcidos " y las líneas entre el antagonista y el protagonista pueden difuminarse. Las raíces de la narración posclásica pueden verse en el cine negro , en Rebelde sin causa (1955) y en Psicosis que rompe la trama de Hitchcock .

El Nuevo Hollywood es el surgimiento de una nueva generación de directores formados en escuelas de cine que habían absorbido las técnicas desarrolladas en Europa en la década de 1960 como resultado de la Nueva Ola Francesa después de la Revolución Americana; La película de 1967 Bonnie and Clyde también marcó el comienzo del repunte del cine estadounidense, ya que una nueva generación de películas también obtendría luego el éxito en las taquillas. Cineastas como Francis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Brian De Palma , Stanley Kubrick , Martin Scorsese , Roman Polanski y William Friedkin llegaron a producir películas que rindieron homenaje a la historia del cine y se desarrollaron a partir de géneros y técnicas existentes. Inaugurada con el estreno en 1969 de la película azul de Andy Warhol , el fenómeno de las películas eróticas para adultos que son discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope ) y tomadas en serio por críticos (como Roger Ebert ), un desarrollo al que se refirió, por Ralph Blumenthal de The New York Times , como " porno chic " y más tarde conocido como la Edad de Oro de la pornografía , comenzó, por primera vez, en la cultura estadounidense moderna. Según el galardonado autor Toni Bentley , la película de Radley Metzger de 1976 The Opening of Misty Beethoven , basada en la obra Pygmalion de George Bernard Shaw (y su derivada, My Fair Lady ), y debido a que alcanzó un nivel general en la trama y conjuntos, se considera la "joya de la corona" de esta ' Edad de Oro '.

En la década de 1970, las películas de los cineastas de New Hollywood fueron a menudo aclamadas por la crítica y comercialmente exitosas. Si bien las primeras películas de New Hollywood como Bonnie y Clyde y Easy Rider habían sido asuntos de relativamente bajo presupuesto con héroes amorales y una mayor sexualidad y violencia, el enorme éxito que tuvo Friedkin con El exorcista , Spielberg con Tiburón , Coppola con El padrino y Apocalipsis ahora , Scorsese con Taxi Driver , Kubrick con 2001: A Space Odyssey , Polanski con Chinatown y Lucas con American Graffiti y Star Wars , respectivamente, ayudaron a dar lugar al " éxito de taquilla " moderno , e indujeron a los estudios a centrarse cada vez más en tratar de producir grandes éxitos.

La creciente indulgencia de estos jóvenes directores no ayudó. A menudo, se excedían en la programación y el presupuesto, lo que los llevaría a la bancarrota o al estudio. Los tres ejemplos más famosos de esto son Apocalypse Now y One From The Heart de Coppola y, en particular , Heaven's Gate de Michael Cimino , que por sí solo llevó a United Artists a la bancarrota . Sin embargo, Apocalypse Now finalmente recuperó su dinero y obtuvo un amplio reconocimiento como obra maestra, ganando la Palma de Oro en Cannes .

Aumento del mercado de vídeos domésticos (décadas de 1980 a 1990)

Las décadas de 1980 y 1990 vieron otro desarrollo significativo. La aceptación total del video casero por parte de los estudios abrió un vasto negocio nuevo para explotar. Las películas que pueden haber tenido un desempeño deficiente en su carrera teatral ahora pudieron encontrar el éxito en el mercado del video. También vio surgir la primera generación de cineastas con acceso a cintas de video. Directores como Quentin Tarantino y Paul Thomas Anderson habían podido ver miles de películas y producir películas con un gran número de referencias y conexiones con trabajos anteriores. Tarantino ha tenido varias colaboraciones con el director Robert Rodríguez . Rodríguez dirigió la película de acción de 1992 El Mariachi , que fue un éxito comercial después de recaudar 2 millones de dólares con un presupuesto de 7.000 dólares.

