Alfred Stieglitz - Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz.jpg
Stieglitz en 1902 por Gertrude Käsebier
Nació (1864-01-01)1 de enero de 1864
Murió 13 de julio de 1946 (1946-07-13)(82 años)
Manhattan, Nueva York , Nueva York, EE. UU.
Conocido por Fotografía
Esposos)

Alfred Stieglitz HonFRPS (1 de enero de 1864 - 13 de julio de 1946) fue un fotógrafo estadounidense y promotor del arte moderno que jugó un papel decisivo en sus 50 años de carrera para hacer de la fotografía una forma de arte aceptada. Además de su fotografía, Stieglitz era conocido por las galerías de arte de Nueva York que dirigió a principios del siglo XX, donde presentó a muchos artistas europeos de vanguardia en los Estados Unidos. Estaba casado con la pintora Georgia O'Keeffe .

Temprana edad y educación

1886 autorretrato

Stieglitz nació en Hoboken, Nueva Jersey , el primer hijo de inmigrantes judíos alemanes Edward Stieglitz (1833-1909) y Hedwig Ann Werner (1845-1922). Su padre era teniente en el Ejército de la Unión y trabajaba como comerciante de lana. Tuvo cinco hermanos, Flora (1865-1890), los gemelos Julius (1867-1937) y Leopold (1867-1956), Agnes (1869-1952) y Selma (1871-1957). Alfred Stieglitz, al ver la estrecha relación de los gemelos, deseó tener un alma gemela durante su infancia.

Stieglitz asistió al Charlier Institute, una escuela cristiana en Nueva York, en 1871. Al año siguiente, su familia comenzó a pasar los veranos en el lago George en las montañas Adirondack , una tradición que continuó hasta la edad adulta de Stieglitz.

Para poder calificar para la admisión al City College de Nueva York , Stieglitz estaba inscrito en una escuela pública durante su tercer año de secundaria, pero encontró que la educación era inadecuada. En 1881, Edward Stieglitz vendió su empresa por 40.000 dólares y trasladó a su familia a Europa durante los siguientes años para que sus hijos recibieran una mejor educación. Alfred Stieglitz se matriculó en el Real Gymnasium de Karlsruhe . Al año siguiente, Alfred Stieglitz estudió ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín. Se matriculó en una clase de química impartida por Hermann Wilhelm Vogel , un científico e investigador que trabajó en los procesos químicos para el revelado de fotografías. En Vogel, Stieglitz encontró tanto el desafío académico que necesitaba como una salida para sus crecientes intereses artísticos y culturales. Recibió una asignación de $ 1,200 (equivalente a $ 32,181 en 2020) al mes.

Interés temprano en la fotografía

Alfred Stieglitz, La última broma, Bellagio , 1887

En 1884, sus padres regresaron a Estados Unidos, pero Stieglitz, de 20 años, permaneció en Alemania y coleccionó libros sobre fotografía y fotógrafos en Europa y Estados Unidos. Compró su primera cámara, una cámara de película de placa de 8 × 10, y viajó por los Países Bajos. , Italia y Alemania. Realizó fotografías de paisajes y trabajadores del campo. La fotografía, escribió más tarde, "me fascinó, primero como un juguete, luego como una pasión, luego como una obsesión".

A través de su autoestudio, vio la fotografía como una forma de arte. En 1887, escribió su primer artículo, "Una palabra o dos sobre la fotografía amateur en Alemania", para la nueva revista The Amateur Photographer . Luego escribió artículos sobre los aspectos técnicos y estéticos de la fotografía para revistas de Inglaterra y Alemania.

Ganó el primer lugar por su fotografía, The Last Joke, Bellagio , en 1887 de Amateur Photographer . Al año siguiente ganó el primer y segundo premio en el mismo concurso, y su reputación comenzó a extenderse a medida que varias revistas fotográficas alemanas y británicas publicaron su trabajo.

En 1890, su hermana Flora murió al dar a luz y Stieglitz regresó a Nueva York.

Carrera profesional

Nueva York y el Camera Club (1891-1901)

La terminal (1893) de Alfred Stieglitz

Stieglitz se consideraba un artista, pero se negó a vender sus fotografías. Su padre le compró un pequeño negocio de fotografía para que pudiera ganarse la vida en la profesión que eligió. Debido a que exigía imágenes de alta calidad y pagaba a sus empleados altos salarios, la Compañía de Grabado Fotocromo rara vez obtenía ganancias. Escribía regularmente para la revista The American Amateur Photographer . Ganó premios por sus fotografías en exposiciones, incluida la exposición conjunta del Boston Camera Club , la Sociedad Fotográfica de Filadelfia y la Sociedad de Fotógrafos Aficionados de Nueva York.

A finales de 1892, Stieglitz compró su primera cámara de mano, una cámara de película de placa Folmer and Schwing 4 × 5, que utilizó para tomar dos de sus imágenes más conocidas, Winter, Fifth Avenue y The Terminal . Antes de eso, usó una cámara de película de placa de 8 × 10 que requería un trípode.

Stieglitz se ganó una reputación por su fotografía y sus artículos en revistas sobre cómo la fotografía es una forma de arte. En la primavera de 1893, se convirtió en coeditor de The American Amateur Photographer . Para evitar la apariencia de parcialidad en sus opiniones y porque Photochrome estaba imprimiendo ahora los fotograbados para la revista, Stieglitz se negó a cobrar un salario. Escribió la mayoría de los artículos y reseñas de la revista y era conocido tanto por su contenido técnico como por su contenido crítico.

