Claroscuro - Chiaroscuro

Giovanni Baglione . Amor sagrado y profano . 1602-1603, mostrando un dramático claroscuro compositivo

Claroscuro ( Inglés: / k i ˌ ɑr ə s k ( j ) ʊər / kee- AR -ə- Skoor -OH, -⁠ SKEWR - , italiano:  [ˌkjaroskuːro] ; italiano de 'de luz-oscuridad'), en arte , es el uso de fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad, contrastes usualmente audaces que afectan a toda la composición. También es un término técnico utilizado por artistas e historiadores del arte para el uso de contrastes de luz para lograr una sensación de volumen al modelar objetos y figuras tridimensionales. Los efectos similares en el cine y la fotografía en blanco y negro y discreta también se denominan claroscuro.

Otros usos especializados del término incluyen xilografía de claroscuro para grabados en madera de colores impresos con diferentes bloques, cada uno con una tinta de color diferente; y dibujo de claroscuro para dibujos sobre papel de color en un medio oscuro con resaltado en blanco.

El claroscuro es uno de los modos de pintura canónicos del Renacimiento (junto con cangiante , sfumato y unione ) (ver también arte renacentista ). Los artistas conocidos por usar la técnica incluyen a Leonardo da Vinci , Caravaggio Rembrandt , Vermeer y Goya .

Historia

Origen en el dibujo de claroscuro

Cristo en reposo , de Hans Holbein el Joven , 1519, dibujo de claroscuro con pluma, tinta y pincel, lavados, realce del blanco, sobre papel preparado de color ocre

El término claroscuro se originó durante el Renacimiento como dibujo en papel de color, donde el artista trabajaba desde el tono base del papel hacia la luz usando gouache blanco , y hacia la oscuridad usando tinta, bodycolor o acuarela . Estos, a su vez, se basaron en las tradiciones de los manuscritos iluminados que se remontan a los manuscritos imperiales romanos tardíos en vitela teñida de púrpura . Estas obras se denominan " dibujos de claroscuro ", pero sólo pueden describirse en la terminología moderna de los museos mediante fórmulas como "lápiz sobre papel preparado, realzado con bodycolor blanco". Las xilografías en claroscuro comenzaron como imitaciones de esta técnica. Cuando se habla de arte italiano, el término a veces se usa para referirse a imágenes pintadas en monocromo o en dos colores, más generalmente conocido en inglés por el equivalente francés, grisalla . El término amplió su significado desde el principio para cubrir todos los fuertes contrastes en la iluminación entre las áreas claras y oscuras en el arte, que ahora es el significado principal.

Modelado de claroscuro

Detalle de La Fornarina (1518-19) de Raphael , muestra un delicado claroscuro modelado en el cuerpo de la modelo, por ejemplo en el hombro, pecho y brazo de la derecha.

El uso más técnico del término claroscuro es el efecto del modelado de luz en pintura , dibujo o grabado , donde el volumen tridimensional es sugerido por la gradación de valor del color y la división analítica de formas de luz y sombra, a menudo llamado " sombreado ". . La invención de estos efectos en Occidente, " skiagraphia " o "pintura de sombras" para los antiguos griegos, se atribuyó tradicionalmente al famoso pintor ateniense del siglo V a. C., Apolodoro . Aunque pocas pinturas de la Antigua Grecia sobreviven, su comprensión del efecto del modelado de luz todavía se puede ver en los mosaicos de Pella , Macedonia de finales del siglo IV a. C. , en particular el Mosaico de la caza del ciervo , en la Casa del rapto de Helena, inscrito gnosis epoesen , o "el conocimiento lo hizo".

La técnica también sobrevivió en una forma estandarizada bastante cruda en el arte bizantino y fue refinada nuevamente en la Edad Media para convertirse en estándar a principios del siglo XV en pintura e iluminación de manuscritos en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental.

Según la teoría de la historiadora del arte Marcia B. Hall , que ha ganado una considerable aceptación, el claroscuro es uno de los cuatro modos de pintura disponibles para los pintores italianos del Alto Renacimiento , junto con el cangiante , sfumato y unione .

