Ballet Mécanique - Ballet Mécanique

Ballet Mécanique
Ballet Mécanique, 1923–24.jpg
Dirigido por Fernand Léger
Dudley Murphy
Escrito por Fernand Léger
Protagonizada Alice Prin
Musica por George Antheil
Cinematografía Dudley Murphy
Man Ray
Fecha de lanzamiento
24 de septiembre de 1924 (Austria)
Tiempo de ejecución
19 minutos
País Francia
Idiomas Cine mudo
francés intertítulos

Ballet Mécanique (1923 a 1924) es un Dadaist post- Cubist película de arte concebido, escrito, y co-dirigida por el artista Fernand Léger en colaboración con el realizador Dudley Murphy (con entrada cinematográfica de Man Ray ). Tiene una partitura musical del compositor estadounidense George Antheil . Sin embargo, la película se estrenó en versión muda el 24 de septiembre de 1924 en la Internationale Ausstellung neuer Theatertechnik (Exposición Internacional de Nueva Técnica Teatral) en Viena presentada por Frederick Kiesler . Se considera una de las obras maestras del cine experimental temprano .

Crédito e historial cinematográfico

En su libro Dudley Murphy: Hollywood Wild Card , la historiadora de cine Susan Delson sostiene que Murphy fue la fuerza impulsora de la película, pero que Léger tuvo más éxito en la promoción de la película como su propia creación. Sin embargo, tras luchar en el frente en la Primera Guerra Mundial y pasar el año 1917 en un hospital tras ser gaseado allí, Fernand Léger hizo exclusivamente de los efectos deslumbrantes de la tecnología mecánica el tema de su arte, y está claro que concibió el filmarse a sí mismo.

Las experiencias de Léger en la Primera Guerra Mundial tuvieron un efecto significativo en todo su trabajo. Movilizado en agosto de 1914 para servir en el ejército francés , pasó dos años en el frente de Argonne . Realizó muchos bocetos de piezas de artillería, aviones y compañeros soldados mientras estaba en las trincheras, y pintó Soldado con una pipa (1916) mientras estaba de licencia. En septiembre de 1916 estuvo a punto de morir tras un ataque con gas mostaza de las tropas alemanas en Verdún . Durante un período de convalecencia en Villepinte pintó Los jugadores de cartas (1917), un lienzo cuyas figuras monstruosas y robóticas reflejan la ambivalencia de su experiencia de la guerra. Como él explicó:

... Me quedé atónito al ver la recámara de un 75 milímetros a la luz del sol. Fue la magia de la luz sobre el metal blanco. Eso es todo lo que necesité para olvidar el arte abstracto de 1912-1913. La crudeza, la variedad, el humor y la perfección absoluta de ciertos hombres a mi alrededor, su sentido preciso de la realidad utilitaria y su aplicación en medio del drama de vida o muerte en el que estábamos ... me dieron ganas de pintar en jerga con todo su color y movilidad.

Los jugadores de cartas marcaron el comienzo de su "período mecánico" del que forma parte el Ballet Mécanique , una técnica artística que combinó la abstracción dinámica del constructivismo con las cualidades absurdas y rebeldes del dadaísmo . Vemos esta tendencia en la película de principio a fin.

Sin embargo, una foto de una escultura dadaísta con el nombre de Ballet Mécanique se había presentado anteriormente en 391 , un periódico creado y editado por el dadaísta Francis Picabia que apareció por primera vez en enero de 1917 y continuó publicándose hasta 1924. Pero no se sabe si Fernand Léger lo sabía o no.

Juegos de palabras visuales

En su lanzamiento original, el título francés de la película era "Charlot présente le ballet mécanique" (como se ve en la impresión original), en referencia al personaje de Little Tramp de Charlie Chaplin , como se le conocía en Francia. La imagen de una marioneta de papel de estilo cubista de Charlot, de Leger, aparece varias veces en la película. Es solo el primero de muchos juegos de palabras visuales en la película, una aparente demostración de la pura modernidad visual de la película, tal como la pretendieron sus creadores desde el principio.