Invierno - Quinta Avenida (1893) de Alfred Stieglitz

El 16 de noviembre de 1893, Stieglitz, de 29 años, se casó con Emmeline Obermeyer, de 20, hermana de su amigo íntimo y socio comercial Joe Obermeyer y nieta del cervecero Samuel Liebmann . Se casaron en la ciudad de Nueva York. Stieglitz escribió más tarde que no amaba a Emmy, como se la conocía comúnmente, cuando se casaron y que su matrimonio no se consumó durante al menos un año. Hija de un acaudalado propietario de una cervecería, había heredado dinero de su padre. Stieglitz llegó a lamentar su decisión de casarse con Emmy, ya que ella no compartía sus intereses artísticos y culturales. El biógrafo de Stieglitz, Richard Whelan, resumió su relación diciendo que Stieglitz "la guardaba amargamente por no haberse convertido en su gemelo". A lo largo de su vida, Stieglitz mantuvo un fetiche por las mujeres más jóvenes.

Canal veneciano (1894) de Alfred Stieglitz

A principios de 1894, Stieglitz y su esposa se fueron de luna de miel a Francia, Italia y Suiza. Stieglitz fotografió extensamente durante el viaje, produciendo algunas de sus primeras imágenes famosas como A Venetian Canal , The Net Mender y A Wet Day on the Boulevard, Paris . Mientras estaba en París, Stieglitz conoció al fotógrafo francés Robert Demachy , quien se convirtió en corresponsal y colega de toda la vida. En Londres, Stieglitz conoció a los fundadores de The Linked Ring, George Davison y Alfred Horsley Hinton , quienes siguieron siendo sus amigos y colegas durante gran parte de su vida.

Más adelante en el año, después de su regreso, Stieglitz fue elegido por unanimidad como uno de los dos primeros miembros estadounidenses de The Linked Ring. Stieglitz vio este reconocimiento como el ímpetu que necesitaba para intensificar su causa de promover la fotografía artística en los Estados Unidos. En ese momento había dos clubes de fotografía en Nueva York, la Sociedad de Fotógrafos Aficionados y el Club de Cámara de Nueva York. Stieglitz renunció a su puesto en Photochrome Company y como editor de American Amateur Photographer y pasó la mayor parte de 1895 negociando una fusión de los dos clubes.

En mayo de 1896, las dos organizaciones se unieron para formar The Camera Club of New York . Aunque le ofrecieron la presidencia de la organización, se convirtió en vicepresidente. Desarrolló programas para el club y participó en todos los aspectos de la organización. Le dijo al periodista Theodore Dreiser que quería "hacer que el club sea tan grande, sus labores tan distinguidas y su autoridad tan definitiva que pueda utilizar satisfactoriamente su gran prestigio para lograr el reconocimiento de los artistas individuales dentro y fuera de sus paredes".

Stieglitz convirtió el boletín actual del Camera Club en una revista, Camera Notes , y se le dio el control total sobre la nueva publicación. Su primer número se publicó en julio de 1897. Pronto fue considerada la mejor revista fotográfica del mundo. Durante los siguientes cuatro años, Stieglitz utilizó Camera Notes para defender su creencia en la fotografía como forma de arte al incluir artículos sobre arte y estética junto a impresiones de algunos de los principales fotógrafos estadounidenses y europeos. El crítico Sadakichi Hartmann escribió "me parecía que la fotografía artística, el Camera Club y Alfred Stieglitz eran sólo tres nombres para una misma cosa".

También continuó tomando sus propias fotografías. A fines de 1896, sacó a mano los fotograbados para un primer portafolio de su propio trabajo, Bits pintorescos de Nueva York y otros estudios . Continuó exponiendo en exposiciones en Europa y Estados Unidos, y en 1898 se había ganado una sólida reputación como fotógrafo. Le pagaron $ 75 (equivalente a $ 2,333 en 2020) por su impresión favorita, Winter - Fifth Avenue . Diez de los grabados de Stieglitz fueron seleccionados ese año para el primer Salón Fotográfico de Filadelfia, donde conoció y luego se hizo amigo de Gertrude Käsebier y Clarence H. White .

El 27 de septiembre de 1898 nació la hija de Stieglitz, Katherine "Kitty" . Utilizando la herencia de Emmy, la pareja contrató a una institutriz, una cocinera y una camarera. Stieglitz trabajó al mismo ritmo que antes del nacimiento de su hija y, como resultado, la pareja vivió predominantemente vidas separadas bajo el mismo techo.

En noviembre de 1898, un grupo de fotógrafos en Munich, Alemania, montó una exhibición de su trabajo junto con una muestra de grabados gráficos de artistas que incluían a Edvard Munch y Henri de Toulouse-Lautrec . Se llamaron a sí mismos los "secesionistas", un término al que Stieglitz se aferró tanto por sus significados artísticos como sociales. Cuatro años después, usó este mismo nombre para un grupo recién formado de fotógrafos pictóricos que organizó en Nueva York.

En mayo de 1899, Stieglitz recibió una exposición individual, que constaba de ochenta y siete grabados, en el Camera Club. La tensión de prepararse para este programa, junto con los continuos esfuerzos para producir Camera Notes , afectó la salud de Stieglitz. Para aliviar su carga, trajo a sus amigos Joseph Keiley y Dallet Fugeut, ninguno de los cuales era miembro del Camera Club, como editores asociados de Camera Notes . Molestos por esta intrusión de forasteros, sin mencionar su propia presencia cada vez menor en la publicación del Club, muchos de los miembros más antiguos del Club comenzaron a hacer campaña activamente contra la autoridad editorial de Stieglitz. Stieglitz pasó la mayor parte de 1900 buscando formas de superar estos esfuerzos, involucrándolo en prolongadas batallas administrativas.

Uno de los pocos momentos destacados de ese año fue la presentación de Stieglitz a un nuevo fotógrafo, Edward Steichen , en el First Chicago Photographic Salon. Steichen, originalmente pintor, llevó muchos de sus instintos artísticos a la fotografía. Los dos se hicieron buenos amigos y colegas.

