Música afroamericana - African-American music

La música afroamericana es un término general que cubre una amplia gama de música y géneros musicales desarrollados en gran parte por los afroamericanos . Sus orígenes se encuentran en formas musicales que surgieron de la condición histórica de esclavitud que caracterizó la vida de los afroamericanos antes de la Guerra Civil estadounidense . Algunos de los tipos de música más populares en la actualidad, como el rock and roll, el rock, el funk, el jazz, el blues, el rhythm y el rhythm and blues son música afroamericana.

Los esclavistas blancos buscaron subyugar por completo a sus esclavos física, mental y espiritualmente a través de actos de brutalidad y degradación. Los afroamericanos utilizaron la música para contrarrestar esta deshumanización. Los estadounidenses blancos consideraron a los afroamericanos separados y desiguales durante siglos, haciendo todo lo posible para mantener oprimidos a los negros. Los afroamericanos crearon una música distintiva que hundió profundamente sus raíces en su experiencia.

Después de la Guerra Civil, los afroamericanos, a través del empleo como músicos que tocaban música europea en bandas militares, desarrollaron un nuevo estilo de música llamado ragtime que gradualmente se convirtió en jazz . Al desarrollar esta última forma musical, los afroamericanos contribuyeron con el conocimiento de la sofisticada estructura polirrítmica de la danza y la música folclórica de los pueblos de África occidental y subsahariana . Estas formas musicales tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la música en los Estados Unidos y en todo el mundo durante el siglo XX.

Los géneros modernos de blues y ragtime se desarrollaron a finales del siglo XIX mediante la fusión de vocalizaciones de África occidental , que empleaban la serie armónica natural y las notas azules . Por ejemplo, "Si uno considera los cinco criterios dados por Waterman como características de agrupamiento para la música de África Occidental, uno encuentra que tres han sido bien documentados como característicos de la música afroamericana. Procedimientos organizacionales de llamada y respuesta, predominio de un percusivo enfoque de la música, y el fraseo fuera de ritmo de acentos melódicos se han citado como típico de la música afroamericana en prácticamente todos los estudios de cualquier tipo de música afroamericana, desde canciones de trabajo, llamadas de campo o callejeras, gritos y espirituales hasta blues y jazz."

Las primeras grabaciones de jazz y blues se realizaron en la década de 1920. Los músicos afroamericanos desarrollaron estilos relacionados como el rhythm and blues en la década de 1940. En la década de 1960, los artistas de soul tuvieron una gran influencia en los cantantes blancos estadounidenses y británicos. A mediados de la década de 1960, los músicos negros desarrollaron el funk y fueron muchas de las figuras principales a fines de la década de 1960 y el género de fusión de jazz y rock de la década de 1970 . En las décadas de 1970 y 1980, los artistas negros desarrollaron el hip-hop , y en la década de 1980 introdujeron el estilo de baile con infusión de disco conocido como música house . Gran parte de los géneros musicales actuales están fuertemente influenciados por la música tradicional afroamericana. Un nuevo museo abrió en Nashville, Tennessee el 18 de enero de 2021 llamado Museo Nacional de Música Afroamericana, que destaca las contribuciones de los afroamericanos en la creación de nuevos géneros de música que han influido en la música estadounidense y la música popular en todo el mundo. El nuevo museo tiene una historia de la música afroamericana desde África hasta la actualidad.

Rasgos historicos

Además de traer características armónicas y rítmicas de África occidental y subsahariana para combinar con la instrumentación musical europea, fue la condición histórica de esclavitud de bienes muebles impuesta a los estadounidenses negros dentro de la sociedad estadounidense la que contribuyó a las condiciones que definirían su música.

Muchas de las formas musicales características que definen la música afroamericana tienen precedentes históricos. Estas formas anteriores incluyen: gritos de campo , beat boxing , canción de trabajo , palabra hablada , rap , scatting , llamada y respuesta , vocalidad (o efecto vocal especial: efectos guturales, vocalidad interpolada, falsete , melisma , ritmización vocal), improvisación , notas azules. , polirritmos ( síncopa , concrescencia, tensión, improvisación, percusión, nota balanceada ), textura ( antífonía , homofonía , polifonía , heterofonía ) y armonía ( progresiones vernáculas ; armonía compleja de varias partes , como en espirituales , Doo Wop y música de barbería ).

