Carl Sprinchorn - Carl Sprinchorn
Carl Sprinchorn | |
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 Retrato de Carl Sprinchorn por Robert Henri, 1910
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| Nació |
13 de mayo de 1887 |
| Murió | 6 de septiembre de 1971 (84 años) |
| Conocido por | Artista |
Carl Sprinchorn (1887-1971) fue un artista estadounidense nacido en Suecia que estudió con Robert Henri y que adoptó un estilo de modernismo realista que los críticos admiradores vieron como abstracto y revolucionario. Sus óleos y obras sobre papel mostraban una amplia gama de temas. Realizó paisajes urbanos y escenas de calle, paisajes marinos y escenas de playa, paisajes bucólicos y escenas de granjas. Dibujó bailarines famosos, figuras de la sociedad y hombres tanto urbanos como rurales en el trabajo. Como dijo un crítico, "tiene la rara cualidad de hacer que cualquier tema que ensaye sea interesante e inusual, ya sean ramos de flores, ciclistas en carreras de seis días, bailarines españoles o un paisaje americano puro". Logró elogios por las fotografías que hizo mientras vivía en Nueva York y durante extensos viajes. En 1918, un crítico dijo que sus dibujos mostraban el tipo de "trazo de pluma audaz" y el don de "declaración incisiva" que se podía ver en la obra del caricaturista británico Thomas Rowlandson . Otro crítico notó una "nostalgia sensual y aristocrática" en las escenas urbanas de Sprinchorn, y las describió como "impresiones delicadas y sugerentes". A lo largo de gran parte de su carrera, las pinturas florales de Sprinchorn al óleo, pastel y acuarela también atrajeron la atención de la crítica. Al revisar las acuarelas exhibidas en 1928, un crítico elogió una "sutil relación de colores" en una obra floral y dijo que "si los colores pudieran cantar", estos "cantarían melodiosamente". Sprinchorn realizó extensas visitas a campamentos y aldeas en North Maine Woods y las pinturas y dibujos que hizo allí se convirtieron en sus obras más famosas. Con respecto a un grupo de exposiciones póstumas celebradas en 2002, un crítico escribió: "En las manos de Sprinchorn, los bosques de Maine cobran vida a través de las acciones de los hombres que se sienten más cómodos entre los árboles: cazadores, tramperos, leñadores y conductores de ríos, en su mayoría. , las imágenes rugosas están llenas de colores tierra que recuerdan el frío azulado del invierno, el resplandor anaranjado del otoño y las escenas sombrías que acompañan a las fogatas nocturnas ... "
En 2002, un biógrafo escribió sobre un contraste entre el sofisticado enfoque urbano de gran parte del trabajo de Sprinchorn y el sencillo enfoque rural de su producción de los bosques de Maine. Llamándolo un "compuesto de opuestos", dijo que se sentía tan a gusto en el mundo del arte de Nueva York con sus artistas sofisticados y mecenas adinerados como en las pensiones rurales y los campamentos madereros.
Temprana edad y educación
En una carta de 1974 a un amigo, Sprinchorn dijo que había decidido emigrar de Suecia después de leer sobre un maestro inspirador llamado Robert Henri. Aunque solo tenía quince años cuando partió hacia Nueva York y aunque solo hablaba sueco, sabía que una de sus hermanas mayores, que entonces trabajaba como sirvienta en una familia en Manhattan, lo ayudaría a hacer la difícil transición después de su llegada. Aterrizó en Nueva York el 30 de octubre de 1903 y se matriculó en la Escuela de Arte de Nueva York ocho días después. Sprinchorn dijo más tarde que su estudio con Robert Henri fue el factor más importante en el desarrollo de su carrera. Aunque Henri no sabía sueco, Sprinchorn avanzó rápidamente en sus estudios mediante gestos y contacto visual para comprender las críticas de Henri a su trabajo. Por su parte, Henri consideraba a Sprinchorn como uno de sus mejores alumnos. En 1909 dijo que Sprinchorn no sabía prácticamente nada de arte cuando comenzó, pero rápidamente aprendió a pintar con "virilidad y carácter".
