Actuando - Acting

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Sarah Bernhardt, actriz francesa de teatro y cine temprano como Hamlet
Actores disfrazados de samurái y rōnin en el plató de Kyoto Eigamura

La actuación es una actividad en la que una historia es contada mediante su puesta en escena por un actor o actriz que adopta un personaje —en teatro , televisión , cine , radio o cualquier otro medio que haga uso de la modalidad mimética .

La actuación implica una amplia gama de habilidades, que incluyen una imaginación bien desarrollada , facilidad emocional , expresividad física, proyección vocal , claridad del habla y la capacidad de interpretar el drama . Actuar también exige la capacidad de emplear dialectos , acentos , improvisación , observación y emulación, mímica y combate escénico . Muchos actores se capacitan extensamente en programas especializados o universidades para desarrollar estas habilidades. La gran mayoría de actores profesionales ha recibido una amplia formación. Los actores y actrices a menudo tendrán muchos instructores y maestros para una gama completa de capacitación que incluye canto , trabajo en escena, técnicas de audición y actuación para la cámara .

La mayoría de las fuentes antiguas en el Oeste que examinan el arte de actuar ( griego : ὑπόκρισις , hypokrisis ) hablar de ello como parte de la retórica .

Historia

Uno de los primeros actores conocidos fue un griego antiguo llamado Thespis of Icaria . Escribiendo dos siglos después del evento, Aristóteles en su Poética ( c.  335 a . C. ) sugiere que Thespis salió del coro ditirámbico y lo abordó como un personaje separado . Antes de Thespis, el coro narró (por ejemplo, "Dionysus hizo esto, Dionysus dijo aquello"). Cuando Thespis salió del coro, habló como si él fuera el personaje (por ejemplo, "Soy Dionisio, hice esto"). Para distinguir entre estos diferentes modos de contar historias —actuación y narración— Aristóteles utiliza los términos " mimesis " (a través de la promulgación) y " diégesis " (a través de la narración). Del nombre de Thespis se deriva la palabra "thespian".

Capacitación

Miembros del First Studio, con quienes Stanislavski comenzó a desarrollar su "sistema" de formación de actores, que constituye la base de la mayor parte de la formación profesional en Occidente .

Los conservatorios y las escuelas de teatro suelen ofrecer una formación de dos a cuatro años sobre todos los aspectos de la actuación. La mayoría de las universidades ofrecen programas de tres a cuatro años, en los que un estudiante a menudo puede optar por centrarse en la actuación, mientras continúa aprendiendo sobre otros aspectos del teatro . Las escuelas varían en su enfoque, pero en América del Norte el método más popular enseñado se deriva del 'sistema' de Konstantin Stanislavski , que fue desarrollado y popularizado en América como método de actuación de Lee Strasberg , Stella Adler , Sanford Meisner y otros.

Otros enfoques pueden incluir una orientación más física, como la promovida por profesionales del teatro tan diversos como Anne Bogart , Jacques Lecoq , Jerzy Grotowski o Vsevolod Meyerhold . Las clases también pueden incluir psicotecnia , trabajo con máscaras , teatro físico , improvisación y actuación para la cámara.

Independientemente del enfoque de la escuela, los estudiantes deben esperar un entrenamiento intensivo en interpretación textual, voz y movimiento. Las aplicaciones a programas de teatro y conservatorios generalmente involucran audiciones extensas . Cualquier persona mayor de 18 años puede postularse. La formación también puede comenzar a una edad muy temprana. Las clases de actuación y las escuelas profesionales dirigidas a menores de 18 años están muy extendidas. Estas clases introducen a los actores jóvenes a diferentes aspectos de la actuación y el teatro, incluido el estudio de la escena.

Un mayor entrenamiento y exposición a hablar en público permite a los humanos mantenerse más tranquilos y relajados fisiológicamente . Al medir la frecuencia cardíaca de un orador público, tal vez sea una de las formas más fáciles de juzgar los cambios en el estrés a medida que la frecuencia cardíaca aumenta con la ansiedad . A medida que los actores aumentan las actuaciones, la frecuencia cardíaca y otras evidencias de estrés pueden disminuir. Esto es muy importante en la formación de los actores, ya que las estrategias de adaptación obtenidas de una mayor exposición a hablar en público pueden regular la ansiedad implícita y explícita. Al asistir a una institución con una especialización en actuación, una mayor oportunidad de actuar conducirá a una fisiología más relajada y una disminución del estrés y sus efectos en el cuerpo. Estos efectos pueden variar desde la salud hormonal hasta la cognitiva y pueden afectar la calidad de vida y el rendimiento.

Improvisación

Dos personajes enmascarados de la commedia dell'arte , cuyos " lazzi " implicaron un grado significativo de improvisación .