Esto, junto con la explosión del cine independiente y los costos cada vez menores de la realización cinematográfica, cambió el panorama de la realización cinematográfica estadounidense una vez más y provocó un renacimiento de la realización cinematográfica entre las clases media y baja de Hollywood, aquellos sin acceso a los recursos financieros del estudio. Con el auge del DVD en el siglo XXI, los DVD se han vuelto rápidamente incluso más rentables para los estudios y han dado lugar a una explosión de paquetes de escenas adicionales, versiones extendidas y pistas de comentarios con las películas.

En los EE. UU., La clasificación PG-13 se introdujo en 1984 para acomodar películas que se extendían a ambos lados de la línea entre PG y R, lo que se debió principalmente a las controversias en torno al contenido violento de las películas de PG Indiana Jones y el templo de la perdición y Gremlins ( ambos 1984).

Die Hard de 1988 estableció lo que se convertiría en una fórmula común para muchas películas de acción de los noventa, con un hombre común solitario contra un personaje terrorista colorido, que generalmente tiene rehenes en un entorno aislado. Estas películas y sus secuelas a menudo se denominan " Die Hard on a _____": Under Siege (acorazado), Cliffhanger (montaña), Speed (autobús), The Rock (isla prisión), Con Air (avión prisión), Air Force Uno (avión presidencial), etc ...

Cine moderno

Algunos de los héroes de acción más taquilleros de Hollywood de las décadas de 1980 y 1990: Desde la izquierda: (fila superior) Sylvester Stallone , Arnold Schwarzenegger , Bruce Willis , Steven Seagal (fila inferior) Dolph Lundgren , Jean-Claude Van Damme , Wesley Snipes , Jackie Chan .

Las epopeyas espectaculares que aprovecharon los nuevos procesos de pantalla panorámica fueron cada vez más populares desde la década de 1950 en adelante.

Los   cineastas de la década de 1990 tuvieron acceso a innovaciones tecnológicas, políticas y económicas que no habían estado disponibles en décadas anteriores. Dick Tracy (1990) se convirtió en el primer largometraje de 35 mm con banda sonora digital . Batman Returns (1992) fue la primera película en utilizar el sonido estéreo Dolby Digital de seis canales, que desde entonces se ha convertido en el estándar de la industria. Las imágenes generadas por computadora se facilitaron enormemente cuando fue posible transferir imágenes de películas a una computadora y manipularlas digitalmente. Las posibilidades se hicieron evidentes en el director James Cameron ‘s Terminator 2: El juicio final (1991), en las imágenes del personaje de forma que cambia la T-1000 . Los gráficos por computadora o CG avanzaron hasta un punto en el que Jurassic Park (1993) pudo usar las técnicas para crear animales de apariencia realista. Jackpot (2001) se convirtió en la primera película que se rodó íntegramente en formato digital.

Incluso Blair Witch Project (1999), una película de terror independiente de bajo presupuesto de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick , fue un gran éxito financiero. Filmada con un presupuesto de solo $ 35,000, sin grandes estrellas ni efectos especiales, la película recaudó $ 248 millones con el uso de modernas técnicas de marketing y promoción en línea. Aunque no está en la escala de la precuela de mil millones de dólares de George Lucas a la trilogía de Star Wars , The Blair Witch Project se ganó la distinción de ser la película más rentable de todos los tiempos, en términos de porcentaje bruto.

Sin embargo, el éxito de Blair Witch como proyecto independiente sigue siendo una de las pocas excepciones, y el control de los estudios The Big Five sobre la   realización de películas siguió aumentando durante la década de 1990. Las seis grandes empresas disfrutaron de un período de expansión en la década de 1990. Cada uno de ellos desarrolló diferentes formas de adaptarse a los crecientes costos en la industria del cine, especialmente los crecientes salarios de las estrellas de cine, impulsados ​​por poderosos agentes. Las estrellas más importantes como Sylvester Stallone , Russell Crowe , Tom Cruise , Nicole Kidman , Sandra Bullock , Arnold Schwarzenegger , Mel Gibson y Julia Roberts recibieron entre $ 15 y $ 20 millones por película y, en algunos casos, incluso recibieron una parte de las ganancias de la película.

