Camille Saint-Saëns - Camille Saint-Saëns

De Wikipedia, la enciclopedia libre

hombre de mediana edad con barba limpia
Saint-Saëns c.  1880

Charles-Camille Saint-Saëns ( francés:  [ʃaʁl kamij sɛ̃ sɑ̃ (s)] ; 9 de octubre de 1835 - 16 de diciembre de 1921) fue un compositor, organista, director y pianista francés de la época romántica . Sus obras más conocidas incluyen Introducción y Rondo Capriccioso (1863), Segundo Concierto para piano (1868), Primer Concierto para violonchelo (1872), Danza macabra (1874), la ópera Sansón y Dalila (1877), el Tercer Concierto para violín ( 1880), la Tercera Sinfonía ("Órgano") (1886) y El Carnaval de los Animales (1886).

Saint-Saëns fue un prodigio musical; hizo su debut en concierto a la edad de diez años. Después de estudiar en el Conservatorio de París , siguió una carrera convencional como organista de iglesia, primero en Saint-Merri , París y, desde 1858, La Madeleine , la iglesia oficial del Imperio francés . Después de dejar el cargo veinte años después, fue un exitoso pianista y compositor independiente, muy solicitado en Europa y América.

De joven, Saint-Saëns estaba entusiasmado con la música más moderna de la época, en particular la de Schumann , Liszt y Wagner , aunque sus propias composiciones estaban generalmente dentro de una tradición clásica convencional. Fue un estudioso de la historia de la música y permaneció comprometido con las estructuras elaboradas por los compositores franceses anteriores. Esto lo puso en conflicto en sus últimos años con los compositores de las escuelas de música impresionista y dodecafónica ; aunque había elementos neoclásicos en su música, presagiando obras de Stravinsky y Les Six , a menudo se lo consideraba un reaccionario en las décadas cercanas al momento de su muerte.

Saint-Saëns sólo ocupó un puesto de profesor, en la École de Musique Classique et Religieuse de París, y permaneció allí menos de cinco años. Sin embargo, fue importante en el desarrollo de la música francesa: sus alumnos incluyeron a Gabriel Fauré , entre cuyos propios alumnos posteriores se encontraba Maurice Ravel . Ambos estaban fuertemente influenciados por Saint-Saëns, a quien veneraban como un genio.

La vida

Vida temprana

Vista de la calle parisina de calle lateral estrecha
La rue du Jardinet, lugar de nacimiento de Saint-Saëns

Saint-Saëns nació en París, hijo único de Jacques-Joseph-Victor Saint-Saëns (1798-1835), funcionario del Ministerio del Interior francés, y Françoise-Clémence, de soltera Collin. Victor Saint-Saëns era de ascendencia normanda y su esposa era de una familia de Haute-Marne ; su hijo, nacido en la Rue du Jardinet en el sexto distrito de París , y bautizado en la cercana iglesia de Saint-Sulpice , siempre se consideró un verdadero parisino. Menos de dos meses después de la botadura, Victor Saint-Saëns murió de consumo (tuberculosis) en el primer aniversario de su matrimonio. El joven Camille fue llevado al campo por su salud y durante dos años vivió con una enfermera en Corbeil , a 29 kilómetros (18 millas) al sur de París.

bosquejo, de, niño joven, en, piano, teclado
Saint-Saëns de niño

Cuando Saint-Saëns regresó a París, vivía con su madre y su tía viuda, Charlotte Masson. Antes de los tres años mostró un tono perfecto y disfrutaba tocando melodías en el piano. Su tía abuela le enseñó los conceptos básicos del pianismo, y cuando tenía siete años se convirtió en alumno de Camille-Marie Stamaty , ex alumno de Friedrich Kalkbrenner . Stamaty requería que sus alumnos tocaran mientras descansaban sus antebrazos en una barra situada frente al teclado, de modo que todo el poder del pianista provenía de las manos y los dedos en lugar de los brazos, lo que, según escribió Saint-Saëns más tarde, era un buen entrenamiento. Clémence Saint-Saëns, consciente del precoz talento de su hijo, no quería que se hiciera famoso demasiado joven. El crítico musical Harold C. Schonberg escribió sobre Saint-Saëns en 1969: "En general, no se sabe que fue el niño prodigio más notable de la historia, y eso incluye a Mozart". El muchacho dio actuaciones ocasionales para pequeñas audiencias desde la edad de cinco años, pero no fue hasta que tenía diez años que hizo su debut público oficial, en la Salle Pleyel , en un programa que incluía Mozart 's Concierto para piano en B ( K 450) y el Tercer Concierto para piano de Beethoven . A través de la influencia de Stamaty, Saint-Saëns conoció al profesor de composición Pierre Maleden y al profesor de órgano Alexandre Pierre François Boëly . De este último adquirió un amor de por vida por la música de Bach , que entonces era poco conocida en Francia.

Como colegial, Saint-Saëns se destacó en muchas materias. Además de su destreza musical, se distinguió en el estudio de la literatura francesa, latín y griego, divinidad y matemáticas. Sus intereses incluían la filosofía, la arqueología y la astronomía, de las cuales, particularmente la última, siguió siendo un aficionado talentoso en su vida posterior.

Exterior de un edificio de la ciudad francesa del siglo XIX
El antiguo edificio del Conservatorio de París, donde estudió Saint-Saëns

En 1848, a la edad de trece años, Saint-Saëns fue admitido en el Conservatorio de París , la academia de música más importante de Francia. El director, Daniel Auber , había sucedido a Luigi Cherubini en 1842 y traía un régimen más relajado que el de su predecesor martinet, aunque el plan de estudios seguía siendo conservador. Se animó a los estudiantes, incluso a pianistas destacados como Saint-Saëns, a especializarse en estudios de órgano, porque se consideraba que una carrera como organista de iglesia ofrecía más oportunidades que la de un pianista solista. Su profesor de órgano era François Benoist , a quien Saint-Saëns consideraba un organista mediocre pero un maestro de primera; sus alumnos incluyeron a Adolphe Adam , César Franck , Charles Alkan , Louis Lefébure-Wély y Georges Bizet . En 1851 Saint-Saëns ganó el máximo premio del Conservatorio para organistas y ese mismo año comenzó sus estudios formales de composición. Su profesor era un protegido de Cherubini, Fromental Halévy , cuyos alumnos incluían a Charles Gounod y Bizet.

Las composiciones de los estudiantes de Saint-Saëns incluían una sinfonía en La mayor (1850) y una pieza coral, Les Djinns (1850), según un poema homónimo de Victor Hugo . Compitió por el premio musical más importante de Francia, el Prix ​​de Rome , en 1852, pero no tuvo éxito. Auber creía que el premio debería haber sido para Saint-Saëns, considerándolo más prometedor que el ganador, Léonce Cohen , que dejó poca huella durante el resto de su carrera. Ese mismo año, Saint-Saëns tuvo mayor éxito en un concurso organizado por la Société Sainte-Cécile, París, con su Ode à Sainte-Cécile , por la que los jueces le votaron por unanimidad el primer premio. La primera pieza que el compositor reconoció como obra madura y le dio un número de opus fue Trois Morceaux para armonio (1852).