Debido a la continua tensión de administrar el Camera Club, al año siguiente colapsó en el primero de varios colapsos mentales. Pasó gran parte del verano en la casa de la familia en Lake George, Oaklawn, recuperándose. Cuando regresó a Nueva York, anunció su renuncia como editor de Camera Notes .

La foto-secesión y el trabajo de la cámara (1902-1907)

Duchas de primavera, El entrenador (1899-1900) de Stieglitz

La fotógrafa Eva Watson-Schütze lo instó a establecer una exposición que sería juzgada únicamente por fotógrafos que, a diferencia de los pintores y otros artistas, conocían la fotografía y sus características técnicas. En diciembre de 1901, Charles DeKay, del National Arts Club , lo invitó a montar una exposición en la que Stieglitz tendría "pleno poder para seguir sus propias inclinaciones". En dos meses, Stieglitz había reunido una colección de grabados de un círculo cercano de sus amigos, que, en homenaje a los fotógrafos de Munich, llamó Photo-Secession . Stieglitz no solo estaba declarando una secesión de las restricciones artísticas generales de la época, sino específicamente de la supervisión oficial del Camera Club. La muestra se inauguró en el Arts Club a principios de marzo de 1902 y fue un éxito inmediato.

Comenzó a formular un plan para publicar una revista de fotografía pictórica completamente independiente para llevar adelante los estándares artísticos del Foto-Secesionista. En julio, había renunciado por completo como editor de Camera Notes , y un mes después publicó un prospecto para una nueva revista que llamó Camera Work . Estaba decidido a que sería "la mejor y más suntuosa de las publicaciones fotográficas". El primer número se imprimió cuatro meses después, en diciembre de 1902, y como todos los números posteriores, contenía hermosos fotograbados hechos a mano, escritos críticos sobre fotografía, estética y arte, y reseñas y comentarios sobre fotógrafos y exposiciones. Camera Work fue "la primera revista fotográfica enfocada en lo visual".

Stieglitz era un perfeccionista y se notaba en todos los aspectos de Camera Work . Se adelantó el arte de huecograbado de impresión por exigentes estándares altos sin precedentes para las impresiones en Camera Work . La calidad visual de los fotograbados era tan alta que cuando no llegó un conjunto de impresiones para una exposición de Photo-Secession en Bruselas, se colgó una selección de fotograbados de la revista. La mayoría de los espectadores asumieron que estaban mirando las fotografías originales.

A lo largo de 1903, Stieglitz publicó Camera Work y trabajó para exhibir su propio trabajo y el de los foto-secesionistas mientras lidiaba con las tensiones de su vida hogareña. El fotógrafo estadounidense luxemburgués Edward Steichen , que más tarde comisaría la exposición histórica The Family of Man , fue el fotógrafo destacado con más frecuencia en la revista. Fuguet, Keiley y Strauss, los tres editores asociados de Stieglitz en Camera Notes , lo llevó a Camera Work . Más tarde, dijo que él solo envolvió y envió individualmente unas 35.000 copias de Camera Work durante el transcurso de su publicación.

En 1904, Stieglitz estaba de nuevo mental y físicamente agotado y decidió llevar a su familia a Europa en mayo. Planeó una agotadora agenda de exposiciones, reuniones y excursiones y se derrumbó casi al llegar a Berlín, donde pasó más de un mes recuperándose. Pasó gran parte del resto de 1904 fotografiando Alemania mientras su familia visitaba a sus parientes allí. En su camino de regreso a los Estados Unidos, Stieglitz se detuvo en Londres y se reunió con los líderes de Linked Ring, pero no pudo convencerlos de que establecieran un capítulo de su organización en Estados Unidos (con Stieglitz como director).

Yendo al inicio (1905) de Stieglitz

El 25 de noviembre de 1905, las Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión "se abrieron en la Quinta Avenida con cien copias de treinta y nueve fotógrafos. Edward Steichen había recomendado y alentado a Stieglitz, a su regreso de Europa, a alquilar tres habitaciones frente a El apartamento de Steichen que la pareja consideró sería perfecto para exhibir fotografías. La galería se convirtió en un éxito instantáneo, con casi quince mil visitantes durante su primera temporada y, lo que es más importante, ventas de impresiones que totalizaron casi $ 2.800. Trabajo de su amigo Steichen, quien tenía un departamento en el mismo edificio, representó más de la mitad de esas ventas.

Stieglitz continuó centrando sus esfuerzos en la fotografía, a expensas de su familia. Emmy, que esperaba algún día ganarse el amor de Stieglitz, continuó dándole una mesada de su herencia.

En la edición de octubre de 1906 de Camera Work , su amigo Joseph Keiley dijo: "Hoy en Estados Unidos se ha logrado la verdadera batalla por la que se estableció la Photo-Secession: el reconocimiento serio de la fotografía como un medio adicional de expresión pictórica".

Dos meses después, Stieglitz, de 42 años, conoció a la artista Pamela Colman Smith , de 28 años , que deseaba que sus dibujos y acuarelas se mostraran en su galería. Decidió mostrar su trabajo porque pensó que sería "muy instructivo comparar dibujos y fotografías para juzgar las posibilidades y limitaciones de la fotografía". Su muestra se inauguró en enero de 1907, con muchos más visitantes a la galería que cualquiera de las exposiciones de fotografía anteriores, y pronto se vendieron todas sus obras expuestas. Stieglitz, con la esperanza de sacar provecho de la popularidad de la muestra, tomó fotografías de su obra de arte y publicó una carpeta separada de sus impresiones en platino de su trabajo.