Por otro lado, a los guionistas generalmente se les pagaba menos que a los mejores actores o directores, generalmente menos de $ 1 millón por película. Sin embargo, el factor más importante que impulsó el aumento de los costos fueron los efectos especiales. En 1999, el costo promedio de una película de gran éxito era de 60 millones de dólares antes del marketing y la promoción, que costaban otros 80 millones de dólares.

Desde entonces, las películas estadounidenses se han dividido cada vez más en dos categorías: éxitos de taquilla y películas independientes .

Industria cinematográfica estadounidense (1995-2017)
Todos los valores en miles de millones
Año Entradas Ingresos
1995 1,22 $ 5.31
1996 1,31 $ 5.79
1997 1,39 $ 6.36
1998 1,44 $ 6.77
1999 1,44 $ 7.34
2000 1,40 $ 7.54
2001 1,48 $ 8,36
2002 1,58 $ 9.16
2003 1,52 $ 9.20
2004 1,50 $ 9.29
2005 1,37 $ 8.80
2006 1,40 $ 9.16
2007 1,42 $ 9.77
2008 1,36 $ 9,75
2009 1,42 $ 10.64
2010 1,33 $ 10.48
2011 1,28 $ 10.17
2012 1,40 $ 11.16
2013 1,34 $ 10.89
2014 1,26 $ 10.27
2015 1,32 $ 11.16
2016 1,30 $ 11.26
2017 1,23 $ 10,99
Compilado por The Numbers

Los estudios complementan estas películas con producciones independientes , realizadas con presupuestos reducidos y, a menudo, independientemente de la corporación del estudio. Las películas realizadas de esta manera suelen enfatizar la alta calidad profesional en términos de actuación, dirección, escritura de guiones y otros elementos asociados con la producción, y también en la creatividad y la innovación. Por lo general, estas películas se basan en elogios de la crítica o en el marketing especializado para atraer audiencia. Debido al bajo presupuesto de una película independiente, una película independiente exitosa puede tener una alta relación beneficio / costo, mientras que un fracaso incurrirá en pérdidas mínimas, lo que permitirá a los estudios patrocinar docenas de tales producciones además de sus estrenos de alto riesgo.

Hollywood Boulevard desde el Dolby Theatre , antes de 2006

El cine independiente estadounidense se revitalizó a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990 cuando otra nueva generación de cineastas, incluidos Spike Lee , Steven Soderbergh , Kevin Smith y Quentin Tarantino, hicieron películas como, respectivamente: Do the Right Thing , Sex, Lies y Videotape , Clerks. y Reservoir Dogs . En términos de dirección, escritura de guiones, edición y otros elementos, estas películas eran innovadoras y, a menudo, irreverentes, y jugaban y contradecían las convenciones de las películas de Hollywood. Además, sus considerables éxitos financieros y su transición a la cultura popular restablecieron la viabilidad comercial del cine independiente. Desde entonces, la industria del cine independiente se ha vuelto más claramente definida y más influyente en el cine estadounidense. Muchos de los principales estudios han capitalizado esto desarrollando subsidiarias para producir películas similares; por ejemplo, Fox Searchlight Pictures .

En ese momento, Harvey Weinstein era un jugador poderoso de Hollywood, encargando películas aclamadas por la crítica como Shakespeare in Love , Good Will Hunting y The English Patient, ganadora de un premio de la Academia . Bajo TWC, Weinstein había lanzado casi una cadena ininterrumpida de películas exitosas. Los ganadores de Mejor Película The Artist y The King's Speech fueron lanzados bajo la comisión de Weinstein.

2000

La década de los Estados Unidos implicó muchos desarrollos importantes en las industrias cinematográficas de todo el mundo, especialmente en la tecnología utilizada. Sobre la base de los desarrollos en la década de 1990, las computadoras se usaron para crear efectos que anteriormente habrían sido más costosos, desde el borrado sutil de las islas circundantes en Cast Away (dejando al personaje de Tom Hanks varado sin otra tierra a la vista) hasta las vastas escenas de batalla. como los de las secuelas de The Matrix y 300 .