Ballet Mécanique como partitura

El Ballet Mécanique de George Antheil (1924) se concibió originalmente como un acompañamiento de la película y estaba programado para su estreno en la Internationale Ausstellung neuer Theatertechnik . Sin embargo, antes de su finalización, el director y el compositor acordaron seguir caminos diferentes. La obra musical dura cerca de 30 minutos, mientras que la película dura unos 19 minutos.

La música de Antheil para Ballet Mécanique se convirtió en una pieza de concierto, estrenada por el mismo Antheil en París en 1926. Antheil promovió asiduamente la obra e incluso diseñó su supuesta "desaparición" durante una visita a África para atraer la atención de los medios para un concierto previo. El estreno oficial de París en junio de 1926 fue patrocinado por una patrona estadounidense que al final del concierto fue arrojada en una manta por tres baronesas y un duque. El trabajo enfureció a algunos de los asistentes al concierto, cuyas objeciones fueron ahogadas por la música cacofónica, mientras que otros apoyaron vocalmente el trabajo. Después del concierto, hubo algunas peleas en la calle. Antheil intentó replicar este escándalo en el Carnegie Hall contratando provocadores, pero fueron ignorados en gran medida.

Aunque la película tenía la intención de usar la partitura de Antheil como banda sonora, las dos partes no se juntaron hasta la década de 1990. En 2000, Paul Lehrman produjo una copia matrimonial de la película. Esta versión de la película se incluyó en la colección de DVD Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894-1941 lanzada en octubre de 2005.

Como composición, Ballet Mécanique es la obra más conocida y duradera de Antheil. Sigue siendo famoso por su estilo e instrumentación radicalmente repetitivos, así como por su historia. El propio Antheil no era dadaísta, aunque tenía muchos amigos y seguidores en esa comunidad.

En concierto, el Ballet Mécanique no es un espectáculo de bailarines humanos sino de instrumentos mecánicos. Entre estos, los pianos , las hélices de los aviones y las campanas eléctricas se destacan de manera prominente en el escenario, moviéndose como lo hacen las máquinas y proporcionando el lado visual del ballet. Como puede sugerir la extraña instrumentación, esta no era una pieza musical ordinaria. Era fuerte y percusivo, una mezcla de ruidos, como los futuristas italianos imaginaban la nueva música del siglo XX.

En 1927, Antheil organizó la primera parte del Ballet para Welte-Mignon . Este piano-roll se interpretó el 16 de julio de 1927 en el "Deutsche Kammermusik Baden-Baden 1927". Desafortunadamente, ahora se cree que estos rollos de piano se han perdido.

La orquestación original requería 16 pianos (o pianolas) en cuatro partes, 2 pianos regulares, 3 xilófonos , al menos 7 campanas eléctricas , 3 hélices , sirena , 4 bombos y 1 tam-tam . Resultó que no había forma de mantener sincronizadas tantas pianolas , por lo que las primeras interpretaciones combinaron las cuatro partes en un solo juego de rollos de pianola y aumentaron los dos pianos interpretados por humanos con 6 o más instrumentos adicionales.

En 1953, Antheil escribió una versión abreviada (y mucho más dócil) para cuatro pianos, cuatro xilófonos, dos campanas eléctricas, dos hélices, timbales , glockenspiel y otras percusiones. La orquestación original fue realizada por primera vez en 1992 por Maurice Peress.

En 1999, el Lowell Percussion Ensemble de la Universidad de Massachusetts , bajo la dirección de Jeff Fischer, presentó la primera interpretación de la partitura original (sin la película) con 16 pianos y reproductores en vivo. Los pianos reproductores eran Disklaviers Yamaha, controlados a través de MIDI utilizando el programa de software de Macintosh Opcode StudioVision.

En 1986, la película se estrenó con una nueva partitura de Michael Nyman .

La partitura y la película fueron combinadas con éxito en 2000 por Paul Lehrman, quien utilizó una versión editada de la orquestación original en la que utilizó pianos de jugador grabados después de la actuación de Lowell, con el resto de los instrumentos tocados electrónicamente. Esta versión está disponible en el conjunto de DVD Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894-1941 lanzado en octubre de 2005 y también en el conjunto de DVD Bad Boy Made Good , que también contiene el documental de Lehrman sobre Antheil y el Ballet mécanique, que se estrenó en abril de 2006. La película presentada es la versión original, estrenada en Viena el 24 de septiembre de 1924 por Frederick Kiesler .