Carrera en el arte
La carrera de Sprinchorn comenzó cuando aún era estudiante. Después de poco más de dos años de estudio, recibió dos menciones honoríficas por un dibujo y pinturas que se mostraron en una exposición de trabajo escolar en la Escuela de Arte de Nueva York. A principios de 1907, los miembros del jurado aceptaron una pintura suya llamada "Una escena de invierno en el East Side, Nueva York" para la exposición anual de la Academia Nacional de Diseño, pero, a raíz de una protesta de Henri con respecto a otras pinturas que habían sido rechazadas, la La academia decidió no colgar Sprinchorn's, dando como motivo la falta de espacio. Enfurecido por la decisión, Henri dijo que la Academia no debería rechazar a jóvenes artistas innovadores como Sprinchorn. Elogió a Sprinchorn por captar "una gran nota nueva" y colocarla sobre un lienzo "con un efecto inquietante" y agregó que conocía "pocos pintores más prometedores". Unos meses más tarde, un crítico del New York Sun habló sobre las pinturas de Sprinchorn que se colgaron en otra de las exposiciones estudiantiles de la New York School. Elogió una pintura de Sprinchorn llamada "Ferryboat in Snowstorm", diciendo que violaba "todos los cánones del arte académico" al mostrar "las cosas como son". Otro crítico dijo que Sprinchorn era un artista prometedor cuyo trabajo estaba "pintado con una sensación de grandeza". A principios de 1908 contribuyó con pinturas a una exposición de obras de Henri y sus estudiantes en el National Arts Club . De una pintura de Sprinchorn llamada "Día de invierno", escribió un crítico: "Es el realismo llevado al undécimo grado. No se muestra piedad a los sentimentales ópticos".
Sprinchorn siguió a Henri cuando, en enero de 1909, fundó su propia escuela y luego la dejó al año siguiente para seguir una carrera como artista profesional. Entre 1907 y 1909 Sprinchorn se había desempeñado como gerente de la Escuela de Arte de Nueva York y continuó desempeñando esa función durante su tiempo en la nueva escuela Henri.
En ese momento, un crítico vio a Sprinchorn como "uno de los miembros más jóvenes de la nueva escuela 'revolucionaria' de artistas, quienes, como cuerpo, han recibido tan poco apoyo de los jurados de la Academia Nacional de Diseño". A principios de 1910, Sprinchorn hizo que se aceptara una pintura para la 105a exposición anual en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y un poco más tarde expuso en la Escuela Rand de Nueva York junto con Henri y los hombres que habían estudiado con Henri. La lista de participantes incluyó a George Bellows, George Luks y John Sloan .
Aunque habitualmente vivía en Nueva York, Sprinchorn viajó mucho a lo largo de su carrera. A finales de 1912 y principios de 1913 vivió en Los Ángeles, California. Durante 1914 y 1915 vivió en París donde asistió a clases de dibujo en la Académie Colarossi . A menudo pasaba los meses de verano en colonias de artistas cerca del agua: en Provincetown, Massachusetts, en Ogunquit, Maine y en Monhegan Island, Maine. Regresó a Escandinavia de vez en cuando para pintar y visitar a su familia.
En 1910 hizo su primera visita a un lugar en el centro-norte de Maine que pronto se convertiría en uno de sus favoritos. Un amigo de la familia lo invitó a visitar Monson , un pueblo donde había una pequeña comunidad de inmigrantes suecos. Durante los meses de invierno, Monson albergaba campamentos de madereros que aprovechaban los arroyos y ríos crecidos para transportar madera a los aserraderos más al sur y al este. Sprinchorn, que se había hecho conocido anteriormente por escenas de ventiscas y fuertes nevadas en los barrios bajos de Manhattan, parece haberse sentido cómodo al representar el trabajo de estos madereros y el entorno en el que pasaban los meses fríos del año. A medida que su carrera maduraba, Sprinchorn volvería a visitar Monson y otros lugares en North Maine Woods durante las siguientes tres décadas y pasaría la mayor parte de su tiempo allí entre 1942 y 1952. En el momento de su muerte, las pinturas, dibujos de Sprinchorn , y las acuarelas de los bosques de Maine llegarían a ser vistas como sus temas dominantes y obras más populares.