Historia

siglo 18

A finales del siglo XVIII, los espirituales populares se originaron entre las personas esclavizadas del sur, después de su conversión al cristianismo. La conversión, sin embargo, no resultó en que las personas esclavizadas adoptaran las tradiciones asociadas con la práctica del cristianismo. En cambio, los reinterpretaron de una manera que tenía significado para ellos como africanos en América. A menudo cantaban los espirituales en grupos mientras trabajaban en los campos de las plantaciones.

Los espirituales populares, a diferencia de gran parte del evangelio blanco, a menudo eran enérgicos: las personas esclavizadas agregaban baile (más tarde conocido como " el grito ") y otras formas de movimientos corporales al canto. También cambiaron las melodías y los ritmos de los salmos e himnos , como acelerar el tempo, agregar estribillos y coros repetidos, y reemplazaron los textos por otros nuevos que a menudo combinaban palabras y frases en inglés y africanas. Originalmente transmitidos de forma oral, los espirituales populares han sido fundamentales en la vida de los afroamericanos durante más de tres siglos, cumpliendo funciones religiosas, culturales, sociales, políticas e históricas.

Los espirituales populares se crearon y ejecutaron espontáneamente en un estilo repetitivo e improvisado. Las estructuras de canciones más comunes son la llamada y respuesta ("Blow, Gabriel") y los coros repetitivos ("He Rose from the Dead"). La llamada y la respuesta es un intercambio alterno entre el solista y los otros cantantes. El solista suele improvisar una línea a la que responden los demás cantantes repitiendo la misma frase. La interpretación de canciones incorpora las interjecciones de gemidos, llantos, gritos, etc. y cambios de timbres vocales. El canto también se acompaña de aplausos y pisadas.

Las grabaciones folclóricas de la Institución Smithsonian tienen muestras de canciones de gritos de esclavos afroamericanos .

Siglo 19

La influencia de los afroamericanos en la música estadounidense convencional comenzó en el siglo XIX, con el advenimiento del juglar de cara negra . El banjo , de origen africano, se convirtió en un instrumento popular, y sus ritmos derivados de África fueron incorporados en canciones populares por Stephen Foster y otros compositores. En la década de 1830, el Segundo Gran Despertar condujo a un aumento de los avivamientos cristianos y el pietismo , especialmente entre los afroamericanos. Sobre la base de las canciones tradicionales del trabajo , los afroamericanos esclavizados se originaron y comenzaron a interpretar una amplia variedad de música espiritual y cristiana . Algunas de estas canciones eran mensajes codificados de subversión contra los esclavizadores, o que indicaban escape.

Durante el período posterior a la Guerra Civil, continuó la difusión de la música afroamericana. The Fisk University Jubilee Singers realizó una gira por primera vez en 1871. Artistas como Jack Delaney ayudaron a revolucionar la música afroamericana de la posguerra en el centro-este de los Estados Unidos. En los años siguientes, las tropas profesionales del "jubileo" se formaron y realizaron giras. La primera compañía de comedia musical negra, Hyers Sisters Comic Opera Co., se organizó en 1876. En la última mitad del siglo XIX, las peluquerías estadounidenses a menudo servían como centros comunitarios, donde se reunían la mayoría de los hombres. Los cuartetos de barbería se originaron con hombres afroamericanos que socializaban en barberías; armonizaban mientras esperaban su turno, vocalizando en espirituales, canciones folclóricas y canciones populares. Esto generó un nuevo estilo, que consistía en cantar sin acompañamiento, en cuatro partes y en armonía cercana. Más tarde, los cantantes de juglares blancos adoptaron el estilo y, en los primeros días de la industria discográfica, sus interpretaciones se grabaron y vendieron. A fines del siglo XIX, la música afroamericana era una parte integral de la cultura estadounidense dominante.