La pintura de Raphael ilustrada, con luz proveniente de la izquierda, demuestra tanto un delicado claroscuro de modelado para dar volumen al cuerpo del modelo, como un fuerte claroscuro en el sentido más común, en el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro. de follaje. Sin embargo, para complicar aún más las cosas, el claroscuro compositivo del contraste entre el modelo y el fondo probablemente no se describiría usando este término, ya que los dos elementos están casi completamente separados. El término se usa principalmente para describir composiciones en las que al menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz y la oscuridad, como en las pinturas de Baglioni y Geertgen tot Sint Jans ilustradas arriba y abajo.

El modelado de claroscuro ahora se da por sentado, pero ha tenido algunos oponentes; a saber: el miniaturista de retratos inglés Nicholas Hilliard advirtió en su tratado sobre pintura contra todo uso, excepto el mínimo, que vemos en sus obras, reflejando las opiniones de su mecenas, la reina Isabel I de Inglaterra : "ver lo mejor para mostrarse a uno mismo no necesita sombra de lugar sino más bien la luz abierta ... Su Majestad ... eligió su lugar para sentarse a tal efecto en el callejón abierto de un hermoso jardín, donde no había ningún árbol cerca, ni sombra alguna ... "

En dibujos e impresiones, el claroscuro de modelado a menudo se logra mediante el uso de sombreado o sombreado con líneas paralelas. Lavados, punteado o efectos que salpican, y " superficie tono " en el grabado son otras técnicas.

Xilografías de claroscuro

Xilografía en claroscuro de la Virgen y el Niño de Bartolommeo Coriolano , realizada entre 1630 y 1655 (restaurada digitalmente)

Los grabados en madera claroscuro son antiguos grabados maestros en xilografía que utilizan dos o más bloques impresos en diferentes colores; no necesariamente presentan fuertes contrastes de luz y oscuridad. Primero se produjeron para lograr efectos similares a los dibujos de claroscuro. Después de algunos experimentos iniciales en la impresión de libros, el verdadero grabado en madera de claroscuro concebido para dos bloques probablemente fue inventado por primera vez por Lucas Cranach el Viejo en Alemania en 1508 o 1509, aunque retrocedió algunas de sus primeras impresiones y agregó bloques de tono a algunas impresiones producidas por primera vez. para la impresión monocromática, seguida rápidamente por Hans Burgkmair el Viejo . Se dice que el encofrado o cortador de bloques que trabajó en la imprenta de Johannes Schott en Estrasburgo fue el primero en lograr grabados en claroscuro con tres bloques. A pesar de la afirmación de Vasari de la precedencia italiana en Ugo da Carpi , está claro que sus primeros ejemplos italianos datan de alrededor de 1516. Pero otras fuentes sugieren que el primer grabado en madera de claroscuro fue el Triunfo de Julio César , que fue creado por Andrea. Mantegna , pintor italiano, entre 1470 y 1500. Otro punto de vista afirma que: "Lucas Cranach retrocedió dos de sus obras en un intento de apoderarse de la gloria" y que la técnica fue inventada "con toda probabilidad" por Burgkmair "quien fue encargado por el emperador Maximiliano para encontrar una manera barata y eficaz de difundir ampliamente la imagen imperial, ya que necesitaba reunir dinero y apoyo para una cruzada ".

Otros grabadores que han utilizado esta técnica son Hans Wechtlin , Hans Baldung Grien y Parmigianino . En Alemania, la técnica alcanzó su mayor popularidad alrededor de 1520, pero se utilizó en Italia durante todo el siglo XVI. A veces lo utilizaron artistas posteriores como Goltzius . En la mayoría de las impresiones alemanas de dos bloques, el bloque de teclas (o "bloque de línea") se imprimía en negro y el bloque o bloques de tono tenían áreas planas de color. En Italia, las xilografías de claroscuro se produjeron sin bloques de teclas para lograr un efecto muy diferente.

Claroscuro composicional a Caravaggio

Natividad de noche por Geertgen tot Sint Jans , c. 1490, según una composición de Hugo van der Goes de c. 1470; Las fuentes de luz son el Niño Jesús, el fuego de los pastores en la colina de atrás y el ángel que se les aparece.