The Steerage , 291 y el arte moderno (1907-1916)

El Steerage de Stieglitz (1907)

A finales de la primavera de 1907, Stieglitz colaboró ​​en una serie de experimentos fotográficos con su amigo Clarence H. White . Tomaron varias docenas de fotografías de dos modelos vestidos y desnudos e imprimieron una selección utilizando técnicas inusuales, que incluyen tonificación, encerado y dibujo en impresiones de platino. Según Stieglitz, superó "la imposibilidad de la cámara de hacer ciertas cosas".

Ganó menos de $ 400 al año debido a la disminución de las suscripciones a Camera Work y al bajo margen de ganancia de la galería. Durante años, Emmy había mantenido un estilo de vida extravagante que incluía una institutriz a tiempo completo para Kitty y costosas vacaciones europeas. A pesar de las preocupaciones de su padre acerca de sus crecientes problemas financieros, la familia Stieglitz y su institutriz navegaron una vez más a través del Atlántico.

Katherine Stieglitz , autocromo, ca. 1910

Mientras se dirigía a Europa, Stieglitz tomó lo que se reconoce no solo como su imagen característica, sino también como una de las fotografías más importantes del siglo XX. Apuntando su cámara a los pasajeros de clase baja en la proa del barco, capturó una escena que tituló The Steerage . No lo publicó ni exhibió durante cuatro años.

Mientras estaba en Europa, Stieglitz vio la primera demostración comercial del proceso de fotografía en color Autochrome Lumière , y pronto estuvo experimentando con él en París con Steichen, Frank Eugene y Alvin Langdon Coburn . Se llevó tres de las Autocromas de Steichen a Múnich para tener reproducciones en cuatro colores para insertarlas en un número futuro de Camera Work .

Se le pidió que renunciara al Camera Club, pero debido a las protestas de otros miembros fue reintegrado como socio vitalicio. Justo después de presentar una muestra pionera de dibujos de Auguste Rodin , sus problemas económicos le obligaron a cerrar por un breve período las Pequeñas Galerías, hasta febrero de 1908, cuando fue reabierta bajo el nuevo nombre " 291 ".

Stieglitz entremezcló deliberadamente exposiciones de lo que sabía que sería arte controvertido, como los dibujos sexualmente explícitos de Rodin, con lo que Steichen llamó "arte comprensible" y con fotografías. La intención era "entablar un diálogo que permitiera a 291 visitantes ver, discutir y reflexionar sobre las diferencias y similitudes entre artistas de todos los rangos y tipos: entre pintores, dibujantes, escultores y fotógrafos; entre artistas europeos y estadounidenses; entre mayores o figuras más establecidas y practicantes más jóvenes y nuevos ". Durante este mismo período, el National Arts Club organizó una "Exposición especial de arte contemporáneo" que incluyó fotografías de Stieglitz, Steichen, Käsebier y White junto con pinturas de Mary Cassatt , William Glackens , Robert Henri , James McNeill Whistler y otros. Se cree que esta fue la primera gran exposición en los EE. UU. En la que los fotógrafos recibieron la misma clasificación que los pintores.

Durante la mayor parte de 1908 y 1909, Stieglitz pasó su tiempo creando espectáculos en 291 y publicando Camera Work . No hubo fotografías tomadas durante este período que aparezcan en el catálogo definitivo de su obra, Alfred Stieglitz: The Key Set .

En mayo de 1909, murió el padre de Stieglitz, Edward, y en su testamento dejó a su hijo la entonces significativa suma de $ 10,000 (equivalente a $ 288,037 en 2020). Stieglitz utilizó esta nueva inyección de efectivo para mantener su galería y Camera Work en el negocio durante los próximos años.

Durante este período, Stieglitz conoció a Marius de Zayas , un artista enérgico y carismático de México, quien se convirtió en uno de sus colegas más cercanos, asistiendo tanto con exposiciones en la galería como con la presentación de Stieglitz a nuevos artistas en Europa. A medida que aumentaba la reputación de Stieglitz como promotor del arte moderno europeo, pronto se le acercaron varios artistas estadounidenses nuevos con la esperanza de que se mostraran sus obras. Stieglitz estaba intrigado por su visión moderna, en cuestión de meses Alfred Maurer , John Marin y Marsden Hartley tenían sus obras colgadas en las paredes del 291.

En 1910, Stieglitz fue invitado por el director de la Galería de Arte Albright para organizar una gran muestra de lo mejor de la fotografía contemporánea. Aunque en Camera Work se imprimió un anuncio de una competencia abierta para el programa , el hecho de que Stieglitz estuviera a cargo generó una nueva ronda de ataques en su contra. Un editorial de la revista American Photography afirmó que Stieglitz ya no podía "percibir el valor del trabajo fotográfico de mérito artístico que no se ajusta a un estilo particular que es tan característico de todas las exposiciones bajo sus auspicios. Hace media generación esta escuela [The Photo -Secesión] fue progresiva, y muy adelantada a su tiempo. Hoy no avanza, pero es una fuerza reaccionaria del tipo más peligrosa ”.

Stieglitz escribió a su colega fotógrafo George Seeley: "La reputación, no solo de Photo-Secession, sino de la fotografía está en juego, y tengo la intención de reunir todas las fuerzas disponibles para ganarnos". La exposición se inauguró en octubre con más de 600 fotografías. Los críticos generalmente elogiaron las bellas cualidades estéticas y técnicas de las obras. Sin embargo, sus críticos descubrieron que la gran mayoría de los grabados de la exposición eran de los mismos fotógrafos que Stieglitz había conocido durante años y cuyas obras había expuesto en 291. Más de quinientas de las grabados procedían de sólo treinta y siete fotógrafos, incluidos Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day y el propio Stieglitz.