Principios del siglo XX (1900-1930)

Los Slayton Jubilee Singers entretienen a los empleados de la Old Trusty Incubator Factory, Clay Center , alrededor de 1910

En el teatro musical estadounidense de principios del siglo XX , los primeros musicales escritos y producidos por afroamericanos debutaron en Broadway en 1898 con un musical de Bob Cole y Billy Johnson. En 1901, la primera grabación de músicos negros fue de Bert Williams y George Walker , con música de musicales de Broadway. Theodore Drury ayudó a los artistas negros a desarrollarse en el campo de la ópera. Fundó la Drury Opera Company en 1900 y, aunque utilizó una orquesta blanca, contó con cantantes negros en papeles principales y coros. Aunque esta compañía solo estuvo activa desde 1900 hasta 1908, las oportunidades de los cantantes negros con Drury marcaron la primera participación negra en compañías de ópera. También es significativa la ópera Treemonisha de Scott Joplin , que es única como ópera de ragtime-folk; se realizó por primera vez en 1911.

La primera parte del siglo XX vio un aumento en la popularidad del blues y el jazz afroamericanos . La música afroamericana en este momento se clasificó como "música racial". Este término cobró impulso debido a Ralph Peer , director musical de Okeh Records , quien puso los discos hechos por grupos "extranjeros" bajo esa etiqueta. En ese momento, "raza" era un término comúnmente utilizado por la prensa afroamericana para hablar de la comunidad en su conjunto con un punto de vista empoderador, ya que una persona de "raza" estaba involucrada en la lucha por la igualdad de derechos. Además, los desarrollos en los campos de las artes visuales y el Renacimiento de Harlem llevaron a desarrollos en la música. Artistas de ragtime como Scott Joplin se hicieron populares y algunos se asociaron con el Renacimiento de Harlem y los primeros activistas de los derechos civiles. Además, los artistas blancos y latinos de música afroamericana eran visibles, arraigados en la historia de la comunicación intercultural entre las razas de los Estados Unidos. La música afroamericana a menudo se adaptaba para el público blanco, que no habría aceptado con tanta facilidad a los artistas negros, lo que llevó a géneros como la música swing , una consecuencia del jazz basada en el pop.

Además, los afroamericanos se estaban convirtiendo en parte de la música clásica a principios del siglo XX. Aunque originalmente estaban excluidos de las principales orquestas sinfónicas, los músicos negros podían estudiar en conservatorios de música que se habían fundado en la década de 1860, como la Escuela de Música de Oberlin , el Conservatorio Nacional de Música y el Conservatorio de Nueva Inglaterra . Los negros también formaron sus propias orquestas sinfónicas a principios del siglo XX en las principales ciudades como Chicago, Nueva Orleans y Filadelfia. Varias orquestas negras comenzaron a actuar regularmente a fines de la década de 1890 y principios del siglo XX. En 1906, la primera orquesta negra incorporada se estableció en Filadelfia. A principios de la década de 1910 , se fundaron en Nueva York escuelas de música exclusivamente para negros, como la escuela de música Settlement for Colored y la escuela de música Martin-Smith.

The Music School Settlement for Colored se convirtió en patrocinador de la orquesta Clef Club en Nueva York. La Clef Club Symphony Orchestra atrajo a audiencias blancas y negras a conciertos en el Carnegie Hall de 1912 a 1915. Dirigida por James Reese Europe y William H. Tyers, la orquesta incluía banjos, mandolinas y trompas de barítono. Los conciertos incluían música escrita por compositores negros, en particular Harry T. Burleigh y Will Marion Cook . Otras series anuales de conciertos negros incluyen los conciertos "All-Colored Composers" de William Hackney en Chicago y los Atlanta Coloured Music Festivals.

El regreso del musical negro a Broadway ocurrió en 1921 con Sissle y Eubie Blake 's arrastrar los pies . En 1927, se realizó un estudio de conciertos de música negra en el Carnegie Hall que incluía jazz, música espiritual y sinfónica de WC Handy 's Orchestra y Jubilee Singers. La primera gran película musical con un elenco negro era King Vidor 's Aleluya de 1929. Los artistas afroamericanos fueron destacados en el musical Show Boat (que tenía una parte escrita por Paul Robeson y un coro de Jubilee Singers), y especialmente todo- óperas negros como Porgy and Bess y Virgil Thomson 's cuatro santos en tres actos de 1934.

La primera sinfonía de un compositor negro a ser realizada por una orquesta importante fue William Grant Still 's Sinfonía afroamericana (1930) de la Filarmónica de Nueva York . La Sinfonía en mi menor de Florence Beatrice Price fue interpretada en 1933 por la Orquesta Sinfónica de Chicago. En 1934, William Dawson 's Negro Folk sinfonía fue interpretada por la Orquesta de Filadelfia.