Algunas formas clásicas de actuación implican un elemento sustancial de actuación improvisada . Lo más notable es su uso por las compañías de la commedia dell'arte , una forma de comedia enmascarada que se originó en Italia.

La improvisación como un acercamiento a la actuación formó una parte importante de la rusa teatro practicante Konstantin Stanislavski 's del sistema '' de la formación actor, que desarrolló a partir de la década de 1910 en adelante. A fines de 1910, el dramaturgo Maxim Gorky invitó a Stanislavski a reunirse con él en Capri , donde hablaron sobre la formación y la incipiente "gramática" de actuación de Stanislavski. Inspirado en una representación teatral popular en Nápoles que utilizó las técnicas de la commedia dell'arte , Gorky sugirió que formaran una compañía, inspirada en los jugadores medievales ambulantes , en la que un dramaturgo y un grupo de jóvenes actores idearían juntos nuevas obras de teatro por medios de la improvisación. Stanislavski desarrollaría este uso de la improvisación en su trabajo con su Primer Estudio del Teatro de Arte de Moscú . El uso de Stanislavski se extendió aún más en los enfoques de actuación desarrollados por sus estudiantes, Michael Chekhov y Maria Knebel .

En el Reino Unido, el uso de la improvisación fue iniciado por Joan Littlewood a partir de la década de 1930 y, más tarde, por Keith Johnstone y Clive Barker. En los Estados Unidos, fue promovido por Viola Spolin , después de trabajar con Neva Boyd en Hull House en Chicago, Illinois (Spolin fue alumno de Boyd de 1924 a 1927). Al igual que los practicantes británicos, Spolin sintió que jugar era un medio útil para entrenar a los actores y ayudaba a mejorar la actuación de un actor. Con la improvisación, argumentó, las personas pueden encontrar libertad expresiva, ya que no saben cómo resultará una situación improvisada. La improvisación exige una mente abierta para mantener la espontaneidad, en lugar de planificar previamente una respuesta. Un personaje es creado por el actor, a menudo sin referencia a un texto dramático, y un drama se desarrolla a partir de interacciones espontáneas con otros actores. Este enfoque para crear nuevos dramas ha sido desarrollado de manera más sustancial por el cineasta británico Mike Leigh , en películas como Secrets & Lies (1996), Vera Drake (2004), Another Year (2010) y Mr.Turner (2014).

La improvisación también se usa para encubrir si un actor o actriz comete un error.

Efectos fisiológicos

Hablar o actuar frente a una audiencia es una situación estresante que provoca un aumento de la frecuencia cardíaca.

En un estudio de 2017 sobre estudiantes universitarios estadounidenses, los actores de varios niveles de experiencia mostraron frecuencias cardíacas igualmente elevadas a lo largo de sus actuaciones; esto concuerda con estudios previos sobre la frecuencia cardíaca de actores profesionales y aficionados. Si bien todos los actores experimentaron estrés, lo que provocó un aumento de la frecuencia cardíaca, los actores más experimentados mostraron menos variabilidad de la frecuencia cardíaca que los actores menos experimentados en la misma obra. Los actores más experimentados experimentaron menos estrés mientras actuaban y, por lo tanto, tenían un menor grado de variabilidad que los actores menos experimentados y más estresados. Cuanto más experimentado sea un actor, más estable será su frecuencia cardíaca mientras actúa, pero aún experimentará una frecuencia cardíaca elevada.

Semiótica

Antonin Artaud comparó el efecto de la actuación de un actor en una audiencia en su " Teatro de la crueldad " con la forma en que un encantador de serpientes afecta a las serpientes.

La semiótica de la actuación implica un estudio de las formas en que los aspectos de una actuación llegan a operar para su audiencia como signos . Este proceso involucra en gran medida la producción de significado, mediante el cual los elementos de la actuación de un actor adquieren significado, tanto dentro del contexto más amplio de la acción dramática como en las relaciones que cada uno establece con el mundo real.

Sin embargo, siguiendo las ideas propuestas por el teórico surrealista Antonin Artaud , también puede ser posible entender la comunicación con una audiencia que ocurre 'debajo' de la significación y el significado (que el semiótico Félix Guattari describió como un proceso que involucra la transmisión de señales"). En su El teatro y su doble (1938), Artaud comparó esta interacción con la forma en que un encantador de serpientes se comunica con una serpiente, proceso que identificó como " mimesis ", el mismo término que Aristóteles en su Poética (c. 335) BCE) utilizado para describir el modo en que el drama comunica su historia, en virtud de su encarnación por parte del actor que lo representa, a diferencia de " diégesis ", o la forma en que un narrador puede describirlo. Estas "vibraciones" que pasan del actor al público no necesariamente se precipitan en elementos significativos como tales (es decir, "significados" percibidos conscientemente), sino que pueden operar por medio de la circulación de " afectos ".