Carrera temprana

interior de la iglesia gótica
La iglesia de Saint-Merri , París, donde Saint-Saëns fue organista, 1853-1857

Al dejar el Conservatorio en 1853, Saint-Saëns aceptó el puesto de organista en la antigua iglesia parisina de Saint-Merri, cerca del Hôtel de Ville . La parroquia era importante, con 26.000 feligreses; en un año típico se celebraban más de doscientas bodas, los honorarios del organista que, junto con los honorarios de los funerales y su modesto estipendio básico, proporcionaban a Saint-Saëns unos ingresos cómodos. El órgano, obra de François-Henri Clicquot , había sufrido graves daños a raíz de la Revolución Francesa y se había restaurado de forma imperfecta. El instrumento era adecuado para los servicios religiosos, pero no para los ambiciosos recitales que ofrecían muchas iglesias parisinas de alto perfil. Con suficiente tiempo libre para seguir su carrera como pianista y compositor, Saint-Saëns compuso lo que se convirtió en su opus 2, la Sinfonía en Mi (1853). Esta obra, con fanfarrias militares y secciones aumentadas de metales y percusión, captó el estado de ánimo de la época a raíz del ascenso popular al poder de Napoleón III y la restauración del Imperio francés . La obra le valió al compositor otro primer premio de la Société Sainte-Cécile.

Entre los músicos que se apresuraron a reconocer el talento de Saint-Saëns se encontraban los compositores Gioachino Rossini , Héctor Berlioz y Franz Liszt , y la influyente cantante Pauline Viardot , quienes lo animaron en su carrera. A principios de 1858, Saint-Saëns se mudó de Saint-Merri al puesto de organista de alto perfil de La Madeleine , la iglesia oficial del Imperio; Liszt lo escuchó tocar allí y lo declaró el mejor organista del mundo.

Aunque en la vida posterior tuvo una reputación de conservadurismo musical abierto, en la década de 1850 Saint-Saëns apoyó y promovió la música más moderna de la época, incluida la de Liszt, Robert Schumann y Richard Wagner . A diferencia de muchos compositores franceses propios y de la siguiente generación, Saint-Saëns, a pesar de todo su entusiasmo y conocimiento de las óperas de Wagner, no fue influenciado por él en sus propias composiciones. Comentó: "Admiro profundamente las obras de Richard Wagner a pesar de su carácter bizarro. Son superiores y poderosas, y eso es suficiente para mí. Pero no soy, nunca lo he sido, y nunca seré del wagneriano". religión."

Década de 1860: maestro y fama creciente

joven en uniforme universitario del siglo XIX
Gabriel Fauré , alumno, protegido y amigo de toda la vida de Saint-Saëns, como estudiante, 1864

En 1861 Saint-Saëns aceptó su único puesto como profesor, en la École de Musique Classique et Religieuse, París, que Louis Niedermeyer había establecido en 1853 para formar organistas y directores de coro de primer nivel para las iglesias de Francia. El propio Niedermeyer fue profesor de piano; cuando murió en marzo de 1861, Saint-Saëns fue designado para hacerse cargo de los estudios de piano. Escandalizó a algunos de sus colegas más austeros al presentar a sus alumnos la música contemporánea, incluida la de Schumann, Liszt y Wagner. Su alumno más conocido, Gabriel Fauré , recordó en la vejez:

Tras dejar pasar las lecciones, se acercaba al piano y nos revelaba aquellas obras de los maestros de los que el riguroso carácter clásico de nuestro programa de estudios nos mantenía a distancia y que, además, en aquellos años lejanos. , eran poco conocidos. ... En ese momento yo tenía 15 o 16 años, y de esta época data el apego casi filial ... la inmensa admiración, la incesante gratitud que [he] tenido por él, a lo largo de mi vida.

Saint-Saëns animó aún más el régimen académico escribiendo y componiendo música incidental para una farsa de un acto interpretada por los estudiantes (incluido André Messager ). Concibió su obra más conocida, El carnaval de los animales , pensando en sus alumnos, pero no terminó de componerla hasta 1886, más de veinte años después de dejar el colegio Niedermeyer.

En 1864 Saint-Saëns causó cierta sorpresa al competir por segunda vez por el Prix de Rome. Muchos en los círculos musicales estaban desconcertados por su decisión de volver a participar en el concurso, ahora que estaba estableciendo una reputación como solista y compositor. Una vez más fracasó. Berlioz, uno de los jueces, escribió:

El otro día le regalamos el Prix de Roma a un joven que no esperaba ganarlo y que se volvió casi loco de alegría. Todos esperábamos que el premio fuera para Camille Saint-Saëns, que tenía la extraña noción de competir. Confieso que lamenté votar en contra de un hombre que es verdaderamente un gran artista y que ya es muy conocido, prácticamente una celebridad. Pero el otro hombre, que todavía es estudiante, tiene ese fuego interior, esa inspiración, siente que puede hacer cosas que no se pueden aprender y el resto aprenderá más o menos. Así que voté por él, suspirando al pensar en la infelicidad que este fracaso debe causarle a Saint-Saëns. Pero, sea lo que sea, hay que ser honesto.

Según el erudito musical Jean Gallois, fue a propósito de este episodio que Berlioz hizo su conocido bon mot sobre Saint-Saëns, "Lo sabe todo, pero carece de inexperiencia" ("Il sait tout, mais il manque d'inexpérience" ). El ganador, Victor Sieg , tuvo una carrera no más notable que la del ganador de 1852, pero el biógrafo de Saint-Saëns, Brian Rees, especula que los jueces pueden "haber estado buscando signos de genialidad en medio de un esfuerzo y error tentativos, y consideraron que Saint-Saëns había alcanzado la cima de su competencia ". La sugerencia de que Saint-Saëns era más competente que inspirado persiguió su carrera y su reputación póstuma. Él mismo escribió: "El arte está destinado a crear belleza y carácter. El sentimiento solo viene después y el arte puede prescindir de él. De hecho, es mucho mejor cuando lo hace". La biógrafa Jessica Duchen escribe que era "un hombre atribulado que prefería no traicionar el lado más oscuro de su alma". El crítico y compositor Jeremy Nicholas observa que esta reticencia ha llevado a muchos a subestimar la música; cita comentarios tan despectivos como "Saint-Saëns es el único gran compositor que no fue un genio" y "Mala música bien escrita".

Imágenes de cabeza y hombros de cuatro hombres de mediana edad del siglo XIX.
Concesión del primer premio de Saint-Saëns, París, 1867: en el sentido de las agujas del reloj desde la parte superior izquierda, Berlioz , Gounod , Rossini y Verdi

Mientras enseñaba en la escuela Niedermeyer, Saint-Saëns dedicó menos energía a componer e interpretar, pero después de su partida en 1865 siguió con vigor ambos aspectos de su carrera. En 1867, su cantata Les noces de Prométhée superó a más de un centenar de entradas para ganar el premio de composición de la Grande Fête Internationale de París, en el que el jurado incluyó a Auber, Berlioz, Gounod, Rossini y Giuseppe Verdi . En 1868 estrena la primera de sus obras orquestales para ganarse un lugar permanente en el repertorio, su Segundo Concierto para piano . Interpretando esta y otras obras se convirtió en una figura destacada en la vida musical de París y otras ciudades de Francia y el extranjero durante la década de 1860.