Los afroamericanos fueron los pioneros de la música jazz, a través de maestros como Jelly Roll Morton , James P. Johnson , Louis Armstrong , Count Basie , Fletcher Henderson y Duke Ellington .

Mediados del siglo XX (décadas de 1940 a 1960)

Billboard comenzó a hacer una lista separada de éxitos de música afroamericana en octubre de 1942 con el "Harlem Hit Parade", que se cambió en 1945 a " Race Records ", y luego en 1949 a "Rhythm and Blues Records".

En la década de 1940, las versiones de versiones de canciones afroamericanas eran comunes y con frecuencia encabezaban las listas, mientras que los músicos originales encontraron éxito entre su audiencia afroamericana, pero no en la corriente principal. En 1955, Thurman Ruth persuadió a un grupo de gospel para que cantara en un entorno secular, el Apollo Theatre , con tal éxito que posteriormente organizó caravanas de gospel que viajaron por todo el país, tocando en los mismos lugares que los cantantes de rhythm and blues habían popularizado. Mientras tanto, los intérpretes de jazz comenzaron a alejar el jazz del swing , la música popular bailable, hacia arreglos más intrincados, improvisación y formas técnicamente desafiantes, culminando con el bebop de Charlie Parker y Dizzy Gillespie , los sonidos geniales y el jazz modal de Miles Davis , y el free jazz de Ornette Coleman y John Coltrane .

Los músicos afroamericanos de las décadas de 1940 y 1950 estaban desarrollando el rhythm and blues en un género llamado rock and roll , que presentaba un fuerte backbeat y cuyos destacados exponentes incluían a Louis Jordan y Wynonie Harris . Sin embargo, fue con músicos blancos como Bill Haley y Elvis Presley , que tocaban una fusión basada en la guitarra de rock and roll negro con música country llamada rockabilly , que la música rock and roll se convirtió en un éxito comercial. A partir de entonces, la música rock se asoció más con la gente blanca, aunque algunos artistas negros como Chuck Berry y Bo Diddley tuvieron éxito comercial.

La hermana Rosetta Tharpe actuando en el Café Zanzibar

En 2017, National Public Radio escribió sobre la carrera de la hermana Rosetta Tharpe y concluyó con estos comentarios: Tharpe "era una cantante de gospel de corazón que se convirtió en una celebridad al forjar un nuevo camino musicalmente ... a través de su inolvidable voz y su estilo cruzado de swing gospel. , Tharpe influyó en una generación de músicos como Aretha Franklin, Chuck Berry y muchos otros ... Ella era, y es, una artista incomparable ".

Cuando la década de 1940 llegó a su fin, otros afroamericanos se esforzaron por concertar como músicos clásicos capacitados profesionalmente en un esfuerzo por trascender las barreras raciales y nacionalistas en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial . Incluido en este grupo estaba Henry Lewis , quien surgió en 1948 como el primer instrumentista afroamericano en una importante orquesta sinfónica estadounidense, uno de los primeros "embajadores musicales" en apoyo de la diplomacia cultural en Europa y el primer director afroamericano de una importante orquesta estadounidense. conjunto sinfónico en 1968.

El término "rock and roll" tenía una fuerte connotación sexual en el jump blues y el R&B, pero cuando DJ Alan Freed se refirió al rock and roll en la radio convencional a mediados de los 50, "el componente sexual se había reducido lo suficiente como para convertirse en un término aceptable para bailar ".

El R&B fue una fuerte influencia en el Rock and roll según muchas fuentes, incluido un artículo del Wall Street Journal de 1985 titulado "¡Rock! Sigue siendo Rhythm and Blues". De hecho, el autor afirmó que "los dos términos se usaban indistintamente", hasta aproximadamente 1957.

Fats Domino no estaba convencido de que hubiera un género nuevo. En 1957, dijo: "Lo que ahora llaman rock 'n' roll es rhythm and blues. Lo he estado tocando durante 15 años en Nueva Orleans". Según Rolling Stone , "esta es una afirmación válida ... todos los rockeros de los años cincuenta, blancos y negros, nacidos en el campo y en la ciudad, fueron influenciados fundamentalmente por el R&B, la música popular negra de finales de los cuarenta y principios de los cincuenta". El reconocimiento de Elvis Presley de la importancia de artistas como Fats Domino fue significativo, según un artículo de 2017: la "defensa de los músicos negros como parte de una narrativa que vio muchos aspectos positivos en el creciente interés de los jóvenes blancos por los estilos musicales afroamericanos". En un evento de prensa en 1969, Presley presentó Fats Domino y dijo, "ese es el verdadero rey del Rock 'n' Roll" ... una gran influencia para mí cuando comencé ".