En la edición de enero de 1911 de Camera Work , Stieglitz, desdeñoso de lo que percibía como comercialismo, reimprimió una reseña del programa de Buffalo con palabras despectivas sobre las fotos de White y Käsebier. White nunca perdonó a Stieglitz. Comenzó su propia escuela de fotografía, y Käsebier y White cofundaron los "Fotógrafos pictóricos de América".

A lo largo de 1911 y principios de 1912, Stieglitz organizó innovadoras exhibiciones de arte moderno en el 291 y promovió el arte nuevo junto con la fotografía en las páginas de Camera Work . En el verano de 1912, estaba tan cautivado por el arte no fotográfico que publicó un número de Camera Work (agosto de 1912) dedicado exclusivamente a Matisse y Picasso.

Grupo de artistas en 1912, de izquierda a derecha: Paul Haviland , Abraham Walkowitz , Katharine Rhoades , Emily, la primera esposa de Stieglitz, Agnes Meyer , Alfred Stieglitz, John Barrett Kerfoot , John Marin

A finales de 1912, los pintores Walter Pach , Arthur B. Davies y Walt Kuhn organizaron una muestra de arte moderno, y Stieglitz prestó algunas piezas de arte moderno del 291 a la muestra. También aceptó figurar como vicepresidente honorario de la exposición junto con Claude Monet , Odilon Redon , Mabel Dodge e Isabella Stewart Gardner . En febrero de 1913, se inauguró el Armory Show decisivo en Nueva York, y pronto el arte moderno se convirtió en un tema importante de discusión en toda la ciudad. Vio la popularidad del programa como una reivindicación del trabajo que había estado patrocinando en 291 durante los últimos cinco años. Montó una exposición de sus propias fotografías en 291 para que se presentara al mismo tiempo que el Armory Show. Más tarde escribió que permitir que las personas vieran fotografías y pinturas modernas al mismo tiempo "brindaba la mejor oportunidad al estudiante y al público para una comprensión más clara del lugar y el propósito de los dos medios".

En enero de 1914, su amigo y compañero de trabajo más cercano, Joseph Keiley, murió, lo que lo dejó angustiado durante muchas semanas. También estaba preocupado por el estallido de la Primera Guerra Mundial por varias razones. Estaba preocupado por la seguridad de familiares y amigos en Alemania. Necesitaba encontrar una nueva impresora para los fotograbados para Camera Work , que se había impreso en Alemania durante muchos años. La guerra provocó una recesión significativa en la economía estadounidense y el arte se convirtió en un lujo para muchas personas. A finales de año, Stieglitz estaba luchando por mantener vivos tanto a 291 como a Camera Work . Publicó el número de abril de Camera Work en octubre, pero pasaría más de un año antes de que tuviera el tiempo y los recursos para publicar el próximo número.

Retrato autocromo de Stieglitz y su esposa Emily, ca. 1915. Aunque atribuida a Stieglitz, la imagen bien puede ser obra de Edward Steichen o Frank Eugene .

Mientras tanto, los amigos de Stieglitz de Zayas, Paul de Haviland y Agnes Meyer lo convencieron de que la solución a sus problemas era emprender un proyecto totalmente nuevo, algo que lo volviera a involucrar en sus intereses. Publicó una nueva revista, llamada 291 por su galería, que pretendía ser el epítome de la cultura de vanguardia. Si bien fue un triunfo estético, fue un desastre financiero y dejó de publicarse después de doce números.

Durante este período, Stieglitz se sintió cada vez más intrigado por una estética visual más moderna para la fotografía. Se dio cuenta de lo que estaba sucediendo en la pintura y la escultura de vanguardia y descubrió que el pictorialismo ya no representaba el futuro, era el pasado. Fue influenciado en parte por el pintor Charles Sheeler y por el fotógrafo Paul Strand . En 1915, Strand, que había ido a ver espectáculos en 291 durante muchos años, presentó a Stieglitz una nueva visión fotográfica que se plasmó en las líneas audaces de las formas cotidianas. Stieglitz fue uno de los primeros en ver la belleza y la gracia del estilo de Strand, y le dio a Strand una exposición importante en 291. También dedicó casi todo el último número de Camera Work a sus fotografías.

En enero de 1916, a Stieglitz se le mostró un portafolio de dibujos al carboncillo de un joven artista llamado Georgia O'Keeffe . Stieglitz estaba tan cautivado por su arte que sin conocer a O'Keeffe o incluso sin obtener su permiso para mostrar sus obras, hizo planes para exhibir su obra en el 291. La primera vez que O'Keeffe escuchó algo de esto fue de otro amigo que la vio. dibujos en la galería a finales de mayo de ese año. Finalmente conoció a Stieglitz después de ir al 291 y regañarlo por mostrar su trabajo sin su permiso.

Poco después, O'Keeffe conoció a Paul Strand, y durante varios meses ella y Strand intercambiaron cartas cada vez más románticas. Cuando Strand le contó a su amigo Stieglitz sobre su nuevo anhelo, Stieglitz respondió contándole a Strand sobre su propio enamoramiento con O'Keeffe. Poco a poco, el interés de Strand se desvaneció y el de Stieglitz se intensificó. En el verano de 1917, O'Keeffe y él se escribían "sus pensamientos más privados y complicados", y estaba claro que se estaba desarrollando algo muy intenso.

El año 1917 marcó el final de una era en la vida de Stieglitz y el comienzo de otra. En parte debido a la estética cambiante, los tiempos cambiantes provocados por la guerra y debido a su creciente relación con O'Keeffe, ya no tenía el interés o los recursos para continuar con lo que había estado haciendo durante la última década. En el plazo de unos meses, disolvió lo que quedaba de Photo-Secession, dejó de publicar Camera Work y cerró las puertas de 291. También tenía claro que su matrimonio con Emmy había terminado. Finalmente había encontrado a "su gemelo", y nada se interpondría en su camino hacia la relación que había deseado toda su vida.

