Arte brasileño - Brazilian art
La creación de arte en el área geográfica ahora conocida como Brasil comienza con los primeros registros de su habitación humana. Los habitantes originarios de la tierra, pueblos indígenas o nativos precolombinos , produjeron diversas formas de arte; culturas específicas como la Marajoara dejaron cerámica pintada sofisticada . Esta zona fue colonizada por Portugal en el siglo XVI y recibió el nombre moderno de Brasil . El arte brasileño se usa más comúnmente como un término general para el arte creado en esta región después de la colonización portuguesa.
Tradiciones precolombinas
La técnica conocida más antigua de Brasil es el arte rupestre en el Parque Nacional Serra da Capivara en el estado de Piauí , que data de c. 13.000 antes de Cristo. Se han encontrado ejemplos más recientes en Minas Gerais y Goiás , que muestran patrones geométricos y formas animales.
Uno de los tipos más sofisticados de artefacto precolombino que se encuentra en Brasil es la sofisticada cerámica de Marajoara (c. 800-1400 d.C.), de culturas que florecieron en la isla de Marajó y alrededor de la región de Santarém , decorada con pintura y complejos relieves humanos y animales. . También pertenecen a estas culturas estatuillas y objetos de culto, como los pequeños amuletos de piedra tallada llamados muiraquitãs . Las culturas Mina y Periperi , de Maranhão y Bahía , produjeron cerámicas y estatuillas interesantes aunque más simples.
A principios del siglo XXI, los pueblos indígenas restantes todavía cultivan las antiguas tradiciones indias de pintura corporal , cerámica, estatuillas de culto y arte con plumas.
Pinturas rupestres, Parque Nacional Serra da Capivara.
Piedra tallada en forma de tiburón, cultura Sambaqui , Museu da Universidade Federal do Rio Grande do Sul.
Urna funeraria, cultura Marajoara. Museo Americano de Historia Natural .
Cultura Santarém. Museu Paraense Emílio Goeldi .
Indio Bororo con tocado de plumas y body painting.
Vestidos ceremoniales de Tikuna . Memorial dos Povos Indígenas .
Abalorios Tiriyó-kaxuyana . Memorial dos Povos Indígenas.
Enawene-nawe body-art.
Barroco
Los primeros artistas occidentales activos en Brasil fueron sacerdotes católicos que vinieron de Portugal para "civilizar" a los indios. Los jesuitas asumieron un papel importante en este proceso, con sus numerosos establecimientos misioneros llamados " Reducciones " que enseñaban religión a través del arte en forma de obras sagradas, música, estatuas y pintura. José de Anchieta fue el primer dramaturgo importante; Agostinho de Jesus y Agostinho da Piedade produjeron las primeras esculturas conocidas; Belchior Paulo , João Felipe Bettendorff , Ricardo do Pilar y algunos más hicieron las primeras pinturas; mientras que Francisco de Vaccas y Pedro da Fonseca comenzaron a organizar la vida musical de la colonia infantil. Basílio da Gama y Gregório de Mattos fueron los primeros poetas seculares. Todos ellos trabajaron bajo la influencia del barroco , el estilo dominante en Brasil hasta principios del siglo XIX.
A lo largo de los siglos XVII y XVIII, el arte barroco floreció con creciente riqueza y artesanía, principalmente en Bahía y Pernambuco a lo largo de la costa y en algunas regiones del interior, alcanzando los más altos niveles de originalidad en Minas Gerais , donde la fiebre del oro alimentó a una sociedad local rica y culta. . En Minas vivieron los más grandes artistas del barroco brasileño: el pintor Manuel da Costa Ataíde y el escultor - arquitecto Aleijadinho . Minas también fue la cuna de una escuela de música y literatura proto- neoclásica , con los compositores Lobo de Mesquita y Francisco Gomes da Rocha , y los poetas Tomás Antônio Gonzaga y Cláudio Manuel da Costa .
José Joaquim da Rocha : techo pintado de la iglesia de Santo Domingo, Salvador
Ricardo do Pilar: Varón de dolores , c. 1690
Iglesia de São Francisco , Salvador
João Nepomuceno Correia e Castro : Inmaculada Concepción . Museu da Inconfidência
Escuela de Bahía: Cristo Salvador .