A mediados de la década de 1950, muchas canciones de R&B fueron "versionadas" por artistas blancos y las grabaciones tuvieron más difusión en las principales estaciones de radio. Por ejemplo, "Presley cubrió rápidamente" Tutti Frutti "... También lo hizo Pat Boone", según New Yorker (revista) . "En 1956, el setenta y seis por ciento de las mejores canciones de R. & B. también llegaron a la lista de éxitos; en 1957, el ochenta y siete por ciento llegó a la lista de éxitos; en 1958, fue el noventa y cuatro por ciento. El mercado marginal se había convertido en el mercado principal, y las grandes empresas se habían metido en el acto ".

La década de 1950 también vio una mayor popularidad del hard blues en el estilo de la primera parte del siglo, tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido. La década de 1950 también vio cómo el estilo doo-wop se hizo popular. Doo-wop se había desarrollado a través de la armonía del grupo vocal con las cualidades musicales de diferentes partes vocales, sílabas sin sentido, poca o ninguna instrumentación y letras simples. Por lo general, involucró a artistas individuales conjuntos que aparecían con un grupo de apoyo . La facturación en solitario se otorgó a los cantantes principales que eran más prominentes en el arreglo musical. Una forma secularizada de música gospel estadounidense llamada soul también se desarrolló a mediados de la década de 1950, con pioneros como Ray Charles , Jackie Wilson y Sam Cooke liderando la ola. El soul y el R&B se convirtieron en una gran influencia en el surf , así como en los grupos de chicas que encabezaban listas de éxitos, incluidos The Angels y The Shangri-Las , solo algunos de los cuales eran blancos. En 1959, Hank Ballard lanza una canción para el nuevo estilo de baile "The Twist", que se convirtió en el nuevo anhelo de baile desde principios de los 60 hasta los 70.

En 1959, Berry Gordy fundó Motown Records , el primer sello discográfico que presenta principalmente a artistas afroamericanos con el objetivo de lograr un éxito cruzado. El sello desarrolló un estilo de música soul innovador y comercialmente exitoso con elementos pop distintivos. Su primera lista incluía The Miracles , Martha and the Vandellas , Marvin Gaye , The Temptations , The Supremes y otros. Divas negras como Aretha Franklin se convirtieron en estrellas cruzadas de los 60. En el Reino Unido, el blues británico se convirtió gradualmente en un fenómeno generalizado, regresando a los EE. UU. En la forma de British Invasion , un grupo de bandas liderado por The Beatles y The Rolling Stones que interpretaron blues y pop inspirado en el R&B, tanto tradicional como modernizado. aspectos. WGIV en Charlotte, Carolina del Norte, fue una de las pocas estaciones de radio dedicadas a la música afroamericana que comenzaron durante este período.

La invasión británica sacó a muchos artistas negros de las listas de éxitos estadounidenses, aunque algunos, entre ellos Otis Redding , Wilson Pickett y Aretha Franklin y varios artistas de Motown, continuaron haciéndolo bien. La música soul, sin embargo, siguió siendo popular entre los negros a través de formas muy evolucionadas como el funk , desarrollado a partir de las innovaciones de James Brown . En 1961, un joven llamado Stevland Hardaway Morris grabó su primer disco bajo el disco Tamla de Motown a la edad de 11 años como Stevie Wonder y ese fue el comienzo de su gran carrera.

En 1964, la Ley de Derechos Civiles prohibió las principales formas de discriminación hacia los afroamericanos y las mujeres. A medida que las tensiones comenzaron a disminuir, más músicos afroamericanos pasaron al gusto convencional. Algunos artistas que cruzaron con éxito fueron Aretha Franklin , James Brown y Ella Fitzgerald en los mundos del pop y el jazz, y Leontyne Price y Kathleen Battle en el ámbito de la música clásica.

