Crítica de arte - Art criticism

Monos como jueces de arte , 1889, Gabriel von Max

La crítica de arte es la discusión o evaluación del arte visual . Los críticos de arte suelen criticar el arte en el contexto de la estética o la teoría de la belleza. Un objetivo de la crítica de arte es la búsqueda de una base racional para la apreciación del arte, pero es cuestionable si tal crítica puede trascender las circunstancias sociopolíticas prevalecientes.

La variedad de movimientos artísticos ha resultado en una división de la crítica de arte en diferentes disciplinas que pueden utilizar diferentes criterios para sus juicios. La división más común en el campo de la crítica es entre crítica histórica y evaluación, una forma de historia del arte y crítica contemporánea del trabajo de artistas vivos.

A pesar de la percepción de que la crítica de arte es una actividad de mucho menor riesgo que hacer arte, las opiniones sobre el arte actual siempre están sujetas a correcciones drásticas con el paso del tiempo. Los críticos del pasado a menudo son ridiculizados por rechazar a los artistas ahora venerados (como los primeros trabajos de los impresionistas ). Algunos movimientos artísticos fueron nombrados despectivamente por los críticos, y el nombre fue posteriormente adoptado como una especie de insignia de honor por los artistas del estilo (por ejemplo, impresionismo , cubismo ), con el significado negativo original olvidado.

Los artistas a menudo han tenido una relación incómoda con sus críticos. Los artistas suelen necesitar opiniones positivas de los críticos para que su trabajo sea visto y comprado; desafortunadamente para los artistas, solo las generaciones posteriores pueden entenderlo.

El arte es una parte importante del ser humano y se puede encontrar en todos los aspectos de nuestras vidas, independientemente de la cultura o la época. Hay muchas variables diferentes que determinan el juicio que uno tiene sobre el arte, como la estética, la cognición o la percepción. El arte puede ser objetivo o subjetivo en función de la preferencia personal hacia la estética y la forma. Puede basarse en los elementos y principios del diseño y en la aceptación social y cultural. El arte es un instinto humano básico con una amplia gama de formas y expresiones. El arte puede ser independiente con un juicio instantáneo o puede verse con un conocimiento más profundo y educado. Las teorías estética, pragmática, expresiva, formalista, relativista, procesional, de imitación, ritual, cognitiva, mimética y posmoderna son algunas de las muchas teorías para criticar y apreciar el arte. La crítica y la apreciación del arte pueden ser subjetivas basadas en la preferencia personal hacia la estética y la forma, o pueden basarse en los elementos y principios del diseño y en la aceptación social y cultural.

Definición

La crítica de arte tiene muchos y a menudo numerosos puntos de vista subjetivos que son casi tan variados como la gente que la practica. Es difícil llegar a una definición más estable que la actividad relacionada con la discusión e interpretación del arte y su valor. Dependiendo de quién esté escribiendo sobre el tema, la "crítica de arte" en sí misma puede obviarse como un objetivo directo o puede incluir la historia del arte en su marco. Independientemente de los problemas de definición, la crítica de arte puede referirse a la historia del oficio en sus ensayos y la historia del arte misma puede usar métodos críticos implícitamente. Según el historiador del arte R. Siva Kumar , "Las fronteras entre la historia del arte y la crítica de arte ... ya no están tan firmemente trazadas como solían estar. Quizás comenzó con los historiadores del arte que se interesaron por el arte moderno".

Metodología

La crítica de arte incluye un aspecto descriptivo, en el que la obra de arte se traduce suficientemente en palabras como para permitir un caso. La evaluación de una obra de arte que sigue a la descripción (o se intercala con ella) depende tanto de la producción del artista como de la experiencia del crítico. Existe en una actividad con un componente subjetivo tan marcado una variedad de formas en las que se puede llevar a cabo. Como extremos en un posible espectro, mientras que algunos prefieren simplemente remarcar las impresiones inmediatas causadas por un objeto artístico, otros prefieren un enfoque más sistemático que recurre al conocimiento técnico, la teoría estética favorecida y el contexto sociocultural conocido en el que está inmerso el artista para discernir su intención. .