La iluminación de manuscritos fue, como en muchas áreas, especialmente experimental al intentar efectos de iluminación ambiciosos, ya que los resultados no fueron para exhibición pública. El desarrollo del claroscuro compositivo recibió un impulso considerable en el norte de Europa a partir de la visión de la Natividad de Jesús de Santa Brígida de Suecia , una mística muy popular. Ella describió al niño Jesús como un emisor de luz; Las representaciones redujeron cada vez más otras fuentes de luz en la escena para enfatizar este efecto, y la Natividad permaneció muy comúnmente tratada con claroscuro hasta el Barroco. Hugo van der Goes y sus seguidores pintaron muchas escenas iluminadas solo por velas o la luz divina del niño Cristo. Al igual que con algunos pintores posteriores, en sus manos el efecto era de quietud y calma más que el drama con el que se usaría durante el Barroco.

Un fuerte claroscuro se convirtió en un efecto popular durante el siglo XVI en el manierismo y el arte barroco . La luz divina continuó iluminando, a menudo de manera bastante inadecuada, las composiciones de Tintoretto , Veronese y sus muchos seguidores. El uso de sujetos oscuros dramáticamente iluminados por un rayo de luz de una sola fuente restringida y a menudo invisible, fue un dispositivo compositivo desarrollado por Ugo da Carpi (c. 1455 - c. 1523), Giovanni Baglione (1566-1643) y Caravaggio. (1571-1610), el último de los cuales fue crucial en el desarrollo del estilo del tenebrismo , donde el claroscuro dramático se convierte en un recurso estilístico dominante.

Siglos XVII y XVIII

Peter Paul Rubens 's La Elevación de la Cruz (1610-1611) se modela con claroscuros dinámico.

El tenebrismo fue practicado especialmente en España y el Reino de Nápoles , gobernado por España , por Jusepe de Ribera y sus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), un artista alemán que vivía en Roma, produjo varias escenas nocturnas iluminadas principalmente por fuego y, a veces, por la luz de la luna. A diferencia de Caravaggio, sus áreas oscuras contienen detalles e interés muy sutiles. Las influencias de Caravaggio y Elsheimer fueron fuertes en Peter Paul Rubens , quien explotó sus respectivos enfoques de la tenebrosidad para lograr un efecto dramático en pinturas como El levantamiento de la cruz (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), artista barroca seguidora de Caravaggio, fue también una destacada exponente del tenebrismo y del claroscuro.

Un género particular que se desarrolló fue la escena nocturna iluminada por la luz de las velas, que se remonta a artistas del norte anteriores como Geertgen tot Sint Jans y, más inmediatamente, a las innovaciones de Caravaggio y Elsheimer. Este tema se desarrolló con muchos artistas de los Países Bajos en las primeras décadas del siglo XVII, donde se asoció con los Utrecht Caravaggisti como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen , y con pintores barrocos flamencos como Jacob Jordaens . Las primeras obras de Rembrandt van Rijn (1606-1669) de la década de 1620 también adoptaron la fuente de luz de una sola vela. La escena nocturna a la luz de las velas resurgió en la República Holandesa a mediados del siglo XVII en menor escala en las obras de fijnschilders como Gerrit Dou y Gottfried Schalken .

El casamentero de Gerrit van Honthorst , 1625

El propio interés de Rembrandt por los efectos de la oscuridad cambió en sus obras maduras. Se basó menos en los fuertes contrastes de luz y oscuridad que marcaron las influencias italianas de la generación anterior, un factor que se encuentra en sus grabados de mediados del siglo XVII. En ese medio compartió muchas similitudes con su contemporáneo en Italia, Giovanni Benedetto Castiglione , cuyo trabajo en el grabado lo llevó a inventar el monotipo .

Fuera de los Países Bajos, artistas como Georges de La Tour y Trophime Bigot en Francia y Joseph Wright de Derby en Inglaterra, continuaron con un claroscuro de velas tan fuerte, pero graduado. Watteau usó un suave claroscuro en los fondos frondosos de sus fêtes galantes , y esto fue continuado en pinturas de muchos artistas franceses, notablemente Fragonard . A finales del siglo, Fuseli y otros utilizaron un claroscuro más intenso para lograr un efecto romántico, al igual que Delacroix y otros en el siglo XIX.

Uso del término

Joseph Wright de Derby pintó varios grupos grandes con un fuerte claroscuro, como Un filósofo dando una conferencia en el Orrery , 1766.

El uso francés del término, clair-obscur , fue introducido por el crítico de arte del siglo XVII Roger de Piles en el curso de un famoso argumento ( Débat sur le coloris ), sobre los méritos relativos del dibujo y el color en la pintura (su Dialogues sur le coloris , 1673, fue una contribución clave al Débat ).