A finales de la década, los negros eran parte de la psicodelia y de las primeras tendencias del heavy metal , sobre todo gracias a la omnipresente influencia de los Beatles y las innovaciones de la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix . Hendrix fue uno de los primeros guitarristas en usar retroalimentación de audio , fuzz y otros pedales de efectos como el pedal wah wah para crear un sonido de solo de guitarra único . Soul psicodélico , una mezcla de rock psicodélico y soul comenzó a florecer con la cultura de los sesenta. Aún más popular entre los negros, y con más atractivo cruzado, fue el soul orientado a los álbumes a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, que revolucionó la música afroamericana. Las letras inteligentes e introspectivas del género, a menudo con un tono socialmente consciente, fueron creadas por artistas como Marvin Gaye en What's Going On y Stevie Wonder en Songs in the Key of Life .

1970

La década de 1970 fue una gran década para las bandas negras que tocaban música melódica. El soul orientado a álbumes continuó su popularidad, mientras que músicos como Smokey Robinson ayudaron a convertirlo en música de Quiet Storm . El funk evolucionó en dos vertientes, una fusión pop-soul-jazz-bass iniciada por Sly & the Family Stone , y la otra una fusión más psicodélica personificada por George Clinton y su conjunto P-Funk . El sonido de Disco evolucionó a partir de músicos negros que crearon música Soul con una melodía de ritmo rápido. Isaac Hayes , Barry White , Donna Summer y otros ayudan a popularizar la música disco . Sin embargo, esta música se integró en la música popular logrando un gran éxito.

Los músicos negros lograron cierto éxito en la corriente principal, aunque algunos artistas afroamericanos como The Jackson 5 , Roberta Flack , Teddy Pendergrass , Dionne Warwick , Stevie Wonder , The O'Jays , Gladys Knight & the Pips encontraron audiencias cruzadas. Los oyentes blancos prefieren el country rock , los cantautores, el rock de estadio , el soft rock , el glam rock y, en algunas subculturas, el heavy metal y el punk rock . Durante la década de 1970, The Dozens , una tradición afroamericana urbana de utilizar rimas divertidas y ridículas , se convirtió en un jive callejero a principios de la década de 1970, que a su vez inspiró una nueva forma de música a fines de la década de 1970: el hip-hop. Los artistas de la palabra hablada como The Last Poets , Gil Scott-Heron y Melvin Van Peebles también son citados como los principales innovadores en los inicios del hip-hop. A partir de las fiestas de barrio en el Bronx , la música hip-hop surgió como una faceta de una gran subcultura con elementos rebeldes y progresistas. Los DJ tocaban discos, generalmente funk, mientras que los MC presentaban pistas a la audiencia que bailaba. Con el tiempo, los DJs, particularmente el DJ inmigrante jamaicano Kool Herc, por ejemplo, comenzaron a aislar y repetir las pausas de percusión , produciendo un ritmo constante, eminentemente bailable, que ellos o los MCs comenzaron a rapear, a través de rimas y eventualmente letras sostenidas. El Hip Hop se convertiría en un movimiento multicultural en los jóvenes negros de Estados Unidos, liderado por artistas como Kurtis Blow y Run-DMC .

Decenio de 1980

En la década de 1980, Michael Jackson tuvo un éxito récord con sus álbumes Off the Wall , Bad y Thriller , este último siendo el álbum más vendido de todos los tiempos, transformando la música popular y uniendo razas, edades y géneros, y eventualmente lideraría a exitosos artistas solistas negros cruzados, incluidos Prince , Lionel Richie , Luther Vandross , Tina Turner , Whitney Houston y Janet Jackson . El pop y el dance-soul de esta época inspiraron el nuevo jack swing a finales de la década.