Ataíde: Nuestra Señora rodeada de ángeles músicos , Iglesia de San Francisco de Asís , Ouro Preto
Aleijadinho y Francisco de Lima Cerqueira : Iglesia de San Francisco de Asís, Ouro Preto
Aleijadinho: Cristo rezando , Santuario Bom Jesus de Matosinhos
Siglo XIX: Neoclasicismo, Romanticismo, Realismo
Un solo hecho en el siglo XIX sembró las semillas para una renovación completa de las artes visuales brasileñas: la llegada de la Misión Artística Francesa en 1816, que reforzó fuertemente el estilo neoclásico, visto anteriormente en Brasil solo en tímidos intentos. Joachim Lebreton , su líder, propuso la creación de una Academia de Bellas Artes, luego reestructurada como Academia Imperial de Bellas Artes . La Academia fue el centro más importante de las artes visuales durante casi todo el siglo XIX. Impuso un nuevo concepto de educación artística y fue la base de una revolución en la pintura, escultura, arquitectura, artes gráficas y artesanías brasileñas. Unas décadas más tarde, bajo el patrocinio personal del emperador Pedro II , quien estaba comprometido en un ambicioso proyecto nacional de modernización, la Academia alcanzó su edad de oro, propiciando el surgimiento de la primera generación de pintores románticos. Víctor Meirelles y Pedro Américo , entre otros, produjeron símbolos visuales duraderos de identidad nacional. Hay que decir que en Brasil el romanticismo en la pintura tomó una forma peculiar, no mostrando el dramatismo abrumador, la fantasía, la violencia o el interés por la muerte y lo bizarro comúnmente visto en la versión europea, y debido a su carácter académico y palaciego todos los excesos fueron evitado.
Mientras tanto, la literatura también evolucionó hacia una escuela romántico-nacionalista con las obras de Casimiro de Abreu y Manuel Antônio de Almeida . Hacia 1850 se inicia una transición, centrada en Álvares de Azevedo , influido por la poesía de Lord Byron . Esta segunda generación de románticos estaba obsesionada con el morbo y la muerte, y poco después, el comentario social se pudo encontrar en la literatura, características que no se ven en las artes visuales. Antônio Castro Alves escribió sobre los horrores de la esclavitud , y los indios perseguidos fueron rescatados a través del arte por poetas y novelistas como Antônio Gonçalves Dias y José de Alencar . Estas tendencias se combinaron en uno de los logros más importantes de la era romántica en Brasil: el establecimiento de una identidad nacional brasileña basada en la ascendencia indígena y el rico entorno natural del país.
En música, el siglo XIX produjo solo dos compositores de destacado talento: el compositor sacro neoclásico José Maurício Nunes García , durante un tiempo director musical de la corte, y más tarde, el operista romántico Carlos Gomes , el primer músico brasileño en ganar reconocimiento internacional.
A fines del siglo XIX, el arte brasileño se familiarizó con el realismo . Proliferaron descripciones de la naturaleza y de los pueblos de las diversas regiones brasileñas, así como romances psicológicos con João Simões Lopes Neto , Aluísio Azevedo , Euclides da Cunha y, sobre todo, Machado de Assis , mientras que Almeida Junior , Pedro Weingärtner , Oscar Pereira da Silva , y otros pintores realistas representaron tipos populares y los colores y la luz distintivos del paisaje brasileño.
Simplício de Sá : Retrato de Pedro I , ca. 1830. Museo Imperial
São Cristóvão , Río de Janeiro
Victor Meirelles: La primera misa en Brasil , 1861. Museu Nacional de Belas Artes
Rodolpho Bernardelli: Cristo y la mujer adúltera , 1881
Almeida Junior: Model's rest , 1882. Museu Nacional de Belas Artes
Nicola Facchinetti: Laguna Rodrigo de Freitas , ca. 1884
Belmiro de Almeida : Efectos de la luz solar , 1893
Siglo XX: Arte moderno
El comienzo del siglo XX vio una lucha entre las viejas escuelas y las tendencias modernistas. El festival Semana de Arte Moderno , realizado en São Paulo en 1922, fue recibido con feroces críticas por sectores conservadores de la sociedad, pero fue un hito en la historia del arte brasileño. Incluyó exposiciones de artes plásticas, conferencias, conciertos y lectura de poemas. Debido al radicalismo (para la época) de algunos de sus poemas y música, los artistas fueron abucheados y apedreados vigorosamente por el público, y la prensa y los críticos de arte en general fueron fuertes en su condena. Sin embargo, esos artistas ahora son vistos como los fundadores del arte moderno en Brasil. La literatura y la teoría del arte modernista estuvieron representadas por Oswald de Andrade , Sérgio Milliet , Menotti del Picchia y Mário de Andrade , cuya novela revolucionaria Macunaíma (1928) es uno de los textos fundacionales del Modernismo brasileño. La pintura estuvo representada por Anita Malfatti , Tarsila do Amaral , Emiliano Di Cavalcanti , Lasar Segall , Vicente do Rego Monteiro ; escultura de Victor Brecheret ; y música de Heitor Villa-Lobos , líder de un nuevo nacionalismo musical, entre muchos otros.