La década de 2000 vio el resurgimiento de varios géneros. Película de fantasía franquicias dominaron la taquilla con El Señor de los Anillos , Harry Potter , Piratas del Caribe , la guerra de las galaxias precuela de la trilogía (a partir de 1999), Las crónicas de Narnia , etc. cómic películas de superhéroes se convirtió en un éxito de taquilla corriente principal género siguiente los lanzamientos de X-Men , Unbreakable y Spider-Man . Gladiator también provocó el resurgimiento de películas épicas , mientras que Moulin Rouge, inspirado en Bollywood . hizo lo mismo con las películas musicales . La animación por computadora reemplazó a la animación tradicional como el medio dominante para los largometrajes animados en el cine estadounidense (especialmente con el lanzamiento de Shrek ): DreamWorks Animation fue el estudio de animación dominante en esa década.

Cine Contemporáneo

A principios del siglo XXI, el mercado teatral ha estado dominado por el género de superhéroes , siendo Marvel Cinematic Universe y The Dark Knight Trilogy dos de las series de películas más exitosas de todos los tiempos.

La pandemia de COVID-19 ha tenido un impacto sustancial en la industria del cine , reflejando sus impactos en todos los sectores de las artes . En todo el mundo y en diversos grados, los cines y las salas de cine se han cerrado, los festivales se han cancelado o pospuesto y los estrenos de películas se han trasladado a fechas futuras o se han retrasado indefinidamente. A medida que cerraron los cines y las salas de cine, la taquilla mundial se redujo en miles de millones de dólares, la transmisión se hizo más popular y el stock de exhibidores de películas cayó dramáticamente. Muchos éxitos de taquilla originalmente programados para ser lanzados entre marzo y noviembre se pospusieron o cancelaron en todo el mundo, y las producciones cinematográficas también se paralizaron. Después de que el actor Tom Hanks se infectara con el coronavirus, se cerró la película biográfica de Elvis Presley en la que estaba trabajando en Queensland, Australia, y todos en la producción fueron puestos en cuarentena.

La película Frozen II de 2019 se planeó originalmente para estrenarse en Disney + el 26 de junio de 2020, antes de que se trasladara al 15 de marzo. El CEO de Disney, Bob Chapek, explicó que esto se debía a los "poderosos temas de perseverancia y la importancia de la familia" de la película. , mensajes increíblemente relevantes ". El 16 de marzo de 2020, Universal anunció que The Invisible Man , The Hunt y Emma , todas las películas en cines en ese momento, estarían disponibles a través de video Premium a pedido a partir del 20 de marzo a un precio sugerido de US $ 19,99 cada una. Después de sufrir una mala taquilla desde su lanzamiento a principios de marzo, Onward estuvo disponible para compra digital el 21 de marzo y se agregó a Disney + el 3 de abril. Paramount anunció el 20 de marzo, Sonic the Hedgehog también planea tener una lanzamiento a video a pedido, el 31 de marzo. El 16 de marzo, Warner Bros. anunció que Birds of Prey se lanzaría temprano al video a pedido el 24 de marzo. El 3 de abril, Disney anunció que Artemis Fowl , una adaptación cinematográfica de 2001 libro del mismo nombre, se trasladaría directamente a Disney + el 12 de junio, saltándose por completo un estreno en cines.