El hip-hop se extendió por todo el país y se diversificó. Techno , Dance, Miami bass , post-disco , Chicago house , Los Ángeles hardcore y Washington, DC Go-go se desarrolló durante este período, y solo Miami Bass logró el éxito en la corriente principal. Pero, en poco tiempo, el bajo de Miami fue relegado principalmente al sureste de los EE . UU. , Mientras que el house de Chicago había logrado grandes avances en los campus universitarios y las arenas de baile (es decir, el sonido del almacén, el rave ). El sonido DC go-go del bajo de Miami era esencialmente un sonido regional que no atrajo mucho al público. El sonido house de Chicago se había expandido al entorno musical de Detroit y se había transformado en sonidos más electrónicos e industriales creando el techno , el ácido y la jungla de Detroit . La combinación de estos sonidos experimentales, generalmente orientados a DJ, con la prevalencia del sonido disco multiétnico de la ciudad de Nueva York de las décadas de 1970 y 1980 creó una marca de música que fue más apreciada en las enormes discotecas que se encuentran en ciudades como Chicago, Nueva York. York, Los Ángeles, Detroit, Boston , etc. Con el tiempo, el público europeo abrazó este tipo de música electrónica de baile con más entusiasmo que sus homólogos norteamericanos. Estos sonidos variables permiten a los oyentes priorizar su exposición a nueva música y ritmos mientras disfrutan de una experiencia de baile gigantesca.

En la segunda mitad de la década, desde alrededor de 1986, rap despegó en la corriente principal con Run-DMC 's Infierno de aumento , y los Beastie Boys ' Licensed to Ill , este último convirtiéndose en el primer álbum de rap para entrar en el clavo No.1 la cartelera 200 y ayudando salto hacia abajo las puertas para los artistas blancos para hacer rap. Ambos grupos mezclaron rap y rock juntos, lo que atrajo a las audiencias de rock y rap. El hip-hop despegó de sus raíces y floreció la edad de oro del hip hop , con artistas como Eric B. & Rakim , Public Enemy , LL Cool J , Queen Latifah , Big Daddy Kane y Salt-N-Pepa . El hip hop se hizo popular en Estados Unidos hasta finales de la década de 1990, cuando se hizo mundial. La escena de la edad de oro desaparecería a principios de la década de 1990 cuando el gangsta rap y el g-funk se hicieron cargo, con los artistas de la costa oeste Dr. Dre , Snoop Dogg , Warren G y Ice Cube , los artistas de la costa este Notorious BIG , Wu-Tang Clan y Mobb Deep , y los sonidos de la valentía, la compasión y la conciencia social de los hombres negros urbanos mejor representados por el rapero Tupac Shakur .

Si bien la música heavy metal fue creada casi exclusivamente por artistas blancos en las décadas de 1970 y 1980, hubo algunas excepciones. En 1988, la banda de heavy metal totalmente negra Living Color logró el éxito general con su álbum debut Vivid , alcanzando el puesto número 6 en el Billboard 200 , gracias a su sencillo Top 20 " Cult of Personality ". La música de la banda contenía letras que atacaban lo que percibían como el eurocentrismo y el racismo de Estados Unidos. Una década después, más artistas negros como Lenny Kravitz , Body Count , Ben Harper y muchos otros empezarían a tocar rock de nuevo.

Décadas de 1990, 2000 y 2010

Lil Wayne es uno de los músicos negros estadounidenses más vendidos en la historia moderna. En 2008, su álbum vendió un millón en su primera semana.

El R&B contemporáneo , como en la versión post-disco de la música soul , siguió siendo popular durante las décadas de 1980 y 1990. Los grupos vocales masculinos al estilo de grupos de soul como The Temptations y The O'Jays fueron particularmente populares, incluidos New Edition , Boyz II Men , Jodeci , Dru Hill , Blackstreet y Jagged Edge . Los grupos de chicas, incluidos TLC , Destiny's Child , SWV y En Vogue , también tuvieron mucho éxito.

Cantantes y compositores como R. Kelly , Mariah Carey , Montell Jordan , D'Angelo , Aaliyah y Raphael Saadiq de Tony! ¡Toni! ¡Tono! También fueron significativamente populares durante la década de 1990, y artistas como Mary J. Blige , Faith Evans y BLACKstreet popularizaron una mezcla de fusión conocida como hip-hop soul . El movimiento neo soul de la década de 1990 miró hacia atrás en influencias más clásicas del soul y fue popularizado a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000 por artistas como D'Angelo, Erykah Badu , Maxwell , Lauryn Hill , India . Arie , Alicia Keys , Jill Scott , Angie Stone , Bilal y Musiq Soulchild . Según un compositor musical, el aclamado álbum de D'Angelo , Voodoo (2000), "representa la música afroamericana en una encrucijada ... Llamarla simplemente alma neoclásica ... sería ignorar los elementos de jazz de vodevil , trompetas de Memphis , blues ragtime , funk y ritmos de bajo, sin mencionar el hip-hop, que se escapan de cada poro de estas canciones encantadas ". El alma de ojos azules es una influencia de la música afroamericana interpretada por artistas caucásicos, incluidos Michael McDonald , Christina Aguilera , Amy Winehouse , Robin Thicke , Michael Bolton , Jon B. , Lisa Stansfield , Teena Marie , Justin Timberlake , Joss Stone , George. Michael y Anastacia .