En noviembre de 2002, una versión de la partitura para ensamble en vivo (que requirió más edición, ya que los músicos en vivo no podían tocarla tan rápido como los instrumentos electrónicos) fue estrenada en Columbus, Ohio por un ensamble del Conservatorio de Música Peabody , dirigido por Julian Pellicano . La actuación, con la banda sonora recién realizada y la versión de 1952 del Ballet mécanique, se repitió en la Sala de Conciertos Friedberg del Conservatorio Peabody el 17 de febrero de 2003. La obra se representó luego en Montreal en el festival Montréal / Nouvelles Musiques, dirigida por Walter Boudreau. Esta versión fue interpretada una docena de veces en Europa por la London Sinfonietta en 2004 y 2005.

En 2005, la Galería Nacional de Arte en Washington, DC encargó a Lehrman y a la League of Electronic Musical Urban Robots (LEMUR), Eric Singer, director, la creación de un conjunto robótico impulsado por computadora para tocar el Ballet mécanique. Esta instalación estuvo en la Galería del 12 de marzo al 7 de mayo de 2006. Se instaló en diciembre de 2007 en el Museo Wolfsonian en Miami Beach, FL, y nuevamente en 3-Legged Dog en la ciudad de Nueva York, donde se usó para acompañar una obra de teatro. sobre Antheil y Hedy Lamarr, y su invención de la tecnología de espectro ensanchado, llamada "Salto de frecuencia". Durante la ejecución de la obra, se proyectó la película de Léger / Murphy, con la orquesta robótica interpretando la partitura, en dos "post-conciertos" especiales.

Un análisis musical

El Ballet es difícil de adivinar con solo mirar la partitura; uno debe escucharlo para tener una idea real de su caos. Se mueve con una rapidez espantosa, hasta las notas 32 a tempo (cuarto = 152). Suena como una avalancha de acordes confusos, puntuados por timbres, gemidos o pausas al azar. El medidor rara vez permanece igual durante más de tres compases, lo que distrae de la forma más amplia de la música y, en cambio, resalta los ritmos impulsores. Sin embargo, la pieza está definitivamente estructurada en una sonata rondó .

La forma de sonata rondo sigue un patrón [AB] [A'C] [A''B ''] [Coda], donde A es un primer tema, B es un segundo tema y C es una sección intermedia vagamente relacionada con A y B:

A - El tema 1 comienza al principio de la pieza. Se identifica fácilmente por la melodía oscilante de los xilófonos. Se mueve a través de variaciones rítmicas e interválicas hasta un puente hacia el siguiente tema (compás 38 en la partitura original).

B - Theme 2 (m77) presenta las pianolas, apoyadas por tambores. La melodía se construye principalmente a partir de series paralelas de acordes consonantes, que a veces suenan pentatónicos pero a menudo no tienen ningún sentido tonal. Antheil usa pianolas para cosas que serían difíciles para los intérpretes humanos (un acorde de 7 notas en m142, por ejemplo).

A '- Los xilófonos regresan en triple metro para recordar el Tema 1 (m187). Esto no es estrictamente una repetición del Tema 1, sino otra variación y desarrollo del mismo. Esta sección desciende hacia un caos creciente (a partir de m283) que señala una transición a la parte C (m328).

C - Los xilófonos y las pianolas tocan una nueva melodía. Se mantienen en un mejor acuerdo rítmico aquí y dan una sensación más ordenada a esta sección. Los xilófonos finalmente se cortaron para dar paso a un sereno pasaje de pianola.

A''B '' - Los xilófonos vuelven (m403) con el tema del principio. Hay diferencias con la parte AB original, incluido un nuevo pasaje bitonal (m530) y una ronda en miniatura (m622) entre xilófonos y pianolas. La melodía pentatónica, insinuada en la parte B, regresa (m649) y se desarrolla en el contexto de la ronda.