O'Keeffe y el arte moderno (1918-1924)

Un retrato de Stieglitz de Georgia O'Keeffe (1918)

A principios de junio de 1918, O'Keeffe se mudó a Nueva York desde Texas después de que Stieglitz le prometiera que le proporcionaría un estudio tranquilo donde pudiera pintar. En un mes, tomó la primera de muchas fotografías de ella desnuda en el apartamento de su familia mientras su esposa Emmy estaba fuera, pero ella regresó mientras la sesión aún estaba en curso. Ella había sospechado que algo estaba pasando entre los dos por un tiempo, y le dijo que dejara de verla o se fuera. Stieglitz se fue e inmediatamente encontró un lugar en la ciudad donde él y O'Keeffe podrían vivir juntos. Dormieron por separado durante más de dos semanas. A finales de julio estaban juntos en la misma cama y, a mediados de agosto, cuando visitaron Oaklawn, "eran como dos adolescentes enamorados. Varias veces al día subían corriendo las escaleras hasta su dormitorio, tan ansiosos por hacer el amor". que empezarían a quitarse la ropa mientras corrían ".

Una vez que estuvo fuera de su apartamento, Emmy cambió de opinión. Debido a las demoras legales causadas por Emmy y sus hermanos, pasarían seis años más antes de que finalizara el divorcio. Durante este período, Stieglitz y O'Keeffe continuaron viviendo juntos, aunque ella se iría sola de vez en cuando para crear arte. Stieglitz utilizó sus tiempos separados para concentrarse en su fotografía y promoción del arte moderno.

O'Keeffe era la musa que Stieglitz siempre había querido. Fotografió obsesivamente a O'Keeffe entre 1918 y 1925 en lo que fue el período más prolífico de toda su vida. Durante este período, produjo más de 350 copias montadas de O'Keeffe que retrataban una amplia gama de su carácter, estados de ánimo y belleza. Hizo muchos estudios en primer plano de partes de su cuerpo, especialmente sus manos, ya sea aisladas por sí mismas o cerca de su rostro o cabello. La biógrafa de O'Keeffe, Roxanna Robinson, afirma que su "personalidad era crucial para estas fotografías; era esto, tanto como su cuerpo, lo que Stieglitz estaba grabando".

En 1920, Stieglitz fue invitado por Mitchell Kennerly de las Anderson Galleries de Nueva York para montar una gran exposición de sus fotografías. A principios de 1921, colgó la primera exposición individual de sus fotografías desde 1913. De las 146 copias que mostró, solo 17 se habían visto antes. Cuarenta y seis eran de O'Keeffe, incluidos muchos desnudos, pero no se la identificó como modelo en ninguna de las impresiones. Fue en el catálogo de esta muestra donde Stieglitz hizo su famosa declaración: "Nací en Hoboken. Soy estadounidense. La fotografía es mi pasión. La búsqueda de la verdad, mi obsesión". Lo que menos se sabe es que condicionó esta afirmación siguiéndola con estas palabras:

TENGA EN CUENTA: En la DECLARACIÓN anterior, los siguientes términos, que rápidamente se vuelven "obsoletos", no aparecen: ARTE, CIENCIA, BELLEZA, RELIGIÓN, todo ISM, ABSTRACCIÓN, FORMA, PLASTICIDAD, OBJETIVIDAD, SUBJETIVIDAD, ANTIGUOS MAESTROS, ARTE MODERNO, PSICOANÁLISIS, ESTÉTICA, FOTOGRAFÍA PICTORIAL, DEMOCRACIA, CEZANNE, "291", PROHIBICIÓN. El término VERDAD entró sigilosamente, pero cualquiera puede echarlo a patadas.

En 1922, Stieglitz organizó una gran muestra de pinturas y aguafuertes de John Marin en las Anderson Galleries, seguida de una gran subasta de casi doscientas pinturas de más de cuarenta artistas estadounidenses, incluido O'Keeffe. Energizado por esta actividad, comenzó una de sus empresas más creativas e inusuales: fotografiar una serie de estudios de nubes simplemente por su forma y belleza. Él dijo:

Quería fotografiar nubes para descubrir lo que había aprendido en cuarenta años sobre fotografía. A través de las nubes para dejar mi filosofía de vida, para mostrar que (el éxito de) mis fotografías (se) no se debió al tema, ni a árboles o rostros especiales, o interiores, a privilegios especiales, las nubes estaban ahí para todos ...

A finales del verano había creado una serie que llamó "Música: una secuencia de diez fotografías de nubes". Durante los siguientes doce años tomaría cientos de fotografías de nubes sin ningún punto de referencia de ubicación o dirección. Generalmente se las reconoce como las primeras fotografías intencionalmente abstractas y siguen siendo algunas de sus fotografías más poderosas. Vendría a referirse a estas fotografías como Equivalentes .

La madre de Stieglitz, Hedwig, murió en noviembre de 1922 y, al igual que hizo con su padre, enterró su dolor en su trabajo. Pasó tiempo con Paul Strand y su nueva esposa Rebecca (Beck) , revisó el trabajo de otro recién llegado llamado Edward Weston y comenzó a organizar una nueva muestra del trabajo de O'Keeffe. Su espectáculo se inauguró a principios de 1923 y Stieglitz pasó gran parte de la primavera promocionando su trabajo. Finalmente, veinte de sus pinturas se vendieron por más de $ 3,000. En el verano, O'Keeffe una vez más despegó hacia la reclusión del suroeste, y durante un tiempo Stieglitz estuvo solo con Beck Strand en Lake George. Le tomó una serie de fotos desnuda y pronto se enamoró de ella. Tuvieron una breve relación física antes de que O'Keeffe regresara en el otoño. O'Keeffe podía decir lo que había sucedido, pero como no veía al nuevo amante de Stieglitz como una seria amenaza para su relación, dejó pasar las cosas. Seis años más tarde tendría su propia aventura con Beck Strand en Nuevo México.