En la primera década del siglo XXI, el R&B se había desplazado hacia un énfasis en los artistas solistas con atractivo pop, siendo Usher , Rihanna y Beyoncé los ejemplos más destacados. Además, la música estuvo acompañada de videos musicales estéticamente creativos y únicos. Ejemplos de este tipo de videos musicales incluyen, entre otros: "Crazy in Love" de Beyoncé, "Pon de Replay" de Rihanna y "Caught Up" de Usher. Estos videos musicales ayudaron al R&B a ser más rentable y más popular de lo que había sido en la década de 1990. La línea entre el hip-hop y el R&B y el pop fue significativamente borrosa por productores como Timbaland y Lil Jon y artistas como Missy Elliott , T-Pain , Nelly , Akon y OutKast .

A principios de la década de 2000, 50 Cent era uno de los artistas afroamericanos más populares.

La "música urbana" y la "radio urbana" son en gran medida neutrales en cuanto a razas en la actualidad, términos que son sinónimos de hip hop y R&B y la cultura hip-hop asociada que se originó en la ciudad de Nueva York. El término también refleja el hecho de que son populares en áreas urbanas, tanto dentro de los centros de población negra como entre la población en general (especialmente el público más joven).

Edward Ray en Capitol Records

El movimiento hip-hop se ha vuelto cada vez más común a medida que la industria de la música se ha hecho con el control de él. Esencialmente, "desde el momento en que 'Rapper's Delight' se convirtió en platino, el hiphop, la cultura popular, se convirtió en el hiphop, el espectáculo secundario de la industria del entretenimiento estadounidense".

En 2005, el álbum The Massacre del rapero afroamericano 50 Cent vendió más de un millón de copias en su primera semana. En 2008, el álbum Tha Carter III de Lil Wayne también vendió más de un millón de copias en su primera semana.

En junio de 2009, Michael Jackson murió inesperadamente a causa de un paro cardíaco, lo que provocó una oleada de dolor a nivel mundial. Un año después de su muerte, su patrimonio había generado $ 1.4 mil millones en ingresos. El 28 de octubre de 2009 se estrenó una película documental que consistía en imágenes de los ensayos de la gira This Is It de Jackson , titulada This Is It de Michael Jackson , y se convirtió en la película de conciertos más taquillera de la historia.

En 2013, ningún músico afroamericano tenía el número uno de Billboard Hot 100. Esta fue la primera vez que no hubo un número uno en un año por un afroamericano en los 55 años de historia de la tabla.

Se han discutido los planes para la construcción de un Museo de música afroamericana afiliado al Smithsonian en Newark, Nueva Jersey , y un museo / salón de la fama de R&B.

La música de protesta negra se generalizó en la década de 2010. Beyoncé, Solange, Kanye West, Frank Ocean y Rihanna lanzaron álbumes negros de protesta durante la candidatura de Donald Trump . Beyoncé lanzó su primer álbum de protesta negra, Lemonade, en 2016.

A finales de la década de 2010, el rap mumble que se originó en el inglés vernáculo afroamericano se hizo popular entre artistas como Playboi Carti .

2020

Impacto económico

Las tiendas de discos jugaron un papel vital en las comunidades afroamericanas durante muchas décadas. En las décadas de 1960 y 1970, entre 500 y 1000 tiendas de discos de propiedad de negros operaban en el sur de Estados Unidos, y probablemente el doble en los Estados Unidos en su conjunto. Los empresarios afroamericanos adoptaron las tiendas de discos como vehículos clave para el empoderamiento económico y espacios públicos críticos para los consumidores negros en un momento en que muchas empresas de propiedad de negros estaban cerrando en medio de la desegregación. Además, innumerables afroamericanos se han ganado la vida como intérpretes musicales, propietarios de clubes, DJ de radio, promotores de conciertos y propietarios de sellos discográficos.

Ver también

Referencias

Fuentes

Otras lecturas

enlaces externos