Historia

Las críticas al arte probablemente se originaron en los orígenes del arte mismo, como lo demuestran los textos encontrados en las obras de Platón , Vitruvio o Agustín de Hipona, entre otros, que contienen formas tempranas de crítica de arte. Además, los mecenas adinerados han empleado, al menos desde el comienzo del Renacimiento , evaluadores de arte intermediarios para ayudarlos en la obtención de encargos y / o piezas terminadas.

Orígenes

Jonathan Richardson acuñó el término 'crítica de arte' en 1719.

La crítica de arte como género de escritura, obtuvo su forma moderna en el siglo XVIII. El primer uso del término crítica de arte lo hizo el pintor inglés Jonathan Richardson en su publicación de 1719 An Essay on the Whole Art of Criticism . En este trabajo, intentó crear un sistema objetivo para la clasificación de las obras de arte. Siete categorías, que incluyen dibujo, composición, invención y coloración, recibieron una puntuación de 0 a 18, que se combinaron para dar una puntuación final. El término que introdujo rápidamente se popularizó, especialmente cuando la clase media inglesa comenzó a ser más exigente en sus adquisiciones de arte, como símbolo de su estado social alardeado.

En Francia e Inglaterra a mediados del siglo XVIII, el interés público por el arte comenzó a generalizarse y el arte se exhibía regularmente en los Salones de París y las Exposiciones de Verano de Londres. Los primeros escritores que adquirieron una reputación individual como críticos de arte en la Francia del siglo XVIII fueron Jean-Baptiste Dubos con su Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1718), que obtuvo el elogio de Voltaire por la sagacidad de su enfoque de la teoría estética. ; y Étienne La Font de Saint-Yenne con Reflexions sur quelques cause de l'état présent de la peinture en France que escribió sobre el Salón de 1746, comentando el marco socioeconómico de la producción del entonces popular estilo barroco , que dio lugar a una percepción de sentimientos antimonárquicos en el texto.

El escritor francés del siglo XVIII, Denis Diderot, fue un gran avance en el medio de la crítica de arte. El "Salón de 1765" de Diderot fue uno de los primeros intentos reales de plasmar el arte en palabras. Según el historiador de arte Thomas E. Crow , "cuando Diderot se dedicó a la crítica de arte, fue inmediatamente después de la primera generación de escritores profesionales que se propusieron ofrecer descripciones y juicios de la pintura y la escultura contemporáneas. un producto de la institución igualmente novedosa de las exposiciones públicas periódicas y gratuitas del arte más reciente ".

Mientras tanto, en Inglaterra, una exposición de la Sociedad de las Artes en 1762 y más tarde, en 1766, provocó una oleada de folletos críticos, aunque anónimos. Los periódicos y revistas de la época, como el London Chronicle , comenzaron a publicar columnas de crítica de arte; una forma que despegó con la fundación de la Royal Academy en 1768. En la década de 1770, el Morning Chronicle se convirtió en el primer periódico en revisar sistemáticamente el arte presentado en exposiciones.

Siglo 19

John Ruskin , el crítico de arte más destacado de la Inglaterra del siglo XIX.

A partir del siglo XIX, la crítica de arte se convirtió en una vocación más común e incluso en una profesión, desarrollando en ocasiones métodos formalizados basados ​​en teorías estéticas particulares . En Francia, en la década de 1820 surgió una brecha entre los defensores de las formas tradicionales de arte neoclásico y la nueva moda romántica . Los neoclásicos, bajo Étienne-Jean Delécluze, defendieron el ideal clásico y prefirieron la forma cuidadosamente acabada en las pinturas. Los románticos, como Stendhal , criticaron los viejos estilos por ser demasiado formulados y carentes de sentimiento. En cambio, defendieron los nuevos matices expresivos, idealistas y emocionales del arte romántico. Un debate similar, aunque más silencioso, también se produjo en Inglaterra.