Década de 1870: guerra, matrimonio y éxito operístico

En 1870, preocupados por el dominio de la música alemana y la falta de oportunidades para que los jóvenes compositores franceses reproduzcan sus obras, Saint-Saëns y Romain Bussine , profesor de canto en el Conservatorio, discutieron la fundación de una sociedad para promover la nueva música francesa. . Antes de que pudieran llevar la propuesta más lejos, estalló la guerra franco-prusiana . Saint-Saëns sirvió en la Guardia Nacional durante la guerra. Durante la breve pero sangrienta Comuna de París que siguió, su superior en la Madeleine, el Abbé Deguerry, fue asesinado por rebeldes; Saint-Saëns tuvo la suerte de escapar al exilio temporal en Inglaterra, a donde llegó en mayo de 1871. Con la ayuda de George Grove y otros se mantuvo a sí mismo mientras estuvo allí, dando recitales. Al regresar a París en el mismo año, descubrió que los sentimientos anti-alemanes habían aumentado considerablemente el apoyo a la idea de una sociedad musical pro-francesa. La Société Nationale de Musique , con su lema "Ars Gallica" , se estableció en febrero de 1871, con Bussine como presidente, Saint-Saëns como vicepresidente y Henri Duparc , Fauré, Franck y Jules Massenet entre sus miembros fundadores.

Retrato informal de un hombre de mediana edad con las manos en los bolsillos del pantalón
Saint-Saëns en 1875, año de su matrimonio.

Como admirador de los innovadores poemas sinfónicos de Liszt , Saint-Saëns adoptó con entusiasmo la forma; su primer "poema sinfónico" fue Le Rouet d'Omphale (1871), estrenado en un concierto de la Sociéte Nationale en enero de 1872. Ese mismo año, después de más de una década de trabajo intermitente en partituras operísticas, Saint-Saëns finalmente había una de sus óperas puesta en escena. La princesse jaune ("La princesa amarilla"), una pieza romántica ligera en un acto, se presentó en la Opéra-Comique de París en junio. Duró cinco funciones.

A lo largo de la década de 1860 y principios de la de 1870, Saint-Saëns había seguido viviendo una vida de soltero, compartiendo un gran apartamento en el cuarto piso de la Rue du Faubourg Saint-Honoré con su madre. En 1875, sorprendió a muchos al casarse. El novio se acercaba a los cuarenta y su novia diecinueve; era Marie-Laure Truffot, hermana de uno de los alumnos del compositor. El matrimonio no fue un éxito. En palabras de la biógrafa Sabina Teller Ratner, "la madre de Saint-Saëns lo desaprobaba y era difícil convivir con su hijo". Saint-Saëns y su esposa se trasladaron a la Rue Monsieur-le-Prince , en el Barrio Latino ; su madre se mudó con ellos. La pareja tuvo dos hijos, ambos murieron en la infancia. En 1878, el mayor, André, de dos años, se cayó de una ventana del piso y murió; el más joven, Jean-François, murió de neumonía seis semanas después, a la edad de seis meses. Saint-Saëns y Marie-Laure siguieron viviendo juntos durante tres años, pero él la culpó del accidente de André; el doble golpe de su pérdida destruyó efectivamente el matrimonio.

Para un compositor francés del siglo XIX, la ópera era vista como el tipo de música más importante. El joven contemporáneo y rival de Saint-Saëns, Massenet, estaba empezando a ganar reputación como compositor de ópera, pero Saint-Saëns, con sólo la breve y fallida La princesse jaune puesta en escena, no había dejado huella en ese ámbito. En febrero de 1877, finalmente hizo que se representara una ópera de larga duración. Su "drame lyricque" en cuatro actos, Le timbre d'argent ("La campana de plata"), con el libreto de Jules Barbier y Michel Carré , que recuerda a la leyenda de Fausto , había estado en ensayo en 1870, pero el estallido de la guerra detuvo la producción. La obra fue finalmente presentada por la compañía Théâtre Lyrique de París; corrió durante dieciocho funciones.

El dedicador de la ópera, Albert Libon, murió tres meses después del estreno, dejando a Saint-Saëns un gran legado "Para liberarlo de la esclavitud del órgano de la Madeleine y permitirle dedicarse por completo a la composición". Saint-Saëns, inconsciente del inminente legado, había renunciado a su cargo poco antes de la muerte de su amigo. No era un cristiano convencional y encontraba cada vez más fastidioso el dogma religioso; se había cansado de la injerencia y la insensibilidad musical de las autoridades clericales; y quería tener la libertad de aceptar más compromisos como pianista solista en otras ciudades. Después de esto, nunca tocó el órgano profesionalmente en un servicio religioso y rara vez tocó el instrumento. Compuso una Messe de Requiem en memoria de su amigo, que se representó en Saint-Sulpice para conmemorar el primer aniversario de la muerte de Libon; Charles-Marie Widor tocaba el órgano y Saint-Saëns dirigía.

En diciembre de 1877, Saint-Saëns tuvo un éxito operístico más sólido, con Samson et Dalila , su única ópera para ganar y mantener un lugar en el repertorio internacional. Debido a su tema bíblico, el compositor había encontrado muchos obstáculos para su presentación en Francia, y gracias a la influencia de Liszt, el estreno se dio en Weimar en una traducción al alemán. Aunque la obra finalmente se convirtió en un éxito internacional, no se representó en la Ópera de París hasta 1892.

Saint-Saëns era un viajero entusiasta. Desde la década de 1870 hasta el final de su vida realizó 179 viajes a 27 países. Sus compromisos profesionales lo llevaron con mayor frecuencia a Alemania e Inglaterra; para las vacaciones, y para evitar los inviernos parisinos que afectaban su pecho débil, favoreció a Argel y varios lugares de Egipto.

Década de 1880: figura internacional

Saint-Saëns fue elegido miembro del Institut de France en 1881, en su segundo intento, y para su disgusto fue derrotado por Massenet en 1878. En julio de ese año, él y su esposa fueron a la ciudad balneario de Auvergnat de La Bourboule de vacaciones. . El 28 de julio desapareció de su hotel y, pocos días después, su esposa recibió una carta suya en la que le comunicaba que no regresaría. Nunca se volvieron a ver. Marie Saint-Saëns regresó con su familia y vivió hasta 1950, muriendo cerca de Burdeos a la edad de noventa y cinco años. Saint-Saëns no se divorció de su esposa y se volvió a casar, ni formó ninguna relación íntima posterior con una mujer. Rees comenta que aunque no hay pruebas firmes, algunos biógrafos creen que Saint-Saëns se sentía más atraído por su propio sexo que por las mujeres. Después de la muerte de sus hijos y el colapso de su matrimonio, Saint-Saëns encontró cada vez más una familia sustituta en Fauré y su esposa, Marie, y sus dos hijos, de quienes era un tío honorario muy querido. Marie le dijo: "Para nosotros, usted es uno más de la familia, y aquí mencionamos su nombre sin cesar".