El enfoque de la actuación adoptado por otros profesionales del teatro implica diversos grados de preocupación por la semiótica de la actuación. Konstantin Stanislavski , por ejemplo, aborda las formas en las que un actor, basándose en lo que él llama la "experiencia" de un papel, también debe dar forma y ajustar una actuación para apoyar el significado general del drama, un proceso que él llama estableciendo la "perspectiva del rol". La semiótica de actuar juega un papel mucho más central en Bertolt Brecht 's teatro épico , en el que un actor se refiere a poner de manifiesto claramente el significado histórico-social de la conducta y la acción por medio de rendimiento específicos elecciones, un proceso que él describe como el establecimiento de la elemento " no / pero " en un " gestus " físico realizado dentro del contexto del " Fabel " general de la obra. Eugenio Barba sostiene que los actores no deben preocuparse por el significado de su comportamiento escénico; este aspecto es responsabilidad, afirma, del director , que entrelaza los elementos significantes de la actuación de un actor en el "montaje" dramatúrgico del director .

El semiótico teatral Patrice Pavis , aludiendo al contraste entre el "sistema" de Stanislavski y el intérprete demostrativo de Brecht y, más allá de eso, al ensayo fundamental de Denis Diderot sobre el arte de actuar, Paradoja del actor (c. 1770-1778) - argumenta que:

La actuación se consideró durante mucho tiempo en términos de la sinceridad o hipocresía del actor: ¿debería creer en lo que está diciendo y sentirse conmovido por ello, o debería distanciarse y transmitir su papel de manera indiferente? La respuesta varía según cómo se vea el efecto que se producirá en el público y la función social del teatro.

Los elementos de una semiótica de la actuación incluyen los gestos del actor, las expresiones faciales, la entonación y otras cualidades vocales, el ritmo y las formas en que estos aspectos de una actuación individual se relacionan con el drama y el evento teatral (o película, programa de televisión o radio difusión, cada uno de los cuales involucra diferentes sistemas semióticos) considerados en su conjunto. Una semiótica de la actuación reconoce que todas las formas de actuación implican convenciones y códigos mediante los cuales la conducta de actuación adquiere importancia, incluidos aquellos enfoques, como el de Stanislvaski o el método de actuación estrechamente relacionado desarrollado en los Estados Unidos, que se ofrecen a sí mismos como "un tipo natural de actuar que puede prescindir de convenciones y ser recibido como evidente y universal ". Pavis continúa argumentando que:

Toda actuación se basa en un sistema codificado (incluso si el público no lo ve como tal) de comportamientos y acciones que se consideran creíbles y realistas o artificiales y teatrales. Abogar por lo natural, lo espontáneo y lo instintivo es solo intentar producir efectos naturales, regidos por un código ideológico que determina, en un momento histórico particular y para una audiencia determinada, lo que es natural y creíble y lo declamatorio y teatral.

Las convenciones que rigen la actuación en general están relacionadas con formas estructuradas de juego , que involucran, en cada experiencia específica, " reglas de juego ". Este aspecto fue explorado por primera vez por Johan Huizinga (en Homo Ludens , 1938) y Roger Caillois (en Man, Play and Games , 1958). Caillois, por ejemplo, distingue cuatro aspectos del juego relevantes para la actuación: mimesis ( simulación ), agon ( conflicto o competencia), alea ( azar ) e illinx ( vértigo o "situaciones psicológicas vertiginosas" que involucran la identificación o catarsis del espectador ). Esta conexión con el juego como actividad fue propuesta por primera vez por Aristóteles en su Poética , en la que define el deseo de imitar en el juego como parte esencial del ser humano y nuestro primer medio de aprendizaje de niños :

Porque es un instinto de los seres humanos, desde la niñez, dedicarse a la mimesis (de hecho, esto los distingue de otros animales: el hombre es el más mimético de todos, y es a través de la mimesis que desarrolla su comprensión más temprana); e igualmente natural que todos disfruten de los objetos miméticos. (IV, 1448b)

Esta conexión con el juego también informó las palabras utilizadas en inglés (como era el caso análogo en muchos otros idiomas europeos) para el drama : la palabra " juego " o "juego" (traduciendo la plèga anglosajona o el latín ludus ) era el término estándar utilizado hasta la época de William Shakespeare para un entretenimiento dramático, al igual que su creador era un "creador de juegos" en lugar de un "dramaturgo", la persona que actuaba era conocida como un "jugador" y, cuando en la era isabelina, edificios específicos para la actuación se construyeron, se les conocía como "casas de juegos" en lugar de " teatros ".