Uno de los críticos destacados en Inglaterra en ese momento fue William Hazlitt , pintor y ensayista. Escribió sobre su profundo placer por el arte y su creencia de que las artes podrían usarse para mejorar la generosidad del espíritu de la humanidad y el conocimiento del mundo que lo rodea. Formó parte de una marea creciente de críticos ingleses que empezaron a sentirse incómodos con la dirección cada vez más abstracta en la que se movía el arte paisajístico de JMW Turner .

Uno de los grandes críticos del siglo XIX fue John Ruskin . En 1843 publicó Modern Painters , que repetía conceptos de "Paisaje y retrato-pintura" en The Yankee (1829) del primer crítico de arte estadounidense John Neal en su distinción entre "las cosas vistas por el artista" y "las cosas como son". A través de un minucioso análisis y atención al detalle, Ruskin logró lo que el historiador del arte EH Gombrich llamó "la obra más ambiciosa de crítica científica de arte jamás realizada". Ruskin se hizo famoso por su prosa rica y fluida, y más tarde en la vida se diversificó para convertirse en un crítico activo y de amplio alcance, publicando obras sobre arquitectura y arte renacentista , incluidas las Piedras de Venecia .

Charles Baudelaire 's Salon de 1845 revista de arte sorprendió a su público con sus ideas.

Otra figura dominante en la crítica de arte del siglo XIX fue el poeta francés Charles Baudelaire , cuya primera obra publicada fue su revista de arte Salon de 1845 , que atrajo la atención inmediata por su audacia. Muchas de sus opiniones críticas fueron novedosas en su época, incluida su defensa de Eugène Delacroix . Cuando la famosa Olympia de Édouard Manet (1865), un retrato de una cortesana desnuda, provocó un escándalo por su descarado realismo, Baudelaire trabajó en privado para apoyar a su amigo. Afirmó que "la crítica debe ser parcial, apasionada, política, es decir, formada desde un punto de vista exclusivo, pero también desde un punto de vista que abra el mayor número de horizontes". Trató de mover el debate de las viejas posiciones binarias de décadas anteriores, declarando que "el verdadero pintor, será aquel que pueda arrancar de la vida contemporánea su aspecto épico y hacernos ver y comprender, con el color o en el dibujo, lo grande y lo grande que es poéticos somos en nuestras corbatas y nuestras botas lustradas ".

En 1877, John Ruskin se burló de Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket después de que el artista, James McNeill Whistler , lo mostrara en Grosvenor Gallery : "He visto y escuchado mucho de la insolencia de Cockney antes de ahora; pero nunca esperé escuchar un Coxcomb pide doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público ". Esta crítica provocó que Whistler demandara al crítico por difamación. El caso judicial que siguió resultó ser una victoria pírrica para Whistler.

Cambio de siglo XX

Autorretrato de Roger Fry , descrito por el historiador de arte Kenneth Clark como "incomparablemente la mayor influencia en el gusto desde Ruskin ... En la medida en que el gusto puede ser cambiado por un solo hombre, fue cambiado por Roger Fry".

Hacia finales del siglo XIX, un movimiento hacia la abstracción, en oposición a los contenidos específicos, comenzó a ganar terreno en Inglaterra, defendido notablemente por el dramaturgo Oscar Wilde . A principios del siglo XX, estas actitudes se fusionaron formalmente en una filosofía coherente, a través del trabajo de los miembros del Bloomsbury Group Roger Fry y Clive Bell . Como historiador del arte en la década de 1890, Fry se sintió intrigado por el nuevo arte modernista y su alejamiento de la representación tradicional. Su exposición de 1910 de lo que llamó arte posimpresionista atrajo muchas críticas por su iconoclasia. Se defendió vigorosamente en una conferencia, en la que argumentó que el arte se había movido para intentar descubrir el lenguaje de la imaginación pura, en lugar de la captura científica seria y, en su opinión, deshonesta del paisaje. El argumento de Fry resultó ser muy influyente en ese momento, especialmente entre la élite progresista. Virginia Woolf comentó que: "en o alrededor de diciembre de 1910 [la fecha en que Fry dio su conferencia] cambió el carácter humano".