Escenario del siglo XIX que muestra un gran interior de estilo Tudor inglés
Enrique VIII de Saint-Saëns en la Ópera de París , 1883

En la década de 1880, Saint-Saëns continuó buscando el éxito en el teatro de la ópera, una empresa que se hizo más difícil debido a la creencia arraigada entre los miembros influyentes del establecimiento musical de que era impensable que un pianista, organista y sinfonista pudiera escribir una buena ópera. Hizo representar dos óperas durante la década, la primera de las cuales Enrique VIII (1883) encargó la Ópera de París. Aunque el libreto no fue de su elección, Saint-Saëns, normalmente un compositor fluido, incluso fácil, trabajó en la partitura con una diligencia inusual para capturar un aire convincente de la Inglaterra del siglo XVI. La obra fue un éxito y fue revivida con frecuencia durante la vida del compositor. Cuando se produjo en Covent Garden en 1898, The Era comentó que, aunque los libretistas franceses en general "hacen un guiño a la historia británica", esta pieza "no es del todo despreciable como historia de ópera".

La mentalidad abierta de la Société Nationale se había endurecido a mediados de la década de 1880 en una adherencia dogmática a los métodos wagnerianos favorecidos por los alumnos de Franck, dirigidos por Vincent d'Indy . Habían comenzado a dominar la organización y trataron de abandonar su espíritu de compromiso "Ars Gallica" con las obras francesas. Bussine y Saint-Saëns encontraron esto inaceptable y dimitieron en 1886. Después de haber insistido durante mucho tiempo sobre los méritos de Wagner en un público francés a veces escéptico, Saint-Saëns estaba ahora preocupado de que la música alemana estuviera teniendo un impacto excesivo en los jóvenes compositores franceses. Su creciente cautela hacia Wagner se convirtió en años posteriores en una hostilidad más fuerte, dirigida tanto al nacionalismo político de Wagner como a su música.

En la década de 1880, Saint-Saëns era un favorito establecido entre el público en Inglaterra, donde era ampliamente considerado como el más grande compositor francés vivo. En 1886, la Sociedad Filarmónica de Londres encargó lo que se convirtió en una de sus obras más populares y respetadas, la Tercera Sinfonía ("Órgano") . Se estrenó en Londres en un concierto en el que Saint-Saëns apareció como director de la sinfonía y como solista en el Cuarto Concierto para piano de Beethoven , dirigido por Sir Arthur Sullivan . El éxito de la sinfonía en Londres fue considerable, pero fue superado por la extasiada bienvenida que recibió la obra en su estreno en París a principios del año siguiente. Más tarde, en 1887, se inauguró el "drame lyrique" Proserpine de Saint-Saëns en la Opéra-Comique. Fue bien recibido y parecía encaminarse a una carrera sustancial cuando el teatro se incendió pocas semanas después del estreno y se perdió la producción.

En diciembre de 1888 murió la madre de Saint-Saëns. Sintió su pérdida profundamente y se hundió en la depresión y el insomnio, incluso contemplando el suicidio. Dejó París y se quedó en Argel, donde se recuperó hasta mayo de 1889, caminando y leyendo, pero sin poder componer.

Década de 1890: tiempo de marcado

retrato de Saint-Saëns a la altura del busto con barba, chaleco y traje, mirando al espectador
Saint-Saëns fotografiado por Nadar

Durante la década de 1890, Saint-Saëns pasó mucho tiempo de vacaciones, viajando al extranjero, componiendo menos y actuando con menos frecuencia que antes. Una visita planificada para actuar en Chicago fracasó en 1893. Escribió una ópera, la comedia Phryné (1893), y junto con Paul Dukas ayudó a completar Frédégonde (1895) una ópera que Ernest Guiraud , que murió en 1892, dejó inconclusa. Phryné fue bien recibido y provocó convocatorias de más óperas cómicas en la Opéra-Comique, que últimamente había estado favoreciendo la gran ópera . Sus pocas obras corales y orquestales de la década de 1890 son en su mayoría breves; Las principales piezas de concierto de la década fueron el movimiento único Fantasia Africa (1891) y su Quinto Concierto para piano ("egipcio") , que estrenó en un concierto en 1896 marcando el cincuentenario de su debut en la Salle Pleyel en 1846. Antes tocando el concierto leyó un breve poema que había escrito para el evento, elogiando la tutela de su madre y el largo apoyo de su público.

Entre los conciertos que Saint-Saëns realizó durante la década fue uno en Cambridge en junio de 1893, cuando él, Bruch y Tchaikovsky actuaron en un evento presentado por Charles Villiers Stanford para la Sociedad Musical de la Universidad de Cambridge , marcando la concesión de títulos honoríficos a los tres. visitantes. Saint-Saëns disfrutó mucho de la visita, e incluso habló con aprobación de los servicios de la capilla del colegio: "Las exigencias de la religión inglesa no son excesivas. Los servicios son muy breves y consisten principalmente en escuchar buena música muy bien cantada, porque los ingleses son excelentes coristas ". Su respeto mutuo por los coros británicos continuó durante el resto de su vida, y una de sus últimas obras a gran escala, el oratorio The Promised Land , fue compuesta para el Festival de los Tres Coros de 1913.

1900–21: últimos años

En 1900, después de diez años sin hogar permanente en París, Saint-Saëns alquiló un piso en la rue de Courcelles, no lejos de su antigua residencia en la rue du Faubourg Saint-Honoré. Este siguió siendo su hogar por el resto de su vida. Continuó viajando al extranjero con frecuencia, pero cada vez más para dar conciertos en lugar de como turista. Volvió a visitar Londres, donde siempre fue un visitante bienvenido, fue a Berlín, donde hasta la Primera Guerra Mundial fue recibido con honor, y viajó por Italia, España, Mónaco y la Francia provincial. En 1906 y 1909 realizó giras de gran éxito por los Estados Unidos, como pianista y director. En Nueva York en su segunda visita estrenó su "Alabado sea el Señor" para doble coro, orquesta y órgano, que compuso para la ocasión.

sentado retrato de un hombre de mediana edad, barbudo, con traje formal del siglo XIX
Saint-Saëns, fotografiado por Pierre Petit en 1900

A pesar de su creciente reputación como reaccionario musical, Saint-Saëns fue, según Gallois, probablemente el único músico francés que viajó a Múnich para escuchar el estreno de la Octava Sinfonía de Mahler en 1910. No obstante, en el siglo XX Saint-Saëns ya había perdió gran parte de su entusiasmo por el modernismo en la música. Aunque se esforzó por ocultárselo a Fauré, no comprendió ni le gustó la ópera Pénélope (1913) de este último , de la que fue dedicado. En 1917, Francis Poulenc , al comienzo de su carrera como compositor, se mostró despectivo cuando Ravel elogió a Saint-Saëns como un genio. Para entonces, estaban surgiendo varias corrientes de música nueva con las que Saint-Saëns tenía poco en común. Sus instintos clásicos de la forma lo pusieron en desacuerdo con lo que le parecía la falta de forma y la estructura de los impresionistas musicales, dirigidos por Debussy. Tampoco las teorías de la dodecafonía de Arnold Schönberg se encomendaron a Saint-Saëns:

Ya no se trata de añadir a las viejas reglas nuevos principios que son la expresión natural del tiempo y la experiencia, sino simplemente dejar de lado todas las reglas y todas las restricciones. "Cada uno debe establecer sus propias reglas. La música es libre e ilimitada en su libertad de expresión. No hay acordes perfectos, acordes disonantes o falsos. Todas las agregaciones de notas son legítimas". Eso se llama, y ​​lo creen, el desarrollo del gusto .