En inglés, el término italiano se ha utilizado al menos desde finales del siglo XVII. El término se usa con menos frecuencia en el arte después de fines del siglo XIX, aunque el expresionismo y otros movimientos modernos hacen un gran uso del efecto.

Especialmente desde el fuerte aumento de la reputación de Caravaggio en el siglo XX, en el uso no especializado el término se usa principalmente para efectos de claroscuro fuertes como los suyos o los de Rembrandt. Como dice la Tate : "El claroscuro generalmente solo se observa cuando es una característica particularmente prominente de la obra, generalmente cuando el artista utiliza contrastes extremos de luz y sombra". La fotografía y el cine también han adoptado el término. Para conocer la historia del término, véase René Verbraeken, Clair-obscur, histoire d'un mot (Nogent-le-Roi, 1979).

Cine y fotografia

El claroscuro también se usa en cinematografía para indicar iluminación de alto contraste y bajo perfil extremo para crear áreas distintas de luz y oscuridad en películas, especialmente en películas en blanco y negro. Ejemplos clásicos son El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metrópolis (1927) El jorobado de Notre Dame (1939), El diablo y Daniel Webster (1941) y las escenas en blanco y negro de Andrei Tarkovsky . s Stalker (1979).

Por ejemplo, en Metrópolis , la iluminación de claroscuro se utiliza para crear un contraste entre la puesta en escena y las figuras claras y oscuras . El efecto de esto es principalmente para resaltar las diferencias entre la élite capitalista y los trabajadores.

En fotografía , el claroscuro se puede lograr con el uso de " iluminación Rembrandt ". En procesos fotográficos más desarrollados, esta técnica también puede denominarse "iluminación ambiental / natural", aunque cuando se hace así por el efecto, el aspecto es artificial y, en general, no es de naturaleza documental. En particular, Bill Henson junto con otros, como W. Eugene Smith , Josef Koudelka , Garry Winogrand , Lothar Wolleh , Annie Leibovitz , Floria Sigismondi y Ralph Gibson pueden considerarse algunos de los maestros modernos del claroscuro en la fotografía documental.

Fotograma de la película de 1975 de Stanley Kubrick , Barry Lyndon , parte de la cual fue filmada solo con luz de velas.

Quizás el uso intencionado más directo del claroscuro en el cine sería la película de 1975 de Stanley Kubrick , Barry Lyndon . Cuando se le informó que ningún lente tenía actualmente una apertura lo suficientemente amplia para filmar un drama de vestuario ambientado en grandes palacios usando solo la luz de las velas, Kubrick compró y adaptó un lente especial para estos fines: una cámara Mitchell BNC modificada y una lente Zeiss fabricada para los rigores del espacio. fotografía, con una apertura máxima de f / .7. Las situaciones de iluminación naturalmente no aumentadas en la película ejemplificaron la iluminación natural y discreta en el trabajo cinematográfico en su punto más extremo fuera de la tradición cinematográfica de Europa del Este / Soviética (ejemplificada a su vez por el estilo de iluminación rudo y discreto empleado por el cineasta soviético Sergei Eisenstein ).

Sven Nykvist , colaborador de Ingmar Bergman desde hace mucho tiempo , también informó gran parte de su fotografía con realismo de claroscuro, al igual que Gregg Toland , quien influyó en directores de fotografía como László Kovács , Vilmos Zsigmond y Vittorio Storaro con su uso del enfoque profundo y selectivo aumentado con fuerte iluminación clave a nivel del horizonte que penetra a través de ventanas y puertas. Gran parte de la célebre tradición del cine negro se basa en técnicas que Toland perfeccionó a principios de los años treinta y que están relacionadas con el claroscuro (aunque la iluminación de alto nivel , la iluminación del escenario, la iluminación frontal y otros efectos se intercalan de manera que disminuyen el reclamo del claroscuro).

Ver también

Galería

Claroscuro en el modelado; pinturas

Claroscuro en el modelado; grabados y dibujos

El claroscuro como elemento principal en la composición: la pintura

El claroscuro como elemento principal en la composición: la fotografía

Rostros de claroscuro

Dibujos y xilografías de claroscuro

Notas


Referencias

  • David Landau y Peter Parshall, The Renaissance Print , págs. 179–202; 273–81 & passim; Yale, 1996, ISBN  0-300-06883-2

enlaces externos