En 1924, el divorcio de Stieglitz fue finalmente aprobado por un juez, y en cuatro meses él y O'Keeffe se casaron en una pequeña ceremonia privada en la casa de Marin. Se fueron a casa sin recepción ni luna de miel. O'Keeffe dijo más tarde que se casaron para ayudar a aliviar los problemas de la hija de Stieglitz, Kitty, quien en ese momento estaba siendo tratada en un sanatorio por depresión y alucinaciones. Durante el resto de sus vidas juntos, su relación fue, como la caracterizó la biógrafa Benita Eisler, "una colusión ... un sistema de acuerdos y compensaciones, tácitamente acordados y llevados a cabo, en su mayor parte, sin el intercambio de una palabra. Prefiriendo evitar la confrontación en la mayoría de los temas, O'Keeffe fue el principal agente de colusión en su unión ".

En los años siguientes, O'Keeffe pasaría gran parte de su tiempo pintando en Nuevo México , mientras que Stieglitz rara vez salía de Nueva York, excepto durante los veranos en la finca familiar de su padre en Lake George en las Adirondacks , su lugar de vacaciones favorito. O'Keeffe dijo más tarde que "Stieglitz era hipocondríaco y no podía estar a más de 50 millas de un médico".

A finales de 1924, Stieglitz donó 27 fotografías al Museo de Bellas Artes de Boston . Fue la primera vez que un museo importante incluyó fotografías en su colección permanente. En el mismo año fue galardonado con la Medalla de Progreso de la Royal Photographic Society por el avance de la fotografía y recibió una Beca Honoraria de la Sociedad.

The Intimate Gallery y An American Place (1925-1937)

En 1925, Stieglitz fue invitado por las Anderson Galleries para organizar una de las mayores exposiciones de arte estadounidense, titulada Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 Paintings, Photographs, and Things, Recent and Never Before Publicly Shown by Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O'Keeffe y Alfred Stieglitz. Solo se vendió una pequeña pintura de O'Keeffe durante la exhibición de tres semanas.

Poco después, a Stieglitz se le ofreció el uso continuado de una de las salas de las Anderson Galleries, que utilizó para una serie de exposiciones de algunos de los mismos artistas en la muestra Seven Americans. En diciembre de 1925, abrió su nueva galería, "The Intimate Gallery", a la que apodó "The Room" debido a su pequeño tamaño. Durante los siguientes cuatro años, reunió dieciséis muestras de obras de Marin, Dove, Hartley, O'Keeffe y Strand, junto con exposiciones individuales de Gaston Lachaise , Oscar Bluemner y Francis Picabia . Durante este tiempo, Stieglitz cultivó una relación con el nuevo e influyente coleccionista de arte Duncan Phillips , quien compró varias obras a través de The Intimate Gallery.

En 1927, Stieglitz se enamoró de Dorothy Norman , de 22 años , que entonces trabajaba como voluntaria en la galería, y se enamoraron. Norman estaba casada y tenía un hijo, pero iba a la galería casi todos los días.

O'Keeffe aceptó una oferta de Mabel Dodge para ir a Nuevo México durante el verano. Stieglitz aprovechó su tiempo libre para comenzar a fotografiar a Norman, y también comenzó a enseñarle los aspectos técnicos de la impresión. Cuando Norman tuvo un segundo hijo, estuvo ausente de la galería durante unos dos meses antes de regresar con regularidad. En poco tiempo, se convirtieron en amantes, pero incluso después de que su relación física disminuyó unos años más tarde, continuaron trabajando juntos cuando O'Keeffe no estaba hasta que Stieglitz murió en 1946.

A principios de 1929, se le dijo a Stieglitz que el edificio que albergaba la Sala sería demolido más adelante en el año. Después de una muestra final del trabajo de Demuth en mayo, se retiró a Lake George durante el verano, exhausto y deprimido. The Strands recaudó casi dieciséis mil dólares para una nueva galería para Stieglitz, quien reaccionó con dureza y dijo que era hora de que los "jóvenes" hicieran parte del trabajo que había estado cargando durante tantos años. Aunque Stieglitz finalmente se disculpó y aceptó su generosidad, el incidente marcó el comienzo del fin de su larga y cercana relación.

A fines del otoño, Stieglitz regresó a Nueva York. El 15 de diciembre, dos semanas antes de cumplir sesenta y cinco años, abrió "An American Place", la galería más grande que jamás había dirigido. Tenía el primer cuarto oscuro que había tenido en la ciudad. Anteriormente, había tomado prestados otros cuartos oscuros o había trabajado solo cuando estaba en Lake George. Continuó mostrando shows grupales o individuales de sus amigos Marin, Demuth, Hartley, Dove y Strand durante los siguientes dieciséis años. O'Keeffe recibió al menos una exposición importante cada año. Él controlaba ferozmente el acceso a sus obras y la promovía incesantemente incluso cuando los críticos le daban críticas poco favorables. A menudo, durante este tiempo, solo se veían durante el verano, cuando hacía demasiado calor en su casa de Nuevo México, pero se escribían casi semanalmente con el fervor de las almas gemelas.

Stieglitz en 1935, fotografiado por Carl Van Vechten

En 1932, Stieglitz montó una retrospectiva de cuarenta años de 127 de sus obras en The Place. Incluyó todas sus fotografías más famosas, pero también eligió a propósito incluir fotos recientes de O'Keeffe, quien, debido a sus años bajo el sol del suroeste, parecía mayor que sus cuarenta y cinco años, en comparación con los retratos que Stieglitz hizo de él. joven amante Norman. Fue una de las pocas veces que actuó con rencor con O'Keeffe en público, y podría haber sido como resultado de sus cada vez más intensas discusiones en privado sobre su control sobre su arte.