La Semana no solo presentó a un público más amplio las tendencias modernas y experimentales derivadas del expresionismo europeo , el cubismo y el surrealismo , sino que también quiso aprovechar el folclore nacional como base para un arte más relevante para la realidad brasileña, con una mayor conciencia social. . Esta "canibalización" de los movimientos europeos y su transformación en genuina expresión brasileña es el lema del Manifiesto Antropofágico , publicado por Oswald de Andrade en 1928, que traza paralelismos entre la historia del arte y los rituales caníbales del pueblo tupí.
Sin embargo, el radicalismo de esos primeros modernistas no pudo durar mucho en una sociedad acostumbrada a las modas tradicionales, y los miembros centrales originales se habían separado en 1929, siguiendo caminos individuales. En lo que entonces se convirtió el arte brasileño fue una mezcla de algunos logros importantes de los Modernos, es decir, la libertad de la estricta agenda académica, con rasgos más convencionales, dando nacimiento en la siguiente generación a un Modernismo moderado, mejor ejemplificado por el pintor Cândido Portinari , quien era algo como el pintor oficial del gobierno brasileño a mediados de siglo.
Dentro del grupo de artistas brasileños, la obra de Chico Niedzielski se ha extendido por todo el país. Su obra es conocida por estar inspirada en la Geometría Sagrada, rompiendo la tendencia a enfocarse en temas brasileños y buscando una forma más universal y atemporal del arte brasileño . La erosión del modernismo radical en las artes visuales a principios del siglo XX no se reflejó en la literatura brasileña. Clarice Lispector escribió novelas existencialistas y desarrolló un estilo muy personal, lleno de flujo de conciencia y epifanías. João Guimarães Rosa cambió el rostro de la literatura brasileña con su lenguaje experimental, y el dramaturgo Nelson Rodrigues abordó el crimen, los prejuicios, la pasión y las patologías sexuales. En la década de 1950, la pintura y la escultura recuperaron fuerza a través del abstraccionismo , y la arquitectura también comenzó a mostrar características avanzadas, influenciadas por Le Corbusier . Su mayor logro fue el núcleo urbano de Brasilia , diseñado por el urbanista Lúcio Costa y el arquitecto Oscar Niemeyer , ahora Patrimonio de la Humanidad .
1960 en adelante: Arte Contemporáneo
Alrededor de la década de 1960, los llamados movimientos artísticos "modernistas" comenzaron a dar paso a la mayoría de los medios de expresión contemporáneos, como la apropiación, el arte político, el arte conceptual y el pop . A principios de la década, algunos artistas concretos brasileños comenzaron a abandonar el tradicional "rigor" del arte concreto en favor de un enfoque más fenomenológico, explorando las relaciones entre el objeto artístico y el espectador. Entre los principales líderes de este movimiento neoconcreto se encontraban el poeta Ferreira Gullar , y los artistas plásticos Hélio Oiticica , Lygia Pape y Lygia Clark , este último citado internacionalmente como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
El Golpe de Estado de 1964 y la posterior restricción de los derechos civiles y la libertad de expresión en Brasil se marca comúnmente como el punto de cambio, de donde artistas como Cildo Meireles y Rubens Gerchman comenzaron a crear arte explícitamente político. Particularmente después de 1968, cuando el gobierno militar legalizó la tortura, el arte brasileño estuvo marcado por hechos y hechos bastante radicales . La Bienal de Arte de São Paulo , la segunda bienal de arte más antigua del mundo, se abrió con la mayoría de sus paredes vacías debido a un boicot de los artistas. En 1970, la exhibición Do Corpo à Terra ("Del cuerpo a la tierra") tuvo lugar en Belo Horizonte , e incluyó acciones bastante impactantes como Cildo Meireles prendiendo fuego a pollos vivos frente a una audiencia en vivo y Artur Barrio deshaciéndose de los empapados de sangre paquetes en un río, dando la impresión de que las personas que desaparecieron bajo el gobierno militar habían "reaparecido" de esta manera espantosa.