Coda: se produce un cambio sorprendente cuando todos los instrumentos se cortan excepto una campana solitaria (m1134). Esto señala el comienzo de una coda muy larga y de textura fina. Alterna entre compases irregulares de completo silencio y pianola con percusión. Los compases de silencio se alargan hasta que el oyente comienza a preguntarse si la pieza ya ha terminado. Finalmente, hay un crescendo de pianola, una ráfaga de percusión y una explosión para marcar el final real. La partitura indica el último compás de la pieza para terminar solo con los pianos y la batería, pero las interpretaciones modernas tienen los xilófonos uniéndose y doblando la melodía de las pianolas para crear un final más firme, sólido y reconocible.

La mecánica del ballet

Los pianos mecánicos mantienen el tempo estrictamente en (cuarto = 152). Todos los silencios más largos en la parte de pianola se anotan en octavos silencios, como para sugerir la exactitud del instrumento. A este ritmo, la pianola de la década de 1920 tocó 8.5 pies por minuto de rollos de papel en tres rollos. Algunos estudiosos han descrito esta pesadilla logística como un error, y que el tempo sugerido por Antheil era en realidad la mitad (un cuarto = 76), pero de hecho la partitura del Ballet Mécanique de 1953 de Antheil indica un tempo de 144-160.

Las hélices de los aviones eran en realidad grandes ventiladores eléctricos , en los que los músicos insertaban objetos como postes de madera o correas de cuero para crear sonido, ya que los ventiladores no hacen mucho ruido. En las representaciones de París, a partir de junio de 1926, los ventiladores apuntaban hacia el techo. Sin embargo, en el estreno del Carnegie Hall el 10 de abril de 1927, los fanáticos estaban posicionados para soplar hacia la audiencia, molestando a los clientes.

Ballet Mécanique como película sincronizada

Sin embargo, con respecto a la película sincronizada original, y a pesar de la calidad del último sonido y su fiabilidad constante con los planes originales de Antheil para su concierto (realizado por el propio Lehrman y respaldado por la editorial Schirmer para el DVD Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894-1941 , 2005), su sincronización con la película todavía está en pleno debate en la actualidad.

Nuevos puntos de vista ofrece Ortiz Morales , en su tesis El ballet mécanique y el Synchro-ciné , ya en 2008. Refuta todos los puntos de vista que han dado origen a la realización de Lehrman y propone otras alternativas dentro de lo que él llama Estado. de confusión en torno a la película. Entre otras, la partitura de 30 minutos y 16 pianolas sincronizadas tan laboriosamente obtenidas no es realmente la idea musical original de la película, sino una posterior expansión de la idea original, que fue realizada por Antheil como un concierto espectacular e independiente, una vez probada. que no pudo sincronizar su música junto con las imágenes de Léger. La verdadera partitura fílmica debió ser mucho más sencilla y precisa, y posiblemente la que acabaría orquestando en 1953. Se argumenta, por tanto, que el problema de la sincronización original nunca estuvo en las 16 pianolas sincronizadas de la partitura gigante, sino en la El problema con la versión simple (para la película) debió estar en el dispositivo que tenía que sincronizarlo mecánicamente  : el Synchro-Ciné del inventor Charles Delacommune , posiblemente la primera mesa de mezclas audiovisual de la historia y con la que se sabe que intentaron desesperadamente durante un tiempo (como está documentado) el material de esa película, firmada por Léger y Delacommune). Según estudios técnicos sobre documentación (el aparato como tal se perdió en la II Guerra Mundial), parece que el synchro-ciné fue un sincronizador capaz de buenas simultaneidades audio-video en compases estándar, pero el ritmo fugaz y diabólico del trabajo le Excedía sus posibilidades: sobre todo las amalgamadas, de 7 y 5, muy usadas en la obra e imposibles de conseguir con un dispositivo tan precario. Con una música más sobria y cuadrada, se podrían haber afinado y sincronizado mecánicamente, que fue lo que Léger prometió a la prensa tras hablar con Delacommune (pero antes de haberlo probado en la práctica con la música de Antheil).