Con puntos de vista tan conservadores, Saint-Saëns no simpatizaba, y pasaba de moda, con la escena musical parisina de principios del siglo XX, fascinada como estaba con la novedad. A menudo se dice que abandonó, escandalizado, el estreno del ballet El rito de la primavera de Vaslav Nijinsky e Igor Stravinsky en 1913. De hecho, según Stravinsky, Saint-Saëns no estuvo presente en esa ocasión, pero sí en el primer concierto de la pieza al año siguiente expresó la firme opinión de que Stravinsky estaba loco.

Cuando un grupo de músicos franceses liderados por Saint-Saëns intentó organizar un boicot a la música alemana durante la Primera Guerra Mundial, Fauré y Messager se desvincularon de la idea, aunque el desacuerdo no afectó su amistad con su antiguo maestro. En privado, les preocupaba que su amigo corriera el peligro de parecer tonto con su exceso de patriotismo y su creciente tendencia a denunciar en público las obras de jóvenes compositores en ascenso, como en su condena de En blanc et noir de Debussy (1915): "We debe a toda costa cerrar la puerta del Institut contra un hombre capaz de tales atrocidades; deben colocarse junto a los cuadros cubistas ". Su determinación de bloquear la candidatura de Debussy a las elecciones al Institut tuvo éxito y provocó un amargo resentimiento entre los seguidores del joven compositor. La respuesta de Saint-Saëns al neoclasicismo de los Seis fue igualmente inflexible: de Darius Milhaud 's politonal suite sinfónica ProTee (1919) comentó, 'afortunadamente, todavía hay manicomios en Francia'.

Interior de la sala de conciertos llena durante un concierto
Saint-Saëns al piano para su concierto de despedida previsto en 1913, dirigido por Pierre Monteux

Saint-Saëns dio lo que pretendía ser su concierto de despedida como pianista en París en 1913, pero su retiro pronto quedó en suspenso como resultado de la guerra, durante la cual dio muchas actuaciones en Francia y en otros lugares, recaudando dinero para organizaciones benéficas de guerra. . Estas actividades lo llevaron al otro lado del Atlántico, a pesar del peligro de los submarinos alemanes.

En noviembre de 1921, Saint-Saëns ofreció un recital en el Institut para un gran público invitado; Se comentó que su interpretación era tan vívida y precisa como siempre, y que su porte personal era admirable para un hombre de ochenta y seis años. Salió de París un mes después rumbo a Argel, con la intención de pasar el invierno allí, como estaba acostumbrado a hacer desde hacía mucho tiempo. Mientras estaba allí, murió sin previo aviso de un ataque al corazón el 16 de diciembre de 1921. Su cuerpo fue llevado de regreso a París, y después de un funeral de estado en la Madeleine fue enterrado en el cimetière du Montparnasse . Muy velada, en un lugar discreto entre los dolientes de la élite política y artística de Francia, estaba su viuda, Marie-Laure, a quien había visto por última vez en 1881.

Música

En los primeros años del siglo XX, el autor anónimo del artículo sobre Saint-Saëns en el Diccionario de Música y Músicos de Grove escribió:

Saint-Saëns es un consumado maestro de la composición, y nadie posee un conocimiento más profundo que él de los secretos y recursos del arte; pero la facultad creativa no sigue el ritmo de la habilidad técnica del trabajador. Su incomparable talento para la orquestación le permite dar alivio a ideas que de otro modo serían crudas y mediocres en sí mismas ... sus obras, por un lado, no son lo suficientemente frívolas como para hacerse populares en el sentido más amplio, ni por el otro se arraigan. del público por esa sinceridad y calidez de sentimiento que es tan convincente.

Aunque fue un gran modernista en su juventud, Saint-Saëns siempre fue muy consciente de los grandes maestros del pasado. En un perfil de él escrito con motivo de su ochenta cumpleaños, el crítico D   C   Parker escribió: "Que Saint-Saëns conoce a Rameau   ... Bach y Handel , Haydn y Mozart, deben ser manifiestos para todos los que están familiarizados con sus escritos. Su el amor por los gigantes clásicos y su simpatía por ellos forman, por así decirlo, la base de su arte ".

Menos atraído que algunos de sus contemporáneos franceses por la corriente continua de música popularizada por Wagner, Saint-Saëns a menudo favorecía las melodías autónomas. Aunque con frecuencia, en la frase de Ratner, son "flexibles y maleables", la mayoría de las veces se construyen en secciones de tres o cuatro compases, y el "patrón de frase AABB es característico". Una tendencia ocasional al neoclasicismo, influenciada por su estudio de la música barroca francesa, contrasta con la colorida música orquestal más ampliamente identificada con él. Grove observa que hace sus efectos más con una armonía y ritmos característicos que con una puntuación extravagante. En ambas áreas de su oficio, normalmente se contentaba con lo familiar. Rítmicamente, se inclinó por los metros estándar dobles, triples o compuestos (aunque Grove apunta a un pasaje de 5/4 en el trío de piano y otro en 7/4 en la polonesa para dos pianos). Desde su etapa en el Conservatorio fue un maestro del contrapunto; los pasajes contrapuntísticos surgen, aparentemente de forma natural, en muchas de sus obras.

Obras orquestales

Los autores de The Record Guide de 1955 , Edward Sackville-West y Desmond Shawe-Taylor escriben que la brillante maestría musical de Saint-Saëns fue "fundamental para llamar la atención de los músicos franceses sobre el hecho de que hay otras formas de música además de la ópera". En la edición de 2001 del Grove's Dictionary , Ratner y Daniel Fallon, analizando la música orquestal de Saint-Saëns, califican la innumerable Sinfonía en A (c.1850) como la más ambiciosa de la juventud del compositor. De las obras de su madurez, la Primera Sinfonía (1853) es una obra seria y de gran envergadura, en la que se percibe la influencia de Schumann. La Sinfonía "Urbs Roma" (1856) de alguna manera representa un paso atrás, siendo menos hábilmente orquestada y "densa y pesada" en su efecto. Ratner y Fallon elogian la Segunda Sinfonía (1859) como un buen ejemplo de economía orquestal y cohesión estructural, con pasajes que muestran el dominio del compositor de la escritura fugaz . La más conocida de las sinfonías es la Tercera (1886) que, inusualmente, tiene partes prominentes para piano y órgano. Se abre en Do menor y termina en Do mayor con una melodía coral majestuosa. Los cuatro movimientos están claramente divididos en dos pares, una práctica que Saint-Saëns utilizó en otros lugares, especialmente en el Cuarto Concierto para piano (1875) y la Primera sonata para violín (1885). La obra está dedicada a la memoria de Liszt y utiliza un motivo recurrente tratado en un estilo lisztiano de transformación temática .

Postal con retrato e inscripción manuscrita
Saint-Saëns modeló sus poemas sinfónicos a partir de los de Liszt , que se ven aquí en una postal con la inscripción de Fauré.