Mientras estuvo en el sur de California entre 1912 y 1914, Sprinchorn enseñó en la Art Students League y se desempeñó durante un tiempo como su director.
En 1915 fue uno de los once "pintores estadounidenses representativos" seleccionados para una exposición en la galería principal del edificio de bellas artes en la Exposición Panamá-California en San Diego, California. Más tarde ese año participó en una exposición colectiva en el MacDowell Club de Nueva York y al año siguiente mostró dibujos en una exposición individual patrocinada por George S. Hellman. Al revisar este último, un crítico del New York Sun dijo que dibujaba con espíritu y gracia, con una calidad juvenil que el crítico encontró refrescante. En 1918 volvió a mostrar dibujos en una exposición en la Scandinavian Art Shop. En esta ocasión, un crítico reconoció una afinidad con el artista inglés Thomas Rowlandson, pero señaló que Sprinchorn veía las cosas de una manera más fragmentaria, en ángulos en lugar de curvas y con un humor más mordaz. El crítico concluyó diciendo que Sprinchorn era "asombrosamente hábil para obtener los resultados más ricos y espléndidos reteniendo toda la fuerza de su pigmento y sugiriendo reservas de color detrás de la pintura de la superficie".
Sprinchorn mostró tres veces en 1920, una vez con otros artistas sueco-estadounidenses en la American-Scandinavian Foundation , una vez con un grupo que incluía a Anne Rector en el National Arts Club , y una vez en una exposición de la Sociedad de Artistas Independientes . Al revisar el primero de los tres, un crítico del Times dijo que Sprinchorn contribuyó con "dos cuadros grandes de gran distinción" y dibujos que eran aún más fuertes. El año 1922 fue fructífero para Sprinchorn. En enero , la revista de Hamilton Easter Field , The Arts , publicó un artículo del teórico literario Kenneth Burke titulado "El arte de Carl Sprinchorn". Burke analizó en detalle la técnica de Sprinchorn. Llamando la atención sobre su uso de la metáfora visual, Burke dijo que usó la abstracción para hacer que sus sujetos sirvieran para múltiples propósitos en sus pinturas. A modo de ejemplo, dijo "Carl Sprinchorn comienza con nieve, y agrega algo más, mientras que la nieve permanece. Se las arregla para poner en su lienzo tanto el objeto como su interpretación". En ese mes y el siguiente Sprinchorn mostró acuarelas y dibujos en la galería Junior Art Painters y pinturas y obras en papel en la galería de la Sra. Sterner. En meses posteriores, el Museo de Arte de Worcester ofreció una exposición individual de su trabajo reciente. A finales de año participó en una muestra colectiva en la Nueva Galería que él mismo hizo montar. La exposición en la Sterner Gallery atrajo un extenso examen crítico de la revista The Arts , el Brooklyn Daily Eagle y los periódicos New York Herald . En The Arts , el teórico literario Kenneth Burke dijo que, al eliminar los detalles, Sprinchorn logró una "interpretación más verdadera" de sus temas. En el Brooklyn Daily Eagle Hamilton Easter Field escribió que compartía el entusiasmo de los "admiradores más ardientes" de Sprinchorn. El crítico del New York Herald dijo del trabajo de Sprinchorn: "Es abstracto, pero es saludable y está bien". En su introducción al catálogo de la exposición, el crítico de arte, curador y coleccionista, Christian Brinton, describió lo que vio como la "odisea incesante e incesante de Sprinchorn en busca de estímulos plásticos y cromáticos frescos".
Entre 1922 y 1925 Sprinchorn fue director de arte de la New Gallery, que exhibió y vendió obras de artistas estadounidenses poco conocidos y europeos de vanguardia. Sus obras se exhibieron con frecuencia en exposiciones colectivas durante la década de 1920 y principios de la de 1930: en la New Gallery en 1923 y 1924; en el Whitney Studio Club en 1924; en el Museo de Brooklyn en 1925, 1926, 1928 y 1929; en la Galería Marie Sterner en 1928, 1930 y 1933; en el Museo Roerich en 1929; y en las Fifty-Sixth Street Galleries en 1930. Realizó exposiciones individuales durante estos años en su propio estudio (1924 y 1933), las Rhen Galleries (1927), la Ainslie Gallery en 1928, la Penthouse Gallery (1930) y la Galería Sullivan (1936). El Museo Histórico Sueco Americano le ofreció una exposición individual en 1942. En 1930, la dueña de la Galería Sullivan, la Sra. Cornelius Sullivan, organizó un recorrido de su obra en tres museos. En la década siguiente a 1920, la revista The Dial publicó muchos de sus dibujos y también obtuvo ingresos por las ilustraciones que produjo para Ford Motor Company.