Esta tesis, y las implicaciones que origina, se ha reforzado mucho en 2016 con la publicación de la reconstrucción original del sincronismo cinemático según ella en la denominada versión canónica . Esta versión, realizada con la colaboración del Ensemble Modern , y a partir de los pocos datos verdaderamente fiables y objetivos que se han alcanzado en la actualidad, busca mediante algoritmos informáticos la copia exacta de la película y la partitura correcta de Antheil, que ambos unieron en 1935 ( la única vez que saben que ocurrió el 'momento adecuado', según ellos mismos). Ya que las diversas copias que nos han llegado del Ballet Mecanique son distintas entre sí (algunas mucho), porque parece que Léger fue, poco a poco reemplazando las imágenes originales de Man Ray y Dudley Murphy hasta casi el final de su toda la vida. Así, en cada período ha circulado una copia ligeramente diferente del Ballet: no hay dos iguales. Es decir, que la película fue pasando de dadaísta a cubista , paulatinamente, lo que explica, en parte, las dudas sobre su adscripción a una determinada estética .

Por otro lado, los estudiosos de la película y de la música de Antheil consideran casi unánimemente que la mayoría de los dos párrafos anteriores no están respaldados por ninguna investigación verificable, y saben que considerar cualquier versión de la partitura como "canónica" no tiene sentido. Antheil nunca afirmó haber creado una partitura que pudiera sincronizarse con la película, y las dos o tres actuaciones que hizo con la película a principios de la década de 1930 utilizaron solo uno de los tres rollos de pianola que componen la pieza (y la duración de ese rollo es mucho más corto que el de la película). No existe una versión anterior y más corta de la partitura que la que Antheil escribió para múltiples pianolas, y que dura entre 25 y 30 minutos, dependiendo del tempo (aunque hay dos versiones diferentes, las partes de la pianola son idénticas). El invento de Delcommune, cuyo nombre propio era el "ciné-pupitre" ("Synchro-ciné" era el nombre de su empresa, no el dispositivo), si bien podría ser útil para sincronizar con una película una partitura interpretada por instrumentos convencionales y dirigida por un director - era esencialmente lo que ahora conocemos como un Teleprompter - no había forma posible de que pudiera haber sido usado con pianolas, ya que carecía de cualquier vínculo mecánico entre el proyector de películas y los mecanismos de la pianola. Finalmente, aunque Leger continuó haciendo cambios en la película durante algún tiempo (aunque no hasta el final de su vida), muchas de las imágenes originales tomadas por Murphy y, presumiblemente, Man Ray se han mantenido en todas las versiones.

Discografía (audio)

  • MusicMasters "Ballet Mécanique". Cond. Maurice Peress, 1992. 01612-67094-2
  • "Fighting the Waves: Music of George Antheil". Ensemble Moderne, cond. HK Gruber. RCA, 1996.
  • "George Antheil: Ballet Mécanique". Proyecto de la Orquesta Moderna de Boston, cond. Gil Rose. BMOP / sonido, 2013.
  • "Ballet Mecanique y otras obras para pianos, percusión y electrónica". Conjunto de percusión UMass Lowell, cond. Jeffrey Fischer. Fundación de Música Electrónica, 2000.

Bibliografía

  • Buck, Robert T. y col. (mil novecientos ochenta y dos). Fernand Léger . Nueva York: Abbeville Publishers. ISBN   0-89659-254-5
  • Chilvers, Ian & Glaves-Smith, John eds., Diccionario de arte moderno y contemporáneo, Oxford: Oxford University Press , 2009.
  • James Donald, "Jazz Modernism and Film Art: Dudley Murphy and Ballet mécanique in Modernism / modernity 16: 1 ( enero de 2009 ), páginas 25–49
  • Oja, Carol (2000). "Ballet Mécanique de George Antheil y modernismo transatlántico" . En Ludington, Townsend (ed.). Un mosaico moderno: arte y modernismo en Estados Unidos . Chapel Hill: Prensa de la Universidad de Carolina del Norte. págs. 175–202. ISBN   0-8078-4891-3 .
  • Oja, Carol J. (2000). Making Music Modern: Nueva York en la década de 1920 . Prensa de la Universidad de Oxford. pp.  71 -94. ISBN   978-0-19-516257-8 .
  • Néret, Gilles (1993). F. Léger . Nueva York: BDD Illustrated Books. ISBN   0-7924-5848-6
  • Ortiz Morales, JM (2012). "El Synchro-Ciné de Charles Delacommune" (PDF) . Tesis COM / CAP.UMA-Málaga. Reg: 2012/00200020399.
  • Richter, H. Dada: Arte y Anti-Arte (Thames y Hudson 1965)

Referencias

enlaces externos