Los cuatro poemas sinfónicos de Saint-Saëns siguen el modelo de los de Liszt, aunque, en opinión de Sackville-West y Shawe-Taylor, sin el "vulgar descaro" al que era propenso el compositor anterior. La más popular de las cuatro es Danse macabre (1874), que representa esqueletos bailando a medianoche. Saint-Saëns generalmente logró sus efectos orquestales mediante una armonización hábil en lugar de una instrumentación exótica, pero en esta pieza destacó el xilófono de manera prominente, que representa los huesos vibrantes de los bailarines. Le Rouet d'Omphale (1871) se compuso poco después de los horrores de la Comuna, pero su ligereza y delicada orquestación no dan indicios de tragedias recientes. Rees califica a Phaëton (1873) como el mejor de los poemas sinfónicos, desmentiendo la indiferencia que profesa el compositor hacia la melodía, e inspirado en su descripción del héroe mítico y su destino. Un crítico en el momento del estreno adoptó un punto de vista diferente, escuchando en la pieza "el ruido de un hack que baja de Montmartre" en lugar de los caballos de fuego galopantes de la leyenda griega que inspiraron la pieza. El último de los cuatro poemas sinfónicos, La jeunesse d'Hercule ("La juventud de Hércules", 1877) fue el más ambicioso de los cuatro, lo que, sugiere Harding, es la razón por la que tiene menos éxito. A juicio del crítico Roger Nichols, estas obras orquestales, que combinan melodías impactantes, fuerza de construcción y orquestación memorable, "establecieron nuevos estándares para la música francesa y fueron una inspiración para compositores tan jóvenes como Ravel".

Saint-Saëns escribió un ballet en un acto, Javot (1896), la partitura de la película L'assassinat du duc de Guise (1908) y música incidental para una docena de obras entre 1850 y 1916. Tres de estas partituras fueron para revivals de clásicos de Molière y Racine, para los que el profundo conocimiento de Saint-Saëns de las partituras barrocas francesas se reflejaba en sus partituras, en las que incorporó música de Lully y Charpentier .

Obras concertante

Saint-Saëns fue el primer gran compositor francés en escribir conciertos para piano. Su Primera , en Re (1858), en forma convencional de tres movimientos, no es muy conocida, pero la Segunda, en Sol menor (1868) es una de sus obras más populares. El compositor experimentó con la forma en esta pieza, reemplazando el primer movimiento de la forma habitual de la sonata por una estructura más discursiva, abriendo con una cadencia solemne . El segundo movimiento scherzo y el presto final contrastan tanto con la apertura que el pianista Zygmunt Stojowski comentó que la obra "comienza como Bach y termina como Offenbach". El Tercer Concierto para piano , en Mi (1869) tiene otro final animado, pero los movimientos anteriores son más clásicos, la textura clara, con elegantes líneas melódicas. El cuarto, en do menor (1875) es probablemente el concierto para piano más conocido del compositor después del segundo. Tiene dos movimientos, cada uno de los cuales comprende dos subsecciones identificables, y mantiene una unidad temática que no se encuentra en los otros conciertos para piano del compositor. Según algunas fuentes, fue esta pieza la que impresionó tanto a Gounod que apodó a Saint-Saëns "el Beethoven de Francia" (otras fuentes basan esa distinción en la Tercera Sinfonía). El quinto y último concierto para piano, en fa mayor, fue escrito en 1896, más de veinte años después de su predecesor. La obra se conoce como el concierto "egipcio"; fue escrito mientras el compositor pasaba el invierno en Luxor e incorpora una melodía que escuchó cantar a los barqueros del Nilo.

El Primer Concierto para violonchelo , en La menor (1872) es una obra seria aunque animada, en un solo movimiento continuo con una primera sección inusualmente turbulenta. Es uno de los conciertos más populares del repertorio de violonchelos, muy favorecido por Pablo Casals y los intérpretes posteriores. El segundo , en re menor (1902), al igual que el cuarto concierto para piano, consta de dos movimientos, cada uno subdividido en dos secciones distintas. Es más puramente virtuoso que su predecesor: Saint-Saëns comentó a Fauré que nunca sería tan popular como el Primero porque era demasiado difícil. Hay tres conciertos para violín; la primera que se compuso data de 1858 pero no se publicó hasta 1879, como Segunda del compositor , en Do mayor. El Primero, en A, también se completó en 1858. Es una obra corta, su movimiento único de 314 compases dura menos de un cuarto de hora. El segundo, en forma de concierto convencional de tres movimientos, es dos veces más largo que el primero, y es el menos popular de los tres: el catálogo temático de las obras del compositor enumera solo tres interpretaciones en su vida. La tercera , en si menor, escrita para Pablo de Sarasate , es técnicamente desafiante para el solista, aunque los pasajes virtuosos se equilibran con intervalos de serenidad pastoral. Es por cierto el más popular de los tres conciertos para violín, pero la obra concertante para violín y orquesta más conocida de Saint-Saëns es probablemente la Introducción y Rondo Capriccioso , en La menor, Op. 28, una pieza de un solo movimiento, también escrita para Sarasate, que data de 1863. Cambia de una apertura melancólica y tensa a un tema principal jactancioso, descrito como levemente siniestro por el crítico Gerald Larner, quien continúa: cadencia detenida ... el violín solo hace un sprint sin aliento a través de la coda hasta el final feliz en la mayor ".

Óperas

Presione la ilustración de la producción de ópera, que muestra al cantante interpretando a Sansón demoliendo el templo enemigo
Samson et Dalila en la Ópera de París , 1892: Samson ( Edmond Vergnet ) destruye el templo filisteo

Descartando su colaboración con Dukas en la finalización de la inconclusa Frédégonde de Guiraud , Saint-Saëns escribió doce óperas, dos de las cuales son opéras cómicas . Durante la vida del compositor, su Enrique VIII se convirtió en una pieza de repertorio; desde su muerte sólo se ha representado con regularidad Samson et Dalila , aunque según Schonberg, los expertos consideran que Ascanio (1890) es una obra mucho más fina. El crítico Ronald Crichton escribe que a pesar de toda su experiencia y habilidad musical, Saint-Saëns "carecía del 'olfato' del animal de teatro concedido, por ejemplo, a Massenet que en otras formas de música era su inferior". En un estudio de 2005, el erudito musical Steven Huebner contrasta a los dos compositores: "Saint-Saëns obviamente no tuvo tiempo para el histrionismo de Massenet". El biógrafo de Saint-Saëns, James Harding, comenta que es lamentable que el compositor no haya intentado más obras de carácter alegre, en la línea de La princesse jaune , que Harding describe como Sullivan "con un ligero toque francés".

Aunque la mayoría de las óperas de Saint-Saëns han permanecido desatendidas, Crichton las considera importantes en la historia de la ópera francesa, como "un puente entre Meyerbeer y las óperas francesas serias de principios de la década de 1890". En su opinión, las partituras operísticas de Saint-Saëns tienen, en general, las fortalezas y debilidades del resto de su música: "transparencia lúcida mozartiana, mayor cuidado por la forma que por el contenido   ... Hay una cierta sequedad emocional; invención a veces es delgado, pero la mano de obra es impecable ". Estilísticamente, Saint-Saëns se basó en una variedad de modelos. De Meyerbeer extrajo el uso efectivo del coro en la acción de una pieza; para Enrique VIII incluyó la música Tudor que había investigado en Londres; en La princesse jaune utilizó una escala pentatónica oriental ; de Wagner derivó el uso de leitmotivs , que, como Massenet, usó con moderación. Huebner observa que Saint-Saëns era más convencional que Massenet en lo que respecta a la composición a través , más a menudo favoreciendo arias y conjuntos discretos, con menos variedad de tempo dentro de los números individuales. En una revisión de la ópera grabada, Alan Blyth escribe que Saint-Saëns "ciertamente aprendió mucho de Handel, Gluck, Berlioz, el Verdi de Aida y Wagner, pero a partir de estos excelentes modelos forjó su propio estilo".