Trolls World Tour se lanzó directamente para alquiler de video a pedido después de su lanzamiento el 10 de abril, con proyecciones teatrales limitadas en los EE. UU. A través de autocines. El director ejecutivo de NBCUniversal, Jeff Shell, dijo a The Wall Street Journal el 28 de abril que la película había alcanzado los 100 millones de dólares en ingresos, y afirmó que la compañía no había descartado realizar estrenos "en ambos formatos" cuando reabrieran los cines. La Asociación Nacional de Propietarios de Cines de EE. UU . ha desanimado a los distribuidores de películas a participar en esta práctica, en defensa de la industria del cine. El 28 de abril, en respuesta a los comentarios de Shell, la cadena estadounidense AMC Theatres anunció que cesaría la proyección de películas de Universal Pictures con efecto inmediato y amenazó con acciones similares contra cualquier otro exhibidor que "abandone unilateralmente las prácticas de ventanillas actuales sin negociaciones de buena fe entre nosotros". . El 28 de julio, las dos compañías anunciaron un acuerdo que permitía a Universal la opción de lanzar una película a video premium a pedido después de un mínimo de 17 días en sus cines, y AMC recibió un recorte de ingresos. El 23 de septiembre, Disney pospuso Black Widow al 7 de mayo de 2021, Death on the Nile al 18 de diciembre de 2020 y West Side Story al 10 de diciembre de 2021. Como resultado, Eternals también se retrasó hasta el 5 de noviembre de 2021 para mantener la continuidad de la MCU. Warner Bros. Pictures anunció en diciembre de 2020 que lanzaría simultáneamente su lista de películas de 2021 tanto como estrenos en cines como disponibles para transmisión en HBO Max por un período de un mes.

Hollywood y la política

81a presentación de los premios de la Academia , Dolby Theatre , Hollywood, 2009

En la década de 1930, los demócratas y los republicanos vieron dinero en Hollywood. El presidente Franklin Roosevelt vio una gran asociación con Hollywood. Utilizó el primer potencial real de las estrellas de Hollywood en una campaña nacional. Melvyn Douglas realizó una gira por Washington en 1939 y conoció a los New Dealers clave.

Respaldos políticos

Se firmaron cartas de respaldo de los actores principales, se hicieron apariciones en radio y se hicieron publicidad impresa. Las estrellas de cine se utilizaron para atraer a una gran audiencia a la visión política del partido. En la década de 1960, John F. Kennedy era un rostro nuevo y joven para Washington, y su fuerte amistad con Frank Sinatra ejemplificaba esta nueva era de glamour. Los últimos magnates de Hollywood se habían ido y los ejecutivos y productores más jóvenes y nuevos comenzaron a impulsar ideas más liberales .

Las celebridades y el dinero atrajeron a los políticos al brillante estilo de vida de Hollywood. Como escribió Ronald Brownstein en su libro "El poder y el brillo", la televisión en las décadas de 1970 y 1980 fue un nuevo medio de enorme importancia en la política y Hollywood ayudó en ese medio con actores que pronunciaban discursos sobre sus creencias políticas, como Jane Fonda contra Vietnam. Guerra. A pesar de que muchas celebridades y productores se inclinan hacia la izquierda y tienden a apoyar al Partido Demócrata , esta era produjo muchos actores y productores republicanos . El ex actor Ronald Reagan se convirtió en gobernador de California y posteriormente se convirtió en el cuadragésimo presidente de los Estados Unidos . Continuó con Arnold Schwarzenegger como gobernador de California en 2003 .

Donaciones políticas

Hoy, las donaciones de Hollywood ayudan a financiar la política federal. El 20 de febrero de 2007, por ejemplo, el entonces candidato presidencial demócrata Barack Obama celebró una gala en Hollywood de 2.300 dólares el plato, organizada por los fundadores de DreamWorks, David Geffen , Jeffrey Katzenberg y Steven Spielberg en el Beverly Hilton.

Censura

Los productores de Hollywood generalmente buscan cumplir con los requisitos de censura del gobierno chino en un intento por acceder al mercado de cine restringido y lucrativo del país, con la segunda taquilla más grande del mundo a partir de 2016. Esto incluye dar prioridad a las representaciones comprensivas de personajes chinos en películas, como cambiar a los villanos en Red Dawn de chinos a norcoreanos. Debido a muchos temas prohibidos en China, como el Dalai Lama y Winnie the Pooh estar involucrado en el Parque del Sur episodio 's ' Band en China ', South Park fue prohibido por completo en China después de la emisión del episodio. A la película de 2018 Christopher Robin , la nueva película de Winnie-the-Pooh, se le negó un estreno en China.