Más tarde ese año, montó una muestra de las obras de O'Keeffe junto a algunas pinturas de aficionados sobre vidrio de Becky Strand. No publicó un catálogo del programa, lo que los Strands tomaron como un insulto. Paul Strand nunca perdonó a Stieglitz por eso. Dijo: "El día que entré en la Photo-Secession 291 [sic] en 1907 fue un gran momento en mi vida ... pero el día que salí de An American Place en 1932 no fue menos bueno. Fue aire fresco y personal liberación de algo que se había vuelto, al menos para mí, de segunda categoría, corrupto y sin sentido ".

En 1936, Stieglitz volvió brevemente a sus raíces fotográficas montando una de las primeras exposiciones de fotografías de Ansel Adams en la ciudad de Nueva York. El espectáculo fue un éxito y David McAlpin compró ocho fotos de Adams. También realizó uno de los primeros espectáculos de la obra de Eliot Porter dos años después. Stieglitz, considerado el "padrino de la fotografía moderna", animó a Todd Webb a desarrollar su propio estilo y sumergirse en el medio.

Al año siguiente, el Museo de Arte de Cleveland montó la primera gran exposición de la obra de Stieglitz fuera de sus propias galerías. En el curso de asegurarse de que cada impresión fuera perfecta, trabajó hasta el cansancio. O'Keeffe pasó la mayor parte de ese año en Nuevo México.

Últimos años (1938-1946)

A principios de 1938, Stieglitz sufrió un ataque cardíaco grave, uno de los seis ataques coronarios o de angina que lo golpearían durante los siguientes ocho años, cada uno de los cuales lo dejó cada vez más debilitado. Durante sus ausencias, Dorothy Norman dirigió la galería. O'Keeffe permaneció en su casa del suroeste desde la primavera hasta el otoño de este período.

En el verano de 1946, Stieglitz sufrió un derrame cerebral fatal y entró en coma. O'Keeffe regresó a Nueva York y encontró que Dorothy Norman estaba en su habitación del hospital. Ella se fue y O'Keeffe estaba con él cuando murió. Según sus deseos, a un simple funeral asistieron veinte de sus amigos y familiares más cercanos. Stieglitz fue incinerado y, con su sobrina Elizabeth Davidson, O'Keeffe llevó sus cenizas al lago George y "lo puso donde pudiera oír el agua". El día después del funeral, O'Keeffe tomó el control de An American Place.

Juego de llaves

Stieglitz produjo más de 2.500 fotografías montadas a lo largo de su carrera. Después de su muerte, O'Keeffe reunió un conjunto de lo que ella consideraba la mejor de sus fotografías que él mismo había montado. En algunos casos, incluyó versiones ligeramente diferentes de la misma imagen, y estas series son invaluables por sus conocimientos sobre la composición estética de Stieglitz. En 1949, donó la primera parte de lo que llamó el "conjunto de claves" de 1317 fotografías de Stieglitz a la Galería Nacional de Arte en Washington, DC. En 1980, añadió al conjunto otras 325 fotografías de ella tomadas por Stieglitz, incluidos muchos desnudos. Ahora con 1.642 fotografías, es la colección más grande y completa del trabajo de Stieglitz en cualquier parte del mundo. En 2002, la National Gallery publicó un catálogo de dos volúmenes y 1.012 páginas que reproducía el juego de claves completo junto con anotaciones detalladas sobre cada fotografía.

En 2019, la National Gallery publicó una edición en línea actualizada del juego de llaves Alfred Stieglitz .

Legado

  • Stieglitz explicó en 1934:
"Personalmente, me gusta mi fotografía directa, sin manipular, desprovista de todos los trucos; una impresión que no se parece a nada más que a una fotografía, que vive a través de sus propias cualidades inherentes y revela su propio espíritu".
  • "Alfred Stieglitz (1864-1946) es quizás la figura más importante en la historia de las artes visuales en Estados Unidos. Eso no quiere decir ciertamente que haya sido el artista más grande que Estados Unidos haya producido. Más bien, a través de sus múltiples roles, como fotógrafo , como descubridor y promotor de fotógrafos y artistas en otros medios, y como editor, mecenas y coleccionista, tuvo un mayor impacto en el arte estadounidense que cualquier otra persona ".
  • "Alfred Stieglitz tenía las múltiples habilidades de un hombre del Renacimiento. Un visionario con una perspectiva enormemente amplia, sus logros fueron notables, su dedicación impresionante. Un fotógrafo de genio, un editor de inspiración, un escritor de gran habilidad, un galerista y organizador de exposiciones tanto de fotografía como de arte moderno, catalizador y líder carismático en el mundo de la fotografía y el arte durante más de treinta años, fue, necesariamente, un personaje apasionado, complejo, impulsado y altamente contradictorio, tanto profeta como mártir. inconformista, inspiró un gran amor y un gran odio a partes iguales ".
  • Ocho de los nueve precios más altos jamás pagados en una subasta por fotografías de Stieglitz (hasta 2008) son imágenes de Georgia O'Keeffe. La fotografía de mayor precio, una impresión de paladio de 1919 de Georgia O'Keeffe - Hands , obtuvo 1,47 millones de dólares en una subasta en febrero de 2006. En la misma venta, Georgia O'Keeffe - Torso , otra impresión de 1919, se vendió por 1,36 millones de dólares.
  • Una gran cantidad de sus obras se encuentran en el Instituto de Arte de Minneapolis .

Galería

Ver también

Referencias

Otras lecturas

enlaces externos