Independientemente, y al mismo tiempo, Clive Bell argumentó en su libro Art de 1914 que toda obra de arte tiene su "forma significativa" particular, mientras que el tema convencional era esencialmente irrelevante. Este trabajo sentó las bases para el enfoque formalista del arte. En 1920, Fry argumentó que "me da lo mismo si represento a un Cristo o una cacerola, ya que es la forma, y ​​no el objeto en sí, lo que me interesa". Además de ser un defensor del formalismo , argumentó que el valor del arte radica en su capacidad para producir una experiencia estética distintiva en el espectador. una experiencia que llamó "emoción estética". Lo definió como esa experiencia que se despierta con una forma significativa. También sugirió que la razón por la que experimentamos la emoción estética en respuesta a la forma significativa de una obra de arte es que percibimos esa forma como una expresión de una experiencia que tiene el artista. La experiencia del artista, a su vez, sugirió, fue la experiencia de ver los objetos ordinarios en el mundo como una forma pura: la experiencia que uno tiene cuando ve algo no como un medio para otra cosa, sino como un fin en sí mismo.

Herbert Read fue un campeón de artistas británicos modernos como Paul Nash , Ben Nicholson , Henry Moore y Barbara Hepworth y se asoció con el grupo de arte contemporáneo de Nash Unit One. Se centró en el modernismo de Pablo Picasso y Georges Braque , y publicó un influyente ensayo de 1929 sobre el significado del arte en The Listener . También editó la revista Burlington Magazine (1933-1938), que marcó tendencias, y ayudó a organizar la Exposición Surrealista Internacional de Londres en 1936.

Desde 1945

Como en el caso de Baudelaire en el siglo XIX, el fenómeno del poeta como crítico volvió a aparecer en el siglo XX, cuando el poeta francés Apollinaire se convirtió en el campeón del cubismo. Más tarde, el escritor francés y héroe de la Resistencia André Malraux escribió extensamente sobre arte, yendo mucho más allá de los límites de su Europa natal. Su convicción de que la vanguardia en América Latina estaba en el muralismo mexicano ( Orozco , Rivera y Siqueiros ) cambió luego de su viaje a Buenos Aires en 1958. Luego de visitar los estudios de varios artistas argentinos en compañía del joven Director del Museo de Arte Moderno. de Buenos Aires , Rafael Squirru , Malraux declaró la nueva vanguardia que se encuentran en Argentina nuevos movimientos artísticos 's. Squirru, un poeta-crítico que se convirtió en Director Cultural de la OEA en Washington, DC , durante la década de 1960, fue el último en entrevistar a Edward Hopper antes de su muerte, lo que contribuyó a un resurgimiento del interés por el artista estadounidense.

En la década de 1940, no solo había pocas galerías ( El arte de este siglo ), sino también pocos críticos que estaban dispuestos a seguir el trabajo de la Vanguardia de Nueva York . También hubo algunos artistas con antecedentes literarios, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman, que también actuaron como críticos.

Aunque Nueva York y el mundo no estaban familiarizados con la vanguardia neoyorquina , a fines de la década de 1940 la mayoría de los artistas que se han convertido en nombres familiares en la actualidad tenían sus críticos mecenas bien establecidos. Clement Greenberg abogó por Jackson Pollock y los pintores del campo de color como Clyfford Still , Mark Rothko , Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Hans Hofmann . Harold Rosenberg parecía preferir a los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline . Thomas B. Hess , editor gerente de ARTnews , defendió a Willem de Kooning .

Los nuevos críticos elevaron a sus protegidos al catalogar a otros artistas como "seguidores" o ignorar a aquellos que no cumplían su objetivo promocional. Como ejemplo, en 1958, Mark Tobey "se convirtió en el primer pintor estadounidense desde Whistler (1895) en ganar el primer premio en la Bienal de Venecia. Las dos principales revistas de arte de Nueva York no estaban interesadas. Arts mencionó el evento histórico solo en una columna de noticias. y Art News (editor en jefe: Thomas B. Hess) lo ignoraron por completo. The New York Times y Life imprimieron artículos ".