Aunque el Tíbet era anteriormente una causa célebre en Hollywood, apareciendo en películas como Kundun y Siete años en el Tíbet , en el siglo XXI este ya no es el caso. En 2016, Marvel Entertainment atrajo críticas por su decisión de elegir a Tilda Swinton como "The Ancient One" en la adaptación cinematográfica Doctor Strange , utilizando a una mujer blanca para interpretar a un personaje tradicionalmente tibetano. El actor y partidario del Tíbet de alto perfil Richard Gere declaró que ya no era bienvenido a participar en las principales películas de Hollywood después de criticar al gobierno chino y pedir un boicot de los Juegos Olímpicos de Verano de 2008 en Beijing.

Difundir a los mercados mundiales

El Teatro Chino antes de 2007
Entrada principal del
Teatro Egipcio

En 1912, las compañías cinematográficas estadounidenses estaban inmersas en gran medida en la competencia por el mercado nacional. Fue difícil satisfacer la enorme demanda de películas creada por el boom de Nickelodeon . Los miembros de Motion Picture Patents Company , como Edison Studios , también buscaron limitar la competencia de las películas francesas, italianas y otras películas importadas. Exportar películas, entonces, se volvió lucrativo para estas empresas. Vitagraph Studios fue la primera empresa estadounidense en abrir sus propias oficinas de distribución en Europa, estableciendo una sucursal en Londres en 1906 y una segunda sucursal en París poco después.

Otras empresas estadounidenses también se estaban moviendo hacia los mercados extranjeros, y la distribución estadounidense en el extranjero continuó expandiéndose hasta mediados de la década de 1920. Originalmente, la mayoría de las empresas vendían sus películas de forma indirecta. Sin embargo, como no tenían experiencia en el comercio exterior, simplemente vendieron los derechos extranjeros de sus películas a empresas de distribución o agentes de exportación extranjeros. Poco a poco, Londres se convirtió en un centro de circulación internacional de películas estadounidenses.

Muchas empresas británicas obtuvieron ganancias actuando como agentes de este negocio y, al hacerlo, debilitaron la producción británica al ceder una gran parte del mercado británico a las películas estadounidenses. En 1911, aproximadamente del 60 al 70 por ciento de las películas importadas a Gran Bretaña eran estadounidenses. A Estados Unidos también le estaba yendo bien en Alemania, Australia y Nueva Zelanda.

Más recientemente, a medida que la globalización ha comenzado a intensificarse y el gobierno de los Estados Unidos ha estado promoviendo activamente las agendas de libre comercio y el comercio de productos culturales, Hollywood se ha convertido en una fuente cultural mundial. El éxito en los mercados de exportación de Hollywood se puede conocer no solo por el auge de las corporaciones multinacionales de medios estadounidenses en todo el mundo, sino también por la capacidad única de hacer películas de gran presupuesto que atraen poderosamente los gustos populares en muchas culturas diferentes.

Con la globalización, la producción de películas se ha agrupado en Hollywood por varias razones: Estados Unidos tiene el mercado local más grande en términos de dólares, las películas de Hollywood entretenidas y altamente visibles tienen un atractivo mundial, y el papel del inglés como idioma universal contribuye a compensar mayores costos fijos de producción.

Mientras tanto, Hollywood se ha adentrado más en los mercados chinos, aunque influido por la censura de China. Las películas hechas en China están censuradas, evitando estrictamente temas como "fantasmas, violencia, asesinatos, horror y demonios". Estos elementos de la trama corren el riesgo de ser eliminados. Hollywood ha tenido que hacer películas "aprobadas", que corresponden a los estándares oficiales chinos, pero con estándares estéticos sacrificados por las ganancias de taquilla. Incluso el público chino encontró aburrido esperar el lanzamiento de grandes películas estadounidenses dobladas en su idioma nativo.

Papel de la mujer

Meryl Streep y Jodie Foster son citadas como una de las mujeres más influyentes de Hollywood y son ganadoras del premio Cecil B. DeMille.

La representación de las mujeres en el cine se ha considerado un problema casi desde que el cine ha sido una industria. Las representaciones de las mujeres han sido criticadas por depender de otros personajes, figuras maternas y domésticas que se quedan en casa, son demasiado emocionales y están confinadas a trabajos de bajo estatus en comparación con personajes masculinos emprendedores y ambiciosos. Con esto, las mujeres están subrepresentadas y continuamente atrapadas y atrapadas en estereotipos de género.