Otra musica vocal

Retratos de cabeza y hombros de tres escritores del siglo XIX y uno del siglo XX, todos de mediana edad.
Pierre Corneille , Alphonse de Lamartine , Victor Hugo y Herman Klein , cuyas palabras Saint-Saëns plasmó en canciones y obras corales

Desde los seis años y durante el resto de su vida, Saint-Saëns compuso mélodies , escribiendo más de 140. Consideró sus canciones como completa y típicamente francesas, negando cualquier influencia de Schubert u otros compositores alemanes de Lieder . A diferencia de su protegido Fauré, o su rival Massenet, no se sintió atraído por el ciclo de las canciones, y durante su larga carrera escribió solo dos: Mélodies persanes ("Canciones persas", 1870) y Le Cendre rouge ("El fresno rojo", 1914). , dedicado a Fauré). El poeta cuyas obras puso con mayor frecuencia fue Víctor Hugo; otros incluían a Alphonse de Lamartine , Pierre Corneille , Amable Tastu y, en ocho canciones, al propio Saint-Saëns: entre sus muchos talentos no musicales era un poeta aficionado. Era muy sensible a la composición de palabras, y le dijo a la joven compositora Lili Boulanger que para escribir canciones de manera eficaz no bastaba con talento musical: "hay que estudiar el francés en profundidad, es indispensable". La mayoría de las melodías están escritas para acompañamiento de piano, pero algunas, como "Le lever du soleil sur le Nil" ("Amanecer sobre el Nilo", 1898) e "Hymne à la paix" ("Himno a la paz", 1919). , son para voz y orquesta. Sus escenarios y versos elegidos son generalmente de forma tradicional, en contraste con el verso libre y formas menos estructuradas de una generación posterior de compositores franceses, incluido Debussy .

Saint-Saëns compuso más de sesenta obras vocales sagradas, que van desde motetes hasta misas y oratorios. Entre las composiciones a mayor escala se encuentran el Réquiem (1878) y los oratorios Le déluge (1875) y La tierra prometida (1913) con un texto en inglés de Herman Klein . Estaba orgulloso de su conexión con los coros británicos, comentando: "A uno le gusta ser apreciado en el hogar, por excelencia , del oratorio". Escribió un número menor de obras corales seculares, algunas para coro no acompañado, algunas con acompañamiento de piano y otras con orquesta completa. En sus obras corales, Saint-Saëns se basó en gran medida en la tradición, sintiendo que sus modelos deberían ser Handel, Mendelssohn y otros maestros anteriores del género. En opinión de Klein, este enfoque estaba pasado de moda y la familiaridad del tratamiento de Saint-Saëns de la forma del oratorio impidió su éxito en él.

Teclado solo

Nichols comenta que, aunque como escribió un célebre pianista Saint-Saëns para piano a lo largo de su vida, "esta parte de su obra ha dejado curiosamente poca huella". Nichols exceptúa el Étude en forme de valse (1912), que según él todavía atrae a pianistas deseosos de mostrar su técnica de la mano izquierda. Aunque Saint-Saëns fue apodado "el Beethoven francés", y sus Variaciones sobre un tema de Beethoven en Mi (1874) es su obra más extensa para piano no acompañado, no emuló a su predecesor en la composición de sonatas para piano. Ni siquiera se sabe que haya contemplado escribir uno. Hay conjuntos de bagatelles (1855), études (dos conjuntos: 1899 y 1912) y fugas (1920), pero en general las obras de Saint-Saëns para piano son piezas breves y únicas. Además de formas establecidas como la canción sin palabras (1871) y la mazurca (1862, 1871 y 1882) popularizadas por Mendelssohn y Chopin, respectivamente, escribió piezas descriptivas como "Souvenir d'Italie" (1887), "Les cloches du soir "(" Campanas de la tarde ", 1889) y" Souvenir d'Ismaïlia "(1895).

A diferencia de su alumno, Fauré, cuya larga carrera como organista reacio no dejó ningún legado de obras para el instrumento, Saint-Saëns publicó un número modesto de piezas para solo de órgano. Algunos de ellos fueron escritos para su uso en los servicios de la iglesia: "Offertoire" (1853), "Bénédiction nuptiale" (1859), "Communion" (1859) y otros. Después de dejar la Madeleine en 1877, Saint-Saëns escribió diez piezas más para órgano, en su mayoría para conciertos, incluidas dos series de preludios y fugas (1894 y 1898). Algunas de las obras anteriores se escribieron para tocarlas en el armonio o en el órgano, y algunas estaban destinadas principalmente al primero.

Cámara

Saint-Saëns escribió más de cuarenta obras de cámara entre la década de 1840 y sus últimos años. Una de sus primeras obras importantes en el género fue El Quinteto de piano (1855). Es una pieza sencilla, segura, en una estructura convencional con movimientos exteriores vivos y un movimiento central que contiene dos temas lentos, uno coral y el otro cantabile . El Septeto (1880), por la inusual combinación de trompeta, dos violines, viola, violonchelo, contrabajo y piano, es una obra neoclásica que se inspira en las formas de danza francesa del siglo XVII. En el momento de su composición, Saint-Saëns estaba preparando nuevas ediciones de las obras de compositores barrocos como Rameau y Lully . El Caprice sur des airs danois et russes (1887) para flauta, oboe, clarinete y piano, y la Barcarolle en fa mayor (1898) para violín, violonchelo, armonio y piano son otros ejemplos de la instrumentación a veces poco ortodoxa de Saint-Saëns.

Las obras de cámara de Saint-Saëns revelan al hombre completo: su sentido de la tradición unido a la imaginación, su sentido del color, su sentido del humor, su deseo de equilibrio y simetría, su amor por la claridad.

Sabina Teller Ratner, 2005

En opinión de Ratner, las obras de cámara más importantes de Saint-Saëns son las sonatas: dos para violín, dos para violonchelo y una para oboe, clarinete y fagot, las siete con acompañamiento de piano. La primera sonata para violín data de 1885 y está clasificada por Grove's Dictionary como una de las mejores y más características composiciones del compositor. La Segunda (1896) marca un cambio estilístico en la obra de Saint-Saëns, con un sonido más ligero y claro para el piano, característico de su música a partir de entonces. La Primera Sonata para violonchelo (1872) fue escrita después de la muerte de la tía abuela del compositor, quien le había enseñado a tocar el piano más de treinta años antes. Es una obra seria, en la que el material melódico principal es sostenido por el violonchelo sobre un virtuoso acompañamiento de piano. Fauré la llamó la única sonata para violonchelo de cualquier país que tenga alguna importancia. El Segundo (1905) tiene cuatro movimientos y tiene la característica inusual de un tema y variaciones como su scherzo.