Sprinchorn utilizó sus ganancias de su trabajo en la New Gallery y otras fuentes para financiar un año y medio de viajes en Puerto Rico y Santo Domingo en 1926 y 1927. Luego, regresó a Suecia a fines de 1930 y principios de 1931. Se quedó en Nueva York la mayor parte del tiempo entre 1931 y 1937. Su trabajo fue parte del evento de pintura en el concurso de arte en los Juegos Olímpicos de Verano de 1932 . Su trabajo también apareció en el Museo Whitney en la segunda exposición bienal en 1936 y en la exposición anual de arte contemporáneo en 1938. Con el dinero que recibió de las ventas de su arte, pasó parte o todo el año en Maine entre 1937 y 1943, principalmente viviendo en Patten o Shin Pond . En enero de 1943, Sprinchorn escribió al coleccionista y director del museo, Duncan Phillips , pidiéndole que viera la exposición de sus obras en la Macbeth Gallery. Posteriormente, Phillips compró una de las pinturas, "Snow Winged Horses" (1920), lo que ayudó a financiar los inviernos posteriores en los bosques de Maine. Durante estos años mostró con poca frecuencia, sobre todo en exposiciones individuales en la Macbeth Gallery (1943, 1947 y 1950), la Bertha Schaeffer Gallery (1944). A medida que su salud empeoró después de 1950, continuó mostrando trabajos de décadas anteriores, pero pintó con menos frecuencia. Vivió en Manhattan desde 1950 hasta 1956 cuando se mudó a una granja en Selkirk, Nueva York . Las galerías en las que mostró durante ese período incluyen las galerías Bertha Schaefer, Passedoit, Zabriske y Knoedler en Nueva York. Dejó de exponer en 1963 y murió ocho años después.
En 1984, el museo de arte de Rutgers, la Universidad Estatal de Nueva Jersey, montó una retrospectiva titulada "Carl Sprinchorn: Impulso realista y visión romántica". En 1994, la Veilleux Gallery en Farmington, Maine, mostró 60 pinturas y obras en papel de los bosques de Maine. Una cuenta de noticias dijo que 44 de los 60 compradores encontraron, por lo que esta es la exposición más exitosa que haya recibido su trabajo. La galería, que representaba la propiedad de Sprinchorn, realizó una segunda retrospectiva en 1996. Una exposición llamada "El arte de Carl Sprinchorn: La colección Katahdin" apareció en el Museo de Arte Americano de Ogunquit en 1998. Se llevaron a cabo tres exposiciones en Maine durante el verano de 2002: "Carl Sprinchohn: King of the Woods" en el Museo de Arte de Bates College, Lewiston, "Carl Sprinchorn: The Maine Woods and Beyond" en la Veilleux Gallery en Farmington, y "The Four Seasons: Carl Sprinchorn en Maine" en la Galería New O'Farrell, Brunswick.