Las mujeres están subrepresentadas estadísticamente en puestos creativos en el centro de la industria cinematográfica estadounidense, Hollywood . Esta subrepresentación se ha denominado " techo de celuloide ", una variante del término de discriminación laboral " techo de cristal ". En 2013, los "... actores mejor pagados ... ganaban 2½ veces más dinero que las actrices mejor pagadas". "[O] llos actores [masculinos] ganan más que sus iguales" en edad, y "las estrellas de cine femeninas ganan la mayor cantidad de dinero en promedio por película a la edad de 34 años, mientras que las estrellas masculinas ganan más a los 51".

El Informe del techo de celuloide de 2013 realizado por el Centro para el estudio de la mujer en la televisión y el cine de la Universidad Estatal de San Diego recopiló una lista de estadísticas recopiladas de "2.813 personas empleadas por las 250 películas con mayor recaudación nacional de 2012."

Las mujeres representaron solo el 36 por ciento de los personajes principales de la película en 2018, una disminución del uno por ciento del 37 por ciento registrado en 2017. En 2019, ese porcentaje aumentó al 40 por ciento. Las mujeres representan el 51 por ciento de los espectadores. Sin embargo, cuando se trata de trabajos clave como director y director de fotografía, los hombres continúan dominando. Para las nominaciones al Premio de la Academia, solo cinco mujeres han sido nominadas a Mejor Directora, pero ninguna ha ganado en esa categoría en los últimos 92 años. Si bien la representación femenina ha mejorado, aún queda trabajo por hacer con respecto a la diversidad entre esas mujeres. El porcentaje de personajes femeninos negros pasó del 16 por ciento en 2017 al 21 por ciento en 2018. Sin embargo, la representación de actrices latinas disminuyó al cuatro por ciento durante el año pasado, tres puntos porcentuales menos que el siete por ciento logrado en 2017.

Las mujeres representaron ...

  • "El 18% de todos los directores, productores ejecutivos, productores, escritores, directores de fotografía y editores. Esto no reflejó ningún cambio desde 2011 y solo un aumento del 1% desde 1998".
  • "9% de todos los directores".
  • "El 15% de los escritores".
  • "El 25% de todos los productores".
  • "20% de todos los editores".
  • "2% de todos los directores de fotografía".
  • "El 38% de las películas emplearon a 0 o 1 mujer en los roles considerados, el 23% empleó a 2 mujeres, el 28% empleó a 3 a 5 mujeres y el 10% empleó a 6 a 9 mujeres".

Un artículo del New York Times declaró que solo el 15% de las películas principales en 2013 tenían mujeres para un papel principal. El autor del estudio señaló que "el porcentaje de roles femeninos de habla no ha aumentado mucho desde la década de 1940, cuando oscilaba entre el 25 y el 28 por ciento". "Desde 1998, la representación de las mujeres en roles detrás de escena además de la dirección ha aumentado solo un 1 por ciento". Las mujeres "... dirigieron el mismo porcentaje de las 250 películas más taquilleras en 2012 (9%) que en 1998".

Diversidad en el cine

Michael Peña fue maestro de ceremonias en la inducción del Movimiento de Trabajadores Agrícolas al Salón de la Fama Laboral y en la dedicación del Auditorio Conmemorativo César E. Chávez en el Departamento de Trabajo de los
Estados Unidos en marzo de 2012. Durante el tiempo que fue elegido para el Película de Cesar Chavez .

Los rusos y los estadounidenses de origen ruso suelen ser retratados como mafiosos brutales, agentes despiadados y villanos. Según la profesora ruso-estadounidense Nina L. Khrushcheva , "ni siquiera puedes encender la televisión e ir al cine sin hacer referencia a los rusos como horribles". Los italianos y los italoamericanos suelen estar asociados con el crimen organizado y la mafia .