El arte pop brasileño no estuvo exento de críticas, a veces adoptando un rechazo rotundo a la cultura de consumo en lugar de la crítica ambivalente y distante del pop estadounidense. Waldemar Cordeiro es uno de los artistas más expresivos que comenzó a explorar el arte digital y la robótica en su trabajo alrededor de los años 60 y 70, mientras que Antonio Dias, Carlos Vergara, trajo a su obra la estética de los cómics, los naipes y otras formas populares de visualidad. "Tropicália" de Hélio Oiticica, una colorida pieza de instalación inmersiva, incorporó referencias a los barrios marginales de Río de Janeiro. El título se refiere al movimiento cultural del mismo nombre , que se remonta al Manifiesto Antropofágico de la década de 1920 para ofrecer una perspectiva más irónica sobre los mitos de un Brasil exótico y "salvaje".
Algunos artistas como: Hélio Oiticica , Lygia Clark , Naza , Cildo Meireles entre otros, se han presentado en el escenario internacional. El arte y la fotografía contemporáneos brasileños se encuentran entre los más creativos de América Latina, y cada año adquieren protagonismo internacional con exposiciones y publicaciones. Los fotógrafos brasileños contemporáneos incluyen a Miguel Rio Branco, Vik Muniz , Sebastião Salgado y Guy Veloso .
Artistas Indígenas
El museo Pinacoteca de São Paulo se ha convertido en el primer museo en más de 100 años en albergar una exposición de arte indígena contemporáneo. La exposición presenta a 23 artistas indígenas de diversas etnias en todo Brasil. La exposición de Véxoa muestra pinturas, esculturas, videos, fotografías e instalaciones, todo con el objetivo político de capturar y llamar la atención sobre temas importantes que afectan actualmente a la población indígena, que se manifiestan en la agroindustria , la deforestación , la minería ilegal y el cambio climático .
El nombre de la Véxoa se origina en la lengua terena y se traduce como "Sabemos". La exposición tiene como objetivo romper los estereotipos que rodean a las comunidades indígenas en Brasil. El curador del museo ha elegido una variedad de obras indígenas que son tanto contemporáneas como tradicionales. El museo incluye una política de diversidad pero no agrupa al grupo indígena al artista por etnia o cronología para enfatizar el universalismo de las experiencias compartidas por las comunidades nativas ya que más de 300 grupos indígenas residen actualmente en Brasil según Olinda Yawar. La muestra incluye cine indígena, fotografía, cerámica, bordados y materiales naturales.
Ailton Krenak, destacado artista y filósofo indígena, ha hablado de la exposición como "una oportunidad para exponer los tiempos extremadamente adversos que atraviesan los pueblos indígenas como resultado de la violencia política perpetrada contra sus derechos por el Estado brasileño".
Jaider Esbell, otro artista destacado de la exposición, cree que "Toda exposición de arte indígena se trata principalmente de exponer todos los crímenes que están ocurriendo hoy". El artista se enfoca en ampliar diferentes perspectivas de la cultura indígena con el fin de ilustrar la lucha diaria y la violencia contra las comunidades indígenas. En un video reciente de Youtube, Jaider ha comentado sobre la importancia del arte indígena como parte intrínseca de la cultura y los valores indígenas. Jaider reconoce que la destrucción de la selva amazónica destruye tradiciones y comunidades indígenas. Jaider imparte un curso en el Museo de Arte Moderno de São Paulo .
Yakuña Tuxá, una artista indígena de Bahía, ha presentado múltiples obras de arte que reflejan los desafíos de ser una mujer indígena en el Brasil moderno. El arte se centra en la belleza indígena y los prejuicios que enfrentan las mujeres indígenas en las grandes ciudades.
Galería
Hélio Oiticica : Labirintos Públicos
Ismael Nery : Mujer desnuda agachada
Cândido Portinari: Estudio para el descubrimiento de la tierra mural en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos .
Milton Kurtz : Quasi contacto , 1989. Museo de Arte de Rio Grande do Sul
Victor Brecheret: Tumba de Olívia Guedes Penteado , São Paulo
Teorema de Bruno Giorgi
Esculturas de Franz Krajcberg
Vasco Prado : Modelo en reposo , 1999. Museo de Arte de Rio Grande do Sul
Theatro Municipal , Río de Janeiro. Ecléctico
Lina Bo Bardi : Museo de Arte de São Paulo . Moderno
Ruy Ohtake : Brasilia Shopping . Contemporáneo
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