A pesar de su afecto por los paisajes nevados y las imágenes de las ocupaciones invernales, Sprinchorn nunca se sintió del todo como en casa en la zona rural de Maine. Un residente local, Caleb Scribner, se hizo amigo, pero Scribner fue una excepción. Se conocieron en 1937 cuando Sprinchorn se quedó como huésped en la casa de la familia de Scribner en Patten, cerca de Shin Pond. Scribner, un artista aficionado, podía conversar con Sprinchorn sobre temas que no tenían interés para otros lugareños. En una carta de 1946 a un amigo, Sprinchorn admitió que tenía poco en común "con estas personas que, después de todo, no son importantes en mi vida más allá del accidente de compartir un árbol y una tabla en el techo, con ellos; de ninguna manera o manera posible. para compartir mis intereses, problemas o lo que no ". Escribiendo en 1988, la biógrafa de Sprinchorn, Mary Towley Swanson, lo llamó un "compuesto de opuestos". Disfrutaba de la vida en la ciudad y desarrolló amistades duraderas con artistas y patrocinadores del mundo del arte de Nueva York. A lo largo de la mayor parte de su carrera, los críticos prestaron la mayor parte de su atención a sus naturalezas muertas y otros temas de interior y los pocos registros existentes de sus ventas de arte muestran el mayor interés en esta obra. Sin embargo, a lo largo de su carrera, pasó largos períodos en entornos rurales y, después de su muerte, críticos y curadores mostraron una fuerte preferencia por sus pinturas rurales. Hacia el final de su carrera, Sprinchorn abordó este aspecto dual de su trabajo. En una carta a su amigo Richard Sprague, escribió: "Bueno, soy un chico de ciudad. Quiero decir, nací en el campo, pero tengo mentalidad de ciudad". En 1953 le escribió a un amigo: "Me han llamado místico. Creo que tengo un espíritu panteísta hacia la naturaleza que evita la mera copia de la naturaleza. Nunca he tenido éxito en copiar la naturaleza, sin embargo, sinceramente, pronto me cansé. Me gusta seleccionar e interpretar la naturaleza después de vivir cerca de las fuentes de la naturaleza, pero a la inversa, me ha interesado la vida de los críticos, los aspectos sofisticados de la vida en general, en una palabra, he tratado de abarcar mucho. "
Estilo artístico
Después de haber aceptado a Robert Henri como maestro y mentor, Sprinchorn adoptó un estilo realista que luego se consideró revolucionario. Desafiando el arte académico decoroso y el arte impresionista escapista , los pintores que estudiaron con Henri eligieron temas del áspero mundo urbano que los rodeaba, pintaron con libertad audaz y pinceladas rápidas, y se esforzaron por lograr una expresión emocional inmediata. Al revisar una exposición en la que se mostraron sus primeras pinturas, un crítico dijo que "Ferryboat in Snowstorm" de Sprinchorn ofendió a las autoridades artísticas al violar "todos los cánones del arte académico". Otro dijo una pintura de sus "sentimentalistas" ofendidos al llevar el realismo "al undécimo grado". La pintura de 1906, "Después de una tormenta", también llamada "Después de una tormenta de nieve" (a la derecha), muestra el estilo de Sprinchorn en ese momento. Al principio de su carrera, las obras sobre papel de Sprinchorn atrajeron al menos tanta atención como sus pinturas al óleo. Como ya se mencionó, recibió una mención de honor por un dibujo en 1906, mostró dibujos en una exposición colectiva de 1908 y en 1916 tuvo su primera exposición individual dedicada al dibujo. Unos años después, recordó lo favorablemente que respondió la prensa neoyorquina a este trabajo y dijo que la exposición individual produjo un gran número de compras. Sprinchorn siguió a Henri en su estilo de dibujo tanto como en sus pinturas al óleo. Henri les dijo a sus alumnos que hicieran dibujos no como dibujantes desapasionados, sino expresivamente y con una profunda conciencia de la totalidad del tema. En 1916, un crítico del New York Sun llamó la atención sobre las líneas abreviadas de Sprinchorn y el uso de la simplificación y señaló el "espíritu y la gracia" de sus dibujos. Al señalar en los dibujos de Sprinchorn "una visión aguda y un análisis ingenioso", un crítico del New York Times dijo en 1918 que el artista era "increíblemente hábil para obtener los resultados más ricos y espléndidos reteniendo toda la fuerza de su pigmento, y sugiriendo reservas de color detrás de la pintura de la superficie ". A principios de la década de 1920, los críticos continuaron enfatizando su sencillez, franqueza e intensidad de sentimiento. Reconocieron un rechazo a la presentación estrictamente representativa a favor de los elementos compositivos de su obra. Uno vio en su técnica una "genuina sensibilidad estética" y otro citó su capacidad para transformar sujetos en símbolos significativos.