Currículums y audiciones

Los actores y actrices deben hacer un currículum al postularse para los roles. El currículum en funciones es muy diferente de un currículum normal; generalmente es más corto, con listas en lugar de párrafos, y debe tener una foto en la parte posterior. Por lo general, un currículum también contiene un breve carrete de 30 segundos a 1 minuto sobre la persona, para que el director de casting pueda ver tus actuaciones anteriores, si las hay.

Audicionar es el acto de realizar un monólogo o lados (líneas para un personaje) enviados por el director de casting . Audicionar implica mostrar las habilidades del actor para presentarse como una persona diferente; puede ser tan breve como dos minutos. Para las audiciones de teatro puede durar más de dos minutos, o pueden realizar más de un monólogo, ya que cada director de casting puede tener diferentes requisitos para los actores. Los actores deben ir a las audiciones vestidos para el papel, para que sea más fácil para el director de casting visualizarlos como el personaje. Para televisión o cine deberán someterse a más de una audición. A menudo, los actores son llamados a otra audición en el último minuto y se les envía a los lados esa mañana o la noche anterior. Audicionar puede ser una parte estresante de la actuación, especialmente si uno no ha sido entrenado para audicionar.

Ensayo

El ensayo es un proceso en el que los actores preparan y practican una actuación, explorando las vicisitudes del conflicto entre personajes , probando acciones específicas en la escena y encontrando medios para transmitir un sentido particular. Algunos actores continúan ensayando una escena a lo largo de un espectáculo para mantener la escena fresca en sus mentes y emocionante para la audiencia.

Audiencia

Se sabe que una audiencia crítica con espectadores evaluativos induce estrés en los actores durante la actuación (ver Bode y Brutten). Estar frente a una audiencia que comparte una historia hará que los actores sean sumamente vulnerables. Sorprendentemente, un actor generalmente calificará la calidad de su actuación más alta que sus espectadores. Las frecuencias cardíacas generalmente son siempre más altas durante una actuación con una audiencia en comparación con un ensayo, sin embargo, lo interesante es que esta audiencia también parece inducir una actuación de mayor calidad. En pocas palabras, mientras que las actuaciones públicas causan niveles de estrés extremadamente altos en los actores (más aún en los aficionados), el estrés en realidad mejora la actuación, apoyando la idea de "estrés positivo en situaciones desafiantes".

Ritmo cardiaco

Dependiendo de lo que esté haciendo un actor, su frecuencia cardíaca variará. Esta es la forma en que el cuerpo responde al estrés. Antes de un espectáculo, uno verá un aumento en la frecuencia cardíaca debido a la ansiedad. Mientras actúa, un actor tiene una mayor sensación de exposición, lo que aumentará la ansiedad por el desempeño y la excitación fisiológica asociada, como la frecuencia cardíaca. La frecuencia cardíaca aumenta más durante los espectáculos en comparación con los ensayos debido al aumento de la presión, que se debe al hecho de que una actuación tiene un impacto potencialmente mayor en la carrera de un actor. Después del espectáculo se puede ver una disminución en la frecuencia cardíaca debido a la finalización de la actividad inductora de estrés. A menudo, la frecuencia cardíaca volverá a la normalidad después de que finalice el espectáculo o la actuación; sin embargo, durante los aplausos después de la actuación hay un rápido aumento en la frecuencia cardíaca. Esto se puede ver no solo en los actores, sino también en los oradores públicos y los músicos .

Estrés

Sam Gibbs y Su Thomas Hendrickson en Oresteia de Aeschylus, adaptado por Ryan Castalia para Stairwell Theatre, 2019

Existe una correlación entre la frecuencia cardíaca y el estrés cuando los actores actúan frente a una audiencia. Los actores afirman que tener una audiencia no cambia su nivel de estrés, pero tan pronto como suben al escenario, su frecuencia cardíaca aumenta rápidamente. Un estudio de 2017 realizado en una universidad estadounidense que analizó el estrés de los actores midiendo la frecuencia cardíaca mostró que las frecuencias cardíacas individuales aumentaron justo antes de que comenzara la actuación para los actores que abrían. Hay muchos factores que pueden aumentar el estrés de los actores. Por ejemplo, la duración de los monólogos, el nivel de experiencia y las acciones realizadas en el escenario, incluido el movimiento del escenario. A lo largo de la actuación, la frecuencia cardíaca aumenta más antes de que un actor hable. El estrés y, por lo tanto, la frecuencia cardíaca del actor desciende significativamente al final de un monólogo, una gran escena de acción o una actuación.

Ver también

Referencias

Fuentes

enlaces externos