Barnett Newman , un miembro fallecido del Uptown Group, escribió prólogos y reseñas de catálogos y, a fines de la década de 1940, se convirtió en artista expositor en Betty Parsons Gallery. Su primera exposición individual fue en 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en una de las sesiones de artistas en Studio 35: "Estamos en el proceso de hacer el mundo, hasta cierto punto, a nuestra propia imagen". Utilizando sus habilidades de escritura, Newman luchó en cada paso del camino para reforzar su imagen recién establecida como artista y promover su trabajo. Un ejemplo es su carta a Sidney Janis el 9 de abril de 1955:

Es cierto que Rothko habla del luchador. Lucha, sin embargo, por someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el total rechazo de la misma.

La persona que se cree que tuvo más que ver con la promoción de este estilo fue un trotskista de Nueva York , Clement Greenberg . Como crítico de arte durante mucho tiempo para Partisan Review y The Nation , se convirtió en uno de los primeros y letrados defensores del expresionismo abstracto. El artista Robert Motherwell , adinerado, se unió a Greenberg en la promoción de un estilo que encajaba con el clima político y la rebeldía intelectual de la época.

Clement Greenberg proclamó el expresionismo abstracto y Jackson Pollock en particular como el epítome del valor estético. Greenberg apoyó el trabajo de Pollock sobre bases formalistas como simplemente la mejor pintura de su época y la culminación de una tradición artística que se remonta a través del cubismo y Cézanne a Monet , en la que la pintura se volvió cada vez más "pura" y más concentrada en lo que era "esencial" para ella. , la realización de marcas en una superficie plana.

El trabajo de Jackson Pollock siempre ha polarizado a los críticos. Harold Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en la que "lo que iba a aparecer en el lienzo no era un cuadro sino un evento". "El gran momento llegó cuando se decidió pintar 'solo para pintar'. El gesto en el lienzo fue un gesto de liberación de los valores políticos, estéticos, morales".

Uno de los críticos más vocales del expresionismo abstracto en ese momento fue el crítico de arte del New York Times , John Canaday . Meyer Schapiro y Leo Steinberg también fueron importantes historiadores del arte de la posguerra que expresaron su apoyo al expresionismo abstracto. Desde principios hasta mediados de los sesenta, los críticos de arte más jóvenes Michael Fried , Rosalind Krauss y Robert Hughes aportaron conocimientos considerables sobre la dialéctica crítica que sigue creciendo en torno al expresionismo abstracto.

Crítica de arte feminista

La crítica de arte feminista surgió en la década de 1970 a partir del movimiento feminista más amplio como el examen crítico tanto de las representaciones visuales de las mujeres en el arte como del arte producido por mujeres . Sigue siendo un campo importante de la crítica de arte.

Hoy dia

Los críticos de arte de hoy trabajan no solo en medios impresos y en revistas especializadas de arte, así como en periódicos. Los críticos de arte aparecen también en Internet, televisión y radio, así como en museos y galerías. Muchos también trabajan en universidades o como educadores de arte para museos. Los críticos de arte curan exposiciones y se emplean con frecuencia para escribir catálogos de exposiciones. Los críticos de arte tienen su propia organización, una organización no gubernamental de la UNESCO , llamada Asociación Internacional de Críticos de Arte, que tiene alrededor de 76 secciones nacionales y una sección política no alineada para refugiados y exiliados.

Blogs de arte

Desde principios del siglo XXI, han surgido blogs de arte y sitios web críticos de arte en línea en todo el mundo para agregar sus voces al mundo del arte. Muchos de estos escritores utilizan recursos de redes sociales como Facebook, Twitter, Tumblr y Google+ para presentar a los lectores sus opiniones sobre la crítica de arte.

Ver también

Referencias

enlaces externos