Aunque la era clásica del cine estadounidense está dominada predominantemente por personas caucásicas frente y detrás de la cámara, las minorías y las personas de color han logrado abrir sus propios caminos para llevar sus películas a la pantalla. La representación afroamericana en Hollywood mejoró drásticamente hacia fines del siglo XX después de la caída del sistema de estudios, ya que cineastas como Spike Lee y John Singleton pudieron representar la experiencia afroamericana como nadie lo había hecho antes en la pantalla, mientras que actores como Eddie Murphy y Will Smith se convirtieron en grandes éxitos de taquilla. En las últimas décadas, los cineastas minoritarios como Ryan Coogler , Ava DuVernay y F Gary Gray han tenido las riendas creativas de las principales producciones.

En el viejo Hollywood, cuando los prejuicios raciales eran socialmente aceptables, no era raro que los actores blancos usaran la cara negra .

El cine estadounidense a menudo ha reflejado y propagado estereotipos negativos hacia los extranjeros y las minorías étnicas. Por ejemplo, los hispanos y latinoamericanos se representan en gran medida como figuras sexualizadas como el macho latino o la zorra latina , pandilleros , inmigrantes (ilegales) o artistas . Sin embargo, la representación en Hollywood ha mejorado en los últimos tiempos, en los que ganó un impulso notable en la década de 1990 y no enfatiza la opresión, la explotación o la resistencia como temas centrales. Según Ramírez Berg, las películas de la tercera ola "no acentúan la opresión o la resistencia chicana ; la etnicidad en estas películas existe como un hecho de varios que dan forma a la vida de los personajes y estampa su personalidad". Cineastas como Edward James Olmos y Robert Rodríguez pudieron representar la experiencia de los hispanos y latinoamericanos como nadie lo había hecho antes en la pantalla, y actores como Hilary Swank , Jordana Brewster , Michael Peña , Jessica Alba , Camilla Belle , Alexis Bledel y Penélope Cruz se han convertido en exitoso. En la última década, cineastas de minorías como Chris Weitz , Alfonso Gomez-Rejon y Patricia Riggen han recibido narrativas aplicadoras. Las primeras representaciones en películas de ellos incluyen La Bamba (1987), Selena (1997), La máscara del Zorro (1998), Goal II (2007), Lowriders (2016). Borda (2018) y Josefina López 's de las mujeres reales tienen curvas , originalmente una obra de teatro que se estrenó en 1990 y fue liberado más tarde como una película en 2002.

Según el actor coreano-estadounidense Daniel Dae Kim , los hombres asiáticos y estadounidenses de origen asiático "han sido retratados como villanos inescrutables y una especie de eunucos asexualizados". Visto como sumamente educado y sumiso. Antes del 11 de septiembre, los árabes y los estadounidenses de origen árabe a menudo eran retratados como terroristas . La decisión de contratar a Naomi Scott , en la película de Aladdin , hija de un padre inglés y una madre gujarati ugandesa-india , para interpretar el papel principal de la princesa Jasmine , también generó críticas, así como acusaciones de colorismo , como algunos comentaristas esperaban. papel para ir a una actriz de origen árabe o de Oriente Medio. En enero de 2018, se informó que a los extras blancos se les aplicaba maquillaje marrón durante el rodaje para "mezclarse", lo que provocó indignación y condena entre los fanáticos y críticos, calificando la práctica como "un insulto a toda la industria". mientras acusa a los productores de no reclutar personas con ascendencia del Medio Oriente o África del Norte. Disney respondió a la controversia diciendo: "La diversidad de nuestro elenco y artistas de fondo era un requisito y solo en un puñado de casos cuando se trataba de habilidades especiales, seguridad y control (plataformas de efectos especiales, artistas de acrobacias y manejo de animales). tripulación hecha para mezclarse ".

Ver también

Encrucijada del mundo
General

Referencias

Notas

Otras lecturas

  • Hallett, Hilary A. ¡ Vayan al oeste, mujeres jóvenes! El ascenso de principios de Hollywood. Berkeley, CA: Prensa de la Universidad de California, 2013.
  • Ragan, David. Quién es quién en Hollywood, 1900-1976 . New Rochelle, NY: Arlington House, 1976. Estaba pensando en

enlaces externos