En 1920, un crítico del Times escribió que Sprinchorn mostró su talento con mayor claridad en sus dibujos. El crítico los llamó "bocetos vívidos y sincopados", que contaban "dentro de sus estrechos límites más verdades sobre el color y la forma que la mayoría de los artistas encuentran posible expresar en sus lienzos más grandes". En 1922, un crítico dijo que los dibujos estaban "expresados con una línea vivaz y pasajes sutilmente modulados de azul, violeta, amarillo pálido y verde. Llenos de una sensibilidad estética genuina, así como una cierta nostalgia sensual y aristocrática". El mismo año, escribiendo en la revista The Arts , un crítico escribió que valoraba "la composición por sí misma" y tenía "casi un desdén por el tema. Citó como ejemplo el tratamiento de Sprinchorn de las figuras humanas como" poco más que tesis , hombres sin destino ni destino ". La dama con un abanico de Sprinchorn (mostrada a la izquierda), muestra su técnica de dibujo de líneas con lavado de acuarela.
El estilo de Sprinchorn cambió poco durante el resto de su carrera, tan poco que los críticos que escribieron en 2002 pudieron hacerse eco de lo que los críticos habían escrito a principios de la década de 1920. Ambos grupos de críticos vieron libertad y audacia en su sensibilidad artística y un enfoque expresivo y abstracto en lugar de objetivo y representativo. Usaron términos como "libre y atrevido" o "libre y receptivo" para describir su estilo. Tanto al principio como al final de su carrera, se le consideraba impartiendo lo que un crítico llamó "énfasis simbólico" en su trabajo. Temprano y tarde, fue visto como un colorista sutil y fue citado con frecuencia por una contundencia lo que un crítico llamó "vigor y empuje". En todos los períodos, la crítica vio un contenido emocional en su obra que se llamó "expresionismo con elementos abstractos". En un resumen de su trabajo posterior a la carrera, un crítico dijo que lo que distinguía el estilo de Sprinchorn era su "capacidad para plasmar una imagen con una honestidad personal brutal, como si no pudiera hacer nada más". Otro escribió que si bien "estaba comprometido con la autenticidad de su tema, utilizó medios similares a los empleados por un artista abstracto, incluidas las relaciones de figura y suelo que divergen de la perspectiva normal; uso expresivo del color; y una aplicación pictórica de la pintura". que demuestra gusto por el acto de pintar ". Las pinturas de Sprinchorn, "Hunter's Luck II" (mostradas a la derecha) y "Gloria October" (mostradas a la izquierda, ilustran estos aspectos de su estilo).
A lo largo de su carrera, los medios de Sprinchorn fueron pinturas al óleo sobre lienzo y obras sobre papel en acuarela, lápiz, bolígrafo, aguada, crayón y carboncillo.
Sus temas variaron ampliamente: paisajes urbanos de Nueva York y paisajes de los bosques de Maine y escenarios tropicales; figuras humanas, incluidos trabajadores urbanos y leñadores rurales, así como sofisticados urbanos; Escenas de granjas escandinavas; bodegones florales. Aunque sus fotografías de los bosques de Maine llamaron más la atención después de su muerte, fue más conocido por sus naturalezas muertas y dibujos durante la mayor parte de su carrera. "Girasoles y Tritoma" de Sprinchorn (que se muestra a la derecha) ilustra el manejo de una naturaleza muerta floral. En 1936, un crítico dijo que esta pintura era la más animada de las "pinturas de flores vívidas" que mostró en la galería Sullivan.
Vida personal y familiar
Sprinchorn nació en el pueblo de Broby , cerca de Kristianstad , Suecia, el 13 de mayo de 1887. Su padre era Claes Sprinchorn (1845-1907), un ebanista que hacía carpintería y restauraba muebles. Su madre fue Johanna Rudolphsson (Andreasdotter) Sprinchorn (1844-1932). Era el menor de siete hermanos. De niño le gustaba dibujar y, como ya se ha dicho, decidió emigrar a Nueva York para estudiar con Robert Henri.
En 1956, debido a que la mala salud restringió su habilidad para pintar y dibujar, se mudó a la casa de su hermana, la Sra. Anna Johnson, en Selkirk, Nueva York. A su muerte en 1971, sus únicos sobrevivientes conocidos fueron la Sra. Johnson y una sobrina, la Sra. Ruth Olson, también de Selkirk.