Las sonatas de viento de madera se encuentran entre las últimas obras del compositor y forman parte de sus esfuerzos por ampliar el repertorio de instrumentos para los que apenas se escribieron partes solistas, como le confió a su amigo Jean Chantavoine en una carta fechada el 15 de abril de 1921: "En este momento Estoy concentrando mis últimas reservas en dar la oportunidad de ser escuchado a instrumentos raramente considerados ". Ratner escribe sobre ellos: "Las líneas clásicas, evocadoras y sobrias, las melodías inquietantes y las estructuras formales soberbias subrayan estos faros del movimiento neoclásico". Gallois comenta que la Sonata de Oboe comienza como una sonata clásica convencional, con un tema andantino; la sección central tiene armonías ricas y coloridas, y el final de molto allegro está lleno de delicadeza, humor y encanto con una forma de tarantela . Para Gallois, la Sonata para clarinete es la más importante de las tres: la llama "una obra maestra llena de picardía, elegancia y lirismo discreto" que equivale a "un resumen del resto". La obra contrasta una " trémula lúgubre " en el movimiento lento con el final, que "hace piruetas en compás de 4/4", en un estilo que recuerda al siglo XVIII. El mismo comentarista califica a la Sonata del fagot como "un modelo de transparencia, vitalidad y ligereza", que contiene toques de humor pero también momentos de plácida contemplación. Saint-Saëns también expresó su intención de escribir una sonata para el cor anglais , pero no lo hizo.

La obra más famosa del compositor, El carnaval de los animales (1887), aunque está lejos de ser una pieza de cámara típica, está escrita para once intérpretes y es considerada por Grove's Dictionary como parte de la producción de cámara de Saint-Saëns. Grove lo califica como "su obra cómica más brillante, parodiando a Offenbach, Berlioz, Mendelssohn, Rossini, su propia danza macabra y varias melodías populares". Prohibió su interpretación durante su vida, preocupado de que su frivolidad dañara su reputación como compositor serio.

Grabaciones

Saint-Saëns fue un pionero en la música grabada. En junio de 1904, The Gramophone Company of London envió a su productor Fred Gaisberg a París para grabar a Saint-Saëns como acompañante de la mezzosoprano Meyriane Héglon en arias de Ascanio y Samson et Dalila , y como solista en su propia música para piano, incluido un arreglo. de secciones del Segundo Concierto para Piano (sin orquesta). Saint-Saëns realizó más grabaciones para la empresa en 1919.

En los primeros días del disco LP , las obras de Saint-Saëns estaban representadas en forma irregular en el disco. The Record Guide (1955) enumera una grabación cada uno de la Tercera Sinfonía, el Segundo Concierto para Piano y el Primer Concierto para Violonchelo, junto con varias versiones de Danza Macabra , El Carnaval de los Animales , la Introducción y Rondo Capriccioso y otras obras orquestales breves. En la última parte del siglo XX y principios del XXI, muchas más de las obras del compositor se lanzaron en LP y más tarde en CD y DVD. La Guía Penguin 2008 de Música Clásica Grabada contiene diez páginas de listados de obras de Saint-Saëns, incluidos todos los conciertos, sinfonías, poemas sinfónicos, sonatas y cuartetos. También se enumeran una misa temprana, colecciones de música de órgano y canciones corales. En 1997 se publicó una grabación de veintisiete de los mélodies de Saint-Saëns .

Con la excepción de Samson et Dalila, las óperas se han representado escasamente en disco. En 1992 se publicó una grabación de Enrique VIII en CD y DVD. Hélène se publicó en CD en 2008. Hay varias grabaciones de Samson et Dalilah , bajo la dirección de Sir Colin Davis , Georges Prêtre , Daniel Barenboim y Myung-Whun Chung .

Honores y reputación

Saint-Saëns fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1867 y ascendido a Oficial en 1884, y a Gran Cruz en 1913. Los honores extranjeros incluyeron la Real Orden Victoriana Británica (CVO) en 1902 y doctorados honorarios de las universidades de Cambridge ( 1893) y Oxford (1907).

En su nota necrológica, The Times comentó:

La muerte de M. Saint-Saëns no solo priva a Francia de uno de sus compositores más distinguidos; quita del mundo al último representante de los grandes movimientos musicales típicos del siglo XIX. Había mantenido una vitalidad tan vigorosa y se mantenía en tan estrecho contacto con las actividades actuales que, aunque se había vuelto costumbre hablar de él como el decano de los compositores franceses, era fácil olvidar el lugar que ocupaba realmente en la cronología musical. Solo era dos años menor que Brahms, cinco años mayor que Tchaikovsky, seis años mayor que Dvořák y siete años mayor que Sullivan. Ocupó un puesto en la música de su propio país, cuyos aspectos pueden compararse adecuadamente con cada uno de esos maestros en sus propias esferas.

En un breve poema, "Mea culpa", publicado en 1890, Saint-Saëns se acusó a sí mismo de falta de decadencia y comentó con aprobación el excesivo entusiasmo de la juventud, lamentando que tales cosas no fueran para él. Un comentarista inglés citó el poema en 1910, observando: "Sus simpatías están con los jóvenes en su deseo de seguir adelante, porque no ha olvidado su propia juventud cuando defendió los ideales progresistas de la época". El compositor buscó un equilibrio entre la innovación y la forma tradicional. El crítico Henry Colles , escribió, pocos días después de la muerte del compositor:

En su deseo de mantener "el equilibrio perfecto" encontramos la limitación del atractivo de Saint-Saëns para la mente musical ordinaria. Saint-Saëns rara vez, si es que alguna vez, corre riesgos; él nunca, para usar la jerga del momento, "se va al extremo profundo". Todos sus grandes contemporáneos lo hicieron. Brahms, Tchaikovsky, e incluso Franck, estaban dispuestos a sacrificarlo todo por el fin que cada uno quería llegar, para ahogarse en el intento de llegar allí si era necesario. Saint-Saëns, al preservar su equilibrio, permite a sus oyentes preservar el suyo.

Grove concluye su artículo sobre Saint-Saëns con la observación de que aunque sus obras son notablemente consistentes, "no se puede decir que desarrolló un estilo musical distintivo. Más bien, defendió la tradición francesa que amenazaba con ser engullida por las influencias wagnerianas y creó la entorno que nutrió a sus sucesores ".

Desde la muerte del compositor, los escritores que simpatizan con su música han expresado su pesar de que el público musical lo conozca solo por un puñado de sus partituras, como El carnaval de los animales , el segundo concierto para piano, el tercer concierto para violín, la sinfonía de órgano, Samson. et Dalila , Danza macabra y la Introducción y Rondo Capriccioso. Entre su gran producción, Nicholas destaca el Réquiem, el Oratorio de Navidad , el ballet Javotte , el Cuarteto de piano , el Septeto para trompeta, piano y cuerdas, y la Primera sonata para violín como obras maestras olvidadas. En 2004, el violonchelista Steven Isserlis dijo: "Saint-Saens es exactamente el tipo de compositor que necesita un festival para sí mismo ... hay misas, todas las cuales son interesantes. He tocado toda su música de violonchelo y no hay" Es una pieza mala. Sus trabajos son gratificantes en todos los sentidos. Y es una figura infinitamente fascinante ".

Ver también

Notas, referencias y fuentes

Notas

Referencias

Fuentes

Otras lecturas

  • Flynn, Timothy (2015). "Las reverberaciones clásicas en la música y la vida de Camille Saint-Saëns". Música en el arte: Revista internacional de iconografía musical . 40 (1–2): 255–264. ISSN   1522-7464 .

enlaces externos